Michy Reincke Konzerte sind sowohl einladende Angebote sich gediegen und hervorragend unterhalten zu lassen, als auch mit einer heiteren Zuversicht verlautbarende und freundschaftliche Erinnerungen daran, das Leben zu umarmen und zu genießen.

Dazu gehören exzellente Musiker, Conférencen voll kluger und herzenswarmer Lebenserfahrung und ungewöhnlicher Humor, bei dem manchmal nicht ganz klar ist, wo er beginnt oder endet und sich gängiger Schubladisierung entzieht. In diese Kategorie gehört auch die These hinter dem diesjährigen Motto: „Die Pflanzen rauben uns den Sauerstoff“.

Da die Programm-Titel von Michy Reincke aber eigentlich nur dazu dienen das Publikum in die Konzerte zu locken und während der Aufführungen selten ausführlicher thematisiert werden, ist eine wissenschaftliche Überprüfung, Auseinandersetzung oder Zustimmung zu dieser Behauptung nicht notwendig.

Auch wenn man nur zur Musik von „Valérie, Valérie“, „Taxi nach Paris“, „Nächte übers Eis“, u.v.m mitsingen, mittanzen und mitklatschen und einen wunderbaren Abend verleben möchte, ist man bei Michy Reincke genau richtig.

Eine musikalische Begegnung mit dem Dichter Hans Leip

1915, mit 22 Jahren, schreibt der Hamburger Dichter Hans Leip den Text zu „Lili Marleen“ und wird damit sechsundzwanzig Jahre später unsterblich, reich und weltberühmt. Die Geschichte zu diesem Lied und dem intensiven Leben seines Schöpfers wird auf der Bühne erzählt.

Doch natürlich hat Hans Leip noch viele weitere wundervolle Gedichte geschrieben – oft vertont von Norbert Schultze oder ihm selber. Und eine Unmenge an Geschichten rund ums Meer, die Seefahrt, Hamburg, die Elbe, über Matrosen und die Reeperbahn. Johannes Kirchberg gibt den Gedichten nun eine neue, eigene Musik – und damit anhand von Leips Biografie einen ganz persönlichen Einblick ins Hamburg der 20er Jahre und das schwierige „durch die Zeit“-Kommen danach.

Mit ausdrücklicher Genehmigung und Zustimmung der Rechteinhaber an Hans Leips Werken durfte Kirchberg die Werke neu vertonen. Auch und vor allem „Lili Marleen“.

Wie einst Lili Marleen

Gesang & Musik: Johannes Kirchberg

Texte: Hans Leip, mit freundlicher Genehmigung der Erbengemeinschaft Hans Leip

Kompositionen: Johannes Kirchberg

Textauswahl: Johannes kirchberg

Regie: Katinka Springborn

Dauer: 2 x 45 Minuten

Über 40 Jahre „Appeltown Washboard Worms“
über 40 Jahre Boogie-Woogie-Skiffle-Rock

Die weit über die Grenzen Hamburgs hinaus anerkannt erfolgreichste Boogie-Woogie-Skiffle-Rock-Band des Nordens, die „Appeltown Washboard Worms gibt es seit über 40 Jahren und sie werden nicht müde, immer neue Auftritts-Orte zu entdecken.

Die „Appeltown Washboard Worms“ haben inzwischen die Skiffle-Musik Hamburger Bands der 50er Jahre behutsam zu Grabe getragen und heben sich in ihrem abwechslungsreichen Programm von den anderen Skiffle-Bands durch ihr musikalisches Mischprogramm ab. Bei ihnen wimmert die E-Gitarre, singt der jüngste Waschbrett-Spieler Europas Jerry-Lee-Lewis-Rock´n´Roll zum hämmernden Piano des professionellen Boogie-Spielers und rockt der Banjo-Spieler auf seiner Mandoline. Ergänzt wird die Band seit 2011 von zwei gestandenen Hamburger Musikprofis. Am Kontrabass steht ein Urgestein der Jazzer-Szene, bringt der Band den Swing oder überrascht zusammen mit dem Drummer mit einer vierhändigen Boogie-Performance am Klavier und die Country-Fiddle spielt ein Teufelsgeiger aus Österreich, ehemaliger professioneller Geiger bei den Hamburger Symphonikern, dessen Soli inmitten des Publikums stets Begeisterungsstürme auslösen. Die "Appeltowns" überraschen immer wieder mit eigenwilligen plattdeutschen Texten zu Krachern der Rock-Geschichte und bei ihnen kann man den einzigen Plattdeutsch singenden Norweger erleben.

Das Programm der „Appeltowns“ enthält traditionelle Irish-Folk-Stücke ebenso wie Country-Balladen, fetziger Rock´n´Roll wechselt mit groovenden Boogie-Nummern, aber im Zentrum stehen immer noch die alten Skiffle-Stücke der 50er und 60er Jahre.

Besetzung:

Wolfgang Hilke: A-Gitarre
Carsten Meins: 5string Banjo, Mandoline, Kontra-Bass
Finn Olaf Walter: E-Gitarre, Drums, Kontra-Bass, Löffel
Matthias Meissner: Drums, Waschbrett, Frottoire
Klaus Lüers: Kontrabass, Piano, Akkordeon
Helmut Stuarnig: Country Fiddle

Hier keine Tickets verfügbar

AKIO, ein Hannoveraner Künstler mit vietnamesischen Wurzeln, ist einer der wenigen Jazz-Crooner in Deutschland, der seinem Vorbild Nat King Cole mit einer einzigartigen Show seinen Tribut zollt. Er bringt vor allem jenen samtweichen Stimmsound mit, den solche Balladen erfordern. Aber sobald es ums Swingen geht, performed er gleichermaßen überzeugend einen groovy Sound.

Geprägt durch den musikalischen Einfluss seiner Eltern, kam AKIO schon in früher Kindheit mit Musik in Berührung und nahm bereits in jungen Jahren Klavier -und Gitarrenunterricht. Zu seinen musikalischen Vorbildern zählen Künstler wie Donny Hathaway, Ray Charles und Nat King Cole. Aus der frühen Leidenschaft zur Musik entwickelte sich im Laufe der Jahre eine unbändige Liebe zum Gesang.

„My Nat King Cole Story“ ist die Verwirklichung eines Traums. Mit dem stetigen Ziel vor Augen auf großen Bühnen zu stehen, wurde für dieses Projekt, gemeinsam mit erfahrenen Jazz Musikern, ein stilvolles und abwechslungsreiches Programm auf die Bühne gebracht. Neben weltbekannten Jazzklassikern werden auch unbekanntere Titel aus dem Repertoire Nat King Cole’s „in neuem Gewand“ präsentiert.

Ein Mix aus Jazz, Blues und Swing, überraschend neu arrangiert und interpretiert, einzigartig und zeitgerecht. Einfach gesagt: Eine Ode an den Jazz.

Es ist unglaublich, aber wahr: JOHNNY CASH IST WIEDER DA! Die Legende des "Man in Black", einem der einflussreichsten Musiker des 20. Jahrhunderts und mit weltweit 1 Milliarde verkauften Alben einem der meistverkauften Künstler aller Zeiten, lebt in den Cashbags weiter. Nichts wird hier 1:1 kopiert und trotzdem ist alles echt, live und wie damals. Fans dieser Musik und dieser Epoche müssen das erlebt haben!

Die Rolle des Johnny Cash wird von dem gebürtigen US-Amerikaner Robert Tyson verkörpert, der seinem Vorbild stimmlich und äußerlich so verblüffend nahe kommt, dass man glaubt, das Original vor sich zu haben. Neben Robert Tyson brilliert die aus Coburg stammende Sängerin Valeska Kunath als June Carter Cash sowie Stephan Ckoehler, David Seezen und Tobias Fuchs als das berüchtigte Begleittrio "The Tennessee Three".

19:00

Irish Rock ‘n Folk at it’s best

Larry Mathews: Vocals, Geige, Gitarre Bernd Haseneder: Bodhrán, Cajon, Percussion Henning Wulf: Whistles, Banjo, Mandoline, Harmonicas

Larry wird von dem aus Harburg stammenden Bernd Haseneder und dem Hamburger Henning Wulf begleitet. Bernd ist an der Bodhrán, der Cajon und der Percussion für den mal sanften, mal treibenden Rhythmus zuständig. Bernd ist ein langjähriger, erfahrener und in der Folkszene bekannter Bodhrán- und Percussionspieler. Henning komplettiert den Sound der Band mit seinen sanften Whistles, stimmungsvollen Harmonicas, dem Banjo und der Mandoline.

Larry Mathews stammt von der Südwestküste Irlands. Er ist Musiker, Sänger und Songwriter in einer Person. Er spielt die Geige “like the speed of the wind”. Seine unglaubliche Stimme gibt den Songs ein “raw and rustic feeling”, das seines gleichen sucht. Er hat auf der Bühne bereits mit Musikern, wie z.B. Christy Moore, den Fury Brothers, Long John Baldry, Davy Johnston of the Elton John Band, den Dubliners und Achim Reichel zusammen gearbeitet.

Die teils rockig phrasierten Eigenkompositionen der Band, die irischen Jigs und Reels aber auch die melancholischen Balladen versprechen eine Stimmung zu schaffen, die den tosenden Sturm der See, den heraufziehenden Nebel in den Bergen, die Stille, den Schmerz der Liebe, aber auch die sprichwörtliche irische Heiterkeit spüren lässt. Harmonische Arrangements und packende Rhythmen, gepaart mit einem traditionellen bis modernen Sound, zeichnen die Band aus.

Wie schrieb die Presse über ihre Auftritte und Konzerte:

Wenn sie spielen, bleibt kein Fuß ruhig. Die irisch-deutsche Band zieht das Publikum von Beginn eines abendlichen Auftritts in ihren Bann (Hamburger Abendblatt, Uschi Tisson).

„Fischerboote, Schlepper, Barkassen - dazwischen Schuten mit Steinen beladen“, so heißt es im Text der „Harburger Hafenballade“ und das ist die Welt von Harburgs Hafenmusiker Werner Pfeifer.

Seit Jahren lebt er auf einem Hausboot im Binnenhafen, gleich neben der Harburger Hafenschleuse. Längst hat sich seine Musik von den Hafenliedern hin zu fetzigen Balladen, wunderschönen Liebesliedern und Chansons, kritischen Liedern und rythmischen Songs in Deutsch und Englisch gewandelt. Zwei Alben sind bereits veröffentlicht. Das dritte ist in Arbeit.

Am Samstag, den 2. November wird Werner Pfeifer mit seiner Band „Die Hafenbande“ endlich wieder die Bühne der heimischen Fischhalle entern. Neue Lieder sind im Gepäck, einige Soloüberraschungen und ganz neue Töne. Ein Liederabend mit Gänsehaut-Garantie, vielen Seufzern und bestimmt glücklichen Gästen.

Mit dabei sind Sabine Dreismann (Sax, Querflöte), Kai Rake (Synthi) und Gregor Nuxoll (Bass)

MICHAEL SCHULTE

„Ich denke, früher oder später stellt sich jede:r einmal die Frage, was man im Leben erreicht hat und was man irgendwann hinterlässt.“ (Michael Schulte)
MICHAEL SCHULTE blickt zurück auf sechs erfolgreiche Studioalben, acht Top-10-Radiosingles in Folge, weit über eine Milliarde Streams seiner Songs und Videos sowie Millionen begeisterter Fans, die ihm auf Headlinertouren, Festivals und mitreißenden Auftritten wie beim Eurovision Song Contest in Lissabon, bei dem er 2018 den sensationellen 4. Platz belegte, zujubelten.

Der erfolgreiche Singer-Songwriter steht nun mit seinem siebten Studioalbum in den Startlöchern: „Remember Me“ heißt die LP, für die sich MICHAEL SCHULTE zur Inspiration viel Zeit genommen hat, um in Ruhe zu reflektieren:

Über alles, was in den vier Jahren seit der letzten LP „Highs & Lows“ geschah und was er in seiner mehr als zehnjährigen Karriere erlebt hat, die Ankunft seiner Kinder – der Musiker ist stolzer Vater zweier Söhne - und seine Familie als Rückzugsort zum Krafttanken. Auch Erfolge, Verluste, Freundschaften und Entscheidungen, die sein Leben mitbestimmt haben, wie etwa 2021 das Signing seines Vertrags mit Universal Music Germany, sind Themen.
„Was habe ich erreicht? Was bleibt von mir, wie wird man sich irgendwann an mich erinnern?“ - existenzielle Fragen stellt sich SCHULTE auf dem neuen Album. Mit „Remember Me“ legt der Norddeutsche wohl den nachdenklichsten, persönlichsten und kraftvollsten Longplayer bisher vor und konnte seine Fans mit einigen Vorgeschmäckern begeistern:

Die fünf ausgekoppelten Singles des Albums sind in die Top 10 der deutschen Radiocharts gestiegen, wie etwa die Pop-Ballade „Stay“, der 80er-inspirierte Popsong „With You“ und das mitreißende „Waterfall“, eine Kollaboration mit dem DJ und Electro-Producer R3HAB, das mit inzwischen 85 Millionen Streams den 3. Platz in den deutschen Airplay-Charts belegte.

Der tanzbare Track ist kein Ausreißer, mit „Better Me“ legt er eine weitere Zusammenarbeit mit R3HAB vor. „Ich liebe es, zu Dance-Beats zu singen, und diese Reise mit R3HAB fortzusetzen, fühlt sich einfach gut an“, bestätigt MICHAEL SCHULTE. Genauso mitreißend ist auch die Dance-Single „Better Me“ und das poppige „Bye Bye Bye“, eine Kollaboration mit dem deutschen Hitmaker-Duo YouNotUs (Alle Farben, Nico Santos, Aka Aka).
Mit diesem Album hat MICHAEL SCHULTE die wahrscheinlich abwechslungsreichste und vielschichtigste Platte seiner Karriere bisher vorgelegt – auch live darf man sich auf eine absolut aufregende Show freuen, die bestimmt den ein oder anderen Gast bescheren wird, alle Highs und Hits, tolle neue Songs und MICHAEL SCHULTE in Bestform.

Einlass: 18:30 Uhr

Hier kommt Feli, das singende Herzkraftwerk

Durch süße und saure Lebenszeiten könnt ihr sie begleiten, könnt lachen, weinen und mitsingen, ganz nach Gefühl. Wenn Feli die Gitarre zur Hand nimmt, erwartet euch meistens ein Erinnerungslied, etwas Nachdenkliches, etwas zum Träumen; schnallt sie ihr Akkordeon um, wird’s meistens laut, manchmal derb und ist zum Mit klatschen sehr geeignet. Alles mit ein paar Webfehlern, aber schön gereimt und voll im Groove. Freut euch auf Feli, die Hippiespätlese mit Hamburger Herz.

Leonore Lilja

Gefühle, Politik und große Fragen. Darüber schreibt die 19-jährige Singer-Songwriterin und Autorin Leonore Lilja aus Hamburg (Bergedorf).

Direkt und ehrlich, traurig und hoffnungsvoll, lustig und todernst – so erlebt man Leonore Lilja auf der Bühne. Pop trifft auf Klassik und Aktivismus auf Singersongwriter. Mal laut, mal leise,  komponiert sie Songs auf dem Klavier, der Gitarre oder der Orgel. Außerdem produziert sie ihre Songs selbst.

Inspiriert wird sie dabei von gesellschaftlichen Themen, sowie von ihren eigenen Gefühlen. Leonore setzt sich aktiv für Klimaschutz, psychische Gesundheit, Feminismus und Antifaschismus ein.

Der „Vater der Hamburger Bluesszene“, mit den Jahren zur kulthaft  anmutender Berühmtheit gelangt, zählt zu den herausragenden Bluesgrössen  in Europa. Das verdankt Abi seiner Jahrzehnte langen Bühnenarbeit, mit  durchschnittlich 12o Konzerten im Jahr, auf diversen Festivals und Clubs im  In - und Ausland, sowie zahlreichen Auftritten in Funk und Fernsehen. 

Sein Gitarrenspiel ist einzigartig. Er kombiniert gleichzeitig Bass, -  Rhythmus- und Riff-Elementen, seiner achtsaitigen Gitarre. Hinzu kommt  seine markante Stimme und nicht zuletzt seine souveränen Bühnenpräsenz. 

Zwei seiner in den letzten Jahren produzierten CDs („Step In Time“ und  „Blues Culture“) wurden jeweils mit dem Preis der Deutschen  Schallplattenkritik prämiert. Abi errang mehrfach den ersten Platz beim  German Blues Award in den Kategorien Blues-Solist/Vocalist.  Beim Lahnstein Blues Festival am 26.9.2015, wurde er mit dem  renommiertem „Blues Louis“ ausgezeichnet. 

Holger “HoBo“ Daub ist Mundharmonikaspieler, Sänger und Entertainer.  Sein Mundharmonikaspiel ist dynamisch, unkonventionell und  leidenschaftlich. HoBo ist ein vielseitiger Künstler, der sich mit Offenheit und  Improvisationsfreude neue Musikstile erarbeitet und das Publikum in seinen Bann zieht. Seit 2001 ist er freier Mitarbeiter des Deutschen Harmonika  Museums und betreut die Wanderausstellung „In aller Munde“ auf deren  Touren durch Europa und den USA. 2014 erreichte er zusammen mit Tim Lothar das Semifinale bei der  International Blues Challenge in Memphis. Im Mai 2015 performte er  im ZDF Kulturmagazin „Aspekte“ und war auch im 3min Film über das  Harmonika Museum zu sehen. Das Album „Blues from ihre North“ mit Tim  Lothar wurde 2016 für den „Danish Music Award“ - Bestes Blues Album des  Jahres nominiert.

Das Tingvall Trio feiert 2023 sein zwanzigjähriges Bandjubiläum. Besonders bemerkenswert ist, dass das Trio seit der Gründung bis zum vorliegenden neunten Album, BIRDS, immer in der gleichen Besetzung agiert. Neben dem Pianisten und Namensgeber Martin Tingvall am Piano sind dies Omar Rodriguez Calvo am Kontrabass und Jürgen Spiegel, der für Drums und Percussion verantwortlich zeichnet. Und die Drei in Hamburg ansässigen Musiker haben es geschafft, in diesen vielen Jahren eine Erfolgsgeschichte zu schreiben, die ihresgleichen sucht: mehrere ECHO JAZZ Preise als Ensemble und Live Act des Jahres, insgesamt sechs JAZZ Awards in Gold, zwei Impala Awards für internationale Verkäufe, eine ganze Serie von No.1 Jazz Chart Alben und viermalige hohe Platzierungen in den Deutschen Top 100 Album Charts - im deutschen Jazz durchaus als herausragend zu bezeichnen. Mit BIRDS erreicht diese Entwicklung nun ihren vorläufigen Höhepunkt.

Martin Tingvall erklärt den Titel: ”Das Album BIRDS ist den Vögeln gewidmet. Sie sind die Musiker der Natur. Sie umgeben uns tagtäglich mit ihrer Musik und können unglaublich inspirierend sein. Man muss nur genau hinhören. Leider scheinen wir das häufig nicht mehr zu machen, zu viele andere Geräusche umgeben uns und wir werden abgelenkt. Ich hoffe, dieses Album kann dazu anregen, die Umwelt um uns herum anders wahrzunehmen. Ich selber kann schon Veränderungen im Verhalten der Vögel beobachten, die durch die globale Erwärmung bedingt sind. SOS, es ist höchste Zeit, innezuhalten, der Natur zuzuhören und zu handeln.”

Wie immer ist Martin Tingvall für alle Kompositionen verantwortlich, die Stücke wurden aber vom Trio gemeinsam in Proben und Konzerten zur Aufnahmereife in Arrangement und Spiel erarbeitet. Und natürlich findet man auf dem Album wieder Titel mit Ohrwurmcharakter, wie etwa Woodpecker, Hummingbird oder Air Guitar. Wunderbare Balladen wie The Day After mit einem gestrichenen Kontrabass von Omar Rodriguez Calvo, wechseln sich ab mit Stücken wie Africa, das sich in seiner Leichtigkeit sofort in die Gehörgänge schraubt. SOS, der Hilferuf, unserer Erde endlich eine Überlebensperspektive zu geben, bietet virtuosen Tingvall Trio Sound und eine berührende Komposition. Mit seinem Solo – Stück Call For Peace steuert Martin Tingvall abschließend einen besonders introvertierten Moment bei.

Das Trio wird auf einer ausgedehnten Europa Tournee 2023/24, die im Juni bereits mit zwei großen Festival Auftritten beim ELBJAZZ Festival in Hamburg und bei Nils Landgrens JAZZ BALTICA in Timmendorf Fahrt aufnimmt, viele der neuen Stücke vorstellen.

Einlass: 18:00 Uhr

Im Jahr 2024 spielt das Jugendjazzorchester Niedersachsen „Wind Machine“ unter dem Motto „Highlights and Deeptones“. Unter der Leitung von Uli Plettendorff erforscht das Ensemble die breite Palette von Tönen, die der Jazz zu bieten hat, von hohen bis zu tiefen Klängen, und bringt dabei die ganze Vielfalt von Tempi und musikalischen Stimmungen zum Klingen.

Zur Vorbereitung auf ihre Aufführungen durchläuft die Bigband intensive Probenphasen, die sowohl Abschnittsübungen als auch Gesamtproben umfassen. Diese Phasen münden in Konzerten, in denen die Band ihr neu erarbeitetes Repertoire vorstellt. Dabei legt das Ensemble Wert auf einen natürlichen, unverstärkten Klang, der die Qualität und Authentizität der Musik hervorhebt. Besonders hervorgehoben werden Stücke aus der Geschichte der Bigband-Musik sowie moderne Kompositionen, einschließlich Werken niedersächsischer Komponisten.

Das Jahr 2024 ist auch ein besonderes Jahr für das Jugendjazzorchester Niedersachsen, da es sein 35-jähriges Bestehen feiert. Gegründet vom Landesmusikrat Niedersachsen e.V., hat sich das Orchester zu einer wichtigen Plattform für junge Talente entwickelt, die hier die Möglichkeit bekommen, ihre Fähigkeiten zu zeigen und weiterzuentwickeln.

Der englische Singer-Songwriter James Harries tourt seit mittlerweile 20 Jahren durch Europa, USA sowie Asien und teilte sich Bühnen mit Größen wie Jamie Cullum, Glen Hansard oder Jazz Mafia. Zusätzlich performte er bereits auf dem Metronome Festival in Prag, eines der größten Festivals Tschechiens. Mit mehreren Millionen Streams („Only You“ / „Superstition“) überzeugt er Solo ebenso mit einer ehrlichen und zärtlichen Live-Performance. The Guardian sowie Uncut Magazine lobten ihn bereits in höchsten Tönen. Sein zuletzt erschienenes Album „Hiraeth“ war „Album oft he Week“ in den großen Radios Tschechien und die Single „Diamond Girl“ bekam super Airplay in Ganz Europa.

"In einer famosen Live-Inszenierung bietet die Band eine wunderbare
musikalische Reise durch die Hits der erfolgreichsten Phase von Pink Floyd:
von „Meddle“ (1971) über „Dark Side of The Moon“ (1973), „Wish You
Were Here“, „Animals“ bis zu „The Wall“ (1979), The Division Bell (1994) sowie einige andere
bekannte Stücke. Mit musikalischer Extraklasse, hervorragendem Stage-
Design und großartigem Sound begeistern Kings of Floyd das Publikum
und rufen die nahezu perfekte Illusion eines Pink Floyd Konzertes hervor."

Auch 2024 ist die Nachfolgeband der legendären Wise Guys wieder auf Tour. Das Quintett, das seit Ende 2020 durch den früheren „Voice of Germany“-Halbfinalisten Friedemann Petter verstärkt wird, hat dabei eine ausgesprochen vielfältige und bunte Palette an neuen Songs im Gepäck – viele davon aus ihrem kommenden vierten Studioalbum „Stabil“, das am 11.8.2023 erscheint. So entwickelt sich das beinahe karnevals-kompatible und lustige „Wenn das die Lösung ist (dann will ich mein Problem zurück)“ ebenso zu einem Publikumsfavoriten wie die tieftraurige Ballade „Wer braucht denn schon“, das hoffnungsvolle „Bleib stabil“ oder das augenzwinkernde „Lehrerkind“, das die problematische Freundschaft zu einem wahren Klugscheißer thematisiert.

Die große musikalische und textliche Bandbreite ihrer fast durchweg selbstgeschriebenen Songs verzückt das Publikum dabei ebenso, wie die energiegeladene, bestens gelaunte und oft spontane Bühnenshow. Dabei werden Kopf,

Herz und Lachmuskeln der Konzertbesucher:innen gleichermaßen angesprochen und gefordert. Die Bühne und das Live-Ambiente sind für ALTE BEKANNTE das absolut bevorzugte Terrain, ihr natürlicher Lebensraum sozusagen. Wer ihr Konzert erlebt hat, geht in bester Stimmung nach Hause. Um es mit den Worten eines begeisterten Konzertbesuchers auszudrücken: „Es war, als würdet ihr eine Party feiern und uns mitnehmen!“. Oder wie die Sänger selbst es formulieren: „Streaming-Konzerte sind gut, CDs sind super, aber: Nix geht über LIVE!“

Ihren eigenen Nachholbedarf in Sachen Live-Konzerte wollen ALTE BEKANNTE 2024 ebenso „aufarbeiten“ wie den ihres Publikums, das einen wahren Boost an Lebensfreude erwartet.

Mit ihrem vierten Live-Programm „Nix geht über LIVE!“ sind Alte Bekannte auf großer Tour kreuz und quer in Deutschland. Mit neuen Songs aus ihrem kommenden Album und bekannten Hits begeistern sie die Menschen aller Altersgruppen.

Einlass ab 19:00 Uhr

Rio Reiser, ein Name, der in der deutschen Musikgeschichte unvergessen bleibt. Seine Musik, geprägt von Leidenschaft und politischem Engagement, berührte die Herzen vieler und gab der Stimme des Volkes Ausdruck. Mit TON STEINE SCHERBEN schuf er Hymnen der Rebellion, die bis heute nachhallen und Generationen inspirieren. Seine Balladen, voller Sehnsucht und emotionaler Tiefe, zeugen von einem Künstler, der die Welt verändern wollte. Gregor Müller und Olaf Niebuhr bringen den Spirit auf die Bühne zurück. Ihre Interpretationen laden zu einer Reise durch das vielschichtige Werk eines Mannes ein, der mit seiner Musik eine Brücke zwischen persönlichen Emotionen und gesellschaftlichen Idealen schlug. Ein Abend mit ihnen verspricht eine Hommage an Rio Reiser und eine Feier der Kraft der Musik, die uns vereint und bewegt.

Programm:
Songs von Rio Reiser
Gregor Müller und Gitarrist Olaf Niebuhr

17:00

ALPHAVILLE FOREVER! LIVE - BEST OF 40 YEARS

Am 03. Februar zelebrieren Alphaville den fulminanten Abschluss ihrer gefeierten Symohonic Tour in der Mercedes Benz Arena Berlin. Zusammen mit dem Deutschen Filmorchester Babelsberg setzten Alphaville ein letztes Ausrufezeichen hinter eines der spektakulärsten Comebacks der letzten Jahre!

„Alphaville haben sich grandios neu erfunden!“
(Westdeutsche Allgemeine Zeitung, Westfalenpost, Westfälische Rundschau)

„Ein Lichtermeer voller Erinnerungen und Glück.“
(Rheinische Post)

„Musik als Jungbrunnen.“
(Dresdner Neueste Nachrichten)

„Ein zwei Akkorde reichen, um das Musikuniversum von damals wieder lebendig werden zu lassen.“
(NDR – Schleswig-Holstein Magazin)

Die Band um Sänger Marian Gold wird mehr als 60.000 begeisterten Fans in allerbester Erinnerung sein, wenn – kaum dass in Berlin die letzten popsymphonischen Sounds verklungen sind - der Vorhang auf geht für ein großes Alphaville Jubiläum: 1984 machte sich eine gänzlich unbekannten Band aus dem Berliner Underground auf den Weg, Musikgeschichte zu schreiben. Mit ihrem Debütalbum "Forever Young" eroberten Alphaville die Musikwelt im Sturm und wurden der bis dahin weltweit erfolgreichste Popact Made in Germany!

Songs wie „Big in Japan“, „Sounds Like a Melody” und eben "Forever Young” avancierten in den nationalen wie internationalen Charts zu Megahits und sind es bis heute - längst gehören sie zu den ganz großen Klassikern des Pop.

Richtig heiß wird es im Herbst/ Winter 2024/ 2025 - denn dann werden Alphaville dieses Jubiläum gemeinsam mit ihren Fans feiern. Unter dem Titel „ALPHAVILLE FOREVER! LIVE - BEST OF 40 YEARS“ kündigen die Band und MSK zunächst 23 Termine in Deutschland, Österreich und der Schweiz an.

ALPHAVILLE  FOREVER! LIVE - BEST OF 40 YEARS

Einlass: 19:00 Uhr

Es sind zwölf Stationen, auf denen der Weg durch das ​„Stabat Mater” von Karl Jenkins führt: Unter dem Kreuz, im unmittelbaren Schmerz der Mutter Maria, beginnt der Weg. Mit der Bitte, so wie Maria mitempfinden zu können, endet die musikalisch-meditative Reise. Dazwischen sind in Karl Jenkins’ ​„Oratorium” – in Ergänzung zum mittelalterlichen lateinischen Gedicht des ​„Stabat Mater” – weitere Gedanken eingebaut, die vom Schmerz, der Verlorenheit und dem Weinen Kunde geben.

Das Stabat Mater hat schon immer Komponisten aller Jahrhunderte fasziniert. Jetzt reiht sich einer der erfolgreichsten Schöpfer der New Classics in diese große Stabat Mater-Tradition ein: Karl Jenkins, der Komponist des Hit-Albums „Adiemus“.

Schon mit seinem weltweit erfolgreichen Requiem hat Karl Jenkins bewiesen, dass er die sakrale Aura uralter religiöser Texte in ganz neue, aber emotional unmittelbar ansprechende Töne zu kleiden weiß. Auch in seinem Stabat Mater nutzt er nicht nur traditionelle Stilmittel der Klassik, sondern auch ein weltumspannendes Musik-Vokabular von ethnischen Klängen verschiedenster Kulturkreise. Auch der Text des Stabat Mater erscheint nicht nur auf lateinisch, sondern ebenso auf hebräisch, griechisch, aramäisch (die Sprache Jesu) und englisch – und spannt so einen Bogen zwischen alt und neu, zwischen Orient und Okzident.

Zwischen Heimweh und Fernweh klingt Musik.

Ja – Ronja löste 2022 einen großen Medienrummel aus, weil ihr aufgrund ihrer Frisur ein Auftritt verweigert wurde. Udo Lindenberg zeichnete die Musikpoetin ein Jahr zuvor mit seinem Panikpreis für deutsche Newcomer aus. 2023 folgte der Förderpreis für junge Liedermacher der Hanns-Seidel-Stiftung.  

Ronja spielt Cello, Ukulele, Piano und erzählt mit ihrer Musik Geschichten vom Unterwegssein und Poesie. Während sie Hermann Hesse vertont und Astrid Lindgren zitiert, schwebt sie von einem Instrument zum nächsten, ihre markante Stimme lädt zum Weinen ein, ihre Geschichten zum Lachen, ihre Bandfamilie zum Tanzen.

Allesamt wechseln sie Instrumente durch, vom Piano, Schlagzeug, Bass, mehrstimmigen Gesang, hin zur elektronischen Insel aus verschiedenen Synthesizern. Über der Bühne schwebt eine kreisrunde Projektionsfläche, auf der bewegte Bilder, Worte und Farben die Musik untermalen. Jeder Song wird zum eigenen Kunstwerk in dieser höchst bewegten, höchst bewegenden Show.

Nachdem Ronja 2018 in Italien ihren argentinischen Musikpartner Fede kennenlernte, reisten sie zusammen durch über 20 Länder und setzten Fuß auf mehr als 400 Bühnen in unterschiedlichen Bandkonstellationen. Ihre drei Studioalben zeugen von weiten musikalischen Reisen, deren Lieder sie in mehrsprachige Variationen übersetzen.

„Ob wir wohl eines Tages ankommen, irgendwo? An einem Ort wo die Zeit steht und Fernweh zu Heimweh wird.“