Die demo station von Rirkrit Tiravanija ist eine bühnenähnliche Skulptur und lädt Menschen dazu ein, etwas zu „demonstrieren“. Tiravanija versteht den Begriff dabei im doppelten Sinn – als politischen Protest oder als Vorführung von etwas, das jemand besonders gut kann oder gerne mag. Über die Laufzeit der Ausstellung bietet die demo station täglich Raum für öffentliche Auftritte.

Bei der Veranstaltung werden ggfs. Foto- und Videoaufnahmen entstehen, auf denen Sie zu erkennen sein könnten. Mit Ihrem Besuch willigen Sie ein, dass diese Aufnahmen zur Kommunikation der Veranstaltung bzw. Ausstellung verwendet werden.

Es gibt wohl kaum ein Genre in der Musik, bei dem sich die Musiker von Trio Laccasax nicht zu Hause fühlen. Denn das Trio startete mit der Klassik und der Zeitgenössischen Musik, entgleist über Tango Nuevo von Astor Piazolla in die Weltmusik. Eine musikalische Weltreise, bei der es darum geht, alles, was man auf dem Weg trifft, mitzunehmen. Klezmer, Weltmusik aus dem Balkan, Lateinamerika, Frankreich, Russland, Deutschland, Griechenland, China, Ägypten trifft dann auf Klassik, Jazz und Filmmusik.
Entstanden ist Weltmusik auf der Spitze der Professionalität, die es schafft, die regionalen Grenzen zu überspringen . Das Ensemble verbindet atemberaubende Virtuosität mit intensivem Ausdruck über eine große Spannweite von fetzig-frech über lyrisch-träumerisch bis zu tiefer Melancholie. Kurz vor Weihnachten genau das Richtige, um sich zu besinnen, Kraft zu tanken und auf den Flügel großartiger Musik abzuheben...

Andrej Lakisov (sax, guit, piano), Timofey Sattarov (akk, piano), Bernd Gesell ( kontrabass)

Treffpunkt: Kasse/Box office
Ca. 1h
Deutsch und Englisch (bei Bedarf)

Die Teilnahme an der Hausführung ist kostenlos in Kombination mit einem Ticket für This resting, patience von Ewa Dziarnowska oder INNOCENCE von Göksu Kunak

Historische Führung durch die Sophiensæle mit Jens Hillje (Künstlerische Co-Leitung Sophiensæle) und Elias Capelle (Dramaturgie)

Die Sophiensæle blicken seit ihrer Erbauung als Handwerkervereinshaus zu Beginn des 20. Jahrhunderts auf eine bewegte und vielfältige Vergangenheit zurück. Ursprünglich als Ort für den politischen und kulturellen Austausch des Berliner Handwerkervereins (gegründet 1844) konzipiert, entwickelte sich das Gebäude schnell zu einem zentralen Treffpunkt der Arbeiterbewegung, große Persönlichkeiten wie Rosa Luxemburg, Karl Liebknecht, Erich Mühsam und Clara Zetkin hielten hier politische Reden. Nach dieser politisch progressiven Zeit wurden die Räume im Nationalsozialismus für Zwangsarbeit missbraucht.

Wir möchten euch dazu einladen, diese bewegende Geschichte der Sophiensæle besser kennenzulernen und mit uns über Erinnerungskultur(en) und solidarische künstlerische und politische Praxis zu reflektieren in diesem Gebäude, das seit 1996 als Spielstätte der freien darstellenden Künste genutzt wird.
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Historical tour of Sophiensæle with Jens Hillje (Artistic co-director Sophiensæle) and Elias Capelle (Dramaturgy)

Since its construction as a craftsmen’s association house at the beginning of the 20th century, Sophiensæle can look back on an eventful and varied past. Originally conceived as a place for the political and cultural exchange of the Berlin Craftsmen’s Association (founded in 1844), the building quickly developed into a central meeting place for the workers’ movement, with great personalities such as Rosa Luxemburg, Karl Liebknecht, Erich Mühsam and Clara Zetkin giving political speeches here. After this politically progressive time, the rooms were exploited for forced labor under National Socialism.

We would like to invite you to get to know this moving history of Sophiensæle and to reflect with us on culture(s) of remembrance and solidarity-based artistic and political practice in this building, which has been used as a venue for the independent performing arts since 1996.

Derzeit keine Tickets online verfügbar, ggf. verfügbare Restkarten ab 2 Stunden vor Vorstellungsbeginn an der Abendkasse.

Erzähltheater aus der Backstube

Es schneit, es schneit! Endlich! Frau Holle schüttelt die Betten aus! „Was für ein Glück!“, sagen die einen. „Was für ein Pech!“, sagen die anderen. Erzählt wird das bekannte Märchen von den zwei Stiefschwestern, die in einen Brunnen hinabsteigen und dort merkwürdige Dinge erleben. Scheinbar geschieht Goldmarie und Pechmarie die gleiche Geschichte. Oder etwa doch nicht? Die poetische Inszenierung, gespielt in einer Backstube mit Teigfiguren und viel Spaß am Fabulieren, fasziniert Groß und Klein gleichermaßen.

Das Theater Lakritz ist eine KünstlerInnengemeinschaft aus Berlin, die im Jahr 2002 von den Puppenspielerinnen Kristina Feix und Nicole Weißbrodt gegründet wurde. Beide sind Absolventinnen der Berliner Hochschule für Schauspielkunst Ernst Busch und waren an zahlreichen Bühnen als Spielerinnen sowie für Regie und Ausstattung engagiert. Ausgangspunkt der lebendigen und unterhaltsamen Inszenierungen ist die Verbindung von Puppen-, Objekt- und Materialtheater.

Mögliche Restkarten für ausverkaufte Vorstellungen sind an der Tages- bzw. Abendkasse erhältlich. Die Kasse öffnet eine Stunde vor Vorstellungsbeginn.

Hans erhält für sieben Jahre Arbeit den Lohn von seinem Meister, einen großen Klumpen Gold. Nun heißt es für Hans: “Hinaus in die Welt, hinaus ins Leben und sich bewähren.“ Doch der Goldklumpen ist ihm viel zu schwer und so tauscht Hans ihn gegen ein Pferd, eine Kuh, ein Schwein, eine Gans und einen Schleifstein.Bei seinen Tauschgeschäften begegnen dem lebensfrohen Hans Schlitzohren, Gauner und schlaue Gesellen, welche ihn allesamt übertölpeln wollen. Doch Hans lässt frohen Mutes alles los, das ihn beschweren will und ergreift mit großer Freude jede neue Herausforderung. Auf seiner Reise erlebt Hans Dinge, die man mit Gold nicht kaufen kann. Er merkt, dass das Glück nur zu fassen ist, wenn die Hände frei sind, und so lässt er zuletzt auch noch den Schleifstein los. Versehentlich fällt der in einen Brunnen. Befreit von aller Last findet Hans zu sich selbst und kommt nach Hause zurück. Er weiß nun: “Das Glück schaut nur bei dem herein, der dafür ganz offen ist.”

Es spielt: Rainer Eckhardt

Tanz
Ca. 1h 20 Min.
Keine Sprache

Mit einem fesselnden, von dröhnendem Progressive Rock getriebenen, Solo kommt die*der norwegisch-jamaikanische Choreograf*in Harald Beharie zum ersten Mal nach Berlin.

Ausgehend von der Wiederaneignung des jamaikanischen Slang-Begriffs „Batty Bwoy“ (wörtlich: Butt Boy) für eine queere Person, beleuchtet die Arbeit Mythen um den Schwarzen queeren Körper. Aus einer Perspektive von Spiel und Begehren nimmt Harald Beharie die Absurdität queerer Monstrosität unter die Lupe und beschwört mit Batty Bwoy ein ambivalentes Wesen an der Schwelle zwischen Freude, prekärem Körper und befreiter Kraft. Inspiriert von Mythologien, ekelhaften Stereotypen, Gefühlen, Fantasien über queere Körper und Identitäten, homophoben Dancehall-Texten, italienischen Giallo-Filmen der 1970er Jahre, unverwüstlichen „Gully Queens“ und queeren Stimmen in Norwegen und Jamaika, erschafft Harald Beharie eine ambivalente und spannungsreiche Arbeit zwischen Zärtlichkeit und Grausamkeit.

Eine Produktion von Harald Beharie. Gefördert durch Kulturrådet, Fond for lyd og bilde, FFUK, Sandnes Kommune. Unterstützt von der Stadtverwaltung Oslo und TOU. Medienpartner: Missy Magazine, Siegessäule, taz.
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Norwegian-Jamaican choreographer Harald Beharie comes to Berlin for the first time with a captivating solo driven by booming progressive rock. Through a reappropriation of the Jamaican slang term for a queer person “Batty Bwoy” (literally, butt boy), the performance twists and turns the myths of the black queer body. From a perspective of play and desire, Harald Beharie scrutinizes the absurdity of queer monstrosity and evokes with Batty Bwoy an ambivalent being that exists in the threshold of joy, the precarious body and liberated power. Inspired by mythologies, disgusting stereotypes, feelings, fantasies of the queer body and identities, homophobic dancehall lyrics, 1970s Giallo films from Italy, resilient “gully queens,” and queer voices in Norway and Jamaica, Harald Beharie creates an ambivalent and tense work between tenderness and cruelty.

A production by Harald Beharie. Supported by Kulturrådet, Fond for lyd og bilde, FFUK, Sandnes Municipality, Oslo Municipality and TOU. Media partners: Missy Magazine, Siegessäule, taz.

Foto: Julie Hrncirova

Derzeit keine Tickets online verfügbar, ggf. verfügbare Restkarten ab 2 Stunden vor Vorstellungsbeginn an der Abendkasse.

Performance
Ca. 1h 10 Min.
Englisch, Koreanisch /English, Korean

Haribo Kimchi ist eine herzerwärmende Performance für alle Sinne über Migration, Heimat und die heilsame Kraft des Essens. Jaha Koo lädt das Publikum in ein Pojangmacha ein, ein typischer Spätimbiss, der auf den Straßen Südkoreas weit verbreitet ist. Gemeinsam mit einem Baby-Aal, einer singenden Schnecke und einem Gummibären nimmt er uns von hier aus mit auf eine kulinarische Reise und erkundet Esskulturen als Zugang zu gesellschaftlichen Strukturen. In einem autofiktionalen Setting teilt Jaha Koo berührende, lustige und absurde Anekdoten über die Diaspora der Kimchi-Kultur, den Kannibalismus während der großen Hungersnot, über den sauren Schmerz des unverfälschten Rassismus und über den tiefen Umami-Geschmack der Heimat.

Eine Produktion von Jaha Koo und CAMPO in Koproduktion mit Kunstenfestivaldesarts (Brüssel), Rideau de Bruxelles, Theater Utrecht, SPRING festival (Utrecht), Festival d´Automne à Paris, Théâtre de la Bastille (Paris), Tangente St. Pölten - Festival für Gegenwartskultur, & Espoo Theater (Espoo), Internationales Sommerfestival Kampnagel (Hamburg), Sophiensæle, Meet You Festival (Valladolid), Bunker (Ljubljana), Nationaltheater und Konzerthalle Taipeh, The Divine Comedy International Theater Festival / Teatr Łaźnia Nowa (Krakau) & Perpodium mit Unterstützung des Taxshelters der belgischen Bundesregierung via Cronos Invest und der Flämischen Regierung. Medienpartner: Missy Magazine, Siegessäule, taz.
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Haribo Kimchi is a heart-warming performance for all the senses about migration, home and the healing power of food. Jaha Koo invites the audience to a pojangmacha, a typical late-night snack bar that can be seen scattered across the streets of South Korea. Together with a baby eel, a singing snail and a gummi bear, he takes us on a culinary journey and explores food cultures as an approach to understand the structures of a society. In an autofictional setting, Jaha Koo shares touching, funny and absurd anecdotes about the diaspora of Kimchi culture, cannibalism during the great famine, the sour pain of unadulterated racism and the deep umami taste of home.

A production by Jaha Koo and CAMPO in co-production with Kunstenfestivaldesarts (Brussels), Rideau de Bruxelles, Theater Utrecht, SPRING festival (Utrecht), Festival d’Automne à Paris, Théâtre de la Bastille (Paris), Tangente St. Pölten – Festival für Gegenwartskultur, &Espoo theatre (Espoo), International Summer Festival Kampnagel (Hamburg), Sophiensæle, Meet You Festival (Valladolid), Bunker (Ljubljana), National Theatre and Concert Hall Taipei, The Divine Comedy International Theater Festival / Teatr Łaźnia Nowa (Kraków) & Perpodium with the support of the taxshelter of the Belgian Federal Government via Cronos Invest & the Flemish Government. Media partners: Missy Magazine, Siegessäule, taz.

Als die Stiefmutter mit ihren zwei Töchtern ins Haus kommt, beginnt für Aschenputtel eine schwere Zeit. Sie wird ausgelacht, verhöhnt und zu übermäßiger Arbeit gezwungen.
Doch sie hat Hoffnung, denn der Prinz sucht eine Frau und veranstaltet dafür ein großes Fest. Es gelingt Aschenputtel, maskiert und unerkannt auf dem Fest das Herz des Prinzen zu erobern. Aber bis sich die beiden finden, stellt sich ihnen noch vieles in den Weg.

Das Mitspieltheater ist eine besondere Form des Theaterspielens, bei dem eine erfahrene Schauspielerin ein Märchen erzählt und dabei in die verschiedenen Märchencharaktere und Rollen schlüpft. Dabei dürfen die Zuschauer dem Märchen nicht nur gespannt zuhören, sondern aktiv mitwirken. Sie können ihre Gedanken und Ideen der Schauspielerin auf der Bühne zurufen, die diese Impulse spontan mit in die Geschichte integriert.

Es spielt: Marion Martinez

Mutter ist fort und die Geißlein rüsten sich, denn sie dürfen niemanden reinlassen. Schon gar nicht den Wolf. Aber der Wolf ist nicht dumm! Er verstellt sich, und die Geißlein versuchen sich immer wieder zu erinnern, was die Mutter gesagt hat. Aber dann vergessen sie es doch…

Es spielen: Willi Schellenberg, Anna Tripp, Acelya Han

Haben Sie schon mal gesehen wie die Realität auf den Kopf gestellt wird? Nein?

Dann wird es Zeit für einen Besuch in Ben Blu’s Illusionstheater! Kommen Sie mit Ihrer Familie vorbei und lassen Sie sich in die Welt der Magie entführen. Kinder ab 4 Jahren beobachten mit staunenden Augen und offenen Mündern wie sich Gegenstände verwandeln oder schweben. Auch die Erwachsenen staunen und lachen, wenn Ben das Publikum verzaubert.

Ben Blu’s einzigartiges Illusionstheatater hat sich auf die Zauberkunst spezialisiert. In einem intimen Rahmen erleben Sie und Ihre Familie eine interaktive und unterhaltsame Show. Teilweise entstehen Effekte mitten im Publikum. Egal, ob Sie in Berlin wohnen oder zu Besuch in der Stadt sind: Diese Show wird sie begeistern! Einige Kunststücke gibt es weltweit nur hier zu sehen.

Der Sympathische Zauberkünstler Ben Blu führt Sie und die anderen Gäste ca. 60 Minuten lang ohne Pause durchs Programm. Dieses passt er dem jeweiligen Publikum leicht an, zum Beispiel in Bezug auf die Altersgruppen.

Einlass 30 min vor der Show

Wann durften Sie das letzte Mal Kind sein?

Ben Blu präsentiert niveauvolle Zauberkunst und beste Unterhaltung.

Erleben Sie das magische Highlight in Berlin, an das Sie sich noch lange erinnern werden! Seien Sie dabei wenn Gedanken gelesen, Mordopfer gefunden, es um einen Piratenschatz geht und Ben sich aus einer echten Zwangsjacke befreit. Die Reise in die Kindheit spielt ebenfalls eine wichtige Rolle.

In dem intimen Theater zaubert Ben Blu unvergessliche Momente. Dabei passieren die Illusionen nicht nur auf der Bühne sondern finden teilweise inmitten der Besucher statt.

In der Show „Mind Illusions“ ist ein Abend voller Lachen und Verblüffung. Lassen Sie sich entführen in eine magische Welt voller Faszination. Die Show dauert etwa 90 Minuten, dazwischen eine Pause von etwa 20 Minuten.

Auf Grund der Themen und Routinen ist die Show ab 10 Jahren empfohlen.

Einlass 30 min vor der Show

Haben Sie schon mal gesehen wie die Realität auf den Kopf gestellt wird? Nein?

Dann wird es Zeit für einen Besuch in Ben Blu’s Illusionstheater! Kommen Sie mit Ihrer Familie vorbei und lassen Sie sich in die Welt der Magie entführen. Kinder ab 4 Jahren beobachten mit staunenden Augen und offenen Mündern wie sich Gegenstände verwandeln oder schweben. Auch die Erwachsenen staunen und lachen, wenn Ben das Publikum verzaubert.

Ben Blu’s einzigartiges Illusionstheatater hat sich auf die Zauberkunst spezialisiert. In einem intimen Rahmen erleben Sie und Ihre Familie eine interaktive und unterhaltsame Show. Teilweise entstehen Effekte mitten im Publikum. Egal, ob Sie in Berlin wohnen oder zu Besuch in der Stadt sind: Diese Show wird sie begeistern! Einige Kunststücke gibt es weltweit nur hier zu sehen.

Der Sympathische Zauberkünstler Ben Blu führt Sie und die anderen Gäste ca. 60 Minuten lang ohne Pause durchs Programm. Dieses passt er dem jeweiligen Publikum leicht an, zum Beispiel in Bezug auf die Altersgruppen.

Einlass 30 min vor der Show

von Zé de Paiva

Das Auge des Zyklopen ist rund – wie ein Kamera-Objektiv. Wer das Auge lenkt, herrscht!

Zé de Paiva lässt in seinem Regiedebut am Ballhaus Naunynstraße seine Erfahrungen als Schauspieler, Tänzer, Fotograf und Videokünstler zusammenfließen: In einer intermedialen Performance sucht er – gemeinsam mit der Tänzerin Nasheeka Nedsreal – die postkoloniale Bildordnung zu verzerren.

Bilder legen sich auf Körper. Sie gleiten über Wände, Menschen und Dinge. Die Bilder lasten, überlagern, transformieren Körper. Was wir Wirklichkeit nennen, ist eine Collage von Bild und Materie. Wer produziert die Bilder? Für wen? Für welchen Zweck? Mit Cyclops stellt der Performer Zé de Paiva die Kamera als omnipräsente, allmächtige Bilderproduzentin ins Zentrum – als Widerpart, als Instrument der Herrschaft und der Ermächtigung. Wer führt die Kamera, bestimmt den Ausschnitt, wer bedient den Auslöser?

Kameras machen sichtbar, geben Gestalt. Wer über den Apparat verfügt, entscheidet über die Art des Sehens und Gesehenwerdens. Die fotografische Praxis schafft die Hierarchie der Betrachtenden und Betrachteten. Sie ist Teil des späten Kolonialismus: Instrument der Überwachung, Kategorisierung, Verwaltung, der Objektivierung von Körpern und Menschen. Zwar spricht man vom „Protagonisten“, wenn man die Person vor der Kamera meint. Aber ist die eigentliche Protagonistin nicht die Person mit der Kamera, dieser artifizielle Zyklop? Ist der Rollentausch möglich? Was siehst du? Wer bist du, mein Gegenüber mit diesem Blick auf die Welt? Wie siehst du mich? Ist die Welt auf deine Perspektive eingestellt? Und wenn ich dich auf meinem Bildschirm sehe, wer bist du dann? Wer führt den Blick, wer verführt?

Cyclops ist ein Tanz mit Kabeln und Augen; ein Kampf um Bewegungsmöglichkeiten. In der Performance suchen Zé de Paiva und Nasheeka Nedsreal die Aneignung, die Licht-Brechung im Dienst ihrer Perspektiven als Schwarze Protagonist*innen.

Foto: Zé de Paiva

Irgendwo auf der Welt

LIEDER und LEBEN des legendären UFA-Komponisten Werner Richard Heymann

Eine musikalische Lesung mit Katharine Mehrling & Tilmar Kuhn

Heymann (1896-1961) - Sohn einer jüdischen Familie aus Königsberg - war einer der bedeutendsten Komponisten in der Weimarer Republik.
Er war musikalischer Leiter des Kabaretts „Schall und Rauch“ und „Die Wilde Bühne“, hat Bühnenmusik für Max Reinhart geschrieben, und war in der Stummfilmzeit Generalmusikdirektor der UFA.

Er hat ein großes Werk hinterlassen, das weit über seine populären Filmschlager (IRGENDWO AUF DER WELT | DAS GIBT’S NUR EINMAL) hinausreicht.
Es umfasst Sinfonien, Chansons für das politische Kabarett, Operetten, Musik für Stummfilme, später für den Tonfilm der Zwanziger und Dreißiger Jahre (DER KONGRESS TANZT, DIE DREI VON DER TANKSTELLE).

Nach der Machtergreifung der Nationalsozialisten erhielt er als einziger jüdischer Mitarbeiter der UFA das Angebot zu bleiben. Er lehnte es ab, und ging ins Exil nach Paris, dann in die USA, wo er Filmmusik u.a. für Ernst Lubitsch komponierte (NINOTSCHKA, SEIN ODER NICHTSEIN).

1951 ist er in ein völlig verändertes Deutschland zurückgekehrt.

Aus Heymanns bewegtem LEBEN liest der Schauspieler TILMAR KUHN.

Einen ganz neuen Zugang zu Heymanns musikalischem Kosmos eröffnen die sehr persönlichen Interpretationen ausgewählter LIEDER - gesungen von KATHARINE MEHRLING.
Begleitet von Ferdinand von Seebach am Flügel und an der Posaune, Olaf Casimir am Bass und Gabriel Adorján an der Violine, singt sie Heymanns Werke aus den Zwanziger Jahren, dem französischen und amerikanischen Exil, und Lieder, die er nach seiner Rückkehr nach Deutschland z.B. für Hildegard Knef geschrieben hat.

Die Kombination aus Lesung und Musik zu Werner Richard Heymanns Leben und Werk schafft einen lebendigen Einblick in ein wichtiges Kapitel der Kultur-und Zeitgeschichte des 20. Jahrhunderts.

Einlass: 19:30 Uhr

Swing, Swing, Swing: Die Musik-Show präsentiert die unvergesslichen Hits und das faszinierende Leben des legendären Sängers, den man anerkennend „The Voice“ nannte. Im Soloprogramm von Johannes Hallervorden erklingen u.a. Songs wie „My Way“, „Strangers In The Night“ und „New York, New York“, mit denen Sinatra Weltruhm erlangte. Hallervorden begibt sich auf eine Zeitreise, in welcher die bekannten und die weniger bekannten Aspekte seines leidenschaftlichen Lebens zwischen Musik, Frauen und Politik beleuchtet werden. Gemeinsam mit der begeisternden Live-Swing-Musik der vier Instrumentalisten nähert sich der Schauspieler Johannes Hallervorden der widersprüchlichen und glamourösen Persönlichkeit Frank Sinatras.

Buch: Wolfgang Seppelt
Musikalische Leitung: Carly Quiroz
Regie: Peter Fabers


Foto: Dirk Dehmel / Foto Urbschat

19.00 Uhr

Hier keine Tickets verfügbar

Wer kennt nicht Janoschs liebenswerten Klassiker über Tiger und Bär, die zu neuen Abenteuern aufbrechen, um am Ende doch wieder in ihr trautes Zuhause zurückzufinden? Aus diesem Stoff haben Marc Schwämmlein (Libretto) und Sebastian Gabriel (Komponist) ein wunderbares Kinder-Musical geschaffen, dessen Welt-Premiere das Kammerorchester Unter den Linden nun zeitgleich zur Buchpremiere des entsprechenden Musikalischen Bilderbuchs des Annette-Betz-Verlags präsentiert! Außerdem wirken – unter der Regie von Rosemarie Arzt und Anne-Katrin Schenck – 30 Schüler*innen der Neumark-Grundschule Schöneberg mit. Dirigent: Andreas Peer Kähler.

Ab 5 Jahren – 70 min

In jedem Konzert können drei Kinder ein Musikalisches Bilderbuch des Annette-Betz-Verlages gewinnen!

Im Anschluss an das Konzert können im Foyer die Musikinstrumente des Klingenden Museums unter fachkundiger Anleitung ausprobiert werden.

Hinweis:
Das Konzert ist so gut wie ausverkauft. Wegen ev. Restkarten an der Tageskasse schreiben Sie bitte an info@kudl-berlin.de. Für alle unsere Konzerte ab Januar 2025 gibt es derzeit noch ausreichend Karten.

Tipp:
Lassen Sie sich für unseren Newsletter registrieren. In diesem stellen wir nicht nur unsere Konzerte der kommenden Zeit vor, sondern informieren auch darüber, welche Konzerte schon früh ausverkauft sein könnten. Schreiben Sie einfach an info@kudl-berlin.de.

In Kooperation mit dem Klingenden Museum Berlin und dem Annette Betz Verlag

Illustration © Janosch film & medien AG, Berlin

Einlass: 14:30 Uhr

Sie buchen mit Ihrer Eintrittskarte eine TAGESKARTE für den Besuch in der Dauerausstellung des museum FLUXUS+. Letzter Einlass ist 17:30 Uhr. Für einen entspannten Besuch planen Sie bitte mindestens eine Stunde ein.

Nach dem Einlass haben Sie genügend Zeit, dass Museum zu besichtigen.
Öffnungszeiten Mi - So 13:00 - 18:00 Uhr

Das museum FLUXUS+ in Potsdam zeigt moderne Kunst mit den Schwerpunkten Fluxus, Wolf Vostell und vier zeitgenössischen Künstlern. Die Sammlung umfasst neben Wolf Vostell unter anderem Werke von Emmett Williams, Ben Patterson, Yoko Ono, Nam June Paik, Mary Bauermeister und Niki de Saint-Phalle.

Die eintrittsfreien Ausstellungen im atrium, ein museumscafé mit Terrasse und der attraktive museumsshop machen das museum FLUXUS+ zu einem beliebten kulturellen Treffpunkt an der Havel.

letzter Einlaß 16:00 Uhr

Die Gebäude der ehemaligen Schultheiss-Brauerei prägen noch heute das Berliner Stadtbild. So auch deren Malzfabrik in der Nähe des Bhf Südkreuz, direkt an der „Dresdener Bahn“ gelegen.

Hier lässt sich die Industriekultur der 1920er bis 1990er Jahre zeigen. Im noch heute ungenutzten Hauptgebäude lässt sich das Prinzip einer Mälzerei zeigen, da die originalen Einbauten weitestgehend erhalten sind.

Das Areal der Malzfabrik ist als Event-Location erschlossen und verfügt über ausreichend Freiflächen.

Bitte 15 Minuten vor Beginn beim Pförtner melden.

Mit der Erweiterung der Berliner Stadtautobahn BAB 100 entstanden an wichtigen Kreuzungspunkten bereits zukünftige U-Bahnbauwerke. Am Innsbrucker Platz legten die Planer die Autobahn in einem kurzen Tunnelstück unter die Erde, um somit eine der wichtigen Eisenbahntrassen zu kreuzen. Dabei entstand noch unter dem Autobahntunnel ein zukünftiger U-Bahnhof in beeindruckender Länge und mit, für Berliner Verhältnisse, großer Tiefe. Zusätzlich enthalten ist in dieser Tour der Einstieg in einen aus den 1910er Jahren stammenden U-Bahntunnel werden - ein vergessener Tunnel unterhalb eines Wohngebietes.
Diese geführte Besichtigung beansprucht ca. 2 - 2,5 Stunden. Für die Tour im unter der Autobahn gelegenen U-Bahnhof Innsbrucker Platz & durch den alten Eisacktunnel können Sie hier die Tickets online buchen.

ca. 15 min vor Veranstaltungsbeginn