Die Ausstellung KÖRPERWELTEN in Berlin widmet sich dem Thema „Facetten des Lebens“.

Dr. Gunther von Hagens öffnet in seinen Körperwelten-Ausstellungen den menschlichen Körper und macht die fragilen, schützenswerten Strukturen des Lebens für medizinische Laien sichtbar. Gemeinsam mit Kuratorin Dr. Angelina Whalley zeigt er in der Ausstellung in Berlin-Mitte die Facetten des Lebens – zwischen Glück und Unglück, Druck und Ausgleich, Zufall und Fügung, Körperversessenheit und Körpervergessen sowie Maßlosigkeit und Bescheidenheit.

Das Museum öffnete 2015 seine Pforten in Berlin. Es ist am Alexanderplatz direkt vor dem Berliner Fernsehturm beheimatet. Seitdem haben die Besucherinnen und Besucher die Möglichkeit eine Vielzahl einzigartiger Plastinate zu bestaunen. Diese geben einen tiefen Einblick in das hochkomplexe Innere des menschlichen Körpers. So erhalten Interessierte ein detailliertes Wissen über Organfunktionen und häufige Krankheiten, all das leicht verständlich vermittelt. Durch die lebensnahen Posen wird ein unmittelbarer Bezug zu den Betrachtenden hergestellt.

Was verbindet uns, was hält uns aufrecht und in Bewegung, was lässt uns lachen und lieben? Bei den KÖRPERWELTEN erhalten Sie Antworten auf diese und viele weitere Fragen. Machen Sie sich auf eine tief berührende und inspirierende Begegnung mit dem Leben bereit. Lassen Sie sich einen Besuch nicht entgehen und erleben Sie die Faszination der Plastination.
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The first BODY WORLDS museum presents unique plastinates that show the function of individual organs as well as common diseases. It gives insights into the highly complex and structures of the human bod and shows what connects us, keeps us upright and in motion and what makes us laugh and love.

Moreover, the Museum opens the visitors´ eyes to various facets that determine our existence: Gluttony & Restraint | Excess & Moderation | Chance & Fate | Pressure & Balance | Happiness & Unhappiness

Letzter Einlass 18:00 Uhr

Festveranstaltung anlässlichder Auszeichnung der Autorin mit dem International Booker Prize für ihren gleichnamigen Roman
Eine Kooperation der LIT:potsdam mit dem Hans Otto Theater

Die Veranstaltung ist ausverkauft.

An dem Abend werden mit The Perfect Vanishment, Emotion Mirror und A deer_ a Child of thirty-eight insgesamt drei Stücke von unterschiedlichen Choreograf*innen gezeigt.

Das Programm des Abends:

The Perfect Vanishment von EunJung Kim/The Movement Lab
”Eines Morgens seufzte ich tief: "Oh, ich öffne meine Augen wieder." Und dann stellte ich mir mein perfektes Verschwinden vor. Nirgendwo auf der Welt sollte nichts etwas von mir übrigbleiben, nicht einmal in den Erinnerungen anderer... Das lässt nicht nur meinen Körper und meine Seele verblassen... sondern auch meine digitalen Spuren. Ich wünsche mir einen perfekten Moment, dass ich für immer verschwinde...”
Die Idee zu diesem Werk stammt von der buddhistischen Figur des Arhat, der neben Gier, Hass und Verblendung sogar seine Seele vollkommen aus der Welt verschwinden lassen kann. Heutzutage ist es schwer, selbst verschwunden zu sein, weil alles aufgezeichnet ist – das ganze Leben digital aufgezeichnet. Mit dieser Performance wird eine unmögliche Erfahrung geboten, die allein durch Vorstellungskraft das perfekte Verschwinden möglich macht. Die Uraufführung fand 2023 im Rahmen von Tanz Argument auf der Bühne statt.

Emotion Mirror von MiYoung Jeong
Wenn der durch Gewohnheiten und die Umwelt gezähmte Körper eine zweidimensionale Struktur ist, bedeutet „Talking with Movement“ in dieser Arbeit den Versuch, das Leben durch „Selbstbewusstsein“ dreidimensional zu gestalten. Während gewohnheitsmäßige Sprache und Bewegung unbewusste Wünsche ausschließen, drücken Atmung und Klang den Schmerz und den Widerstand des unterdrückten Egos aus.

Ego Nr. 1 versucht sich abzuwenden, ist aber ständig von dem Wunsch besessen, sich mit anderen Egos zu verstricken.
Ego Nr. 2 kämpft darum, seine eigene Lösung zu finden, folgt aber dem Weg des anderen Egos.
Ego Nr. 3 schreit danach, aus der dunklen Höhle geholt zu werden, wird aber abgewiesen.

A deer_ a Child of thirty-eight von Sona Kwon/SONAMOVE
Insgesamt drei Gedichte aus der Gedichtsammlung Deer des Dichters Baek Seok werden in diesem Stück als Elemente der Bewegung verwendet. Sie kombinieren die rhythmischen Elemente der koreanischen Jeong, Jung und Dong und bringen sie durch Bewegung zum Ausdruck. Es ist ein Werk, das dem Publikum Fragen stellt, beispielsweise, warum der Darsteller eine Blume in den Mund steckt, warum er nur eine Socke trägt und warum er sie auszieht und was die gerade Bewegungslinie bedeutet

Dauer: 60 min

ENGLISCH
The evening will feature The Perfect Vanishment, Emotion Mirror and A deer_ a Child of thirty-eight, a total of three pieces by different choreographers.

The program of the evening:

The Perfect Vanishment by EunJung Kim/The Movement Lab
“One morning I sighed deeply " Oh, I am opening my eyes again." And then, I imagined my perfect dissapearance. There shouldn’t be anything left about me anywhere in the world, even in any memories of others... Fading not only my body and soul away... but also my digital records. I wish a perfect moment for vanishing forever...”
The idea for this work comes from the Buddhist figure of the Arhat, who, in addition to greed, hatred and delusion, can even make his soul disappear completely from the world. Nowadays it is difficult to disappear yourself because everything is recorded - your whole life is digitally recorded. This performance offers an impossible experience that makes perfect disappearance possible through imagination alone. The world premiere took place on stage in 2023 as part of Tanz Argument.

Emotion Mirror by MiYoung Jeong
If the body tamed by habits and environment is a two-dimensional structure, Talking with Movement in this work is an attempt to make life three-dimensional through ‘self-consciousness.’ If habitual language and movement exclude unconscious desires, breathing and sound express the pain and resistance of the suppressed ego.

Ego #1 tries to turn away, but is always obsessed with the desire to become entangled with other egos.
Ego #2 struggles to find his own solution, but follows the path of the other ego.
Ego #3 cries out to be taken out of the dark cave, but is turned away.

A deer_ a Child of thirty-eight by Sona Kwon/SONAMOVE
A total of three poems from poet Baek Seok´s poetry collection Deer were taken as elements of movement. It combines the rhythmic elements of Korea´s Jeong, Jung, and Dong and expresses them through movement. It is a work that asks questions to the audience, such as why the performer puts a flower in his mouth, why he only wears one sock and why he takes it off, and what the straight line of movement means.

Duration:
60 mins in total


The Perfect Vanishment (15 min)
Choreografie und Tanz: EunJung Kim
Medienkunst: Heeran Kim

Emotion Mirror (30 min)
Tanz: Seonhwa Kwon, Eunjeong Kim, Jihye Kim, Yujeong Shim, Guseul Choi, Miyoung Jeong, Charlotte Smith
Lichtdesign/Kooperationsdirektor: Taejin Jeong
Musik: Son Hyeon
Choreographie: Jeong Mi-young

A deer_ a Child of thirty-eight (15 min)
Choreograpie und Performance: Sona Kwon

SONAMOVE arbeiten daran, sich auf jede einzelne Bewegung zu konzentrieren. In dem Bemühen, alle alltäglichen Bewegungen mit Rhythmus anzugehen, ist die Gruppe auch offen für rhythmischen Tanz. Sie konzentrieren sich auf fünf Elemente: Anstrengung, Textur, Fluss, Gewicht und Rhythmus. Der Zweck besteht darin, die intuitive Inspiration des Publikums hervorzurufen und zu leiten.
Die Einzigartigkeit von SONAMOVE lässt sich auf das Aufbrechen von Geschlecht und Grenzen zwischen Tanz, Aktion und Bewegung herunterbrechen. Zum repräsentativen Repertoire gehören: Breath´ Sound_ Naturally Occurring Sound (2024), Colors of Nature (2023) und Sanjo: PL▶Y (2022).

LIT:potsdam EXTRA: Festveranstaltung anläßlich der Auszeichnung von Jenny Erpenbeck mit dem International Booker Prize für ihren Roman „Kairos“

Es moderiert Denis Scheck

Jenny Erpenbeck zählt zu den meistübersetzten deutschen Autoren der Gegenwart. Dafür gibt es gute Gründe, vermag doch kaum jemand aus der Generation der 1967 in Ostberlin geborenen Jenny Erpenbeck so intelligent die alte, ewig neue Zauberfrage der Literatur zu stellen: Was wäre wenn?
In ihrem mit dem International Booker Prize ausgezeichneten sprachgewaltigen Roman „Kairos“ beschreibt Erpenbeck eine amour fou vor und nach dem Fall der Mauer und zieht Bilanz über Gewinne und Verluste nach dem Untergang der DDR.
Jenny Erpenbecks Literatur besticht durch Welthaltigkeit, sprachliche Raffinesse und den Mut zum radikalen Denken. In „Wörterbuch“ zeichnet sie die Schreckenswelt einer totalitären Diktatur in Südamerika, in „Gehen ging gegangen“ beschreibt sie, wie ein emeritierter Professor in der Auseinandersetzung mit Geflüchteten aus der Passivität ins Handeln kommt.
Im Hans-Otto-Theater liest Jenny Erpenbeck aus „Kairos“ und erzählt über ostdeutsche Perspektiven auf die Zeitgeschichte.
Foto: Katharina Behling

Der beste Weg, um sich gegenüber seinem größten Kritiker zu behaupten: sich selbst.
Randa Weiser, auch bekannt als @randa_and_the_gang, erzählt uns vom „Randa Prinzip", mit dem sie allen Frauen helfen will, die es noch nicht geschafft haben, sich ihren inneren „miesen Verrätern" zu stellen.
Ein Buch über Empowerment gegen Selbstzweifel und Selbstsabotage.

Spielen, lachen, laut sein, toben, nichts tun – und das in einem Ausstellungshaus! Ab dem 4. September 2024 lädt BAUBAU genau dazu ein. In dem von der Künstlerin Kerstin Brätsch gestalteten Spielort für Kinder ist mehr erlaubt als verboten. Bunte Wandtapeten, Strukturen, Objekte und eine Reihe von „Loose Parts“ (losen Materialien) formen im Erdgeschoss des Gropius Bau Räume, die keine festen Vorgaben machen, sondern durch die Aktivitäten der Kinder bestimmt werden. Sie geben die Richtung und die Form vor für das, was hier passiert. So wird dieser Ort zum Möglichkeitsraum, der sich Tag für Tag verändern kann.

BAUBAU startet im September 2024 in einer Prototypversion und wird sich über die kommenden Jahre hinweg innerhalb wie außerhalb des Gropius Bau weiterentwickeln und wachsen – in engem Austausch mit den Kindern und ihren Wünschen, denn dies ist ihr Ort.

 Das Spiel
Alle Kinder haben den Drang zu spielen. So lernen sie, sich und die Welt zu begreifen. Gerade das offene, selbstbestimmte Spiel ist für die emotionale und soziale Entwicklung von großer Bedeutung. Das pädagogische Konzept für BAUBAU basiert deshalb auf den Grundlagen des freien Spiels: Hier gibt es die Zeit, den Raum und die Erlaubnis für Kinder, ihren eigenen Bedürfnissen und Interessen zu folgen. Begleitet werden sie dabei von Playworker*innen – geschulten Mitarbeiter*innen, die eine sichere und unterstützende Umgebung schaffen, in der Kinder frei spielen können.

 
Die Kunst
BAUBAU stellt spielerisch infrage, was ein Museum oder eine Kunstinstitution sein soll. Die umfassende Raumgestaltung, die Kerstin Brätsch entwickelt hat, ist voller Bezüge und Anregungen: Elemente aus ihren früheren Werken, wie Marmorierungen, Malereien oder Stuckmarmorarbeiten, tauchen hier in veränderter Gestalt und Materialität wieder auf. Die Tapeten, Vorhänge, Stoffe, Sitzmöbel und Klettergerüste sind bewohnt von Dinosauriern, fantastischen Wesen, Termitenhügeln und abstrakten Elementen. Mit ihren komischen, lustigen, vielleicht auch etwas unheimlichen Formen schaffen sie einen offenen Rahmen für das freie Spiel.

Kerstin Brätschs Praxis ist darauf ausgelegt, Einflüsse von außen zuzulassen und aufzunehmen. Hat sie bisher mit Künstler*innen oder Kunsthandwerker*innen zusammengearbeitet, so tut sie dies nun auf ganz andere Weise mit Kindern: Sie lädt die Kinder dazu ein, den Raum nach ihren eigenen Ideen und Vorstellungen und ohne das Einwirken der Künstlerin auf unvorhersehbare Weise umzugestalten und weiterzuentwickeln.

Montag 11:00–19:00 Uhr Dienstag geschlossen Mittwoch 11:00–19:00 Uhr Donnerstag 11:00–19:00 Uhr Freitag 11:00–19:00 Uhr Samstag 10:00–19:00 Uhr Sonntag 10:00–19:00 Uhr

Anfang September 2024 eröffnet im Gropius Bau die Ausstellung DAS GLÜCK IST NICHT IMMER LUSTIG des Künstlers Rirkrit Tiravanija, der mit seiner Praxis den konventionellen Kunstbegriff erweitert hat und Situationen schafft, in denen soziale Interaktionen und sinnliche Erfahrungen verhandelt werden. Seit den frühen 1990er Jahren lebt Tiravanija teilweise in Deutschland und hat immer wieder künstlerische Arbeiten entwickelt, die sich mit kulturellen Eigentümlichkeiten, Migration und der politischen Gegenwart des Landes beschäftigen. DAS GLÜCK IST NICHT IMMER LUSTIG versammelt erstmals diese Werke, die auch die Bedeutung von Berlin und Deutschland als Ort künstlerischer Produktion für Tiravanija zeigen. Der Titel der Ausstellung ist dem Vorspann von Rainer Werner Fassbinders Film Angst essen Seele auf von 1974 entliehen, dessen Schilderung von anti-arabischem Rassismus gegen den sogenannten Gastarbeiter Ali heute, 50 Jahre später, erschreckend aktuell ist. Die umfangreiche Ausstellung umfasst Arbeiten auf Papier, Skulpturen, Fotografien, Multiples und eine Auswahl selten gezeigter Super-8-Filme sowie regelmäßige Aktivierungen zentraler ephemerer und partizipatorischer Arbeiten des Künstlers von den 1980er Jahren bis heute. Dabei steht die Sprengkraft seiner Praxis immer im Mittelpunkt: Institutionelle Grenzen und Kategorien werden ausgetestet; es wird laut, es wird gekocht, gegessen und gespielt.

Kuratiert von Jenny Schlenzka, Yasmil Raymond und Christopher Wierling

Montag 12:00–18:00 Uhr Dienstag geschlossen Mittwoch 12:00–18:00 Uhr Donnerstag 12:00–18:00 Uhr Freitag 12:00–18:00 Uhr Samstag 12:00–18:00 Uhr Sonntag 12:00–18:00 Uhr

Eine weit verbreitete Betrugsmasche, bei der Kriminelle ältere Menschen kontaktieren und sich als ihre Enkel oder nahe Verwandte ausgeben. Die Täter täuschen vor dringend finanzielle Unterstützung zu benötigen und betrügen ihre Opfer.

Doch was passiert, wenn der Spieß umgedreht wird?

Ganz nach dem Motto „die Alten schlagen zurück“ gerät die Geschichte zwischen der schlagfertigen Veronica und ihrem zerstreuten Enkel Manfred völlig außer Kontrolle. Als Manfred nach 16 Jahren Kontaktpause seine Großmutter Veronica besucht, erwartet ihn alles, nur nicht das, was folgt. Zunächst teilt ihm die ältere Dame mit, dass sie ihn zum Alleinerben machen möchte, dass jedoch nicht ohne bestimmte Bedingungen.

Was Manfred dann im Keller entdeckt, weckt seinen Fluchtinstinkt blitzschnell. Doch die Haustür ist verschlossen, und sein Handy verschwunden. Und für Veronica ist die Unterhaltung noch lange nicht beendet.

„Der Enkeltrick“ ist eine unterhaltsame, zugleich absurde und vielschichtige Inszenierung, die auf amüsante Weise ein äußerst aktuelles Thema behandelt.

Zehn Jugendliche lassen ihrer Energie freien Lauf: explosiv und verletzlich, auf dem schmalen Grat zwischen Spiel und Rebellion. ULTRA stellt Fragen nach der Rolle von typisch maskulinem Verhalten in unserer sich wandelnden Zeit. Vor allem aber ist das Tanzstück ein Porträt einer Gruppe von Jugendlichen in einer Welt voller widersprüchlichen Erwartungen und Schubladen. Eine Begegnung mit deutschen Ultra-Fußballfans an einem Bahnsteig inspirierte die Choreografin Reut Shemesh zu dieser Arbeit. Das Stück zeigt Jugendliche im Alter von 15 bis 21 Jahren bei einem Ritual, das Freude und Aggression miteinander verbindet und die Verletzlichkeit hinter ihren lauten Äußerungen offenbart. ULTRA ist eine zarte bis harte Auseinandersetzung mit dem Thema Männlichkeit und thematisiert die Herausforderungen und Chancen für Jugendliche, die in einer Welt sich verändernder Normen aufwachsen.

In englischer Sprache

Die Ausstellung KÖRPERWELTEN in Berlin widmet sich dem Thema „Facetten des Lebens“.

Dr. Gunther von Hagens öffnet in seinen Körperwelten-Ausstellungen den menschlichen Körper und macht die fragilen, schützenswerten Strukturen des Lebens für medizinische Laien sichtbar. Gemeinsam mit Kuratorin Dr. Angelina Whalley zeigt er in der Ausstellung in Berlin-Mitte die Facetten des Lebens – zwischen Glück und Unglück, Druck und Ausgleich, Zufall und Fügung, Körperversessenheit und Körpervergessen sowie Maßlosigkeit und Bescheidenheit.

Das Museum öffnete 2015 seine Pforten in Berlin. Es ist am Alexanderplatz direkt vor dem Berliner Fernsehturm beheimatet. Seitdem haben die Besucherinnen und Besucher die Möglichkeit eine Vielzahl einzigartiger Plastinate zu bestaunen. Diese geben einen tiefen Einblick in das hochkomplexe Innere des menschlichen Körpers. So erhalten Interessierte ein detailliertes Wissen über Organfunktionen und häufige Krankheiten, all das leicht verständlich vermittelt. Durch die lebensnahen Posen wird ein unmittelbarer Bezug zu den Betrachtenden hergestellt.

Was verbindet uns, was hält uns aufrecht und in Bewegung, was lässt uns lachen und lieben? Bei den KÖRPERWELTEN erhalten Sie Antworten auf diese und viele weitere Fragen. Machen Sie sich auf eine tief berührende und inspirierende Begegnung mit dem Leben bereit. Lassen Sie sich einen Besuch nicht entgehen und erleben Sie die Faszination der Plastination.
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The first BODY WORLDS museum presents unique plastinates that show the function of individual organs as well as common diseases. It gives insights into the highly complex and structures of the human bod and shows what connects us, keeps us upright and in motion and what makes us laugh and love.

Moreover, the Museum opens the visitors´ eyes to various facets that determine our existence: Gluttony & Restraint | Excess & Moderation | Chance & Fate | Pressure & Balance | Happiness & Unhappiness

Letzter Einlass 18:00 Uhr

Ronny Heinrich und sein Orchester laden sie ein zur großen Gala der Operette mit großartigen Solisten und unvergesslichen Melodien.

Einlass 14:30 Uhr

"In einer Gesellschaft, die unsere Existenz auf Informationen reduziert, verlieren wir die Geschichten jedes Einzelnen, das heißt die Erzählung, und treiben inmitten eines Sturms, umgeben von Zufälligkeit.” Byung-Chul Han in Die Krise der Narration.

Heutzutage erzählen wir keine Geschichten mehr. Stattdessen kommunizieren wir übermäßig. Wir posten, teilen und verlinken. In einer Gesellschaft, in der wir unsere Existenz auf vergängliche Informationen reduzieren, gibt es keinen wahren, verweilenden Blick anderer mehr. Der Kontext und die Erzählungen, die Individuen in sich tragen, überleben nicht und verschwinden aus dem Blickfeld der Menschen. Was ist die Erzählung meiner Existenz in einer Gesellschaft, die ihre eigenen Geschichten verloren hat? Jede Person trägt ihre Erzählung in ihrem Körper, drückt sie durch Bewegung aus und hinterlässt Spuren in Gemälden.

Dauer:
60 Minuten

ENGLISCH
Today, we no longer simply tell stories. Instead, we over-communicate. We post, share, and link. In a society where our very existence soon becomes ephemeral information, there is no genuine, lingering gaze of another. The context and narratives contained within an individual do not survive and fade beyond people´s interests. What is the narrative of my existence in a society that has lost its own stories? We capture our archetypes within our bodies, move through narratives, and leave traces in paintings.

Duration:
60 mins

Konzept, Choreografie: Yunjung Kim
Tanz und Performance: Yunjung Kim, Dallae Bae, Youjung Kim
Musik: Yujin Tanifuji, Tomer Levy

KOSMOKÖRPER lädt das Publikum auf eine kosmisch-anatomische Reise durch das Innere des menschlichen Körpers ein. Es ist eine Suche nach einem Tanz der Organe und Körpersysteme und ihren Prozessen wie das Atmen, das Verdauen, das Ausscheiden, Krank sein, Heilen, Träumen, Altern, Sterben. Was passiert, wenn wir in diesem dynamischen Tanz von innen nach außen auf Organe treffen, die mit Pflanzen und Tieren verschmolzen sind oder auf Atemzüge, die die Form von Wolken oder Wirbelstürmen annehmen? Gibt es in uns Hohlräume, die schwarzen Löchern im Weltall ähneln oder Flüssigkeiten, die wie Flüsse fließen? Sehen wir dort auch Müll, Plastik, Abfälle? KOSMOKÖRPER regt an, die Verbindungen zwischen Innen und Außen, Teil und Ganzem, Körper und Kosmos neu zu überdenken und nach einer Erfahrung von Ökologie zu suchen, die in uns selbst stattfindet.

Ein Psychothriller von Sebastian Fitzek
Regie: Thomas Wingrich

23 sind es jedes Jahr weltweit, die während einer Reise mit einem Kreuzfahrtschiff verschwinden. 23, bei denen man nie erfährt, was passiert ist. Noch nie ist jemand zurückgekommen. Bis jetzt, bis auf Anouk, einem Mädchen, das vor einem halben Jahr mit seiner Mutter verschwand. Anouk, die wieder auftaucht. In ihrem Arm hält sie einen Teddybär. Und es ist nicht ihr eigener. Der mysteriöse Anruf kommt mitten während eines Einsatzes. Der Polizeipsychologe Martin Schwartz muss sofort nach England reisen und an Bord des Kreuzfahrtschiffs „Sultan of the Seas” kommen. Nie wieder wollte er ein Schiff betreten, nie wieder seine zerstörte Seele den Qualen der Erinnerung aussetzen. Vor fünf Jahren ist sein Sohn mit seiner Frau auf eben diesem Kreuzfahrtschiff verschwunden, niemand hat etwas gesehen, die Polizei ging von Selbstmord aus. Doch nun soll es Hinweise darauf geben, was seiner Familie zugestoßen ist: Kein Zweifel, es ist der Teddy seines Sohnes. Für ihn bricht erneut eine Welt zusammen, der Alptraum, von dem er dachte, er könnte nicht schlimmer werden, fängt erst an. Das Schiff legt ab, begibt sich auf den Weg nach New York. 3.000 Passagiere, ein traumatisiertes Mädchen, ein zutiefst verstörter Polizeipsychologe – und ein Mörder auf der Jagd.

Was hörst Du, wenn Du Dich bewegst? Wie bewegst Du Dich, wenn Du hörst?

Musik kribbelt in den Beinen und schüttelt die Bäuche. Musik lässt Menschen springen, stampfen, sich wiegen und drehen. Musik findet die Ohren, fließt durch den Körper, füllt ihn bis in die Haarspitzen. Musik ist laut und leise. Musik ist da, auch wenn sie weg ist. Unsere Körper tanzen mit Musik, zur Musik, ohne Musik. Unsere Körper machen Musik.
In Suite laden zwei Tänzer*innen und eine Cellistin Kinder ein, mit ihnen zusammen Musik zu erleben, zu ertanzen und zu genießen. Sie öffnen sich dabei den Geschichten, Bildern und Emotionen, die Musik im tanzenden Körper auslösen kann. Da Stück feiert den Moment der Begegnung verschiedener Körper und Klänge und setzt dabei auf ein unabhängiges Verhältnis zwischen klassischer Musik und Tanz. Zu hören sind die berühmten Cello-Suiten von Johann Sebastian Bach.

Spielen, lachen, laut sein, toben, nichts tun – und das in einem Ausstellungshaus! Ab dem 4. September 2024 lädt BAUBAU genau dazu ein. In dem von der Künstlerin Kerstin Brätsch gestalteten Spielort für Kinder ist mehr erlaubt als verboten. Bunte Wandtapeten, Strukturen, Objekte und eine Reihe von „Loose Parts“ (losen Materialien) formen im Erdgeschoss des Gropius Bau Räume, die keine festen Vorgaben machen, sondern durch die Aktivitäten der Kinder bestimmt werden. Sie geben die Richtung und die Form vor für das, was hier passiert. So wird dieser Ort zum Möglichkeitsraum, der sich Tag für Tag verändern kann.

BAUBAU startet im September 2024 in einer Prototypversion und wird sich über die kommenden Jahre hinweg innerhalb wie außerhalb des Gropius Bau weiterentwickeln und wachsen – in engem Austausch mit den Kindern und ihren Wünschen, denn dies ist ihr Ort.

 Das Spiel
Alle Kinder haben den Drang zu spielen. So lernen sie, sich und die Welt zu begreifen. Gerade das offene, selbstbestimmte Spiel ist für die emotionale und soziale Entwicklung von großer Bedeutung. Das pädagogische Konzept für BAUBAU basiert deshalb auf den Grundlagen des freien Spiels: Hier gibt es die Zeit, den Raum und die Erlaubnis für Kinder, ihren eigenen Bedürfnissen und Interessen zu folgen. Begleitet werden sie dabei von Playworker*innen – geschulten Mitarbeiter*innen, die eine sichere und unterstützende Umgebung schaffen, in der Kinder frei spielen können.

 
Die Kunst
BAUBAU stellt spielerisch infrage, was ein Museum oder eine Kunstinstitution sein soll. Die umfassende Raumgestaltung, die Kerstin Brätsch entwickelt hat, ist voller Bezüge und Anregungen: Elemente aus ihren früheren Werken, wie Marmorierungen, Malereien oder Stuckmarmorarbeiten, tauchen hier in veränderter Gestalt und Materialität wieder auf. Die Tapeten, Vorhänge, Stoffe, Sitzmöbel und Klettergerüste sind bewohnt von Dinosauriern, fantastischen Wesen, Termitenhügeln und abstrakten Elementen. Mit ihren komischen, lustigen, vielleicht auch etwas unheimlichen Formen schaffen sie einen offenen Rahmen für das freie Spiel.

Kerstin Brätschs Praxis ist darauf ausgelegt, Einflüsse von außen zuzulassen und aufzunehmen. Hat sie bisher mit Künstler*innen oder Kunsthandwerker*innen zusammengearbeitet, so tut sie dies nun auf ganz andere Weise mit Kindern: Sie lädt die Kinder dazu ein, den Raum nach ihren eigenen Ideen und Vorstellungen und ohne das Einwirken der Künstlerin auf unvorhersehbare Weise umzugestalten und weiterzuentwickeln.

Montag 11:00–19:00 Uhr Dienstag geschlossen Mittwoch 11:00–19:00 Uhr Donnerstag 11:00–19:00 Uhr Freitag 11:00–19:00 Uhr Samstag 10:00–19:00 Uhr Sonntag 10:00–19:00 Uhr