DIE Westernhagen Show

Westernhagen reloaded: Weitersagen
Handgemachte Musik vom Feinsten: Seit über 15 Jahren tourt Andreas Marius-Weitersagen mit seiner Westernhagen-Show durch Europa. Er ist das bekannteste Double des Deutsch-Rockers und verbindet das Beste der 80er und 90er Jahre von Marius Müller-Westernhagen. Energiegeladen fesselt er mit seiner Vielseitigkeit das Publikum.

Westernhagen meets Weitersagen! Über 300.000 Menschen haben ihn in den vergangenen Jahren schon gesehen und gefeiert. Eine perfekte Bühnenshow plus einer einmaligen Stimme verzaubern jeden Besucher, weil hier Original und Interpretation zum ultimativen Westernhagen-Feeling verschmilzt.

Weitersagen – das ist die populärste und authentischste Westernhagen-Show!

Großes Kino, verlassen Sie sich darauf!

Einlass: 19:00 Uhr

Endlich! Der “Dschungelkönig der Herzen“ wieder on Tour!
DAS WOLGALIED - Peter Orloff & die Schwarzmeer Kosaken kommen

Endlich ist es wieder soweit! Nach dem erfolgreichsten Jahr seiner Geschichte folgte nach dem Abschlusskonzert am 8.März dieses Jahres die längste Konzertpause seiner Geschichte. Aber jetzt geht es für den Schwarzmeer Kosaken Chor und sein Publikum endlich weiter! Und in intensiver Zusammenarbeit mit den örtlichen Kräften und dem Corona-Beauftragten des Veranstalters soll es auch ein sorgenfreies Konzerterlebnis werden. Medizin für die Seele und ein Fest für die Ohren!

Ein absolutes Highlight ist das festliche Konzert des berühmten Schwarzmeer Kosaken-Chores unter der musikalischen Gesamtleitung und persönlichen Mitwirkung von Peter Orloff, der einst als jüngster Sänger aller Kosakenchöre der Welt - damals übrigens gemeinsam mit Ivan Rebroff - im Schwarzmeer Kosaken-Chor seine legendäre Karriere begründete und inzwischen sein 60-jähriges Bühnen-Jubiläum feiert.

Aus dem kleinen Jungen mit der schon damals aufsehenerregenden Stimme wurde die Schlagerlegende Peter Orloff, der „König der Hitparaden“ mit 19 eigenen Charts-Notierungen und zahlreichen Goldenen Schallplatten - u.a. als Sänger für „Ein Mädchen für immer“ und die „Königin der Nacht“, als Textdichter für Bernd Clüver‘s „Junge mit der Mundharmonika“ und als Komponist für „Du“, Peter Maffay‘s bis heute größten Hit, den inzwischen auch Helene Fischer singt, ebenso wie Andrea Berg und auch die Amigos den von Peter Orloff komponierten und getexteten Millionen-Hit „Der kleine Prinz“. Außer Peter Maffay und Bernd Clüver produzierte er u.a. auch Heino, Freddy Quinn und Julio Iglesias. In der Geschichte der ZDF-Hitparade hat er nach Chris Roberts die zweitbeste Wiederplatzierungsquote aller Zeiten der Interpreten mit den meisten Auftritten.

Ganz Deutschland fieberte mit, als Peter Orloff im Dschungelcamp 2019 ins Finale kam und zum Dschungelprinzen und Publikumsliebling wurde. Unvergessen sein furchtloser Balanceakt in schwindelnder Höhe und sein liebevoller Umgang mit Schlangen und Krokodilen. „Besser als Crocodile Dundee“ und „Chuck Norris des Dschungels“ titelt die Presse und für Deutschlands größte Tageszeitung ist Peter Orloff der „Dschungelkönig der Herzen“.
Bei seiner Rückkehr ist sein Tophit aus dem Jahre 1971 „Ein Mädchen für immer“ in der 2019 er Version bereits auf Platz 7 der deutschen i Tunes-Schlagercharts. Von seiner Gage spendet er eine Schule für Indianerkinder in Argentinien - bereits seine zweite Schule für die Stiftung „Fly & Help“, deren Kuratoriumsmitglied und Botschafter er ist. Inzwischen sind es, auch dank „RTL - Wir helfen Kindern“, bereits fünf Schulen!

Am 19. Juni 2019 stürmt seine CD „Teure Heimat“ mit dem Schwarzmeer Kosaken Chor auf Platz 2 der offiziellen deutschen Verkaufscharts / Volkstümliche Musik hinter Santiano und vor Andreas Gabalier - 52 Jahre nach seiner ersten Top-Platzierung in den Verkaufs-Hitparaden, ebenfalls auf Platz 2, damals noch hinter Peter Alexander und - vor den Beatles! In der Jahresauswertung ist das Album unter den TOP 20! Am 4. Dezember schafft er es dann sogar in die absolute Königsklasse, die Top 100 Album Charts und das gleich mehrfach in 2019 und 2020. Er ist der meist gegoogelte Mann des Jahres! Und der älteste „Ninja Warrior“-Teilnehmer aller Zeiten weltweit! Am 12.Januar 2020 erhält er gleich zwei der begehrten SMAGO Awards, den deutschen „Schlager-Oscar“, einen für den „Schlager-Titan“ und einen für den Charts-Stürmer und „Dschungelkönig der Herzen“. Mit 75 ist Peter Orloff erneut auf einem Höhepunkt seiner Karriere. Einer seiner persönlichen Lieblingssongs ist daher auch sein Lebensmotto: „Forever Young“!

Beeindruckende Pressestimmen von damals bis heute dokumentieren die Ausnahmestellung, die der einem berühmten russischen Adelsgeschlecht entstammende Peter Orloff selber als Solist in seinem Ensemble innehat. Begeisternde Fernsehauftritte vor einem Millionenpublikum und zahlreiche Goldene Schallplatten und CDs unterstreichen den Ruf des Schwarzmeer Kosaken-Chores als herausragendes Kosakenensemble unserer Zeit. Die Zuschauer können sich auf ein ebenso faszinierendes wie berührendes Konzertereignis freuen, das die Presse als „Orloff’s Wunderchor“ mit „Stimmen so schön und groß wie Russland“ feiert.

Unter der Führung von Peter Orloff konzertieren hochdekorierte ukrainische und russische Sänger der absoluten Weltklasse in herzlichem Einvernehmen - atemberaubende Tenöre, abgrundtiefe Bässe und als besonderes Highlight eine absolute Weltrarität, ein männlicher Sopran von der Kiewer Oper. Stimmwunder oder Wunderstimmen - beides stimmt! Dem Ensemble gehören auch drei der weltbesten russischen Instrumental-Virtuosen an. Sie haben Ivan Rebroff bis zu dessen Tod begleitet und sind nun quasi dessen musikalisches Vermächtnis an seinen einstigen Weggefährten und Freund Peter Orloff.
Dank seiner nahezu einzigartigen Besetzung ist der Schwarzmeer Kosaken-Chor in der Lage, ein wirklich außergewöhnliches Programm aufzuführen mit Werken wie dem „Gefangenenchor“, „Schwanensee“, „Leise flehen meine Lieder“ oder - das Paradesolo aller großen Tenöre - „Nessun dorma".

Herzstück des Konzerts sind natürlich die schönsten Kostbarkeiten aus dem reichen Schatz der russischen und ukrainischen Musikliteratur wie die berühmten „Abendglocken“ „Die zwölf Räuber“, „Ich bete an die Macht der Liebe“, „Stenka Rasin“, „Das einsame Glöckchen“, „Kalinka“ und auf vielfachen Wunsch „Das Wolgalied“.

Es ist eine musikalische Reise von Moskau bis an den Baikalsee, von Kiew bis St. Petersburg mit Romanzen, Geschichten und Balladen von überwältigender Ausdruckskraft, tiefer Melancholie und überschäumendem Temperament. Heldentaten, Ruhm und Größe vergangener Tage erstrahlen neu in hellem Glanz und rufen Erinnerungen und Sehnsüchte wach - ein wahres Feuerwerk der Emotionen.

Peter Orloff verspricht den Zuschauern schon heute einen unvergesslichen Konzert-Abend. Oder, so die Kommentare von Zuschauern, ein „Konzert mit Gänsehaut-Garantie“, und „musikalisches Naturereignis.“

Es gibt viele Kosakenchöre - aber nur einen Schwarzmeer Kosaken-Chor!

DAS WOLGALIED - Total emotional!

Einlass: 18 Uhr

Takeover! Ensemble
Stefanie Heinzmann Gesang
Hanna Rautzenberg Gesang

Manchmal gibt es dieses Phänomen, dass aus
einem Experiment erst eine Institution und dann
Kult wird. Der Geiger, Komponist und Rapper
Miki Kekenj hat ein solches Phänomen initiiert, als
er 2013 erstmals mit seinem Takeover! Ensemble
Klassik und Pop gemeinsame Sache machen ließ.
Inzwischen ist sein Experiment zum etablierten
Format geworden und hat so manchen legendären
Konzertmoment gezeitigt. Das Rezept ist einfach:
Angesagte Pop- und Soulkünstler wie Joy Denalane, Cassandra Steen oder Joris treffen auf ein
klassisches Kammerensemble. Doch die Arrangements, die für diese »Joint Ventures« entstehen,
sind außergewöhnlich überraschend und fordernd.
Auch gemeinsam mit Stefanie Heinzmann und
Hanna Rautzenberg geben Miki und sein Ensemble
sich nicht damit zufrieden, Soul in ein klassisches
Gewand zu kleiden, sondern setzen auf den produktiven Culture Clash.

Auftragswerk des HEINRICH SCHÜTZ MUSIKFESTs 2024
Auswahl aus Heinrich Schütz‘ "Symphoniae sacrae" III verwoben mit "Tiefhoffnungsblau" von Annette Schlünz und Ulrike Schuster

Solistische Perfektion verschmolzen zu einem lebendigen, transparenten Ensembleklang – diesen Ruf hat sich das Ensemble Ælbgut seit seiner Gründung 2018 mit außergewöhnlichen Konzertprojekten und hochgelobten CD-Einspielungen in beeindruckender Geschwindigkeit erarbeitet. Die Sopranistin Isabel Schicketanz, der Altus Stefan Kunath und der Bariton Martin Schicketanz überzeugen als Experten-Ensemble für die Musik des 17. und 18. Jahrhunderts gemeinsam mit profilierten Kolleg:innen im In- und Ausland. Ihrem Ideal, die Barockmusik möglichst plastisch und authentisch und daher nah am Wort zu realisieren, macht das junge Ensemble zunehmend zu einem gefragten Partner für solche Projekte, die Repertoire- und Stilgrenzen verschieben oder überwinden.
Gemeinsam mit dem Instrumentalensemble CONTINUUM – unter der Leitung der Cembalistin Elina Albach eine der führenden Formationen neu gedachter Präsentation Alter Musik – nimmt sich Ælbgut als artist in residence für das HEINRICH SCHÜTZ MUSIKFEST einer besonderen Herausforderung an: Mit dem Auftragswerk "Tiefhoffnungsblau" schufen die Komponistin Annette Schlünz und die Dichterin Ulrike Schuster neun Sätze, die changieren zwischen Fragen an die Glaubens- und Lebenswelt der Schütz-Zeit und Antworten auf das Sehnen der Gegenwart nach etwas Befriedendem und Behütendem, das größer ist als die menschliche Vorstellungskraft.
"Tiefhoffnungsblau" verbindet eine Auswahl aus den 1650 erschienenen "Symphoniae Sacrae" III von Heinrich Schütz: Klangprächtige und effektvolle Werke stellte der Kapellmeister am Sächsischen Hof in dieser (vorerst) letzte Opusnummer zusammen – konzipiert wahrscheinlich auch als Zusammenfassung der Breite seines kompositorischen Schaffens. Die hohe Textgebundenheit der Konzerte, die strukturgebende Merkmale der Sprache ebenso betrifft wie den tiefempfundenen Glaubensinhalt, macht diese Musik Heinrich Schütz‘ auch über die Distanz von fast 400 Jahren zu nahbaren Werken, die gerade im Spiegel zeitgenössischer Dichtung die Relevanz kulturellen Erbes unterstreichen.

Einlass: 18:30

Klostergesänge und Kampfschriften von Isabella Leonarda und Arcangela Tarabotti

Die Kompositionen der berühmten Ordensschwester Isabella Leonarda entführen in eine entrückte Welt, in der auch das größte Leid Genuss bedeutet und zum Licht führt. – Diese ergebene Lebenshaltung teilt Leonardas „Nonnenkollegin“ Arcangela Tarabotti gar nicht: Es entsteht ein reizvolles Spannungsfeld zwischen musikalischer Entrückung und bitterbösen Texten über ein Klosterleben, das der Autorin verhasst war. Nicht umsonst heißt eines ihrer – überraschungsfrei zu Lebzeiten unveröffentlichten – Werke „Klösterliche Hölle“.
Das Schaffen der Komponistin und der „Krawallschwester“ könnte gegensätzlicher nicht sein. Isabella Leonarda (1620-1704) gilt als eine der bedeutendsten Komponistinnen des 17. Jahrhunderts. Sie trat im Alter
von 16 Jahren dem Orden Collegio di Sant’Orsola in Novara bei und erhielt eine profunde musikalische Ausbildung. Im hohen Alter schuf sie eine Sammlung von Triosonaten, die als die ersten von einer Frau veröffentlichten Instrumentalwerke gelten. Arcangela Tarabotti (1604-1652) wurde mit 13 Jahren in das venezianische Kloster Sant´Anna in Castello gegeben. Sie lehnte sich in Schriften wie Tirannia paterna („Väterliche Tyrannei“) und Inferno monacale („Klösterliche Hölle“) gegen das System der Frauenklöster und das patriarchale Herrschaftssystem auf. Spätere Werke wurden zu Tarabottis Lebzeiten gedruckt und vertraten im intellektuellen Diskurs der Zeit explizit feministische Positionen.

Musik aus dem 16., 17. und 21. Jahrhundert von Heinrich Schütz, Melchior Franck, Eleonora d‘Este sowie David Lang, Caroline Shaw, Laura Marconi und Shara Nova

Vielfältig sind die Perspektiven der Frauen und auf das Weibliche in der Frühen Neuzeit ebenso wie im 21. Jahrhundert. Sjaella bringt sinnliche Beschreibung der Schönheit und den tiefgehenden Blick in die emotionale, geistige und auch biologische Innenwelt der Frauen, wie ihn wohl nur diese Generation einnehmen kann, in diesem extra für das HEINRICH SCHÜTZ MUSIKFEST konzipierten Programm zum Klingen.
Der Rausch der Faszination von Schönheit und Weiblichkeit, der Rausch von Leidenschaft, Sehnsucht, Schmerz und Verlangen und auch der Rausch des Kreislaufs und der Hormone – er trägt durch die Alte Musik ebenso wie durch zeitgenössische.
Es ist eine seltene Gelegenheit, vertraute Vokalsätze von Heinrich Schütz und Melchior Frank in Arrangements für Frauenstimmen zu erleben. Zeitgemäß, persönlich und unbedingt überzeugen sind die Kontrastmoment in den Werken von Laura Marconi (*1989), Caroline Shaw (*1982) und David Lang (*1957) mit Texten von Dichterinnen unserer Gegenwart

Musikalische und literarische Schätze der Zeitgenossinnen von Heinrich Schütz

Mit einem Gang durch eine musikalische Schatzkammer feiert die US-amerikanische Sopranistin Lisa Solomon ihr Festivaldebüt: Eingewoben in einen erzählerischen Bogen erklingen Werke in italienischer, deutscher und englischer Sprache von Komponistinnen und Dichterinnen aus dem Europa des 17. Jahrhunderts. Liebe, Verzweiflung, Ehrfurcht und Glauben führen als zentrale Themen des Menschseins beinahe mythologisch aus dem Irdischen ins Himmlische – und hinunter in seelische Abgründe.
In den Werken von Barbara Strozzi und Francesca Caccini, aber auch von weniger bekannten Zeitgenossinnen wie Lady Mary Dering, Herzogin Sophie Elisabeth von Braunschweig-Wolfenbüttel, Settimia Caccini oder Lucrezia Orsina Vizzana lassen sich Kleinodien entdecken, deren Strahlkraft den Werken männlicher Kollegen in nichts nachsteht. Dichtungen unter anderem von Sibylla Schwarz, Aphra Behn und Sarra Copia Sulam ergänzen das Programm, dessen Entstehung unter anderem durch die Deutsche Orchester-Stiftung gefördert wurde.

Neuzeitliche Erstaufführungen von Werken der Herzogin Sophie Elisabeth von Braunschweig-Wolfenbüttel und ihrer Zeitgenossen

Sie war beides: Musikerin und Mäzenin – und nahm am kunstsinnigen Wolfenbütteler Hof als gebildete und begabte Herzogin entscheidende repräsentative Aufgaben wahr. Sophie Elisabeth von Braunschweig-Wolfenbüttel komponierte barocke Singspiele und regte Gemeinschaftsdichtungen an, schrieb Erbauungsliteratur, Gedichte, diverse Dramen und Librettos sowie höfische Maskeraden, die als Handschriften überliefert sind. Seit 1638 stand sie in Kontakt mit Heinrich Schütz, der sie beriet und ihre kompositorischen Fortschritte lobte. Als Mäzenin förderte sie die Komponisten Johann Jakob Löwe zu Eisenach und Johannes Julius Weiland, heute weitgehend unbekannte Musiker der "Schütz-Schüler-Generation". Der Musiker und Wissenschaftler Arno Paduch hat seit 2020 Werke der Herzogin Sophie Elisabeth von Braunschweig-Wolfenbüttel für die Aufführung in der Gegenwart aufbereitet und dabei so manchen Schatz gehoben…

Werke von Heinrich Schütz, Sophie Elisabeth von Braunschweig-Wolfenbüttel, Christoph Bernhard, Matthias Weckmann, Johann Theile, David Pohle, Johann Nauwach, Adam Krieger und Heinrich Albert

Um 1600 vollzieht sich ein tiefgreifender Wandel, der die Seele als Ort menschlichen Empfinden und Essenz des Seins in den Fokus von Philosophie und auch Theologie, Dichtung und Musik rückte. Einsamkeit, Erschütterung, Trauer, Angst einerseits und Liebe, Trost und Ergötzung andererseits werden wie unter einem Vergrößerungsglas Auslöser zur Erforschung der Verfasstheit des Menschen. Als ‚musikalische Seelenkunde‘ leiten die Werke Heinrich Schütz‘ und seiner Zeitgenossinnen und Zeitgenossen in Miniaturen durch emotionale Tiefen und Höhen, die bis heute Momente der Selbsterkenntnis anbieten.
In ihrem Solo-Programm präsentiert Isabel Schicketanz, Mittelpunkt des Ensembles Ælbgut, gefragte Solistin für die Musik des 16. bis 18. Jahrhunderts und prägnante Stimme innerhalb der Schütz-Gesamteinspielung unter Leitung von Hans-Christoph Rademann, eine Auswahl verinnerlichter Lieder und Gesänge von Heinrich Schütz und seiner "Meisterklasse". Diese Release-Konzert ihrer Debüt-CD ist reich an bewegender Musik voller Zuversicht und Glaubenstrost.

Schütz im Jazz-Kontrapunkt // Annäherung und Erweiterung

Man kann sich der Musik vergangener Epochen forschend nähern, um ihrer ursprünglichen Form und ihrem möglichst authentischen Wesen nahezukommen – das mag einer Zeitreise so nahekommen, wie es gegenwärtig wohl möglich ist. Oder man lädt die historische Musik ein, aufzubrechen auf eine klingende Reise und sich in einem ganz unerwarteten ästhetischen Kontext zu entfalten.
ArsMusicaElletrica mit der Sopranistin Julla von Landsberg treffen sich unter dieser Prämisse mit der Musik Heinrich Schütz‘ und seiner begabtesten Schüler in einem Jazzclub – eine denkwürdige Begegnung in jedem Fall!

Dichtungen der „poeta laureata“ Gertraud Möller in Vertonungen von Johann Sebastiani

Rezitation: Anna-Katharina Muck

Königsberg im Jahr 1672: Der gebürtige Weimarer Johann Sebastiani feilt an den Vertonungen von knapp 70 Gedichten der Dichterin Gertraud Möller. Ihre Texte zeugen vom scharfen Verstand, mit dem die Dichterin die Freuden und Sorgen der Menschen beobachtet: Hier trifft es den Eitlen, dort wird eine Lanze für den Armen gebrochen. Eine Schäferin spielt mit der entflammten Liebe eines Philosophen, es wird zu einer ziemlich skurrilen Hochzeit geladen. Passionslyrik voller barocker Bildsprache und feinsinnige Betrachtungen berühren die großen Fragen nach dem Leben, dem Sterben und der Religion.
Die Vertonungen des kurfürstlich brandenburgisch-preußischen Kapellmeisters in Königsberg Johann Sebastiani reichen vom generalbassbegleiteten Sologesang bis zum fünfstimmigen Ensemblegesang. Farbenreich werden viele der Strophenlieder mit kommentierenden, unterstreichenden oder einfach fortspinnenden Geigenritornellen ergänzt. Trotz der Vielzahl an Texten gelingt es Sebastiani stets, als „Diener des Textes“ für alle Verse und Bilder eigene, gewinnende Melodien zu finden. Das zeugt – ebenso wie die Publikation der Parnaß-Blumen 1672 in Hamburg – von der hohen Achtung, die Gertraud Möller und ihrem Werk entgegengebracht wurde. Künstlerische wie gesellschaftliche Anerkennung war auch ihre Aufnahme in den Pegnesischen Blumenorden – als eine von vierzehn Frauen aus dem deutschen Sprachraum im 17. Jahrhundert!
Das Ensemble Ælbgut gründete sich vor sechs Jahren aus einer Zusammenarbeit mit dem Ensemble WUNDERKAMMER heraus. So sind die „Parnaß-Blumen“, mit dem die beiden Formationen 2022 ihre zweite Einspielung bei Coviello Classics vorlegten, ein Programm, das gleichermaßen die Wurzeln einer Erfolgsgeschichte präsentiert, als auch neugierig macht auf Zukünftiges, wartet doch noch so mancher musikalische Schatz des 17. Jahrhunderts auf seine Entdeckung!

Ein Salonkonzert mit Kompositionen und Dichtungen von Barbara Strozzi, Mary Harvey Dering, Sybilla Schwarz, Élisabeth-Claude Jacquet de la Guerre und Sophie Elisabeth zu Braunschweig-Lüneburg

Man findet sie durchaus, die Komponistinnen des 17. Jahrhunderts. Im Konzert bleibt die Entdeckung ihres künstlerischen Schaffens jedoch oft nur ein angenehmer, vielleicht Erstaunen weckender Moment. Zu kurz kommt oft die Frage, unter welchen Bedingungen die Musikerinnen arbeiteten, wie und wo sie lernten – und wie ihre Werke von den Mitmenschen und der Nachwelt aufgegriffen wurden. In diesen Einblicken verortet die Musikwissenschaftlerin und Journalistin Eva Morlang die Komponistinnen der Frühen Neuzeit nicht nur in der Kulturgeschichte und macht sie zu mehr als einem historischen Phänomen, sie formuliert auch Ansprüche an ein Konzertrepertoire, in dem das Werk der Frau mehr als ein „spannender Moment“ ist.

Wechselvolle Biografien werfen Licht auf die spannende Frage, wie Frauen um 1600 (Berufs-)Musikerin wurden // In Kooperation mit dem Heinrich-Schütz-Haus Weißenfels

Mit Musik seinen Lebensunterhalt verdienen – das war, wie in fast allen anderen Berufen auch, lange Zeit nur Männern vorbehalten. Frauen durften musizieren, aber nur im privaten Raum und ohne Geld dafür zu nehmen. Um 1600 begann sich das, zumindest in Italien, zu ändern. An den Fürstenhöfen in Ferrara, Mantua und Florenz etablierten sich Sängerinnen, die ihre Künste im Madrigal wie auch auf der Bühne zeigten. Und selbst in Rom, wo Frauen in der Öffentlichkeit generell nicht auftreten durften, waren sie in den Privaträumen der Kardinäle und Prälaten durchaus willkommen. Als die kommerziellen Opernhäuser in Venedig 1637 ihre Pforten öffneten, wuchs der Bedarf an Sängerinnen weiter an. Wie aus der Freizeitbeschäftigung des Musizierens ein Beruf mit hochbezahlten Künstlerinnen wurde, welche Voraussetzungen dafür erfüllt sein mussten, wo die Sängerinnen auftreten konnten, wie ihre gesellschaftliche Stellung und ihr Ansehen war, soll Thema dieses Vortrags sein.

Werke von Francesca Caccini, Francesca Campana, Barbara Strozzi, Isabella Leonarda und Antonia Bembo

Es waren vor allem Italienerinnen, die im 17. Jahrhundert mit ihrer Seele und ihrem Talent komponierten und deren Werke in den vergangenen Jahrzehnten von Forschenden, Musizierende und dem Publikum wiederentdeckt werden. Nicht selten war die Musik die einzige Ausdruckmöglichkeit in einer Welt, die ihr Genie nicht – oder nur hinter stabilen Klostermauern – anerkannte. Oft fehlen uns nicht nur Eckpunkte dieser Frauenbiografien, sondern auch Abbilder, sodass die erklingenden Werke zu Porträts weitgehend verschleierter Vorfahrinnen werden. Leuchtende Ausnahmen gab wie Francesca Caccini, die auch dank ihrer Herkunft aus einer weithin anerkannten Musiker-Familie am Medici-Hof in Florenz große Erfolge feierte, zeigen, was vielen Komponistinnen und Musikerinnen verwehrt geblieben ist: Anerkennung und Wertschätzung auch nachgeborener Generationen.
Mit diesem musikalischen Porträt würdigt das französische Ensemble Les Kapsber’girls bei ihrem Festivaldebüt Individuen, die Kapitel der europäischen Musikgeschichte mitgeschrieben haben. Für ihre ersten beiden Einspielungen – "Kapsberger: Che fai tù?" (Muso, 2020) und "Vous aves dit Brunettes?" (Alpha Classics, 2022) – wurde das 2015 gegründete, rein weiblich besetzte Ensemble mehrfach mit dem renommierten Diaspason d’Or ausgezeichnet. Das verheißt Großartiges für die CD zu „Donne Sacre – Donne Profane“, die im Frühjahr 2025 ebenfalls bei Alpha Classics/Outhere Music erscheinen wird.

Madrigale und Motetten von Vittoria Raffaella Aleotti, Caterina Assandra, Lucrezia Vizzana und Isabella Leonarda

Jahrhundertelang waren mehr als drei Viertel der Frauen aus der italienischen Oberschicht in Klöstern
eingesperrt, ob sie wollten oder nicht. „Schwestern-Akt“ erzählt mit progressiver und moderner Musik, die von Nonnen im Italien des 17. Jahrhunderts komponiert wurde, von den Sehnsüchten und Frustrationen der Frauen, die „für die Welt tot“ waren und einen Ausweg suchten. Es entspinnt sich eine Geschichte von Nonnen, die die für sie verbotene Polyphonie gegen alle Widerstände „eroberten“, von unstillbarer Neugier nach neuester Musik und einem verkleideten Ausflug oder einer brennenden Klostermauer und der Befreiung aus der strengen Klostergesellschaft. Dass dieses Aufbegehren oft verbunden war mit großen Skrupeln und lähmendem Selbstzweifel, macht einmal mehr die bewundernswerte Energie deutlich, mit der sich weibliche Schöpfungskraft in der Frühen Neuzeit Räume schaffen musste.
Titans Rising gründete sich 2014 mit dem Ziel, Musik der Renaissance- und Barockzeit abseits ausgetretener Pfade zur Aufführung zu bringen. Eine Konzertreihe über mächtige Frauen in Politik und Kunst, Barockmusik aus Bolivien oder die prächtige Musik der Gegenreformation: Das Ensemble sucht immer wieder nach spannenden Kontexten und attraktivem Repertoire, um Neugierige an die Alte Musik heranzuführen. Bei seinem Festivaldebüt präsentiert sich die Berliner Formation nicht ohne Grund mit einem Programmtitel, der an eine überaus erfolgreiche Geschichte erfindungsreicher Frauen erinnert…

Werke aus dem Umfeld der Mäzenin Christina von Schweden unter anderem von Vincenzo Albrici, Giacomo Carissimi, Antonio Cesti und Alessandro Scarlatti

Verleihung des Internationalen Heinrich-Schütz-Preises 2024

Sie ist auch für die historischen Wissenschaften ein Phänomen, vielleicht sogar ein Rätsel: Christina von Schweden. Waren ihre Krönung als Sechsjährige und die Übernahme der Herrschaft als Achtzehnjährige zwar ungewöhnlich, dynastisch aber nicht weiter bemerkenswert, so lassen sich die Beweggründe ihre Abdankung zugunsten ihres Cousins Karl Gustav 1654 und die noch im selben Jahr vollzogene Konversion zum Katholizismus bis heute nicht abschließend erklären. Zu den Konstanten dieses bewegten Lebens gehört ein großes Interesse an Kunst, das sie zu einer der einflussreichsten Mäzenin ihrer Zeit machte.
Und so stehen herausragende Werke, die ohne das Protektorat Christina von Schwedens vielleicht nie Veröffentlichung und Verbreitung gefunden hätten, in einem festlichen Konzert am Ende des HEINRICH SCHÜTZ MUSIKFEST 2024. Vor dem Hintergrund eines außergewöhnlichen Lebens einer Frau auch als Spiegel der für die Moderne so einflussreichen Umbruchszeit des Dreißigjährigen Krieges erklingen Vokalkonzerte, die die mehr als 2.000 Kilometer zwischen Stockholm und Rom, ja sogar die konfessionellen Gräben des Europas des 17. Jahrhunderts überwinden konnten.

Nacht Der Gitarren - feat.LULO REINHARDT (Deutschland),CLAIRE BESSON (Frankreich), CENK ERDOGAN (Türkei), STEPHANIE JONES (Australien)

Die„Nacht Der Gitarren“ versammelt die weltbesten Gitarristen für eine Festivaltour (jeweils vier Musiker), wo sie ihre neuesten Originalkompositionen sowie Coverversionen zum Besten geben.
Zu jeder Tour präsentiert „Nacht DerGitarren“ eine neue Riege von Gitarren-Koryphäen, um diesen sehr speziellen Abend mit Solo-, Duett- und Quartettauftritten zu gestalten und die Virtuosität und Vielfalt innerhalb der Akustikgitarrenwelt herauszustellen. Spannend ist das Festival, weil sich hier nicht nur verschiedene Kulturen treffen, sondern auch jüngere Künstler auf erfahrenere Musiker stoßen. Gerade diese Mischung macht das Geniale bei diesen Konzerten aus. Fans der akustischen Gitarre kommen hier immer auf ihre Kosten, sie lernen jedes Mal neue Talente oder interessante etablierte Künstler kennen.

Einlass:19:00 Uhr