Für Kinder bis einschließlich 12 Jahre steht ein gesonderter Kindertarif zur Verfügung. Schoßkinder (bis einschließlich 5 Jahre) benötigen in Begleitung eines Erwachsenen kein eigenes Ticket.

Einlass ab 90 Minuten vor Spielbeginn.

90 Minuten vor Spielbeginn

Immersive Film-Installationen von Mona Okulla Obua

Einlass ab 18 Uhr, letzter Einlass um 21 Uhr.

Wer sind wir, die wir mehrere Herkünfte haben? Und denen manche Herkunft abgesprochen wird? Wie erkennen wir den Reichtum, der aus unserem vielfachen Erbe entsteht?

Die Filmemacherin, Kuratorin und Multi-media-Künstlerin Mona Okulla Obua zeigt am Ballhaus Naunynstraße ihre erste umfassende Soloausstellung in Berlin. Im Rahmen des Festivals Black Berlin Black – Festivity bespielt sie an fünf Tagen alle drei Aufführungsräume mit immersiven Film-Installationen, einige werden hier erstmals zu sehen sein.

Die in der Ausstellung Untitled Origins von Mona Okulla Obua gezeigten Arbeiten Yao, Lawino/Mirror und INDIGO laden die Zuschauer*innen ein, tief in sich und die Welt hineinzuhören. Voller Poesie und mit meditativen Rhythmen erzählen die Film-Installationen von einer Suche nach neuen Verbindungen zu dem, was im Körper eingelagert ist, unbewusst, verdrängt, ungeborgen. Lawino/Mirror ist wie ein Spiegel, der das Publikum begrüßt, nur dass er nicht wie der eurozentristische eine Identität zeigt, sondern zwei Gesichter, die eins sind. Gleich nebenan, in Yao, steht der Sheabaum im Zentrum, das heilige Symbol der Lango-Kultur und lebender Zeuge des von mehreren Kriegen gezeichneten Norden Ugandas. Die Herstellung von Sheabutter ist hier Ritual des Widerstands und des Überlebens. Die Bilder sind eine intime Meditation über Heilung, generationsübergreifende Erinnerung und kulturelle Widerstandsfähigkeit. Und gleichzeitig – ähnlich wie in Indigo – erzählen sie von einer Annäherung an ein vielfaches Sein. Denn Mona Okulla Obua versteht ihre Arbeiten als Gespräch zwischen Diaspora und Kontinent, Tradition und Gegenwart, Vergangenheit und Zukunft.

Wie kaum einer anderen Künstlerin gelingt es Mona Okulla Obua, kinematografische Poesie und Politik mit einander zu verweben. Dies zeigt sich in ihren eigenen Werken wie in der seit November 2023 kuratierten Filmreihe Black Eyes on Black Bodies am Ballhaus Naunynstraße. Nun, mit Untitled Origins, wird ihre umfänglichste Arbeit in Berlin zu erleben sein.


Foto: Indigo Filmstill

Seine Kunst war mehr als glamouröse Oberfläche – sie war eine schonungslose Chronik gesellschaftlicher Widersprüche.

Der post-impressionistische Maler und Grafiker, berühmt für seine ikonischen Plakate zum Pariser Nachtleben rund um den Montmartre, gilt als eine Schlüsselfigur der legendären Belle Époque. Doch Toulouse-Lautrecs Kunst war mehr als glamouröse Oberfläche – sie war eine schonungslose Chronik gesellschaftlicher Widersprüche. In einer Epoche zwischen Fortschrittseuphorie und sozialen Abgründen dokumentierte er die Kehrseite des Glanzes: die Ausbeutung in den Vergnügungsstätten, die Kommerzialisierung von Körpern und Sexualität, die Isolation hinter den Kulissen des Spektakels.

Als Aristokrat am Rand der Gesellschaft bewegte sich der gebürtige Graf in den Unterwelten des Montmartre – in Cabarets, Bordellen und Varietés. Seine Modelle waren Tänzerinnen, Prostituierte, Außenseiter: Menschen, die das neue Massenvergnügen mit ihren Körpern bezahlten. Toulouse-Lautrec zeigte sie ohne Voyeurismus, aber auch ohne Romantisierung – in ihrer Verletzlichkeit, Erschöpfung und eigentümlichen Würde. Gleichzeitig war er selbst Pionier der modernen Werbeästhetik: Seine Plakate machten aus Unterhaltung eine Marke, aus Menschen kommerzielle Ikonen.

Die Belle Époque war die erste Epoche der modernen Erlebnisindustrie – und Toulouse-Lautrecs Themen sind von brisanter Aktualität. Wie verändert die Kommerzialisierung von Unterhaltung und Intimität unsere Gesellschaft? Was bedeutet es, wenn Menschen zu Marken werden? Welche Arbeitsbedingungen verbergen sich hinter den glitzernden Fassaden der Kultur-, Event- und digitalen Influencer-Industrie? Toulouse-Lautrecs Blick auf die Mechanismen von Glamour, Ausbeutung und Selbstinszenierung wirft Fragen auf, die in Zeiten von Social Media, Plattformökonomie und prekärer Kreativarbeit hochaktuell sind.

Thomas R. Hoffmann nimmt Sie mit auf eine Bilderreise in die Seine-Metropole und zeigt das facettenreiche Werk eines Künstlers, der die Ambivalenzen der Moderne erkannte – zwischen Glanz und Abgrund, zwischen Freiheit und Vermarktung.

Bild: Henri de Toulouse-Lautrec - Im Bett (1893)

"Fame Fatale“ ist die Live-Podcast-Show, die queere Perspektiven mit Humor, Scharfsinn und politischer Relevanz auf die Bühne bringt. Michael Schweisser und Lukas von Horbatschewsky, beide erfahrene Künstler aus Berlin, werfen einen ungeschönten Blick auf Machtmissbrauch, Sexismus, Rassismus und die unsichtbaren Kämpfe in der Unterhaltungsbranche. Durch geschichtliche Zusammenhänge, persönliche Erzählungen und musikalische Einlagen entsteht eine Show, die berührt und aufrüttelt. Dabei schlagen sie einen Bogen zwischen den Bedrohungen für queere Kultur damals und heute. „Fame Fatale“ ist jung, laut und relevant – ein Abend, der bleibt.

Zu Risiken fragen Sie Ihre Nebenwirkungen
Wie Friedrich Merz das Land rettete.

Während der Kanzler noch mit der Agrardieselrückvergütung beschäftigt ist, löst die bahnbrechende Erfindung zweier Berliner Biologiestudentinnen weltweite politische Verwicklungen aus: Die Pille für ein ewiges Leben ist entwickelt! Leider ist sie so teuer, dass
nur eine Handvoll amerikanischer Tech-Millionäre sowie ein ausländischer Präsident mit deutschen Großeltern das Geld dafür aufbringen können. Als aber ein Hamburger Nachrichtenmagazin enthüllt, dass die Pille bereits an Friedrich Merz, Lars Klingbeil, Julia Klöckner und Markus Lanz ausgegeben wurde, bricht in Deutschland ein Sturm der Entrüstung los. NGO´s, Gewerkschaften und Richard David Precht fordern das ewige Leben für alle!

Rasantes, tagesaktuelles politisches Kabarett. Mit viel Musik, kurzweilig und intelligent, was kein Gegensatz darstellen muss.

MIT: Heike Ostendorp, Santina Maria Schrader und Robert F. Martin

REGIE: Marcus Kaloff

TEXT: Frank Lüdecke & Sören Sieg

Einlass: 19:00

Kriminalstück von Reginald Rose
Regie: Wolfgang Rumpf
Ausstattung: Manfred Bitterlich

Es ist der heißeste Tag des Jahres. Ein Gewitter liegt in der Luft. An diesem Tag findet der letzte Tag eines schwerwiegenden und an sich eindeutigen Mordprozesses mit schier erdrückender Beweislast statt: Ein 17jähriger aus einem Slumviertel hat im Streit seinen Vater mit einem extrem auffälligen Springmesser erstochen.
Die Anklage präsentierte zwei glaubhafte Zeugen. Beide haben den Jugendlichen bei der Ausführung der Tat beobachtet und ihn kurz darauf wegrennen gesehen. Reginald Roses Stück „Die zwölf Geschworenen“ setzt mit dem Ende der Verhandlung ein, als sich die Geschworenen zur Beratung zurückziehen.
Wir lernen zwölf New Yorker Männer und Frauen völlig unterschiedlichen Charakters und Temperaments kennen, deren einzige Gemeinsamkeit es ist, bestimmt worden zu sein, in diesem Mordprozeß einen einstimmigen Schiedsspruch zu fällen. In einem engen, von der Außenwelt abgeschlossenen Raum beraten sie darüber. Da der Fall eindeutig ist, wird mit einem raschen Ende der Sitzung gerechnet.
Elf der Geschworen sind sich sofort einig: Der Angeklagte ist schuldig. Einer jedoch stellt sich gegen die Mehrheit: Er hat einen „begründeten Zweifel“ und plädiert deshalb für nicht schuldig. Die Entscheidung über Leben und Tod eines Menschen ist ihm mindestens eine faire Diskussion wert.
Das Unverständnis der Mitgeschworenen ist groß. Sie versuchen, den Zweifler mit mehr oder weniger stichhaltigen Argumenten von ihrem Schuldspruch zu überzeugen. Detailgenau werden noch einmal die Zeugenaussagen besprochen, die Tatwaffe erneut betrachtet, ebenso wie der Tatort-Plan und das Motiv. Und plötzlich, nach genauerer Analyse, scheinen die Beweise keineswegs mehr eindeutig. Die hitzigen Gemüter stoßen aufeinander, Reibereien, Streitigkeiten bestimmen die Diskussion. Die Atmosphäre im Raum ist zum Zerreißen gespannt. Doch nach und nach wird die Mauer der Vorurteile und schnellen Schlußfolgerungen brüchig...
Wie hoch ist das Risiko, einen Unschuldigen hinrichten zu lassen?


Wir freuen uns auf Ihr Besuch im Berliner Kriminal Theater

Einlass: 19:30

Italiens Star-Tenor Cristian Lanza präsentiert mit den Star-Solisten Sopranistin Silvia Rampazzo & Bariton Giulio Boschetti, Chor & Orchester der Milano Festival Opera

Die große Verdi Gala
Die schönsten Chöre und Melodien aus
Nabucco – Der Troubadour – Rigoletto – La Traviata – Aida

„Jede Musik hat ihren Himmel“, sagte Verdi einmal. Seine Musik entstand unter dem klaren Himmel von „Bella Italia“. Verdis Musik erregt starke Emotionen, bleibt dabei aber im¬mer echt und wahr – und schön, so schön, wie der Himmel über Italien.
In vielen Opern Verdis gibt es den „ganz besonderen“ Hit. Weltberühmt der „Gefangenen – Chor“ aus Nabucco oder „Preghiera di Desdemona“ (Ave Maria) oder „Ella giam¬mai m´amò“. Sie gehören zum Ergreifendsten, was die europäische Musik jemals hervorgebracht hat. NABUCCO, LA TRAVIATA, RIGOLETTO, IL TROVATORE oder AIDA sind Meisterwerke vom ersten bis zum letz¬ten Takt.
Mit seinem weichem, vollem Timbre präsentiert Italiens Star -Tenor Cristian Lanza gemeinsam mit Silvia Rampazzo und Bariton Giulio Boschetti sowie Chor und Orchester der Milano Festival Opera das Allerschönste aus Verdis großartigen Arien, Duetten und Chören.
Mit viel Talent und noch mehr Gefühl versteht es Cristian Lanza, seiner Stimme Flügel zu verleihen. Der italienische Tenor, in Rom geboren, gehört nun schon seit längerem zu den Großen der Szene. Sein Großvater ist nach wie vor eine Quelle der Inspiration für ihn.
Der gebürtige Italiener ist der Enkel des weltberühmten Sängers Mario Lanza. Doch er hat sich schon längst aus dem Windschatten seines Großvaters hinausgewagt. Cristian Lanzas lyrischer Tenor ist weicher und voller timbriert als der seines Großvaters. Er verfügt nicht nur über jene Höhe, die bei Tenorarien erwartet wird, sondern verzaubert und berührt seine Zuhörer stets mit seiner gefühlvollen Stimme.
Und so darf man also getrost ausrufen: Es lebe Verdi! Viva Verdi!
Pressestimmen:
„Ein fulminanter Lanza, Solisten, Chor, Orchester auf ganz hohem Niveau!“ (Stuttgarter Nachrichten)

Einlass 1 Std. vor Beginn

Szenische Lesung mit Irene Christ und Johannes Hallervorden

Gerda und Kay sind Nachbarskinder, die aufwachsen wie Geschwister - bis Kay von der
Herrscherin über das Reich des Schnees, der Eisblumen und der Kälte: der
Schneekönigin in ihren Palast im hohen Norden entführt wird.
Gerda macht sich auf die abenteuerliche Suche nach ihrem Freund. Dabei gerät sie an
eine Zauberin mit einem wunderschönen Rosengarten, an eine Prinzessin und einen
Prinzen in ihrem Schloss, an eine wilde Räubertochter..
Kay jedoch hat ein eisiges Herz, und seine Vergangenheit bei den Menschen ist in
Vergessenheit geraten. Ihn interessiert die kalte Perfektion.
Hans-Christian Andersen hat mit seinem phantastischen Märchen vom Erwachsenwerden
Generationen bewegt.

Nach dem Erfolg der szenischen Lesung von Charles Dickens’ „Weihnachtsgeschichte“
begeben sich Irene Christ und Johannes Hallervorden auf die Suche nach der
Schneekönigin. Nach bewährtem Rezept - mit Spannung und Humor. Die Geschichten
könnten unterschiedlicher nicht sein, aber ein Thema vereint sie: Die Sehnsucht nach
Warmherzigkeit.

17:00

In einem Hotel wartet eine Film-Crew samt Darsteller*innen auf den Regisseur und verliert sich derweil in Machtspielen und Eifersucht. Als der Regisseur endlich eintrifft, verschärfen sich die Konflikte zwischen Künstleranspruch und Realität zusehends: Neid und Liebe, Abgestumpftheit und Euphorie, Dominanz und Unterwerfung treffen sich an der Bar, wo der Cuba Libre in Strömen fließt. Der Tresen wird zum Spiegel und Sammelpunkt einer brüchigen Gemeinschaft, die nach Halt, Erfolg sowie Be- und Entlohnung sucht. Das Projekt droht zu scheitern, der Kunst fehlt das Geld und der Druck wächst.

Patrick Wengenroth bringt das originale Filmskript aus dem Jahr 1971 erstmals auf die Theaterbühne: 8 Menschen spielen insgesamt 34 Figuren. Fassbinders psychologische Sezierung der eigenen Kunst-Bubble wird zum gruppendynamischen Lehrstück für heute und damals. Es ist der gemeinsam zelebrierte, gleichermaßen zynische wie lustvolle Abgesang auf die eigene Utopie eines funktionierenden Kollektivs.

Elf Jahre nach Wengenroths erstem intensiven Eintauchen in das Werk Fassbinders ist es wieder Zeit, diesen Künstler und sein rastloses Schaffen auf seine ästhetische und politische Relevanz im Hinblick auf eine immer weiter eskalierende Gegenwart anzuschauen und das eigene Kunstschaffen dazu ins Verhältnis zu setzen und kritisch zu befragen. Deutschland ist noch lange nicht fertig mit dem Kosmos Fassbinder. Und Wengenroth und sein Team sind es auch nicht. Ring frei zur nächsten und letzten Runde.

MIT Lara Feith / Eva Löbau / Lucy Wirth / Campbell Caspary / Moritz Gottwald / Matze Kloppe / Andreas Schröders / Patrick Wengenroth REALISATION Patrick Wengenroth BÜHNE Mascha Mazur KOSTÜME Marc Freitag MUSIK Matze Kloppe DRAMATURGIE Jennifer Maria Bischoff LICHT Josef Maaß PRODUKTION Jörg Karrenbauer AUFFÜHRUNGSRECHTE Verlag der Autoren KOPRODUKTION TD Berlin GEFÖRDERT DURCH Hauptstadtkulturfonds

PATRICK WENGENROTH lebt mit seiner Familie in Berlin und arbeitet als Regisseur, Schauspieler, Sprecher und Dozent. Für den von ihm mitgegründeten Theaterdiscounter (jetzt TD Berlin) entwickelte er 2003 das Theater-Show-Format PLANET PORNO, das später seine künstlerische Heimat am HAU fand. Er inszenierte außerdem regelmäßig an der Schaubühne am Lehniner Platz, dem Mecklenburgischen Staatstheater, dem Badischen Staatstheater und vielen anderen Theatern in Deutschland. Zudem produzierte er zusammen mit Deutschlandradio Kultur zahlreiche Hörspiele und stand als Kritiker für den ZDF-Kulturpalast vor der Kamera. 2017-2019 war er künstlerischer Leiter des Augsburger Brechtfestivals.

CYANKALI
ein Theaterstück über Selbstbestimmung, Verlust und die Körper der Frauen
Entstanden in Kooperation mit der Bundestagsabgeordneten Katalin Gennburg. Eine Stückentwicklung von Anna Stiede in Zusammenarbeit mit Panzerkreuzer Rotkäppchen.
Idee, Recherche & Spiel: Anna Stiede
Regie & konzeptuelle Entwicklung: Susann Neuenfeldt
Musik: Hans Narva, Al Titzki
Mit CYANKALI kehrt Friedrich Wolfs Drama von 1929 auf Marzahner Bühnen zurück – wild, präzise, zeitlos. Das Stück zieht eine dringliche Linie von den Kämpfen arbeitender Frauen in der Weimarer Republik bis in unsere Gegenwart. Es beleuchtet, wie das Recht auf Schwangerschaftsabbruch und die Fortschrift politischer Verhältnisse spiegelt.
Im Zentrum stehen Erfahrungen von Frauen mit ostdeutscher Biografie – Frauen, die in der DDR unter einer liberaleren Gesetzgebung ein höheres Maß an körperlicher Selbstbestimmung kannten, und die mit dem Ende der DDR ein Recht verloren, das für sie selbstverständlich war.
CYANKALI bringt Generationen zusammen und braucht Marzahner Stimmen: Es lädt zum Lesen, Erkennen und Erschüttern, zum Fragen, Tanzen, Diskutieren, Fordern und Weiterdenken. Die Inszenierung richtet sich an Erwachsene und Schüler:innen – gleichermaßen – an alle, die verstehen wollen, wie eng persönliche Freiheit und politische Entscheidungen miteinander verknüpft sind.
CYANKALI
Ein Stück Osttheater, das bleibt.
TERMINE
Sonntag 08.02.26 um 15h
Grüne Bühne Hellersdorf
Luckenwalder Str.5
Berlin Hellersdorf
Montag 09.02.26 um 10h (für Schüler:innen und Erwachsene)
Grüne Bühne Hellersdorf

Einlass eine Stunde vor Beginn