Mit einem bunten Strauß jüdischer Musik überrascht das SERAMONICA Trio. Nicht nur die Beethoven-Zeitgenossin Helene Liebmann, die ukrainisch-israelische Komponistin Anna Segal, der dem Holocaust entkommene Don Jaffé oder Erwin Schulhoff sind echte Entdeckungen. Auch die besondere Klangmischung aus Harfe, Violoncello und Klavier des Ensembles bietet dem Publikum neue musikalische Erlebnisse.

Freuen Sie sich auf einen Konzertabend voller musikalischer Überraschungen.

Werke von
Helene Liebmann (1795-1869)
Erwin Schulhoff (1894-1942)
Don Jaffé (*1933)
Anna Segal (* )

SERAMONICA Trio:
Serafina Jaffé, Harfe
Ramon Jaffé, Violoncello
Monica Gutmann, Klavier

Einlass ca. 30 min vor Beginn

Warten auf Godot: Samuel Becketts Legende des modernen Theaters. Rätselhaft bis heute mit unzähligen Inszenierungen und unzähligen Deutungen. Das Rätsel Mensch - und wir?

Einlass ab ca. 18.30 Uhr

Thomas Quasthoff / Gesang
Rüdiger Baldauf / Trompete, Flügelhorn, Effekte
Wolfgang Meyer / Gitarre


Mit Thomas Quasthoff kommt einmal mehr ein Weltstar im Rahmen der Ottobrunner Konzerte in das Wolf-Ferrari-Haus. Der Grammy- und mehrfache ECHO-Gewinner Thomas Quasthoff blickt auf eine beeindruckende Weltkarriere als klassischer Bassbariton zurück, der sich gleichzeitig im Jazz zuhause fühlt. Wenn „der Mann mit der schönsten Stimme der Welt“, wie ihn der Stern nannte, sich mit dem Trompeter Rüdiger Baldauf und dem Gitarristen Wolfgang Meyer auf der Bühne trifft, geschieht vor allem eines: Magie! Zusammen machen sie Emotionen in der Musik unmittelbar erlebbar und verwandeln ihren reichen Schatz an musikalischer Lebenserfahrung in eine große emotionale Klangwelt. Thomas Quasthoff war einer der weltbekannten Opern- und Liedsänger, bevor er 2012 seine beispiellose Karriere nach drei Grammys und sieben ECHO-Auszeichnungen beendete. Die Bühne ließ ihn nicht los, und er entdeckte viele neue Talente an sich. Seitdem stand er als Rezitator, Kabarettist, Moderator und sogar als Schauspieler auf der Bühne. Schon lange bevor er sich aus der Klassik verabschiedete, begann er zudem, seiner zweiten großen Liebe, dem Jazz, nachzugehen, der ihn sein ganzes Leben lang begleitet hatte. Das Mikrofon wurde sein Instrument.
Rüdiger Baldauf kennen viele als Trompeter der „RTL-Samstag Nacht Show“ oder „TV Total“. Er tourte mit dem Paul Kuhn Orchester, mit Udo Jürgens, dem „United Jazz and Rock Ensemble“ oder mit Joe Zawinul und Maceo Parker und spielte in Produktionen mit Max Greger, Jamie Cullum, George Duke, Michael Bublé, Ray Charles, John Scofield, James Brown, Seal, Liza Minelli oder Barbara Streisand. Zusammen mit dem Gitarristen Wolfgang Meyer, der als Jazzgitarrist auf den bekannten Jazzfestivals von Kanada bis Brasilien und Europa regelmäßig zu Gast ist, bildet Rüdiger Baldauf die perfekte Besetzung, um die eindrucksvolle Stimme von Thomas Quasthoff zu beflügeln.

Big 4 Tribute Festival

Metallica (performed by Lamettica)
Slayer (performed by South of Hessen)
Anthrax (performed by We´re The Men)
Megadeth (performed by Megalive)

Einlass: 19:00 Uhr

Millionen Streams, 50.000 verkaufte Tonträger, tausende Konzertbesucher weltweit, Standing Ovations wo sie auftreten, viral auf Instagram & YouTube, ein Fankult wie bei Rockstars - Willkommen bei Café del Mundo, dem derzeit angesagtesten Gitarren-act.
Es ist ihr Zusammenspiel, ihr unverwechselbarer Sound, ihre Liebe zu Paco de Lucías, verbunden mit der Freude an moderner Popmusik wie Coldplay oder U2, die diese beiden Konzertkünstler zu einem einzigartigen Musik-Erlebnis macht.
Gemeinsam entfalten die beiden Gitarristen neue, bisher ungehörte Klangwelten. Die Konsequenz ist ein weltweit begeistertes Publikum.
Sie arbeiten mit dem Royal Philharmonic Orchestra zusammen, produzieren in den Abbey Road Studios, London, und füllen Herzen und Säle selbst in Andalusien. Mit „80er unplugged“ haben Alex und Jan ihre eigene Radioshow bei Radio Ton.

Café del Mundo ist pure Lebensfreude. Alex und Jan erschaffen das Kunststück echten crossovers, echter Verbindung - mit sich und mit dem Publikum. So entsteht jeden Abend eine Magie, die lange nachklingt - „hörbar grenzenlos" - so klingt Gitarre heute.

„GROSSES KINO“
(Oliver Hochkeppel, Süddeutsche Zeitung)

Einlass: 18:30 Uhr

Nach zwei restlos ausverkauften Deutschland-Touren im April und Oktober 2024 wird es allerhöchste Zeit für Nachschlag! Und zwar für einen kalorienreichen! Schließlich steht der Durchstarter aus Österreich gerade im Studio, um sein Debutalbum aufzunehmen. Und wer ANDA MORTS Musik bislang verfolgt hat, weiß: da gibt´s garantiert fett was auf die Ohren - und fürs Herz.

„Authentisch und kein Arschloch zu sein find ich wichtig“ so der Indie-Punker aus Linz ohne jede künstliche Attitüde. Und genauso offen und direkt singt der 26-jährige über seine Lebensbetrachtungen und persönliche Gefühlslagen, und spricht seinem Publikum damit aus der Seele. Seine Songs hat er früher alleine DIY in seinem WG Zimmer produziert, LoFi at it’s best. Im krassen Gegensatz dazu die Livepräsentation: da darf man/frau sich auf hochenergetische Punkshows freuen, bestechend mitreißende Hooklines und Moshpits inklusive! ABER JETZT! JETZT ABER WIRKLICH!"

Einlass: 19:00 Uhr

Mit »All Memory Is Theft« zeigt das ZKM eine umfassende Retrospektive des belgischen Film- und Medienkünstlers Johan Grimonprez (*1962), dessen Werk sich an der Grenze zwischen Theorie und Praxis, Kunst und Kino, Dokumentation und Fiktion bewegt.

„Wem gehört unsere Fantasie in einer Welt, in der die Existenz ins Wanken gerät, und die Wahrheit als schiffbrüchige Geflüchtete umherirrt? Sind es die Geschichtenerzähler:innen, die die Widersprüche in Schach halten können, indem sie zwischen die uns gegebenen Sprachen schlüpfen und zu Zeitreisenden der Imagination werden?“ (Johan Grimonprez)

Basierend auf einer Archäologie der heutigen Medienlandschaft kombiniert Grimonprez Fragmente aus Filmen, Fernsehnachrichten, Werbung, Kino- und Amateurfilmen sowie dem Internet und webt daraus neue Narrative, die unsere Wahrnehmung der Realität auf die Probe stellen. Grimonprez‘ Werke, die in den bedeutendsten Museen weltweit präsentiert und auf Festivals vielfach ausgezeichnet wurden, führen uns vor Augen, inwieweit sich die Art der Darstellung von Aktualität und Imagination, von CNN und Hollywood heute verschränkt haben. Sie betonen damit die Komplexität unserer durch Medien geprägten Gegenwart, die in Zeiten von Populismus und im Internet grassierenden Verschwörungstheorien mehr denn je anfällig für Manipulationen ist.    

In der Ausstellung werden Johan Grimonprez‘ Werke aus den letzten 30 Jahren in einem vielschichtigen Parcours präsentiert, bei dem Bewegtbilder, Archivmaterialien und Zitate intertextuell miteinander verwoben sind. Die Ausstellung umfasst Filminstallationen, Lang- und Kurzfilme, Vlogs, Storyboards und Zeichnungen des Künstlers und spannt so einen Bogen von seinen frühen Arbeiten wie »Kobarweng or Where is your Helicopter« (1992) und seiner Mehrkanal-Installation “It will be alright if you come again (…)” (1994) über seinen documenta X Beitrag »dial H-I-S-T-O-R-Y« aus dem Jahr 1997 bis zu seinem neuesten, vom ZKM für die Ausstellung koproduzierten Film »Soundtrack to a Coup d‘Etat« (2024), der in diesem Jahr für die Oscars® als Bester Dokumentarfilm nominiert wurde – eine rasante Montage aus Archivmaterial, die von der Unabhängigkeit des Kongo von der belgischen Kolonialherrschaft im Jahr 1960 und der Ermordung des ersten frei gewählten Premierministers Patrice Lumumba handelt und dabei die Verbindungen zwischen Jazzmusik, Geopolitik und kolonialer Machtdynamik während des Kalten Krieges nachzeichnet.

Unter Bezugnahme auf Paul Virilio sagte Johan Grimonprez einmal, dass jede Technologie auch ihren eigenen Unfall hervorbringt: „Mit dem Schiff hat man den Schiffbruch erfunden, mit dem Fliegen den Flugzeugabsturz“, so der französische Philosoph und Medientheoretiker. Man könnte hinzufügen, dass mit der Erfindung der virtuellen Realität und der KI die Wirklichkeit verunfallt ist. Grimonprez' Arbeiten weisen also nicht nur darauf hin, dass die Medien heute nicht mehr die Realität einholen müssen, sondern dass es vielmehr die Realität ist, die heute die Medien einholen muss.

Museumsöffnungszeiten

Ein Tag im Zeichen von Jakob Fugger (1459 – 1525) | Konzerte, Führung, Workshop
Samstag, 15. November 2025, 11:30 bis 21:00 Uhr
St. Anna Kirche, Fuggerstr. 8, 86150 Augsburg


Folgende Veranstaltungen sind inbegriffen:


11:30 Uhr – 12:15 Uhr, Fuggerkapelle
Pfeifen und Saiten im Dialog
Italienische und süddeutsche Tastenmusik zur Zeit Jakob Fuggers

Erstmals in Augsburg zu hören und zu sehen, entführt der Nachbau einer gotischen „Taubenei“-Orgel aus der Orgelbauwerkstatt Winold van der Putten nach Plänen von Arnaut von Zwolle (1400 – ca. 1466), zusammen mit dem Nachbau eines Clavicytheriums aus dem Jahr 1480, in die Klangwelt des jungen Jakob Fugger, einer Zeit, in der sich die Berühmtheit des Tastenspielers weitaus mehr an seinen Fähigkeiten in der Improvisation als in der Komposition maß. Mit Werken aus dem Codex Faenza (ca. 1420), der Buxheimer Tabulatur (um 1460), dem Codex Amerbach (1513 – 1532) sowie der Sammlung aus Castell’Arquato (frühes 16. Jhdt.) bereiten Sabine Lutzenberger, Brett Leighton und Michael Eberth ein einzigartiges und in Augsburg garantiert bisher nie gehörtes Klangerlebnis. Die Orgel wird voraussichtlich bis zum fünfhundertsten Todestag Jakob Fuggers am 30. Dezember 2025 in St. Anna zu erleben sein.

Ausführende: Sabine Lutzenberger, Gesang | Brett Leighton, Michael Eberth, gotische Orgel und Clavicytherium



12:30 Uhr – 14:00 Uhr, Fuggerkapelle
Führung in der Fuggerkapelle

Als erster Renaissancebau nördlich der Alpen, von Albrecht Dürer mitkonzipiert, dient die Fuggerkapelle in St. Anna als Familiengrablege der Familie Fugger. Die dort von Jakob Fugger gestiftete Orgel des Orgelbauers Jan Behaim von Dubrau entstand in Zusammenarbeit mit dem berühmten Organisten und Orgellehrer Paul Hofhaimer, als dieser auf Wunsch von Kaiser Maximilian I. ab 1507 in Augsburg wohnte und wirkte. Die Spielanlage und das Pfeifenwerk der Orgel sind nicht mehr erhalten, das Gehäuse ist rekonstruiert, allein die Flügeltüren sind erhalten. Mit der Betrachtung der Portraits von Jakob Fugger und seinen Brüdern auf einem der großen Orgelflügel, sowie mit dem mit großer Wahrscheinlichkeit von Hofhaimer angeregten Bildprogramm „Entstehung und Verbreitung der Musik“ auf den Flügeltüren des Rückpositivs, tauchen wir ein in das Augsburg um 1500.

Ausführende: Dr. Gregor Nagler und Hans Ganser MA



16:00 Uhr – 17:00 Uhr, im Innenhof – bei schlechtem Wetter im Ostchor der Kirche
Piccola Venezia
Italienische Liebeslyrik im Hause Fugger

In Venedig wurden Bücher aller Genres gedruckt und fanden von dort aus den Weg in die Welt. Einer der bedeutenden venezianischen Buchdrucker und Musikverleger war Ottaviano Petrucci (1466 – 1539), der den Notendruck mit beweglichen Metalltypen erfand und so die Musikwelt revolutionierte. Das Programm bringt populäre Liebeslieder der oberitalienischen Höfe zu Gehör.
Die Frottola, entstanden im 15. Jahrhundert in mündlich-improvisatorisches Praxis und nur vereinzelt schriftlich überliefert, entwickelte sich bald zu einer höchst erfolgreichen kompositorischen Gattung. Durch die regen Handelsbeziehungen der Fugger gelangte sie auch in die Augsburger Fugger-Häuser, wo auch italienische Musiker zu Gast waren und im Umkreis der der Hofkapelle Kaiser Maximilians auf hohem Niveau musiziert wurde. Auf dem Programm stehen Kompositionen berühmter Musiker wie Serafino Ciminelli dell’Aquila, Niccolò da Correggio, Bartolomeo Tromboncino und Marchetto Cara.

Ausführende: Sabine Lutzenberger, Gesang | Baptiste Romain, Lira da braccio, Renaissancevioline | Vincent Kibildis, Harfe | Marc Lewon, Laute



19:00 Uhr – 20:00 Uhr, St. Annakirche
Das Augsburger Liederbuch, der Codex Pernner und die Fugger-Handschrift Wien, Österr. Nationalbibliothek. 18810
Musikschätze im Umkreis Jakob Fuggers des Reichen

Die in der Staats- und Stadtbibliothek Augsburg verwahrte umfangreiche Handschrift 2° Cod. 142a, angefertigt zwischen ca. 1505 und 1518, gelangte später aus dem Besitz des Augsburger Patriziers Hans Heinrich Herwart (1520 – 1583) in die 1537 gegründete Augsburger Stadtbibliothek. Als Spiegelbild des hohen Niveaus der Musikpflege des Augsburger Patriziats ist das Augsburger Liederbuch ein höchst wertvolles Dokument urbaner Kultur des beginnenden 16. Jahrhunderts. Der Codex Pernner aus dem vermutlichen Besitz von Paul Hofhaimer und im Scriptorium der Karmeliter von St. Anna gebunden, enthält, ebenso wie das Augsburger Liederbuch, vorwiegend untextierte Stücke. Er dokumentiert die Musikpflege der kaiserlichen Hofkapelle und der professionellen Augsburger Stadtmusiker etwa um 1521. Direkt aus dem Besitz der Fugger stammt die heute in Wien aufbewahrte Handschrift mit der Bibliotheksnummer 18810. Sie wurde von Bernhard Rem, dem ersten Organisten der von Jakob Fugger für St. Anna gestifteten Orgel, geschrieben. In ihr finden sich hauptsächlich textlose Sätze, u.a. vom berühmten „Dreigestirn“ der Epoche, Heinrich Isaac, Ludwig Senfl und Paul Hofhaimer.

Ausführende: Ensemble FAMA: Mario Lesiak, Tenor und Laute | Iris Lichtinger, Blockflöten | Angelika Radowitz, Dulcian | Michael Eberth, Orgel und Clavicytherium und Gäste

Mit der Ausstellung »The Story That Never Ends. Die Sammlung des ZKM« gibt das ZKM | Karlsruhe einen umfassenden Einblick in die eigene Sammlung, die mit ca. 12.000 Werken zu den größten und bedeutendsten Medienkunstsammlungen der Welt gehört. Die Ausstellung erzählt nicht nur von den miteinander verwobenen Geschichten von Kunst und Technologie, sondern auch von den Herausforderungen, die die schnelllebigen technologischen Medien für Museen weltweit mit sich bringen.

Die Geschichte der Medienkunst von den 1950er-Jahren bis heute

Elektrifizierung und Digitalisierung haben die Welt verändert. Dieser Wandel erfasste nicht nur unseren Alltag, sondern wirkte sich auch auf das künstlerische Schaffen aus. 

Seit Beginn des 20. Jahrhunderts nutzen Künstler:innen diese sich rasant weiterentwickelnden Technologien und erweitern so kontinuierlich die Ausdrucksmöglichkeiten der Kunst: Das Spektrum reicht von Video-, Licht- und Klangkunstwerken, über motorbetriebene kinetische Objekte, bis hin zu computerbasierten interaktiven Installationen oder Werken, die mithilfe von künstlicher Intelligenz erzeugt wurden. 

Mit etwa 100 Arbeiten zeichnet »The Story That Never Ends« diese Entwicklungslinien der apparativen Künste und ihre Öffnung zu den Kategorien Raum, Zeit und Bewegung sowie Interaktion und Partizipation nach – von den 1950er-Jahren bis in die Gegenwart. Eine Auswahl bedeutender Schlüsselwerke, die wichtige Momente und Meilensteine der Medienkunst repräsentieren, stellen die Vielfalt und den Einfluss dieser technologischen Entwicklungen dar. Marie-Jo Lafontaines monumentale Videoskulptur »Les larmes d’acier« (1987), mit der sie auf ironische Weise die komplexen Begriffskonstellationen „Mann, Maschine, Macht und Sexualität“ paradigmatisch dekonstruiert sowie Bill Violas Video-Klanginstallation »Stations« (1994), die zentrale Aspekte seines künstlerischen Schaffens wie grundlegende Themen menschlichen Daseins vereint oder Jeffrey Shaws »Virtual Sculpture« (1981), die für frühe Experimente der Augmented Reality steht, bilden hier eine kleine Auswahl an Beispielen. 

Gleichzeitig macht die Ausstellung auch den sozial- und gesellschaftspolitischen Rahmen, in dem die Werke entstanden sind nachvollziehbar, um Rückschlüsse und Bezüge zu den drängenden Fragen unserer heutigen Zeit zu ermöglichen: Feministische Arbeiten früher (Medienkunst-)Pionierinnen, wie beispielsweise pezoldo (aka Friederike Pezold), Lynn Hershman Leeson, Kirsten Geisler oder Rebecca Horn, sind hier genauso zu nennen wie Arbeiten, die die Auswirkungen der Massenmedien wie Fernsehen (Nam June Paik, Wolf Vostell), die Verbindung zwischen Technologie und Militär, Grenzen und Überwachung oder Gewalt im digitalen Raum (Paul Garrin, Hanna Haaslahti, David Rokeby) oder natürliche Ökosysteme (Justine Emard, Claudia González Godoy) reflektieren. Immer wieder hinterfragen Künstler:innen die Möglichkeiten und Auswirkungen neuer Medien, denken und gestalten sie um, und bringen so neue soziale und kulturelle Narrative hervor, die den Diskurs über unser Verhältnis zu Technologie prägen. 

Wir betrachten Kunst, wie der Ausstellungstitel suggeriert, als eine Geschichte, die niemals enden wird, solange es Menschen gibt. Dass wir nicht wissen, welche Form sie in der Zukunft annehmen wird, hat sie mit der Technologie gemeinsam. Unser Wissen über die Vergangenheit und Gegenwart beeinflusst, wie wir die Zukunft gestalten und das, was noch kommen wird, wertschätzen.

Die Medienkunstrestaurierung

„Die Geschichte, die niemals endet“ spielt nicht nur auf die künstlerische Entwicklung, sondern auch auf die Herausforderungen an, mit denen Museen konfrontiert sind, die Medienkunstwerke sammeln: Technische Geräte sind nicht für die Ewigkeit gemacht, Datenträger zerfallen, Softwarestandards sind rasch überholt und Medienformate sind nach wenigen Jahren nicht mehr lesbar. Das bedeutet, dass Werke kontinuierlich von Restaurator:innen überwacht und technisch aktualisiert werden müssen. Welche Auswirkungen hat dies auf die Kunst und unser kulturelles Gedächtnis? Welche Fähigkeiten müssen wir entwickeln, um nicht nur eine Zukunft zu haben, sondern auch eine Vergangenheit?

Das ZKM verfügt über eine international anerkannte Expertise in der Konservierung und Restaurierung von Medienkunst. Da diese konservatorischen und restauratorischen Arbeiten jedoch vornehmlich im Verborgenen geschehen, geht »The Story That Never Ends« einen radikalen Schritt: Die Entscheidung, welche Schlüsselwerke aus der Sammlung in der Ausstellung gezeigt werden, wurde den Restaurator:innen des ZKM anvertraut. Sie bringen so verborgene Schätze ans Licht, die aufgrund von aufwändigen Erhaltungsmaßnahmen zum Teil seit Jahrzehnten nicht mehr öffentlich sichtbar waren. Da die Werke selbst nicht unbedingt die Komplexität ihrer Technik und die Herausforderungen ihrer Erhaltung offenbaren, bietet die Ausstellung zusätzlich eine Einführung in die Technikgeschichte und in die Konservierungsstrategien für diese Art von Werken.

Der Blick von der Vergangenheit in die Zukunft

»The Story That Never Ends« erzählt somit anhand der einzigartigen Sammlung des ZKM nicht nur die faszinierende Geschichte der Medienkunst. Sie macht auch die Fragilität unserer elektrifizierten und digitalisierten Zivilisation deutlich. Die Ausstellung ermöglicht einen tiefgehenden Einblick in die Kunst- und Technikgeschichte des 20. und 21. Jahrhunderts und zeigt, wie Geschichte den Blick auf die Gegenwart schärft und anregt, mögliche Zukünfte zu imaginieren.

Mi bis Fr: 10 bis 18 Uhr Sa, So: 11 bis 18 Uhr

So Sportsfreunde, die chlorreichen Tage im altgedienten Brennpunktbad von
Bademeister Schaluppke sind vorbei! Das Bad muss einer grundsätzlichen
Sanierung unterzogen werden, und Rudi steht vor der Herausforderung, sich einen
neuen Arbeitsplatz zu suchen.
Da Fachkräfte im Schwimmbad überall gesucht sind, begibt sich Rudi auf eine
abenteuerliche Odyssee durch die deutsche Bäderlandschaft. Er hilft dort aus, wo
gerade Not am Mann ist.
Begleitet Schaluppke auf seiner Reise durch Themen-Thermen, Wellness-Oasen und
Erlebnis-Bäder. In Badeanstalten, in denen das Schwimmen fast zur Nebensache
wird, schwingt Rudi das Frotteehandtuch und bringt pubertierenden Mädchen und
ihren nervigen Mamis das "Mer-Maiding" bei – eine Aufgabe, die selbst für einen
altgedienten Bademeister alles andere als gewöhnlich ist.
Taucht ein in unbekannte Welten des feuchten Milieus, die ein erfahrener
Bademeister noch nie zuvor erblickt hat. Und wie immer geht Rudi mit seinem
unverkennbaren Humor und einer klaren Ansage vor: Alle ab in die Dusche!
Schaluppke war noch nie so wertvoll wie heute. Egal, wo Rudi auftaucht, er ist stets
der richtige Mann am falschen Ort. Seid dabei, wenn Bademeister Schaluppke sein
neues Revier erkundet und mit seinem unvergleichlichen Charme die Lachmuskeln
in Schwung bringt.

Einlass: 19:00 Uhr

Ein edles Restaurant. Zwei Brüder treffen sich mit ihren
Frauen zum Abendessen. Der eine steht im Wahlkampf
und hat gute Chancen, Ministerpräsident zu werden. Der
andere war bis vor ein paar Jahren Lehrer und musste
wegen psychischer Probleme den Dienst quittieren. Die
beiden können sich nicht leiden, aber sie haben mit ihren
Frauen Wichtiges zu besprechen. Man parliert zunächst
über Filme und Urlaubspläne und vermeidet das eigentliche
Thema. Es geht um ihre Söhne Michel und Rick: Die
Fünfzehnjährigen haben ein Verbrechen begangen. Wie
sollen die Eltern mit diesem Wissen umgehen? Müssen
sie ihre Kinder anzeigen, damit die Jugendlichen zur Verantwortung
gezogen werden können? Oder sollte man
das Ganze lieber vertuschen, um den Söhnen die Zukunft
nicht zu ruinieren? Das Dinner ist ein Moral-Krimi voll
raffinierter Wendungen und überraschender Finten. Es
geht um Gewalt und wie sie unter dem dünnen Firnis der
Zivilisation kraftvoll überlebt, wie der Aggressionstrieb
des Menschen familiär übertragen und gesellschaftlich
beschwiegen wird, wie er verdrängt, verharmlost und medikamentiert
dafür sorgt, dass alles weiterhin gut funktioniert.
– Herman Koch, geboren 1953 in Arnhem, erlebte
mit »Angerichtet« 2010 seinen internationalen Durchbruch.
Der Roman wurde in 37 Sprachen übersetzt und
stand in vielen Ländern auf der Bestsellerliste.

Ein Tag. Zwei Leben. Zwei Richtungen: In CHANGES
begleiten wir Nina und Mark, die seit über zwanzig Jahren
ein Paar sind, vom Frühstück bis zum Abendessen.
Deutet zunächst alles auf einen routinierten, vielfach
geübten Ablauf hin, so ergibt sich sehr bald ein anderes
Bild. Kaum haben Nina und Mark die heimische Küche
verlassen, sehen sie sich – je für sich – mit unerwarteten
Herausforderungen konfrontiert. Nina, Abgeordnete
mit sozialer Verantwortung, kämpft für den Erhalt eines
Frauenhauses, während Mark, ehemaliger Wirtschaftsanwalt,
nach einem Burnout einen neuen Berufsweg als
Grundschullehrer eingeschlagen hat. Die Begegnungen,
Erlebnisse und Gespräche, die der Tag für sie bereithält,
werfen Fragen auf: Wie kann man die Welt verbessern,
ohne sich selbst zu verlieren? Wie schmal ist der Grat
zwischen Erfolg und Scheitern? Was bedeutet es, Mensch
zu sein?
Als sich Nina und Mark am Abend wiedertreffen, wird
spürbar: das Tagesgeschehen hat sie und ihre Beziehung
zueinander verändert. Das Besondere des Stückes ist,
dass die Spielerin von Nina und der Spieler von Mark auf
der Bühne auch all jene Figuren verkörpern, die den beiden
untertags begegnen. Diese Vielseitigkeit fordert die
Schauspieler heraus und zeigt die Komplexität menschlicher
Beziehungen und Identitäten. Das Publikum ist
eingeladen, über die eigenen Entscheidungen und die
Auswirkungen auf das persönliche und gesellschaftliche
Umfeld nachzudenken.

Jubiläumsprogramm!

„Mach doch mal nur Musik!“ Schon lange hört er von seinem Publikum diesen Wunsch. Nun, nachdem er 20 Jahre Bühnenleben feiern konnte, ist für den Bluesdenker am Piano, geschätzt als Feingeist und Masterbabbler zugleich, die Zeit reif. Etliches hat sich über die Jahrzehnte angesammelt, schließlich hat für ihn mit Musik alles begonnen. So hören wir Songs aus seinen Anfängen als Töpel ohne (damals noch Jura-Student) und Lieder aus seinen neun Soloprogrammen. Hochdeutsch und in Kurpfälzer Mundart, was sich trefflich fügt, hat doch sein alter ego, de Günda, mit seinem „Hallole, isch bins…“ 1990 sein Debüt gegeben. Dazu gibt es Lieblingsstücke, die ihn geprägt und begleitet haben aus der Pop-, Rock-, Schlager- und Chansonwelt. In neuer, töpeltypischer Spezialversion.

A sebvaständlisch!

Arnim Törpel gilt als „Bluesdenker am Piano“, „feinsinnige Ausnahmeerscheinung“ und „Philosoph unter den Kabarettisten“, wird geschätzt „für sprachliche Eleganz und musikalische Klasse“. Seit 1999 steht er beruflich auf der Bühne, davor war der gelernte Jurist viele Jahre Radio-Talker beim Südwestfunk in Baden-Baden. Schon sein Debüt-Programm „Sex ist keine Lösung“ bescherte ihm den Deutschen Kleinkunstpreis.

Einlass 19:00 Uhr