Berlin um 1930 – die Stadt vibriert. Lebenslust kennt keine Grenzen, in den legendären Clubs wird getanzt, bis die Sohlen rauchen, die Freizügigkeit pulsiert.

So auch im Kit-Kat-Club, wo sich Abend für Abend die Gäste von der mitreißenden Musik und der fantastischen Sängerin Sally Bowles die Alltagssorgen vertreiben lassen. Ihr verfällt der amerikanische Schriftsteller Cliff Bradshaw, der auf der Suche nach Inspiration staunend einem neuen Lebenssinn zu finden glaubt.

Es ist ein Tanz auf dem Pulverfass. Am Horizont ziehen bereits dunkle Wolken auf. Die Lebensfreude wird erstickt – der aufkommende Nationalsozialismus zerstört die Hoffnung einer ganzen Generation.

Während Sally Bowles noch voller Inbrunst „Das ganze Leben ist ein Cabaret“ singt, breitet sich der Faschismus aus und vernichtet, was sich ihm in den Weg stellt.

CABARET ist das Stück unserer Zeit. Landauf, landab feiert das Musical Triumphe – es bewegt und verstört zugleich. Das Publikum wird dabei immer wieder mit der erschreckenden Aktualität des Stoffs und der Geschichte konfrontiert.

Inszenierung: Markus Kopf
Bühne: Manfred Kaderk
Kostüme: Maud Herrlein
Choreografie: Melanie Lópe
Dramaturgie & Musikalische Leitung: Tankred Schleinschock

Mit dem Ensemble und der Live-Band des Westfälischen Landestheaters, Castrop-Rauxel

Programmänderungen vorbehalten
© Volker Beushausen

Einlass: 19:00 Uhr

Žilvinas Brazauskas, Klarinetten
Natania Hoffman, Violoncello
Yannick Rafalimanana, Klavier

Das Trio Agora treibt den Tango in die Zukunft. Dies alles zieht in sein „Hotel Tango“ ein: Tango und neuer Tango mit Tango Nuevo und neuestem Tango, afrovenezolanischer Walzer, afrokubanische Comparsa, eine Habanera, klassisch-impressionistisch verfärbt, und französische New Musette. Im Tango wie im Hotel mischen sich unterschiedliche Kulturen, Geschichten, Energien und Stile, so dass ein Neues entsteht, das alle bereichert und weiterlebt in seinen Metamorphosen. „Wir möchten“, so Trio Agora, „unsere Faszination für eine Kunstform teilen, die seit anderthalb Jahrhunderten floriert und uns auch heute noch prägt, so wie wir sie prägen.“

Das Trio Agora spielt die von Žilvinas Brasauskas arrangierten Stücke auf eine sehr persönliche Art und im Geist des Ur-Tangos, dieses einzigartigen Amalgams europäischer, südamerikanischer und afrikanischer Musiksprachen. Nur um 1900 in Buenos Aires und Montevideo hatte der Tango entstehen können: in den Bars und Bordellen der Metropolen, in den übervölkerten Armutsvierteln der Vorstädte und Häfen, in denen Millionen europäischer Immigranten, fast nur Männer, und die Nachfahren afrikanischer Sklaven lebten – marginalisiert und depraviert, einsam, frustriert und willensstark, kraftstrotzend, energiegeladen, voller Sehnsucht nach Liebe und Glück, Schönheit und Eleganz. Aus dieser Urzeit spielt das Trio Agora den ersten gedruckten Tango: „El entrerriano“ des afro-argentinischen Pianisten Rosendo Mendizábal (1897/98).

Zehn Jahre später, über Paris, wird der Tango bürgerlich, ein Gesellschaftstanz, und entwickelt sich, nun nicht mehr tanzbar, in der Kunstmusik vielfältig weiter.

„Hotel Tango“ kreist um Piazzollas Suite zu den vier Jahreszeiten seiner Heimatstadt. Ab den 1950ern revolutioniert der porteño – der Mann aus Buenos Aires – den Tango, der u.a. mit Stravinsky und Ravel schon in die klassische Musik Einzug gehalten hatte, indem er ihn mit Barock, Klassik-Avantgarde und Jazz fusioniert. Einer der neuesten Tangos ist „Foxtrot Romeo Juliett Hotel Tango“, den Joel Hoffman für das Trio Agora komponierte. Dadaistisch greift er 2022 den bürgerlichen Tango an und schreibt ihn spielerisch fort. Mithilfe des NATO-Buchstabieralphabets chiffriert er „Frederic Rzewski Joel Hotel Tango“: Sein „FRJHT“ ist ein Hotel, in dem Material des amerikanischen Komponisten Frederic Rzewski (1983–2021) verwandelt weiterlebt, eine Hommage an „einen der bemerkenswertesten Musiker unserer Zeit“ (Hoffman), der mit seiner Musik den Kapitalismus kritisieren wollte und im Interview mit BR-Klassik bekannte: „Ich bin ein alter Hippie.“

Hotel Tango
Astor Piazzolla (1921–1992): Las Cuatro Estaciones Porteñas
Antonio Lauro (1917–1986): Natalia, „Vals Criollo“. Aus: 4 Valses Venezolanos
Ernesto Lecuona (1895–1963): La Comparsa
Rosendo Mendizábal (1868–1913): El entreriano
Richard Galliano (*1950): La Valse à Margaux
Maurice Ravel (1875–1937): Pièce en forme de habanera
Igor Stravinsky (1882–1971): Tango
Joel Hoffman (*1953): Foxtrot Romeo Juliett Hotel Tango

Das zwitschert, tschilpt, trillert und tiriliert! Mit einem famosen Blockflötisten und Sänger:innen, die bis zu 18-stimmig singen. In Festtagslaune feiern der international gastierende Blockflötenvirtuose Max Volbers und Seicento vocale, das exquisite westfälische Vokalsemble für Alte Musik, ein launiges „Vogel.Stimmen.Fest“ – mit einem selten zu erlebenden Musikmix, mit Humor, Ernst und Tiefe.

Madrigale und Motetten, die vor 500 Jahren, an der Schwelle von Renaissance und Frühbarock, entstanden, schließen sie mit Moritz Eggerts „Nacht.Tick.All.“ (2014) kurz: ein vielstimmiger Vogel-Chor mit Amsel und Eule, Kuckuck oder Nachtigall, den Max Volbers auf diversen Blockflöten verblüffend erweitert, umrankt, umgarnt, anstachelt oder ironisch durchkreuzt und überflügelt. Hier wie in all seinen Werken geht es Eggert „um das Zelebrieren der menschlichen Fantasie im Kontext unseres Staunens über die Welt“.

In den alten Gesängen zwitschern Vogelstimmen von überall her wie an einem späten Sommerabend. Echo-Effekte entführen in die Höhlen griechischer Nymphen, Engel singen einander zu wie in Venedigs Markusdom, in mehreren Chören von unterschiedlichen Positionen im Kirchenraum aus.

Das alte Symbol der Nachtigall, die für Liebe und Klage, Frühlingserneuerung, Geheimnis und Nacht, dichterische Inspiration und Transzendenz steht, feiert und bricht Moritz Eggert lustvoll-ironisch mit „Nacht.Tick.All.“ Sein fantasievolles Klangtheater eröffnet mit einer ruhigen Nachtmusik, bis die Blockflöte „keck wie ein Vogel“ (Eggert) einfällt und das ausgelassene Vogelfest beginnt. Dann ticken alle aus. Max Volbers muss zu seinem Spiel die Ellenbogen ruckartig bewegen, Flügelschlägen gleich, rhythmisch mit dem Fuß stampfen. Der Chor singt „Nachtigall“ in 20 Sprachen zugleich und durcheinander, bis er „mit einem Gefühl großer Weite“ (Eggert) abhebt und sein Gesang im All wie Sphärenmusik verklingt. Das Gezwitscher leitet zum Pfingstfest hin, an dem der Heilige Geist über die Jünger Christi kommt und sie inspiriert, in fremden Sprachen zu sprechen: „O welch ein selig Fest.“

Vogel.Stimmen.Fest:
Moritz Eggert (*1965): Nacht.Tick.All. 3 Wortszenen für 8-stimmigen gemischten Chor und Blockflöte
Werke von Luca Marenzio (ca. 1553–1599), Orlando di Lasso (1532–1594), Clément Janequin (1485– 1558), Melchior Vulpius (1570–1615), Johannes Eccard (1553–1611), Leo Hassler (1564–1612), Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525–1594), Jacobus Clemens non Papa (ca. 1512–1555)

Gudula Rosa Blockflöten
Gereon Voß Perkussion
Erhard Hirt Gitarre & Live-Elektronik
Andreas Rosenthal Zeichnungen

Musik sehen und Zeichnung hören: die Linien, Verdichtungen und Leerstellen in Andreas Rosenthals Zeichnungen werden für drei renommierte Grenzgänger:innen mit Expertise für Improvisation und zeitgenössische Musik zu inspirierenden Resonanzräumen. In ausgewählten Musikstücken und Improvisationen spiegeln Gudula Rosa, Gereon Voss und Erhard Hirt unter dem Motto „Es ist Zeit, dass der Unrast ein Herz schlägt“ die Zeichnungen Rosenthals und führen sie weiter, so dass „Fragmente zu Gesten, Strukturen zu Momenten des Hörens werden und Stille zu Ausdruck. Die Zeichnung wird Partitur, der Klang wird Bewegung, und die Unrast findet – für einen Augenblick – ihren Rhythmus.“ (Rosa)

Mit „Geflext“ antwortet Erhard Hirt auf Rosenthals Arbeiten, die mit „schwerem Zeichengerät“ wie Flex, Kettensäge, Elektrohobel auf großen massiven Holzplatten gemacht sind. Dabei wird die Dobro, eine Gitarre mit Holzkorpus und metallenen Resonatoren, die den Klang verstärken, gerieben, gedrückt, geschabt, gezupft, so dass eine vibrierende, obertonreiche Musik entsteht.

Filigran und wie endlos atmend dagegen „Austro“ des Italieners Giorgio Tedde. Was für ihn Annäherung an die „magischen und mythischen Qualitäten“ (Tedde) der australischen Landschaft ist, wird mit Gudula Rosa zur Übersetzung von Rosenthals Papierarbeiten „Hände wie Wolken“ in Klang. Permanente Zirkularatmung, verschiedenste Anblastechniken, mikrotonale Schattierungen und virtuoses Fingerspiel evozieren Wolken und Weite, Farben, Reibung und Rauch.

Vom Hören auf den Nachhall der Klangereignisse im Raum und in der Stille zwischen ihnen lebt John Cages „One4“. Gereon Voß hat vom Komponisten nur Zeitfenster vorgegeben, innerhalb derer er spontan entscheiden muss, wann er welchen Klang auf welchem Schlaginstrument erzeugt. Erde klingt auf Erde in Frederick Rzewskis „To the Earth“. Auf vier Blumentöpfen verstärkt der Perkussionist den Hymnus auf die Erde, den er spricht, und auf das Glück all jener, die sie in ihren alltäglichen Handlungen ehren: „Gelobt seist Du, Mutter des Lebens, Geliebte des sternenreichen Himmels. Sei großzügig und spende mir ein glückliches Leben als Lohn für mein Lied, auf dass ich Dich immerfort preisen kann mit meiner Musik.“

„Es ist Zeit, dass der Unrast ein Herz schlägt.“
Erhard Hirt (*1951): Geflext, für Dobro
Giorgio Tedde (*1958): Austro (1991), für Altblockflöte
John Cage (1912–1992): One4, für Perkussion
Frederic Rzewski (1938–2021): To the Earth, für Perkussion
Gudula Rosa und Erhard Hirt: Improvisation: #vis à vis
Gudula Rosa, Erhard Hirt, Gereon Voss: Improvisation: #Zeichnung

Zeichnen: Bleistift, Tusche, Grafit – Kettensäge, Hobel, Flex

Andreas Rosenthals Projekt „Hände wie Wolken“ ist ein mehrjähriges work in progress. Es besteht aus zahlreichen großformatigen Papieren, die beidseitig mit Bleistift, Grafit und Tusche gezeichnet sind. Auf der einen Seite sind Wolkengebilde zu erahnen, entstanden im Blick nach oben in den Himmel. Auf der anderen Seite sind zeichnerische Strukturen zu finden, die an Kartographien erinnern und den Blick nach unten voraussetzen. Die beidseitig gezeichneten Blätter werden in einem weiteren Arbeitsschritt gewachst. Dadurch werden sie transparent. Beide Seiten der Zeichnung durchscheinen einander. Vogel- und Froschperspektive fallen in eins. Himmel und Erde sind ohne trennenden Horizont miteinander verwoben.

Der Titel des Konzertprogramms „Es ist Zeit, dass der Unrast ein Herz schlägt“ zitiert eine Zeile aus einer Kettensägenzeichnung Rosenthals, der darin Paul Celans Gedicht „Corona“ aufgreift.

Zeichnen bedeutet für Andreas Rosenthal auch, mit „schwerem Gerät“ wie Kettensäge, Flex und Elektrohobel 225 x 500 cm wandfüllenden Holztafeln zu Leibe zu rücken. Der Künstler schreibt seine Linien damit ins Holz ein, kerbt Schicht für Schicht ein, bis daraus ein dichtes und gleichzeitig flüchtiges Gewebe entsteht, das auch Gedankenfetzen, Zitate, Lied- und Gedichtauszüge, die ihn begleiten, einspinnt.

nicht barrierefrei

Gudula Rosa Blockflöten
Gereon Voß Perkussion
Erhard Hirt Gitarre & Live-Elektronik
Andreas Rosenthal Zeichnungen

Musik sehen und Zeichnung hören: die Linien, Verdichtungen und Leerstellen in Andreas Rosenthals Zeichnungen werden für drei renommierte Grenzgänger:innen mit Expertise für Improvisation und zeitgenössische Musik zu inspirierenden Resonanzräumen. In ausgewählten Musikstücken und Improvisationen spiegeln Gudula Rosa, Gereon Voss und Erhard Hirt unter dem Motto „Es ist Zeit, dass der Unrast ein Herz schlägt“ die Zeichnungen Rosenthals und führen sie weiter, so dass „Fragmente zu Gesten, Strukturen zu Momenten des Hörens werden und Stille zu Ausdruck. Die Zeichnung wird Partitur, der Klang wird Bewegung, und die Unrast findet – für einen Augenblick – ihren Rhythmus.“ (Rosa)

Mit „Geflext“ antwortet Erhard Hirt auf Rosenthals Arbeiten, die mit „schwerem Zeichengerät“ wie Flex, Kettensäge, Elektrohobel auf großen massiven Holzplatten gemacht sind. Dabei wird die Dobro, eine Gitarre mit Holzkorpus und metallenen Resonatoren, die den Klang verstärken, gerieben, gedrückt, geschabt, gezupft, so dass eine vibrierende, obertonreiche Musik entsteht.

Filigran und wie endlos atmend dagegen „Austro“ des Italieners Giorgio Tedde. Was für ihn Annäherung an die „magischen und mythischen Qualitäten“ (Tedde) der australischen Landschaft ist, wird mit Gudula Rosa zur Übersetzung von Rosenthals Papierarbeiten „Hände wie Wolken“ in Klang. Permanente Zirkularatmung, verschiedenste Anblastechniken, mikrotonale Schattierungen und virtuoses Fingerspiel evozieren Wolken und Weite, Farben, Reibung und Rauch.

Vom Hören auf den Nachhall der Klangereignisse im Raum und in der Stille zwischen ihnen lebt John Cages „One4“. Gereon Voß hat vom Komponisten nur Zeitfenster vorgegeben, innerhalb derer er spontan entscheiden muss, wann er welchen Klang auf welchem Schlaginstrument erzeugt. Erde klingt auf Erde in Frederick Rzewskis „To the Earth“. Auf vier Blumentöpfen verstärkt der Perkussionist den Hymnus auf die Erde, den er spricht, und auf das Glück all jener, die sie in ihren alltäglichen Handlungen ehren: „Gelobt seist Du, Mutter des Lebens, Geliebte des sternenreichen Himmels. Sei großzügig und spende mir ein glückliches Leben als Lohn für mein Lied, auf dass ich Dich immerfort preisen kann mit meiner Musik.“

„Es ist Zeit, dass der Unrast ein Herz schlägt.“
Erhard Hirt (*1951): Geflext, für Dobro
Giorgio Tedde (*1958): Austro (1991), für Altblockflöte
John Cage (1912–1992): One4, für Perkussion
Frederic Rzewski (1938–2021): To the Earth, für Perkussion
Gudula Rosa und Erhard Hirt: Improvisation: #vis à vis
Gudula Rosa, Erhard Hirt, Gereon Voss: Improvisation: #Zeichnung

Zeichnen: Bleistift, Tusche, Grafit – Kettensäge, Hobel, Flex

Andreas Rosenthals Projekt „Hände wie Wolken“ ist ein mehrjähriges work in progress. Es besteht aus zahlreichen großformatigen Papieren, die beidseitig mit Bleistift, Grafit und Tusche gezeichnet sind. Auf der einen Seite sind Wolkengebilde zu erahnen, entstanden im Blick nach oben in den Himmel. Auf der anderen Seite sind zeichnerische Strukturen zu finden, die an Kartographien erinnern und den Blick nach unten voraussetzen. Die beidseitig gezeichneten Blätter werden in einem weiteren Arbeitsschritt gewachst. Dadurch werden sie transparent. Beide Seiten der Zeichnung durchscheinen einander. Vogel- und Froschperspektive fallen in eins. Himmel und Erde sind ohne trennenden Horizont miteinander verwoben.

Der Titel des Konzertprogramms „Es ist Zeit, dass der Unrast ein Herz schlägt“ zitiert eine Zeile aus einer Kettensägenzeichnung Rosenthals, der darin Paul Celans Gedicht „Corona“ aufgreift.

Zeichnen bedeutet für Andreas Rosenthal auch, mit „schwerem Gerät“ wie Kettensäge, Flex und Elektrohobel 225 x 500 cm wandfüllenden Holztafeln zu Leibe zu rücken. Der Künstler schreibt seine Linien damit ins Holz ein, kerbt Schicht für Schicht ein, bis daraus ein dichtes und gleichzeitig flüchtiges Gewebe entsteht, das auch Gedankenfetzen, Zitate, Lied- und Gedichtauszüge, die ihn begleiten, einspinnt.

nicht barrierefrei

Es gibt noch Karten für das Konzert um 20:30 Uhr. Warteliste unter 0251-5913041 oder gwk@lwl.org

Daniel Schnyder Sopran-, Tenorsaxophon, Flöte, Komposition, Arrangement
Filip Jeska Violine
Mikołaj Pokora Violine
Radenko Wilmers Viola
Francesca Fiore Violoncello

Daniel Schnyder gilt als Crossover-Wunder: Einflüsse aus Klassik, Jazz und ethnischer Musik verschmilzt er zu seiner ganz persönlichen „Musik der Integration – nicht als Masche, sondern aus Notwendigkeit, um „eine Balance zu finden zwischen Seele, Körper und Geist“ (Schnyder). Der Schweizer, der seit Jahren in New York City lebt, ist einer der meistgespielten Komponisten seiner Generation. Seine emotionalen Werke, in denen häufig Passagen zur Improvisation freigegeben sind, werden von internationalen Orchestern und Interpreten in Auftrag gegeben und entfachen in Europa, Amerika und Asien Beifallsstürme.

„Es geht nicht an, dass wir diese ‚Schubladisierung‘ der Musik weiter forttreiben,“ fordert Schnyder, der klassische Flöte und Jazz-Saxophon studiert hat. Im packenden Schnyder-Streichquartett-Sound bringt er mit dem famos-grenzgängerischen Archos Streichquartett in „ZOOM IN“ neben Eigenkompositionen neue Interpretationen heiterer Klassik-Schlager von Antonio Vivaldi, Manuel de Falla, Georges Bizet und gefühlvoller Jazz-Balladen von Duke Ellington und Horace Silver auf die Bühne.

„Cairo“ etwa greift den melismatischen Charakter der Musik des Nahen Ostens auf, „Mensch Blue“ aus Schnyders Oper über den genialen Saxophonisten Charlie Parker, der nach einem Nervenzusammenbruch in einer Psychiatrie in Los Angeles landete, den Blues. „Family Photos“ beginnt traditionell bluesig, um ins Ungezügelt-Wilde auszubrechen. „Mr. M.“ ist dem Jazzkomponisten und Bassisten Charles Mingus gewidmet, „Bassam“ entstanden, als Schnyder um seinen Freund Bassam Saba, „einen der größten Nay-Spieler aller Zeiten“ (Schnyder) trauerte, der an Covid 19 starb. Für Saba hatte er auch sein Nay-Konzert mit dem zupackend-quirligen „Karachi“ geschrieben. Zu dessen 250. Geburtstag 2020 spielte Schnyder in „BBBB“ mit „Beethoven“ und dem zweideutigen Notennamen „B“, der auf Deutsch das verminderte H und auf Englisch das deutsche H bezeichnet. Humorige Partymusik, der Mittelteil ist bluesig, der Schluss eine Überraschung.

ZOOM IN
Daniel Schnyder (*1961): Mensch Blue | Mr. M. | Memories
Manuel de Falla/arr. Daniel Schnyder: Danse Rituelle Du Feu
Daniel Schnyder: Family Fotos | Karachi
Georges Bizet/arr. Daniel Schnyder: Carmen Suite
Antonio Vivaldi/arr. Daniel Schnyder: Agitata da de venti
Daniel Schnyder: BBBB – Beethoven’s Big Birthday Bash | Yellow Beach Birds | Bassam | Cairo |
Horace Silver/arr. Schnyder: Peace
Duke Ellington/arr. Daniel Schnyder: In a Sentimental Mood

Adrien Reboisson Schalmei, Blockflöten
Marion le Moal Schalmeien, Blockflöten
Rémi Lécorché Buisine, Zugtrompete, Posaune, Blockflöten
Julián Rincón Schalmeien, Blockflöten
Laurent Sauron Perkussion

Into The Winds, das ist Alte Musik mit der Energie und dem Groove einer Big Band. Die Spezialist:innen für historische Blasmusik nehmen für sich ein: durch instrumentale Meisterschaft, Bühnenpräsenz, Spielfreude und durch ihren Ensembleklang, der erhaben und edel ist, so eindrucksvoll wie fremd. Auch optisch machen die Instrumente viel her, Schalmeien und Bombarden, die Vorläufer der Oboe, sowie Posaunen, Trompeten, die fast 2 m lange Buisine, eine Naturtrompete, Blockflöten, diverse historische Perkussionsinstrumente.

Das Quintett, das in den letzten Jahren auf internationalen Wettbewerben und Podien hervorgetreten ist, entführt mit seinem Programm „Vor den Toren der Städte“ ins späte Mittelalter und in die Renaissance. Wie klingen die Städte des 15. Jhs, die Orte der großen politischen, sozialen und kulturellen Umwälzungen, die Machtzentren, in denen die Kunst immer auch als Instrument der Machtausübung fungierte? In ganz Europa wurden Fürsten damals zu Mäzenen, die die Künstler auch für Repräsentations- und Propagandazwecke einbanden. Musikalisch in die Atmosphäre dieser Städte und Höfe einzutauchen, in Bürgerkriege und Triumphesfeiern, Fürstenhochzeit und -mord, Karneval und Trauerfeier, lädt Into The Winds ein.

Die Zeitreise geht in das von den Bürgerkriegen zwischen den Armagnacs und den Burgundern zerrissene Paris; nach Brügge zur Hochzeit von Philipp dem Guten mit Isabella von Portugal; nach Dijon, das durch die Nachricht vom Kriegstod des Burgunderherzogs Karls des Kühnen erschüttert wird, der für seine aggressive Militärpolitik, seinen heroischen Mut und seine gefährliche Selbstüberschätzung bekannt war; nach Florenz, wo unter der aufgeklärten Herrschaft von Lorenzo il Magnifico, der als der ideale Fürst und Inbild des Renaissance-Mäzens (Michelangelo, Botticelli, Ficino) gilt, Künste, Philosophie und Wissenschaften und der Karneval blühen; nach Granada, als es die vereinten Kräfte der Kronen von Aragon und Kastilien von den muslimischen Herrschern zurückerobern; in das London unter Heinrich VIII., der grausam und brutal und leidenschaftlicher Musikhörer war und der komponierte; schließlich nach Lyon, das den triumphalen Einzug von Franz I., König von Frankreich und einer der prägenden Renaissanceherrscher und Mäzene (Leonardo da Vinci), auf seinem Weg zum Sieg bei Marignano feiert.

Von der Alta Capella Burgunds bis zum englischen Broken Consort: die Multiinstrumentalist:innen von Into The Winds spielen in wechselnden Konstellationen. Vom Repertoire französischer und italienischer Minnesänger bis zu den Stücken der arabisch-andalusischen Ensembles, die vor der Reconquista noch in Spanien aktiv waren, bietet „Vor den Toren der Städte“ ein Kaleidoskop einzigartiger Klänge und wenig bekannte Musik der europäischen Renaissance.

Vor den Toren der Städte

Paris 1407 | Ermordung Louis I. von Orléans durch Johann Ohnefurcht, Herzog von Bourgogne
Anonym: Fanfare Tuba Gallicalis
Baude Cordier: Je suis celuy qui veul toudis servir
Nicole Grenon: La plus belle figure
Johannes Le Grant: Entre vous nouveaux mariés

Brügge 1430 | Heirat von Philipp dem Guten und Isabella von Portugal
Gilles Binchois: Amours et souvenirs
Gilles Binchois: Te deum
Guillaume Dufay: Navré je suis
Guillaume Dufay: Se la face ay pale

Dijon 1477 | Tod Karls des Kühnen und das Ende des burgundischen Traums
Buxheimer Orgelbuch & Robert Morton: Le Souvenir
Antoine Busnois: Quand ce viendra
Antoine Busnois: Anthoni usque limina
Robert Morton: Pues serviçio vos desplaze

Florenz 1490 | Karneval unter Lorenzo il Magnifico
Anonymus: Rostiboli Gioso
Anonymus: Trionfo delle tre parche
Bartolomeo Florentino: Canto di pastori bacchiatori di bassette
Pietrequin Bonnel: Adieu Florens la yolye
Anonymus: Alle stamegne donne

Granda 1492 | Der Fall Granadas und das Ende der muslimischen Herrschaft in Spanien
Ibn Zuhr: Ayyuha s-saql' ilay-ka l-mustaka & Hal’ tusta adu
Luys de Narvaez: Pasebase el roy moro
Juan del Encina: Triste España sin ventura & Tan buen ganadico
Franco Alonso: La Tricotea
Juan del Encina: Rodrigo Martinez & Hoy Commamos y bebamos

London 1513 | Feier des Sieges Heinrichs VIII. über die Schotten
King Henry VIII: Helas Madame
King Henry VIII: Past Time with good company
William Cornysh: Hey Robin
Heinrich Isaac: La mi la sol
Anonymus: England, be glad
William Cornysh: Trolly lolly

Lyon 1515 | Triumphaler Einzug Franz I. von Frankreich auf dem Weg nach Marignano
Jacques Moderne, Pierre Attaingnant & Pierre Phalèse:
Suite de danses

PAS Ensemble
Giovanni Guzzo Violine
Mirijam Contzen Violine
Tommaso Lonquich Klarinette
Firmian Lermer Viola
Paolo Bonomini Violoncello
Alberto Ayala Horn
María José García Zamora Fagott
Roberto Carrilo-Garcia Kontrabass

Zwei lichte Oktette, die „die Welt erfreuen“ (Schubert), mit einem Line-up der Extraklasse: das PAS Ensemble vereint Musikerpersönlichkeiten aus aller Welt, die als Solisten, Kammer- und Orchestermusiker auf großen Podien Europas, Asiens und der Amerikas zuhause sind. Die Kerngruppe, Giovanni Guzzo, Mirijam Contzen, Paolo Bonomini und Firmian Lermer, versteht sich als Kollektiv, getragen von einer starken, gemeinsamen künstlerischen Vision. Aus dieser heraus erarbeitet PAS seine Interpretationen in gleichberechtigtem Austausch, auch in wechselnden Besetzungen mit gleichgesinnten Musikerfreund:innen. Neben den Oktetten von Schubert und Françaix hat PAS Mozarts gesellig-charmantes Hornquintett auf dem Programm. Da ist Lebensfreude voller Witz und Innigkeit und mit einem Hauch Melancholie.

Drückt ein Werk den Seelenzustand des Komponisten aus? Wenn ja, was sagt dann sein sonniges Oktett über Franz Schubert? Er komponierte es, Beethovens Divertimento-Septett von 1799 im Kopf, im Februar 1824; kurz darauf, im März, schrieb er seinem Freund Kupelwieser: „Meine Erzeugnisse sind durch den Verstand für Musik und durch meinen Schmerz vorhanden, jene, welche der Schmerz allein erzeugt hat, scheinen am wenigsten die Welt zu erfreuen.“ Und wenig später bekannte er, er fühle sich „als den unglücklichsten, elendesten Menschen auf der Welt“, dessen „Gesundheit nie mehr richtig werden will“ und dessen „glänzendste Hoffnungen zunichte geworden sind“. Da hatte der 27-Jährige den ersten Ausbruch seiner Syphilis mitsamt brutaler Therapie hinter sich. Hat er sich selbst mit seinem Oktett hochgezogen, einem Auftragswerk des versierten Klarinettisten und Mäzens Ferdinand Graf Troyer, an dem dieser sich natürlich „erfreuen“ wollte? Feiert Schubert mit seiner Musik das Leben – aus Schmerz? Nur im wunderschönen Adagio und in den Moll-Einbrüchen des furiosen Finales kommen ja Leiden und Schwere, Sehnsucht und Verletzlichkeit an die Oberfläche, unvermittelt. Oder klingen sie auch anderweitig durch?

Ironie und Humor, Eleganz, Esprit: Leichtigkeit ist das ästhetische Programm von Jean Françaix wie auch seine Haltung im Leben. Ein Lebensrezept? Er will, wie er bemerkte, „seriöse Musik ohne Schwere“ schreiben, Musik ohne Pathos und Sentimentalität, „die Vergnügen bereiten soll“ – was dem 60-Jährigen mit seinem Oktett 1972 wunderbar gelingt. Die Klarinette plaudert geschmeidig und kapriziös, das Fagott kommentiert trocken, manchmal komödiantisch-tollpatschig, das Horn setzt eine noble warme Farbe, die Streicher liefern die Motorik und das harmonische Fundament und sind in einem intensiven Dialog mit den Bläsern.


Die Welt erfreuen – Oktette
Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1791): Quintett Es-Dur, für Horn, 2 Violinen, Viola und Violoncello, KV 407
Jean Françaix (1912–1997): Oktett für Klarinette, Fagott, Horn und Streicher
Franz Schubert (1797–1828): Oktett F-Dur, für Klarinette, Horn, Fagott und Streicher, D 803

Joolaee Trio & Parisa Saeednezhad Klarinette
Misagh Joolaee Kamancheh
Schaghajegh Nosrati Klavier
Sebastian Flaig Perkussion

Hochexpressiv und klangschön, reiche Harmonik und Melodik, pulsierende Rhythmen: das deutsch-iranische Joolaee Trio hat eine eigene musikalische Sprache gefunden als ein innovatives Amalgam verschiedener Kulturen, in dem die Trennung von West und Ost, persischer Klassik und europäischer Klassik und Jazz, Tradition und Moderne aufgehoben ist.

Mit Misagh Joolaee an der Kamancheh – die iranische Stachelgeige klingt brüchig-rauchig und nasal –, mit der klassischen Pianistin Schaghajegh Nosrati, die mit ihren Bach-Interpretationen den internationalen Durchbruch erzielte, und dem Ethno- und Jazzperkussionisten Sebastian Flaig ist das Joolaee Trio eine der außergewöhnlichsten Kammermusikformationen überhaupt. Sein Gast, die Iranerin Parisa Saeednezhad, die wie das Trio in Deutschland lebt, beherrscht die westliche Klarinette virtuos und bringt überdies Improvisationskunst und persische Klangfarben ein.

In „Schnittstellen, Amalgame“ demonstriert Saeednezhad, dass es im Westen „schon immer“ Schnittstellen des Dur-Moll-Systems mit anderen Tonleitersystemen, sog. Modi, gab. Auch die hier vorherrschenden Zweier-, Dreier- und Vierertakte wurden mit asymmetrischen Rhythmen kombiniert. Hat sich die Kunstmusik doch dadurch erneuert, dass sie sich „Fremdes“ mit Begeisterung zu eigen machte, z.B. Volksmusik. So spielt die gebürtige Teheranerin Bartóks „Rumänische Volkstänze“, dazu „Vier hebräische Bilder“ des russisch-amerikanischen Klarinettisten Simeon Bellison, die in der osteuropäischen Klezmer-Tradition stehen. Abseits von Dur und Moll hat Olivier Mesiaen auf der Suche nach spiritueller Entgrenzung u.a. Vogelstimmen gelauscht und ganz individuelle Modi entwickelt, etwa für das ergreifende Klarinettensolo „Abgrund der Vögel“.

Misagh Joolaees Kompositionen basieren auf dem Radif, einer alten Sammlung von über 350 Guschehs – Melodien, Motiven, Modi –, die die Grundlage der klassischen persischen Musik bildet. Dabei hat jeder Modus seine spezielle Charakteristik und Stimmung. Joolaee studierte den Radif bei persischen Meistern: „Man muss diese Guschehs auswendig lernen. Und dann kommt das Spannende: die eigene Variation, Kombination und Ornamentik zu finden“. Aus seiner kompositorischen Vorgabe machen er, Nosrati, Flaig und Saeednezhad mit improvisatorischer Freiheit und grenzenloser Fantasie das mitreißende Joolaee Trio- und Quartett-Amalgam.

Schnittstellen, Amalgame
Olivier Messiaen (1908–1992): Abîme des oiseaux
Béla Bartók (1881–1945): Rumänische Volkstänze
Simeon Bellison (1881–1953): Four Hebraic Pictures
Traditional: Sari Gelin
Misagh Joolaee (*1983): Gefährten| Be Hich Diyar | Mehrabani | Mahjur | Negarin | Vashagh | Sharar
Improvisationen, u.a.

Colourage
Simon Bernstein Vibraphon, Electronics
Vladimir Dindiryakov Kaval
Hescham Hamra Oud
Jochen Keller Trompete, Flügelhorn
Youssef Laktina Perkussion
Laila Ta-Mah Kanun
Hanna Mangold Querflöte
Guillem Selfa Oliver Bratsche
Jonathan Sell Kontrabass, E-Bass

Colourage macht eigen-artiges Neues: Weltmusik vom Feinsten, eingängig und inspirierend. Arabische Ornamentik und Melismen, mikrotonale Färbungen und Maqams – spezifische Tonleitern, die auch Stimmungen und Emotionen transportieren – mischen sich mit Harmonieentwicklungen und melodischen Linien wie in westlicher Klassik und Jazz. Dazu Farbwechsel und rhythmische Patterns, die sich verschieben und verdichten, oder ein europäischer Puls. Ruhige und sanfte Momente gehen nahtlos in leidenschaftlich-kraftvolle Passagen über, Komponiertes in Improvisation.

„Colourage“ ist ein Kunstname aus colour, collage und courage, denn beherzt bringt Colourage Okzident und Orient zusammen. Unter dem Claim „Die schöne Seite der Realität“ fusioniert das Ensemble aus Mitgliedern der Deutschen Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz, der Popakademie Baden-Württemberg und der orientalischen Musikakademie Mannheim europäische Klassik und arabische Traditionen, Jazz und Pop zu einem vielstimmig-organischen Sound. Transkulturalität ist hier gelebte Praxis. Im kreativen Miteinander erleben die Musiker:innen Identität nicht als statischen Zustand, sondern als offenen Prozess des Werdens und Sich-Veränderns, hin auf ein zu Anfang noch unbekanntes Ich und ein Wir: „Alle unsere Stücke sind in basisdemokratischer Arbeit entstanden,“ so Simon Bernstein. „Die Komponist:innen liefern den ersten Entwurf eines Stücks, dann gibt ein jedes Ensemblemitglied in sehr intensiver Probenarbeit seinen Input ins Werk. Wir probieren aus, stellen um, arrangieren neu und feilen immer weiter, bis sich jeder wohlfühlt und ein Teil der Komposition geworden ist. Das ist das Besondere an Colourage.“

Golden Whims
Dominik Fürstberger (*1988): Golden Whims
Hesham Hamra (1993): Cordoba | Caroussel | Sehnsucht
Simon Bernstein (*1984): Suq | 9 ½ | Scenes
Laila Ta-Mah (*1990) & Jonathan Sell (*1987): Sabsibni
Jonathan Sell: Suite for Jörg Teichert

Hannah Schlubeck & Mischpoke
Magdalena Abrams Klarinette, Bassklarinette, Gesang
Cornelia Gottesleben Violine
Frank Naruga Gitarre
Maria Rothfuchs Kontrabass
N.N. Klavier
Hannah Schlubeck Panflöte

Feuer und Wasser, Tränen und Ekstase: die Extreme, nacheinander oder zugleich, und alle starken Gefühle dazwischen spielt der Klezmer von Hannah Schlubeck und Mischpoke aus. Eine der weltweit führenden Panflötist:innen ist Special Guest der Band aus Hamburg, die europaweit einen Namen in der Weltmusikszene hat. Im Sextett entsteht ein Klezmersound, der neu ist und seinesgleichen sucht.

Liebevoll selbstironisch nennt sich Mischpoke mit dem jiddischen Wort eine zügellose, verschworene Sippschaft. Der Bandname lässt die Energie und Lebendigkeit ahnen, die Mischpoke auf der Bühne versprüht mit einem Klezmer, der modern ist, Einflüsse aus Klassik, Jazz, Tango und Weltmusik aufnimmt. „Live klingt das nach einem innigen, ehrlichen Austausch, so wie ihn die Musik von reisenden Völkern bewirkt“ (CH. Spangenberg). Damit steht Mischpoke in der Tradition des Klezmer, der immer vielfältig und transkulturell war, weil er die vielen musikalischen Idiome jener osteuropäischen Länder, in denen die aschkenasischen Juden lebten, integriert hat. Zu deren Festen spielten die Klezmorim, professionelle Klezmer-Musiker, auf.

Ins Spiel und in die Spielfreude von Mischpoke schwingt sich Hannah Schlubeck leidenschaftlich und geschmeidig ein. Und setzt noch einen drauf. Denn die klassische Flötistin, die das überhaupt erste Hochschulexamen im Fach Panflöte gemacht, dazu bei den rumänischen Panflötenlegenden Damian Luca und Gheorge Zamfir gelernt hat, kann auch echtes Crossover. So gibt sie dem Sound von Mischpoke noch ihr eignes gewisses Etwas hinzu in einem Programm, das einen Mix aus Klezmer-Traditionals auf „Mischpokisch“ und Eigenkompositionen bietet und das, so Mischpoke, „eine große musikalische Aufforderung sein will, das Zusammenleben voller Freude und zugleich respektvoll zu gestalten. Gefeiert wird jedoch nicht der pure Wohlklang, sondern die pralle Existenz, von der Schönheit bis zum Scheitern.“

Panflöte meets Klezmer
Klezmer-Traditionals, neu arrangiert und interpretiert, Improvisationen

Jakub Muras, Saxophon
Łukasz Brzezina, Akkordeon

Abgedroschen? Im Gegenteil: Unsterblich! Mit diesen Topvirtuosen duften sämtliche „Vier Jahreszeiten“ auf. Frisch, aromatisch, intensiv. Aus Allzeit-Hits Vivaldis, Max Richters Rekomposition der barocken Suite des Veneziers und Astor Piazzollas berühmten „Las cuatro estaciones porteñas“ – porteños nennen sich die Einwohner von Buenos Aires – haben Jakub Muras und Łukasz Brzezina ein elektrisierendes Programm gemixt. In originellen Bearbeitungen für Saxophon und Akkordeon bringen die charismatischen Polen, die zu den meistausgezeichneten Interpret:innen ihrer Generation gehören, drei Sommer und Winter, Frühlinge und Herbste untereinander in vibrierende Resonanz, indem sie die schnellen, knackig-kurzen dritten Sätze aus einer jeden „stagione“ Vivaldis mit einschlägigen Sätzen Piazzollas und Richters matchen.

Vivaldi evoziert Naturszenen: tanzende Hirten im Frühling, ein grandioses Sommergewitter, herbstliche Jagd, Winterchaos, Ausrutschen, Eiseskälte. Für den Komponisten aus „La Serenissima“, der Musikstadt Venedig, war die Natur wenn nicht Idylle, so doch in Ordnung, heil. Knapp 350 Jahre später beschwören Piazzollas „estaciones“ keine Naturphänomene, sondern psychische Zustände, Atmosphären, Stimmungen und Energien von Buenos Aires herauf, in dessen multikulturellen Elendsquartieren kurz vor 1900 der Tango entstand. Diesen Tango revolutionierte Piazzolla, indem er ihn mit europäischer Klassik und amerikanischem Jazz zum Tango Nuevo verschmolz. In seinen „Jahreszeiten“ sind Fieber und Hitze, Nervosität, Überdruck, Melancholie und Leidenschaft der porteños am Río de la Plata spürbar. Solche Urbanität radikalisiert und modernisiert Max Richter, einer der einflussreichsten Komponist:innen der Gegenwart. 2012 überführt er ikonische Themen der Barocksuite in eine emotional direkte Klangwelt von heute. In seiner Rekomposition von Vivaldis Jahreszeiten mischen sich die Genres: Minimalismus, zeitgenössische Klassik, Ambient, Rock.

Die nächste Generation dann spielt mit den Jahreszeiten der Alten: Muras & Brzezina „kom-ponieren“ mit „VIV4LDI FOREVER“ eine neue Jahreszeitensuite für unsere Zeit.

VIV4LDI FOREVER

Antonio Vivaldi (1678–1741): Aus: Die vier Jahreszeiten, op. 8, Nr. 2, RV 315
Astor Piazzolla (1921–1992): Las cuatro estaciones porteñas
Max Richter (*1966): Aus: Recomposed by Max Richter: Vivaldi – The Four Seasons

Glanz und Glühn – Abschlusskonzert

Stefan Schilli, Kai Frömbgen Oboe
Bram van Sambeek Fagott
Ying Lai Green Kontrabass
Sergej Tcherepanov Cembalo, Orgel
Barocke Kammermusik, gravitätisch, glänzend und glühend: Triosonaten als dramatische Kammerspiele, mit Oboen als Protagonistinnen. Das ist selten zu erleben – und exquisit, wenn zwei der angesehensten Oboist:innen Deutschlands, Kai Frömbgen und Stefan Schilli, die beiden Melodiestimmen spielen. Dritte Kraft im Ensemble ist der Generalbass, das harmonische und rhythmische Fundament, das Bram van Sambeek, Ying Lai Green und Sergej Tcherepanov legen, indem sie zu den vorgegebenen Basslinien improvisieren.

Der besondere Reiz der Triosonate: die beiden Oberstimmen sind gleichberechtigt und ständig in Dialog. Sie imitieren einander wie Echos, sind sich nah wie Frage und Antwort, Behauptung und Widerspruch; sie umkreisen einander, laufen parallel, verflechten und lösen sich, gehen wieder eigene Wege. Darunter der Bass, pulsierend oder ruhig, farbig und voll. Er hält die Solisten motorisch, trägt ihren Dialog oder greift kommentierend in das melodische Geschehen ein.

Glanz und Glühn: Jan Dismas Zelenkas Triosonaten gehören zu den allerschönsten überhaupt und zum Außergewöhnlichsten, was das europäische Barock zu bieten hat! Sie entstanden 1721/22 am Hof Augusts des Starken in Dresden, einem der damals bedeutendsten Musikzentren Europas. Dort gab es eine Hofkapelle mit Spitzenmusikern, wo auch Zelenka seit 1710 als Kontrabassist und Komponist angestellt war. Die Triosonaten des Böhmen heben sich von Händels italienisch geprägter Triosonate, Hasses gesanglich inspirierter, höfisch eleganter und Faschs rhythmisch markanter, orchestraler Sonate deutlich ab. Denn sie sind extrem virtuos und wundervoll lang, harmonisch und kontrapunktisch eigenwillig, bisweilen extravagant oder im besten Sinn exzentrisch, technisch also äußerst anspruchsvoll. Dabei sind sie nie verkopft, sondern immer höchst musikantisch und expressiv. Ihr Rhythmus nimmt mit und drängt nach vorn, kompliziert laufen die beiden Oboenstimmen über der Bassgruppe gegeneinander. Das ist aufregend und spannend, zumal, wenn sich das Fagott aus der Bassbegleitung heraus zwischen die melodieführenden Oboen drängt – und die Triosonate plötzlich vier Stimmen hat.

Glanz und Glühn
Joh. Friedrich Fasch (1688–1758): Sonate a 4 g-Moll, FWV N:g1
Georg Friedrich Händel/William Babell (1690–1723): Ouvertüre „Rinaldo“ & Lascia ch’io pianga
Georg Friedrich Fuchs (1752–1821): Triosonate d-Moll
Johann Adolph Hasse (1699–1783): Triosonate d-Moll
Georg Friedrich Händel (1685–1759): Triosonate B-Dur, op. 2 Nr. 3, HWV 388
Jan Dismas Zelenka (1679–1745): Triosonate Nr. 4 g-Moll, ZWV 181 | Triosonate Nr. 6 c-Moll, ZWV 181

Autor Dirk Reinhardt ist Preisträger des deutschen Jugendliteraturpreises 2025 mit seinem Buch "NO ALTERNATIVE".
„Wir können uns nicht ewig damit rausreden, dass die anderen auch nichts tun. Dann ändert sich nie etwas.“ Emma Larsen hat sich entschieden, etwas zu tun, um unseren Planeten zu retten. Die mutige junge Aktivistin ist bereit, dafür notfalls ihr Leben zu riskieren. Nachdem ihr Freund bei einer aufsehenerregenden Kampagne gegen den Pharmakonzern PLS zu Tode gekommen ist, schließt sie sich NO ALTERNATIVE an und geht in den Untergrund. Eine halsbrecherische Aktion auf der Spitze des Frankfurter Messeturms macht die radikale Umweltschutzorganisation in der Öffentlichkeit bekannt. Doch das ist erst der Anfang … Spannend, brisant und hochaktuell – auch in seinem neuesten Roman trifft Dirk Reinhardt einen Nerv unserer Zeit.

Copyright: Vanessa Janssen

Einlass: 19:00 Uhr

Sie ist berüchtigt, sie ist einzigartig und sie ist definitiv verrückt. Sie hat nicht DEN grünen Daumen, sondern gleich zwei davon. „Gärtnern ohne viel Geschiss“ ist nicht nur ihr Motto, sondern auch der Titel ihrer aktuellen Live-Tour.

Die Rede ist von Katrin Iskam, gelernte und aktive Krankenschwester, aber vor allem die heißeste Entdeckung in der hiesigen Garten-Szene. Denn wer buddelt, schaufelt und gräbt schon in Gummistiefeln und Nachthemd? Genau, nur das „Katrinchen“, wie sie liebevoll von ihren Fans genannt wird. Und davon gibt es inzwischen eine ganze Menge. Allein fast 200.000 auf ihrer mit dem 1. Platz des Deutschen Gartenbuchpreises prämierten Instagram-Seite @katrinsgarten. Die Autodidaktin ist erfolgreiche Garten-Influencerin und SPIEGEL-Bestseller-Autorin (2022 „Mit Witz, Charme und Methode – Das etwas andere Gartenbuch“; 2023 „Klotzen statt kleckern: Gartengestaltung mit @katrinsgarten“; Im Spätsommer folgt Buch Nr. 3: „Mit Herz & Gabel durch Katrins Gartenjahr 2025“). Geboren und aufgewachsen in der Altmark, lebt sie heute in Himbergen in der Lüneburger Heide. Kann ein Wohnort mehr nach Garten klingen? Wohl kaum.

Und genau dort liegt er auch: Ihr Garten. Ihr Rückzugsort. Der Ursprung all ihrer kreativen katrinsgarten-Konstruktionen. Und die Keimzelle unzähliger unglaublicher Geschichten. Da endet die nächtliche Schnecken-Rettung schon mal um ein Haar auf der Polizeiwache. Und wenn der Naturdünger ungewollt am Weihnachtsbaum landet, freut sich maximal „Chefgärtner“ Tyson, Katrins Dackel. Zusammen bilden die beiden ein unschlagbares Team, wenn es ums Planen, Pflegen und Hegen geht. Dann ist da noch Waldemar, der Götter-Gatte, der die Fette Henne eher im Hühnerstall verortet. Und wenn Katrin zum „Abstechen“ rät, dann immer nur mit den besten Absichten. In „Gärtnern ohne viel Geschiss“ serviert Katrin Iskam jede Menge praktische Tipps und mindestens genauso viele lustige Anekdoten. „Happy Garden“ mal ganz anders. Und falls sich doch mal jemand nach Himbergen verirren und vor ihrer Haustür stehe sollte, hat das „Katrinchen“ auch für diesen Fall einen lebensnahen und präventiven Ratschlag parat: Einbruch ist bei mir zwecklos, das Geld liegt im Garten.

All das und noch viel mehr gibt es in „Gärtnern ohne viel Geschiss“, dem Live-Programm von und mit Katrin Iskam.

Einlass ab 19:00 Uhr

„Pop im Fachwerk”:
Fr. 30.10. Sascha Lange - Lesung „ Die Depeche Mode Trilogie“

Sascha Lange lädt zum zweiten Mal im Fachwerk Gievenbeck zu einem
unterhaltsamen und nostalgischen Abend voller Geschichten, Bilder &
Videos von und über Depeche Mode, ihren Fans und diesem besonderen
Lebensgefühl, ein. Depeche Mode sind seit mehr als 40 Jahren eine der
faszinierendsten Bands weltweit. Sascha Lange und Dennis Burmeister
haben ihr in den letzten 12 Jahren mit ihren drei Bestsellern Depeche
Mode MONUMENT, Behind The Wall – Depeche Mode Fankultur in der DDR und
zuletzt Depeche Mode LIVE umfangreiche und reich bebilderte Denkmäler
gesetzt, die in mehrere Sprachen übersetzt wurden.

Ein unterhaltsamer und reich bebilderten Abend voller Fanliebe,
Nostalgie und Überraschendes über die Lieblingsband von zehntausenden
Menschen in Deutschland und weltweit.

facebook.com/scherbelberg

Einlass: 19:00 Uhr

Der Roman von Frances Hodgson Burnett hat alles, was ein Weihnachtsklassiker braucht: einen alten Griesgram, einen kleinen Jungen mit viel Herz und eine Menge Humor – denn wenn die angestaubte Welt der Aristokraten auf die modernen USA trifft, gibt es viel zu lachen.

„Der kleine Lord“ bringt jeden in Weihnachtsstimmung; selbst den strengen Earl of Dorincourt.

New York City, 1872. Der kleine Cedric weiß nicht, wie er es seinen Freunden beibringen soll: Ausgerechnet er, ein ganz normaler amerikanischer Junge, soll in das Schloss seines Großvaters ziehen – und später selbst ein englischer Earl werden! Seine Freunde halten jedenfalls nicht viel von Königen und Lords. Als Cedric mit seiner Mutter in England ankommt, ist die Begrüßung nicht gerade herzlich. Sein Großvater, der alte Earl of Dorincourt, ist kalt und unnahbar. Gerade als es dem kleinen Lord gelingt, sich mit dem Alten anzufreunden, stellt ein Brief alles infrage: Ist Cedric vielleicht gar nicht der Erbe des Earls?

1886 fieberte die Leserschaft Monat für Monat einem neuen Kapitel entgegen: Wie würde die spannende und rührende Geschichte weitergehen? Denn „Der kleine Lord“ erschien zuerst als Fortsetzungsroman in einer amerikanischen Kinderzeitschrift.

Theater ex libris zeigt mit seinem Live-Hörspiel, was das Original von der berühmten Verfilmung aus dem Jahr 1980 unterscheidet und sorgt mit weihnachtlicher Musik für die passende Atmosphäre.

• Live-Hörspiel mit fünf Schauspieler*innen
• Live-Musik, Effekte und Bildprojektion
• Dauer: 120 Minuten, eine Pause
• Altersempfehlung: für die ganze Familie

© Hanno Endres

Einlass 18:30 Uhr