Immer wieder gab es in der Geschichte der Kunst Gegenentwürfe zum vorherrschenden Kanon und zum krisenhaften Zeitgeschehen. Auch heute fordern Künstler*innen dazu auf, starre Denkmuster zu durchbrechen und das Bewusstsein zu erweitern, um Zukunftsvisionen zu schaffen, die jenseits der Beschränkungen der Gegenwart liegen.
Im Traumzustand interagieren verschiedene Realitäten miteinander. Verglichen mit dem, was man im bewussten Wachzustand zulässt, findet eine freiere Form der Wahrnehmung und Wissensproduktion statt. Es gibt Zeitsprünge, Verbindungen zwischen verschiedenen Orten – durch die Kraft des Unterbewusstseins und der Imagination entstehen alternative Realitäten und utopische Zukunftsräume. Die Auseinandersetzung mit unseren Träumen gibt Aufschluss über unsere Freuden, Ängste und Hoffnungen.
In der Ausstellung What is the dream that makes you dream? wird das Träumen als Weg zu tieferen Bewusstseinsebenen in den Blick genommen. Inmitten multipler globaler Krisen und beunruhigender Nachrichten, die wir jeden Tag empfangen, setzt What is the dream that makes you dream? bewusst auf optimistische Kontrapunkte, die Hoffnung, Resilienz und Heilung vorschlagen.

Die Ausstellung „Margot und die anderen – Zwangssterilisation im Nationalsozialismus“ nimmt die grausame Praxis der Zwangssterilisationen an Menschen, die nicht in das rassistische, menschenfeindliche System des NS-Regimes passten, in den Blick, und schreibt eine lokale Geschichte Wiesbadens, die bisher kaum beachtet wurde – die Geschichte der sogenannten Rheinland-Kinder, die auf mündlichen Befehl in „Geheimer Reichssache“ sterilisiert wurden, nur, weil sie anders aussahen, weil sie die „falschen“ Väter hatten, weil sie nicht „deutsch“ genug waren. Die Ausstellung legt dabei einen besonderen Fokus darauf, die individuellen Geschichten der Wiesbadener Kinder zu schreiben und gleichzeitig das Thema Zwangssterilisierung in der NS-Unrechtsgesetzgebung zu beleuchten. Nicht zuletzt wird durch das Ausstellungsprojekt die Frage gestellt, was es bedeutet, hier und heute zu leben und welche Verantwortung wir alle für dieses „Hier“ und „Jetzt“ tragen.

12:00 bis 17:00 Uhr

Während sich andere bis „dass der Tod sie scheidet“ quälen, nimmt die Frau in Emmanuel Robert-Espalieus Liebesthriller „Das letzte Mal“ ihr Schicksal selbst in die Hand. Beim Abendessen offenbart sie ihrem Gatten, dass er in anderthalb Stunden tot sein wird, vergiftet! Ist das ernst gemeint oder soll es ein Witz sein? Darüber hält die schwarze Komödie ihr Publikum bis zum Schluss in Atem.

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Die Berliner Anatolian-Post-Punk-New-Wave-Gruppe explodiert mit dynamischen, polyrhythmischen Psych-Grooves, energiegeladenen Live-Performances und galaktischer Vorliebe für außerweltliche Effekte.

Nicht zufrieden damit, Kontinente, Musikgenres, Zeiträume und das Universum zu überspannen, ist Kara Delik verantwortlich für die Beschwörung eines dynamischen, zeitgenössischen psychedelischen Anatolian-Post-Punk-Dub-Sounds. Das gemeinsame Schaffen einer Gruppe von Musikern, die jeweils ihre eigene stilistische Vergangenheit mitbringen, hat etwas Einzigartiges und Energetisches hervorgebracht: eine Erzählung der Geschichte von Anatolian Rock, Krautrock und Dub – all das mit einer spritzigen und explosiven Live-Energie dargeboten.

Gegründet im Jahr 2020, feierte Kara Delik ihren ersten großen Auftritt auf der Berliner Szene mit ihrer Debüt-EP Tamam. Von dort aus brachten sie ihre Klänge auf den gesamten Kontinent und belohnten ihre Fans später mit einer Tetralogie von EPs mit dem Titel Singularities I-IV.

Das Jahr 2025 markiert die Veröffentlichung des mit Spannung erwarteten ersten Studioalbums des internationalen Trios, das unabhängig am 11. April erscheinen wird. Das selbstbetitelte Album Kara Delik wird 11 Tracks mit der einzigartigen Mischung der Band aus energiegeladenen, komplexen Rhythmen, Klanglandschaften und Effekten enthalten. Es liefert ein kraftvolles Post-Punk-Gewitter mit anatolischer Hitze.

Kara Delik sind: Baris Öner (er/ihm), Andi Sommer (er/ihm) und Eilis Frawley (sie/ihr).

Stehplatz

Immer wieder gab es in der Geschichte der Kunst Gegenentwürfe zum vorherrschenden Kanon und zum krisenhaften Zeitgeschehen. Auch heute fordern Künstler*innen dazu auf, starre Denkmuster zu durchbrechen und das Bewusstsein zu erweitern, um Zukunftsvisionen zu schaffen, die jenseits der Beschränkungen der Gegenwart liegen.
Im Traumzustand interagieren verschiedene Realitäten miteinander. Verglichen mit dem, was man im bewussten Wachzustand zulässt, findet eine freiere Form der Wahrnehmung und Wissensproduktion statt. Es gibt Zeitsprünge, Verbindungen zwischen verschiedenen Orten – durch die Kraft des Unterbewusstseins und der Imagination entstehen alternative Realitäten und utopische Zukunftsräume. Die Auseinandersetzung mit unseren Träumen gibt Aufschluss über unsere Freuden, Ängste und Hoffnungen.
In der Ausstellung What is the dream that makes you dream? wird das Träumen als Weg zu tieferen Bewusstseinsebenen in den Blick genommen. Inmitten multipler globaler Krisen und beunruhigender Nachrichten, die wir jeden Tag empfangen, setzt What is the dream that makes you dream? bewusst auf optimistische Kontrapunkte, die Hoffnung, Resilienz und Heilung vorschlagen.

Der Künstler Heinz Battke (1900 – 1966) besuchte zunächst von 1918 bis 1921 die private Berliner Kunstschule „A. Propp“, im Anschluss war er Schüler bei Karl Hofer an der preußischen Akademie der Künste in Berlin (1922 – 1925). In der Zeit des Nationalsozialismus zählte Battke zu den sogenannten „entarteten“ Künstlern. Er emigrierte 1935 nach Italien und lebte in Florenz. 1956 kehrte er nach Deutschland zurück und übernahm die Stelle als Leiter der Klasse für Freie Grafik an der „Staatlichen Hochschule für Bildende Künste – Städelschule“ in Frankfurt am Main.

Nach dem Zweiten Weltkrieg war Battke auf bedeutenden nationalen und internationalen Kunstausstellungen vertreten: 1951 war er Teilnehmer der Ersten Biennale in São Paulo, 1954 wurden Werke Battkes im Deutschen Pavillon auf der Biennale in Venedig ausgestellt, 1959 auf der documenta 2 in Kassel. Er stellte mehrmals im 1947 gegründeten „Frankfurter Kunstkabinett Hanna Bekker vom Rath“ aus. Werke Battkes waren ebenfalls Teil der privaten Kunstsammlung der Hofheimer Malerin, Mäzenin, Sammlerin und Galeristin Hanna Bekker vom Rath.

In der Kunstsammlung des Stadtmuseums Hofheim befinden sich mehrere Arbeiten Battkes, der Sammlungsbestand mit rund 45 Zeichnungen und Grafiken ist bislang noch nie vollumfänglich in einer Ausstellung gezeigt worden. Landschaften, (Selbst-) Porträts und Stillleben bestimmen das Gesamtwerk. Die Ausstellung stellt in fokussierter Form das Werk des Malers, Zeichners und Grafikers vor. Battke war zudem ein anerkannter Schmuckexperte für Ringe und hat eine große Ringsammlung aufgebaut, die heute im Besitz des Schmuckmuseums Pforzheim ist. Auch Battkes private Sammlertätigkeit wird in der Ausstellung vorgestellt.

Neben Werken von Heinz Battke sind in der Ausstellung Arbeiten von Hanna Bekker vom Rath, Rudolf Levy, Hans Purrmann, Emy Roeder und Karl Schmidt-Rottluff zu sehen.

Öffnungszeiten Dienstag. . 10.00 –13.00 Uhr Dienstag – Freitag. . 14.00 –17.00 Uhr Samstag, Sonntag. . 11.00 –18.00 Uhr

Die Ausstellung „Margot und die anderen – Zwangssterilisation im Nationalsozialismus“ nimmt die grausame Praxis der Zwangssterilisationen an Menschen, die nicht in das rassistische, menschenfeindliche System des NS-Regimes passten, in den Blick, und schreibt eine lokale Geschichte Wiesbadens, die bisher kaum beachtet wurde – die Geschichte der sogenannten Rheinland-Kinder, die auf mündlichen Befehl in „Geheimer Reichssache“ sterilisiert wurden, nur, weil sie anders aussahen, weil sie die „falschen“ Väter hatten, weil sie nicht „deutsch“ genug waren. Die Ausstellung legt dabei einen besonderen Fokus darauf, die individuellen Geschichten der Wiesbadener Kinder zu schreiben und gleichzeitig das Thema Zwangssterilisierung in der NS-Unrechtsgesetzgebung zu beleuchten. Nicht zuletzt wird durch das Ausstellungsprojekt die Frage gestellt, was es bedeutet, hier und heute zu leben und welche Verantwortung wir alle für dieses „Hier“ und „Jetzt“ tragen.

12:00 bis 17:00 Uhr

Gemeinsinn: Der sechste, soziale Sinn
Buchvorstellung mit Diskussion

Do 12. Mai 2025, 19:30–21:30 Uhr

„Die resiliente Demokratie braucht kein Feindbild, aber einen starken Sinn für das, was Menschen miteinander verbindet und zusammenhält.“ In ihrem glänzend geschriebenen Buch zeigen Aleida und Jan Assmann kulturelle Rahmenbedingungen für Gemeinsinn auf und leisten damit einen wichtigen Beitrag zur Stärkung unserer Demokratie.

· Prof. (em.) Dr. Dr. h.c. Aleida Assmann, Kulturwissenschaftlerin, Anglistin, Konstanz

7 €/5 €

Schlagfertig, stilbewusst, queer: Lena Cassel hat sich in der männlich geprägten Welt des Fußballs einen Namen gemacht: Sie war Stürmerin für den SV Allner-Bödingen, den SC Fortuna Köln und Türkiyemspor Berlin. Sie arbeitete bei der Sportschau und als Reporterin, unter anderem für stern TV. Sie moderierte HerthaTV und war Teil des ZDF »Fußball-Talk« im Mainzer Keller. Summa summarum hat Lena Cassel das Spiel aus den unterschiedlichsten Perspektiven beleuchtet und verstanden.
In „Aufstiegskampf – vom Seitenrand in die Primetime“ erzählt Cassel von ihrem Aufwachsen in einem kleinen Dorf in Nordrhein-Westfalen, von Höhen und Tiefen in ihrem Leben als Spielerin und Journalistin, sowie von ihrer heutigen Rolle als Vorreiterin im Sportjournalismus. Das Buch ist eine inspirierende Mischung aus persönlicher Biografie und gesellschaftlicher Reflexion – humorvoll, direkt und voller Leidenschaft für den Fußball und die Themen, die er aufwirft.
Im Mai 2025 geht die erfolgreiche Moderatorin (Prime Video und DAZN) und Podcast-Host von „Fussball MML Daily“ und „Playing Dirty - Sport und Verbrechen“ mit ihrem ersten Buch auf Lesetour durch fünf deutsche Städte. Mit ihrem Charisma und ihrer Offenheit gewährt sie authentische Einblicke in ihre bewegende Geschichte: ihren Weg als Frau in einer männerdominierten Sportwelt, ihre Erfahrungen im Profifußball und ihren Kampf für Gleichberechtigung und Inklusion.

Einlass: 18 Uhr / Sitzplatz

In performativen Videoarbeiten, einige davon Gemeinschaftsproduktionen mit Tiago Mata Machado, isoliert die brasilianische Künstlerin Cinthia Marcelle alltägliche, routinierte Bewegungs- und Arbeitsprozesse aus ihrem funktions- und produktionsorientierten Kontext. Die meist kollaborativ-partizipativ angelegten Situationen verwandelt sie in poetische, metaphorische Bilder, die eingespielte Routinen des gesellschaftlichen Miteinanders und eine leistungsorientierte Logik moderner Gesellschaften zur Disposition stellen.

Die Ausstellung Bodies in Motion – Form in the Making kontextualisiert die performativen, zumeist auf einfachen Handlungsanweisungen beruhenden performancebasierten Videoarbeiten von Cinthia Marcelle erstmals mit Ikonen der US-amerikanischen postminimalistischen Tanz- und Performancepraxis der 1960er/70er Jahre wie Yvonne Rainer, Bruce Nauman, Suzanne Harris und dem performativ-partizipativen Gestaltungsansatz der minimalistischen Skulpturen der deutschen Künstlerin Charlotte Posenenske.

Die Ausstellung wird von Anna Roberta Goetz kuratiert.

»Weit draußen im Meere ist das Wasser so blau wie die Blütenblätter der schönsten Kornblume, und so klar wie das reinste Glas, aber es ist dort sehr tief, tiefer als irgendein Ankertau reicht, viele Kirchtürme müssten aufeinandergestellt werden, um vom Grunde bis über das Wasser zu reicher. Dort unten wohnt das Meervolk.«

"Die kleine Meerfrau", "Der standhafte Zinnsoldat" und "Das kleine Mädchen mit den Schwefelhölzern" sind nur ein kleiner Teil von Hans Christian Andersens umfangreichem Schaffen, dessen kinderliterarischer und populärkultureller Einfluss ungebrochen ist. In seinen Märchen und Geschichten treten Menschen, Dinge, Tiere und Pflanzen gleichberechtigt in Aktion. Ihre Schauplätze reichen von der Tiefsee bis in die Wolken und vom Nordpol bis in die Wüste. Sie variieren in Tonfall und Umfang, sind teils spritzig und witzig, teils pathetisch und sentimental – und bei jedem Lesen überraschend anders.

Das Gespräch zwischen Heinrich Detering und Frederike Felcht wird neue Perspektiven auf bekannte und auch weniger bekannte Märchen und Geschichten Hans Christian Andersens vorstellen. Dabei zeigen die beiden, wie Andersen literarische Formen entwickelte, deren Bedeutung oft unterschätzt wird, wenn man seine Texte als Kinderliteratur liest, und wie er Themen aufgreift, die an Aktualität nicht verloren haben: ökologische Beziehungen, soziale Ungleichheit und die Frage, was Kindsein eigentlich heißt.

Lesung: Yannick Sturm

In Kooperation mit dem Institut für Skandinavistik der Goethe-Universität Frankfurt sowie dem dänischen Forschungsministerium und der Georg und Franziska Speyer’sche Hochschulstiftung.

Heinrich Detering, geboren 1959 in Neumünster, ist einer der renommiertesten Literaturwissenschaftler im deutschsprachigen Raum, zudem Lyriker, Literaturkritiker, Herausgeber und Übersetzer. Neben zahlreichen internationalen Gastprofessuren war er bis zu seiner Emeritierung Professor für Neuere deutsche Literatur und Vergleichende Literaturwissenschaft in Göttingen und von 2011 bis 2017 Präsident der Deutschen Akademie für Sprache und Dichtung. Anfang der 1990er veröffentlichte er seine international einflussreichen Studien zu homoerotischer Camouflage bei Andersen und hat fortlaufend zu Andersen geforscht sowie zahlreiche seiner Texte herausgegeben, kommentiert und ins Deutsche übertragen.

Frederike Felcht, geboren 1982 in Köln, ist Professorin für Neuere Skandinavische Literatur und Kultur an der Goethe-Universität Frankfurt. In "Grenzüberschreitende Geschichten. H.C. Andersens Texte aus globaler Perspektiv"e (2013) folgte sie den in Andersens Texten auftretenden Dingen und ihren weltumspannenden Bewegungen und den sich daraus ergebenden Verstrickungen von Menschen mit ihren materiellen Umwelten. Aktuell interessiert sie sich für die Rolle von Ökologie und Armut in Andersens Werk.

Yannick Sturm studiert Schauspiel an der Hochschule für Musik und darstellende Kunst Frankfurt.

Fotos (c) privat, Jürgen Lecher

Björn Diemel hat im zweiten Teil sein Kind in sich entdeckt, inzwischen hat er leider an Körpergewicht zugelegt. Coach Breitner empfiehlt, über eine gesunde Ernährung sein inneres wie äußeres Gleichgewicht zu finden. In welch haarsträubende Situationen der Rechtsanwalt und Gangsterboss wieder geraten wird?

Regie Ulrich Cyran | Ausstattung Claus Stump

Immer wieder gab es in der Geschichte der Kunst Gegenentwürfe zum vorherrschenden Kanon und zum krisenhaften Zeitgeschehen. Auch heute fordern Künstler*innen dazu auf, starre Denkmuster zu durchbrechen und das Bewusstsein zu erweitern, um Zukunftsvisionen zu schaffen, die jenseits der Beschränkungen der Gegenwart liegen.
Im Traumzustand interagieren verschiedene Realitäten miteinander. Verglichen mit dem, was man im bewussten Wachzustand zulässt, findet eine freiere Form der Wahrnehmung und Wissensproduktion statt. Es gibt Zeitsprünge, Verbindungen zwischen verschiedenen Orten – durch die Kraft des Unterbewusstseins und der Imagination entstehen alternative Realitäten und utopische Zukunftsräume. Die Auseinandersetzung mit unseren Träumen gibt Aufschluss über unsere Freuden, Ängste und Hoffnungen.
In der Ausstellung What is the dream that makes you dream? wird das Träumen als Weg zu tieferen Bewusstseinsebenen in den Blick genommen. Inmitten multipler globaler Krisen und beunruhigender Nachrichten, die wir jeden Tag empfangen, setzt What is the dream that makes you dream? bewusst auf optimistische Kontrapunkte, die Hoffnung, Resilienz und Heilung vorschlagen.

Special Guest: Generation Steel

Einlass: 19:00Uhr

Comedy im Stalburg Theater? Nö. Doch. Warum auch nicht? Deswegen ist in nun unserer beliebten Reihe „Der Montag in der Stalburg“ einmal im Monat das nicht minder beliebte Format „Orange Stand-up Comedy“ zu Gast. Orange Stand-up Comedy bietet einen Abend voller Unterhaltung. Newcomer und Profis aus Frankfurt und der Umgebung teilen sich die Bühne, testen brandneue Witze oder präsentieren einen Teil aus ihrem Soloprogramm – und das alles für einen kleinen Taler. Durch den bunten Mix der verschiedenen Comedians fühlt sich jede und jeder irgendwo abgeholt – egal ob alleine, zu zweit auf einem Date oder in der Gruppe. Das Format hat es sich zur Aufgabe gemacht, Stand-up-Comedy einem breiteren Publikum bekannt zu machen und zu zeigen, dass deutscher Humor sehr wohl lustig sein kann! Wem also danach ist, mal wieder richtig zu lachen – herbei!

Einlass 19 Uhr

Avi Avital Mandoline
Núria Rial Sopran

Venice Baroque Orchestra

Antonio Vivaldi
Die vier Jahreszeiten op. 8, Concerto. g-Moll RV 156,
kombiniert mit venezianischen Gondelliedern

 

In Kooperation mit der Alten Oper Frankfurt

Foto: Steffen Kopetzky © Jana Mai

Eine neue Ausgabe von „Schröder +“ in der ROMANFABRIK! Der Frankfurter Literaturkritiker Christoph Schröder, dem es in der Gesprächsreihe um die Verbindung von Werkschau und Porträt der eingeladenen Autor*innen geht, stellt dieses Mal Steffen Kopetzky vor.
Der Autor ist in der deutschsprachigen Gegenwartsliteratur eine Ausnahmefigur. In so fabelhaften, breit angelegten Romanen wie "Risiko" (2015, Longlist Deutscher Buchpreis), "Propaganda" (2019, Nominierung Bayerischer Buchpreis) oder "Monschau" (2021, Spiegel-Bestsellerliste) hat Kopetzky demonstriert, wie sich penible historische Recherche und große Erzählfreude zu spannenden, lehrreichen und unterhaltsamen Romanen verbinden lassen.
Wie schafft er das bloß? Anlässlich des soeben erscheinenden neuen Romans "Atom" (2025, Rowohlt) wird Christoph Schröder im Gespräch mit Steffen Kopetzky versuchen, dem Geheimnis von dessen Erfolg auf die Spur zu kommen.

Mit freundlicher Unterstützung und in Kooperation mit dem Kulturamt der Stadt Frankfurt und dem Journal Frankfurt.

Einlass ab 18.30 Uhr