Die italienische Choreografin Sofia Nappi ist einer der aufstrebenden Sterne am internationalen Tanzhimmel. Ausgebildet wurde sie u.a. am renommierten Alvin Ailey American Dance Theatre in New York. Ihre Arbeitsweise ist zudem beeinflusst von Gaga, der besonderen Bewegungssprache des israelischen Tanzmeisters Ohad Naharin. 2022 gründete Nappi die zeitgenössische Tanzcompagnie KOMOCO, die sie seither leitet und mit der sie mehrfach für ihre Choreografien ausgezeichnet wurde.

In Zusammenarbeit mit dem Stuttgarter Tanzfestival COLOURS und dem Theater Winterthur entwickelte sie das Tanzstück „Chora“. Der Titel leitet sich vom altgriechischen Begriff chōra ab, der in Platons Philosophie einen Ort oder Raum als Aufnahmegebiet für das Sein bezeichnet. Sofia Nappi und ihre Tänzer:innen erforschen nun nichts Geringeres als den Beginn von Kunst. Begleitet von einem pulsierenden Sounddesign begibt sich diese energetische Gruppe auf die tänzerische Suche nach dem Anfang aller kreativen Schöpfung.


Choreografie: Sofia Nappi & die Tänzer:innen von KOMOCO
Mit: Bonni Bogya, Glenda Gheller, India Guanzini, Sem Houmes, Paolo Piancastelli, Senne Reus, Kacper Szklarski (Tanz); Adriano Popolo Rubbio (Choreografische Assistenz); Ciaran Morahan (Originalmusik, Sounddesign, Tonmischung); Alessandro Caso (Licht); Adriano Popolo Rubbio (Kostümbild); Adriano Popo-lo Rubbio, Adelaide D’Ago (Kostüme); Giulia Pasquini, Claudia Bauer (Produktionsmanagement)
Musik: Alessandro Cortini, Ben Frost (Gluteus Maximus remix), J.S. Bach

Eine Produktion von KOMOCO. In Koproduktion mit Theater Winterthur, Roma Europa Festival, COLOURS International Dance Festival, Oriente Occidente. In Zusammenarbeit mit ecotopia dance productions. Unterstützt durch Residenzen bei Oriente Occidente, Inteatro residenze, PARC Firenze. Gefördert von MiC – Italian Ministry of Culture.

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Öffnungszeiten / Opening Hours / Horaires d´ouvertures: 10.00-18.00 (24.12. 10.00-14.00)
Ihr Ticket gilt den ganzen Tag / Your ticket is valid for the whole day / Votre billet est valable toute la journée

Geoffrey Bawa. Architektur für die Sinne
26.09.2026 – 28.02.2027
Eine Ausstellung des Vitra Design Museums, der Wüstenrot Stiftung und M+, in Zusammenarbeit mit dem Geoffrey Bawa Trust.

Mit einer über fünfzig Jahre währenden Schaffenszeit und mehr als 200 realisierten Projekten zählt Geoffrey Bawa (1919–2003) zu den einflussreichsten Architekten Asiens des 20. Jahrhunderts. Sein Werk verbindet die Prinzipien des Modernismus auf einzigartige Weise mit regionalen und traditionellen Elementen und entwickelt so eine unverwechselbare Architektursprache, die sensibel auf den Ort, lokale Materialien und kulturelle Identitäten reagiert. Bawas Oeuvre prägte die Architektur des postkolonialen Sri Lanka nachhaltig und umfasst Hotels, Privathäuser, Schulen, Universitäten, Fabriken, Bürogebäude sowie das Parlamentsgebäude des Landes. Heute wird sein Ansatz weltweit neu entdeckt und dient als inspirierendes Vorbild für sozial und ökologisch nachhaltiges Bauen.

Im Herbst 2026 präsentieren das Vitra Design Museum und M+ Hongkong in Zusammenarbeit mit dem Geoffrey Bawa Trust die erste umfassende Retrospektive zu Bawa seit zwei Jahrzehnten. Die Ausstellung beleuchtet zentrale Leitmotive seines Schaffens – von interdisziplinärer Zusammenarbeit sowie ökologischem, sozialem und kulturellem Engagement bis hin zu gestalterischen Formensprache, die seine Architektur unverwechselbar prägt. Eine außergewöhnlich umfangreiche Auswahl an Zeichnungen, Modellen, Möbeln, Fotografien und Filmen macht die sinnliche Atmosphäre von Bawas Vermächtnis spürbar und betont seine zeitlose Relevanz.

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Abb.: Geoffrey Bawa Kandalama Hotel, 1991-94 Dambulla, Sri Lanka © Iwan Baan, 2026


Geoffrey Bawa: Architecture for the Senses
26.09.2026 – 28.02.2027
An exhibition by the Vitra Design Museum, M+, and the Wüstenrot Foundation in collaboration with the Geoffrey Bawa Trust.

With a career spanning five decades and over 200 projects, Geoffrey Bawa (1919-2003) counts as one of the most influential 20th-century architects in Asia. His work blends the principles of Modernism with vernacular and traditional elements to form a distinctive architectural language that responds sensitively to context, to local materials cultural identities. Bawa’s remarkable oeuvre shaped the architecture of postcolonial Sri Lanka, and includes hotels, private residences, schools, universities, factories, office buildings, and the country’s parliament. Today, his approach is being rediscovered worldwide as a guiding inspiration for socially and ecologically sustainable building practice.

In 2026, the Vitra Design Museum and M+ Hong Kong in collaboration with the Geoffrey Bawa Trust, will present the first major retrospective on Bawa in two decades. The exhibition foregrounds recurring themes in his work from interdisciplinary collaboration and ecological, social and cultural engagement to the formal qualities that define his architecture. Through an unprecedented wealth of drawings, models, furniture, photographs, and films, it brings to life the captivating, sensory quality of Bawa’s enduring legacy.


Image: Geoffrey Bawa Kandalama Hotel, 1991-94 Dambulla, Sri Lanka © Iwan Baan, 2026

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Er ließ Stühle von der Decke schweben und schuf organische Wohnlandschaften, die bis heute faszinieren: Der dänische Architekt und Designer Verner Panton (1926–1998) prägte das Design der Nachkriegszeit wie kaum ein anderer. Sein Geburtstag jährt sich 2026 zum 100. Mal. Aus diesem Anlass widmet das Vitra Design Museum ihm eine große Ausstellung im Vitra Schaudepot, die Pantons Schaffen in seiner ganzen Vielfalt zeigt – von ikonischen Entwürfen wie dem »Panton Chair« über Leuchten und Textildesigns bis hin zu seiner wenig bekannten Architektur. Eine begehbare Rekonstruktion der legendären »Fantasy Landscape« (1/8) 1970, macht Pantons revolutionäres Raumverständnis und den Aufbruchsgeist jener Zeit unmittelbar erfahrbar. Die Ausstellungsgestaltung verwandelt seine skulpturalen, farbstarken Welten in ein immersives Erlebnis. Grundlage der Schau bildet die umfangreiche Verner Panton-Sammlung im Vitra Design Museum, die zu den bedeutendsten ihrer Art zählt und eine einzigartige Fülle von Objekten, Zeichnungen, Modellen und Archivalien umfasst. Die Werkschau, die in enger Zusammenarbeit mit der Verner Panton Design AG entsteht, lädt dazu ein, einen großen Designer neu zu entdecken – zwischen Pop, Utopie und organischen Farbwelten.

He made chairs float from the ceiling and created organic living landscapes that continue to fascinate us today: the Danish architect and designer Verner Panton (1926–1998) shaped post-war design like few others. To celebrate the centenary of his birth, the Vitra Design Museum will dedicate a major exhibition at the Vitra Schaudepot to Panton’s work. Showcasing the full breadth of his creative output – from iconic pieces like the »Panton Chair« to his lighting and textile designs – it will also feature several of his little-known architectural projects. A walk-in reconstruction of the legendary »Fantasy Landscape« (1/8) 1970, brings Panton’s revolutionary understanding of space and the spirit of the era vividly to life. The exhibition design transforms his sculptural, colour-rich worlds into an immersive experience. The show is based on the extensive Verner Panton Collection at the Vitra Design Museum, which is one of the most important of its kind and comprises a unique wealth of objects, drawings, models and archival materials. The exhibition, created in close collaboration with Verner Panton Design AG, invites visitors to rediscover a visionary designer – between Pop, utopia, and organic worlds of colour.

Abb.: Verner Panton, »Fantasy Landscape«, Ansicht aus der Ausstellung »Visiona II«, Internationale Möbelmesse Köln, 1970 © Verner Panton Design AG

"SINGE, DAS HERZ MIR ZU ÖFFNEN"
klangwerk LIED feiert 15 Jahre Liederabendreihe in großer Besetzung und Klavier zu vier Händen

BRAHMS - LIEBESLIEDERWALZER sowie weitere Quartette und Duette


Die Freiburger Konzertreihe klangwerk LIED feiert ihr fünfzehnjähriges Bestehen! 2011 aus Begeisterung für das Kunstlied gegründet, widmet sie sich seither diesem Genre, das trotz seiner emotionalen Dichte und Nähe zum Publikum oft wie in einem Dornröschenschlaf weilt und im gängigen Konzertleben vergleichsweise wenig Raum erhält. Durch innovative, anregende, kritische oder zeitaktuelle Themenabende auch abseits gängiger Formate, vielen nach Freiburg eingeladenen Preisträgern internationaler Gesangs- und Liedwettbewerbe und insgesamt etwa 75 Liederabenden hat sich die Reihe klangwerk LIED längst als feste Größe im Freiburger Kulturleben etabliert.

Zum Jubiläum soll nun beschwingt und vielstimmig gefeiert werden: Vier Sängerinnen und Sänger sowie zwei Pianisten am Flügel gestalten den Abend gemeinsam. Im Zentrum steht dabei Duette und Quartette: Rahmen bilden Brahms‘ Liebeslieder-Walzer und Neue Liebeslieder für vier Stimmen und Klavier zu vier Händen. Flankiert werden sie von Duetten von Mendelssohn, Schumann und Fauré.

Zwei Entdeckungen ergänzen das Programm. Der Schweizer Hans Huber (1852-1921) prägte als Direktor des Basler Konservatoriums und Mitbegründer des Schweizerischen Tonkünstlervereins das Musikleben seines Landes. Seine Vokalquartette op. 69 verwenden dieselbe Besetzung wie die Liebeslieder-Walzer und sind unüberhörbar von Brahms inspiriert, gehen klanglich aber eigene Wege in Richtung Jahrhundertwende.

Gustav Jenner (1865-1920) war der einzige Kompositionsschüler, den Johannes Brahms über längere Zeit persönlich unterrichtete. Vermittelt durch den Dichter Klaus Groth kam der auf Sylt geborene Jenner 1888 nach Wien, wo Brahms ihm seine Werke regelmäßig durchsah. Ab 1895 wirkte er als Universitätsmusikdirektor in Marburg und schrieb dort über 150 Lieder sowie zahlreiche Vokal- und Kammermusikwerke. Zu Lebzeiten veröffentlichte er wenig, sein Werk ist bis heute selten zu hören.

Interpreten des Abends sind die Sopranistin Katharina Persicke (Freiburg), die Mezzosopranistin Debora Kapsner (Heidelberg), der Tenor Falk Hoffmann (Leipzig) sowie der Bariton Georg Gädker (Mannheim), zwei- und vierhändig am Klavier begleitet von den Freiburger Liedbegleitern Carl-Martin Buttgereit und Philip Rivinius. Ein vokal-instrumentales Feuerwerk!

Einlass: 19:15 Uhr

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Er ließ Stühle von der Decke schweben und schuf organische Wohnlandschaften, die bis heute faszinieren: Der dänische Architekt und Designer Verner Panton (1926–1998) prägte das Design der Nachkriegszeit wie kaum ein anderer. Sein Geburtstag jährt sich 2026 zum 100. Mal. Aus diesem Anlass widmet das Vitra Design Museum ihm eine große Ausstellung im Vitra Schaudepot, die Pantons Schaffen in seiner ganzen Vielfalt zeigt – von ikonischen Entwürfen wie dem »Panton Chair« über Leuchten und Textildesigns bis hin zu seiner wenig bekannten Architektur. Eine begehbare Rekonstruktion der legendären »Fantasy Landscape« (1/8) 1970, macht Pantons revolutionäres Raumverständnis und den Aufbruchsgeist jener Zeit unmittelbar erfahrbar. Die Ausstellungsgestaltung verwandelt seine skulpturalen, farbstarken Welten in ein immersives Erlebnis. Grundlage der Schau bildet die umfangreiche Verner Panton-Sammlung im Vitra Design Museum, die zu den bedeutendsten ihrer Art zählt und eine einzigartige Fülle von Objekten, Zeichnungen, Modellen und Archivalien umfasst. Die Werkschau, die in enger Zusammenarbeit mit der Verner Panton Design AG entsteht, lädt dazu ein, einen großen Designer neu zu entdecken – zwischen Pop, Utopie und organischen Farbwelten.

He made chairs float from the ceiling and created organic living landscapes that continue to fascinate us today: the Danish architect and designer Verner Panton (1926–1998) shaped post-war design like few others. To celebrate the centenary of his birth, the Vitra Design Museum will dedicate a major exhibition at the Vitra Schaudepot to Panton’s work. Showcasing the full breadth of his creative output – from iconic pieces like the »Panton Chair« to his lighting and textile designs – it will also feature several of his little-known architectural projects. A walk-in reconstruction of the legendary »Fantasy Landscape« (1/8) 1970, brings Panton’s revolutionary understanding of space and the spirit of the era vividly to life. The exhibition design transforms his sculptural, colour-rich worlds into an immersive experience. The show is based on the extensive Verner Panton Collection at the Vitra Design Museum, which is one of the most important of its kind and comprises a unique wealth of objects, drawings, models and archival materials. The exhibition, created in close collaboration with Verner Panton Design AG, invites visitors to rediscover a visionary designer – between Pop, utopia, and organic worlds of colour.

Abb.: Verner Panton, »Fantasy Landscape«, Ansicht aus der Ausstellung »Visiona II«, Internationale Möbelmesse Köln, 1970 © Verner Panton Design AG

Lustvolle Promenade durch die Musik von Renaissance und Frühbarock

Genüssliches Flanieren, absichtsloses Lustwandeln zum reinen Zeitvertreib kultiviert im übertragenen Sinne eine beliebte Technik der Renaissancemusik: „Passeggio“, abgeleitet vom italienischen „passeggiare“ für spazieren, bummeln oder promenieren, wird hier zum Ausschmücken bekannter Melodien mit improvisierten Verzierungen, die den Interpretierenden Gelegenheit bieten, ihre Virtuosität zu zeigen.

Diesen Ansatz greift das junge Ensemble „Das Kolorit“ auf, das sich der südeuropäischen Musik des 16. und 17. Jahrhunderts mit Originalinstrumenten widmet. „L’ arte di passeggiare“ heißt ihr Programm in dem neben den Ensemblemitgliedern Sophia Schambeck (Blockflöten), Mariona Mateu Carles (Violone), Rosalia Gomez (Cembalo) und Leon Jänicke (Theorbe und Barockgitarre) auch Jaume Guri Batlle als Gastgeiger auftritt. „Wir spazieren durch lebhafte Tanzsätze des Frühbarock“, kündigt „Das Kolorit“ an.

Schon die wohlklingenden Namen der Aufgeführten lesen sich wie Musik: Dario Castello, Maurizio Cazzati, Girolamo Frescobaldi, Orlando di Lasso, Diego Ortiz, Bartolomeo de Selma y Salaverde und mit Francesca Caccini, die einzige komponierende Dame in diesem Programm.

Einlass: 19:00 Uhr

Was geschieht mit einem Menschen, wenn er von der Welt abgeschnitten ist – und was bedeutet Einsamkeit in einer Zeit, in der wir scheinbar permanent miteinander verbunden sind?
Mit „Die Wand 2.0“ überträgt Theater Pro Marlen Haushofers berühmten Roman in die digitale Gegenwart. Im Mittelpunkt steht eine Frau, die seit Jahren isoliert lebt. Doch anders als bei Haushofer schreibt sie keinen Bericht über ihr Leben hinter der unsichtbaren Wand. Sie richtet die Kamera ihres Smartphones auf sich selbst.
Sie spricht. Sie filmt. Sie erinnert sich. Sie sendet.
Die Protagonistin wird zur Influencerin ihrer eigenen Einsamkeit. Ihre Gedanken, Ängste und Erinnerungen verwandeln sich in ein öffentliches Videotagebuch für eine imaginäre Followerschaft. Sie ist permanent sichtbar – und bleibt dennoch allein.
So erhält Haushofers „Wand“ eine neue Bedeutung: Sie wird zur Metapher einer digitalen Welt, in der Millionen Menschen miteinander kommunizieren können und wirkliche Nähe dennoch ausbleiben kann.

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Geoffrey Bawa. Architektur für die Sinne
26.09.2026 – 28.02.2027
Eine Ausstellung des Vitra Design Museums, der Wüstenrot Stiftung und M+, in Zusammenarbeit mit dem Geoffrey Bawa Trust.

Mit einer über fünfzig Jahre währenden Schaffenszeit und mehr als 200 realisierten Projekten zählt Geoffrey Bawa (1919–2003) zu den einflussreichsten Architekten Asiens des 20. Jahrhunderts. Sein Werk verbindet die Prinzipien des Modernismus auf einzigartige Weise mit regionalen und traditionellen Elementen und entwickelt so eine unverwechselbare Architektursprache, die sensibel auf den Ort, lokale Materialien und kulturelle Identitäten reagiert. Bawas Oeuvre prägte die Architektur des postkolonialen Sri Lanka nachhaltig und umfasst Hotels, Privathäuser, Schulen, Universitäten, Fabriken, Bürogebäude sowie das Parlamentsgebäude des Landes. Heute wird sein Ansatz weltweit neu entdeckt und dient als inspirierendes Vorbild für sozial und ökologisch nachhaltiges Bauen.

Im Herbst 2026 präsentieren das Vitra Design Museum und M+ Hongkong in Zusammenarbeit mit dem Geoffrey Bawa Trust die erste umfassende Retrospektive zu Bawa seit zwei Jahrzehnten. Die Ausstellung beleuchtet zentrale Leitmotive seines Schaffens – von interdisziplinärer Zusammenarbeit sowie ökologischem, sozialem und kulturellem Engagement bis hin zu gestalterischen Formensprache, die seine Architektur unverwechselbar prägt. Eine außergewöhnlich umfangreiche Auswahl an Zeichnungen, Modellen, Möbeln, Fotografien und Filmen macht die sinnliche Atmosphäre von Bawas Vermächtnis spürbar und betont seine zeitlose Relevanz.

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Abb.: Geoffrey Bawa Kandalama Hotel, 1991-94 Dambulla, Sri Lanka © Iwan Baan, 2026


Geoffrey Bawa: Architecture for the Senses
26.09.2026 – 28.02.2027
An exhibition by the Vitra Design Museum, M+, and the Wüstenrot Foundation in collaboration with the Geoffrey Bawa Trust.

With a career spanning five decades and over 200 projects, Geoffrey Bawa (1919-2003) counts as one of the most influential 20th-century architects in Asia. His work blends the principles of Modernism with vernacular and traditional elements to form a distinctive architectural language that responds sensitively to context, to local materials cultural identities. Bawa’s remarkable oeuvre shaped the architecture of postcolonial Sri Lanka, and includes hotels, private residences, schools, universities, factories, office buildings, and the country’s parliament. Today, his approach is being rediscovered worldwide as a guiding inspiration for socially and ecologically sustainable building practice.

In 2026, the Vitra Design Museum and M+ Hong Kong in collaboration with the Geoffrey Bawa Trust, will present the first major retrospective on Bawa in two decades. The exhibition foregrounds recurring themes in his work from interdisciplinary collaboration and ecological, social and cultural engagement to the formal qualities that define his architecture. Through an unprecedented wealth of drawings, models, furniture, photographs, and films, it brings to life the captivating, sensory quality of Bawa’s enduring legacy.


Image: Geoffrey Bawa Kandalama Hotel, 1991-94 Dambulla, Sri Lanka © Iwan Baan, 2026

Freude ist nicht selbstverständlich – sie entsteht oftmals unter fragilen Bedingungen. In UNCHARTED, der neuen Produktion der DAGADA dance company (Künstlerische Leitung, Choreografie: Karolin Stächele) betritt eine Gruppe von Freund:innen durch einen Riss in der Zeit die „Sphäre“, einen nichtlinearen Raum in dem sich Vergangenheit und Gegenwart überlappen. In diesem instabilen Gefüge offenbaren sich flüchtige Momente zweckfreier Freude – losgelöst von Produktivität, Erfolg und Beständigkeit.

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Ihr Ticket gilt den ganzen Tag / Your ticket is valid for the whole day / Votre billet est valable toute la journée

Geoffrey Bawa. Architektur für die Sinne
26.09.2026 – 28.02.2027
Eine Ausstellung des Vitra Design Museums, der Wüstenrot Stiftung und M+, in Zusammenarbeit mit dem Geoffrey Bawa Trust.

Mit einer über fünfzig Jahre währenden Schaffenszeit und mehr als 200 realisierten Projekten zählt Geoffrey Bawa (1919–2003) zu den einflussreichsten Architekten Asiens des 20. Jahrhunderts. Sein Werk verbindet die Prinzipien des Modernismus auf einzigartige Weise mit regionalen und traditionellen Elementen und entwickelt so eine unverwechselbare Architektursprache, die sensibel auf den Ort, lokale Materialien und kulturelle Identitäten reagiert. Bawas Oeuvre prägte die Architektur des postkolonialen Sri Lanka nachhaltig und umfasst Hotels, Privathäuser, Schulen, Universitäten, Fabriken, Bürogebäude sowie das Parlamentsgebäude des Landes. Heute wird sein Ansatz weltweit neu entdeckt und dient als inspirierendes Vorbild für sozial und ökologisch nachhaltiges Bauen.

Im Herbst 2026 präsentieren das Vitra Design Museum und M+ Hongkong in Zusammenarbeit mit dem Geoffrey Bawa Trust die erste umfassende Retrospektive zu Bawa seit zwei Jahrzehnten. Die Ausstellung beleuchtet zentrale Leitmotive seines Schaffens – von interdisziplinärer Zusammenarbeit sowie ökologischem, sozialem und kulturellem Engagement bis hin zu gestalterischen Formensprache, die seine Architektur unverwechselbar prägt. Eine außergewöhnlich umfangreiche Auswahl an Zeichnungen, Modellen, Möbeln, Fotografien und Filmen macht die sinnliche Atmosphäre von Bawas Vermächtnis spürbar und betont seine zeitlose Relevanz.

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Abb.: Geoffrey Bawa Kandalama Hotel, 1991-94 Dambulla, Sri Lanka © Iwan Baan, 2026


Geoffrey Bawa: Architecture for the Senses
26.09.2026 – 28.02.2027
An exhibition by the Vitra Design Museum, M+, and the Wüstenrot Foundation in collaboration with the Geoffrey Bawa Trust.

With a career spanning five decades and over 200 projects, Geoffrey Bawa (1919-2003) counts as one of the most influential 20th-century architects in Asia. His work blends the principles of Modernism with vernacular and traditional elements to form a distinctive architectural language that responds sensitively to context, to local materials cultural identities. Bawa’s remarkable oeuvre shaped the architecture of postcolonial Sri Lanka, and includes hotels, private residences, schools, universities, factories, office buildings, and the country’s parliament. Today, his approach is being rediscovered worldwide as a guiding inspiration for socially and ecologically sustainable building practice.

In 2026, the Vitra Design Museum and M+ Hong Kong in collaboration with the Geoffrey Bawa Trust, will present the first major retrospective on Bawa in two decades. The exhibition foregrounds recurring themes in his work from interdisciplinary collaboration and ecological, social and cultural engagement to the formal qualities that define his architecture. Through an unprecedented wealth of drawings, models, furniture, photographs, and films, it brings to life the captivating, sensory quality of Bawa’s enduring legacy.


Image: Geoffrey Bawa Kandalama Hotel, 1991-94 Dambulla, Sri Lanka © Iwan Baan, 2026

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Öffnungszeiten / Opening Hours / Horaires d´ouvertures: 10.00-18.00 (24.12. 10.00-14.00)
Ihr Ticket gilt den ganzen Tag / Your ticket is valid for the whole day / Votre billet est valable toute la journée

Er ließ Stühle von der Decke schweben und schuf organische Wohnlandschaften, die bis heute faszinieren: Der dänische Architekt und Designer Verner Panton (1926–1998) prägte das Design der Nachkriegszeit wie kaum ein anderer. Sein Geburtstag jährt sich 2026 zum 100. Mal. Aus diesem Anlass widmet das Vitra Design Museum ihm eine große Ausstellung im Vitra Schaudepot, die Pantons Schaffen in seiner ganzen Vielfalt zeigt – von ikonischen Entwürfen wie dem »Panton Chair« über Leuchten und Textildesigns bis hin zu seiner wenig bekannten Architektur. Eine begehbare Rekonstruktion der legendären »Fantasy Landscape« (1/8) 1970, macht Pantons revolutionäres Raumverständnis und den Aufbruchsgeist jener Zeit unmittelbar erfahrbar. Die Ausstellungsgestaltung verwandelt seine skulpturalen, farbstarken Welten in ein immersives Erlebnis. Grundlage der Schau bildet die umfangreiche Verner Panton-Sammlung im Vitra Design Museum, die zu den bedeutendsten ihrer Art zählt und eine einzigartige Fülle von Objekten, Zeichnungen, Modellen und Archivalien umfasst. Die Werkschau, die in enger Zusammenarbeit mit der Verner Panton Design AG entsteht, lädt dazu ein, einen großen Designer neu zu entdecken – zwischen Pop, Utopie und organischen Farbwelten.

He made chairs float from the ceiling and created organic living landscapes that continue to fascinate us today: the Danish architect and designer Verner Panton (1926–1998) shaped post-war design like few others. To celebrate the centenary of his birth, the Vitra Design Museum will dedicate a major exhibition at the Vitra Schaudepot to Panton’s work. Showcasing the full breadth of his creative output – from iconic pieces like the »Panton Chair« to his lighting and textile designs – it will also feature several of his little-known architectural projects. A walk-in reconstruction of the legendary »Fantasy Landscape« (1/8) 1970, brings Panton’s revolutionary understanding of space and the spirit of the era vividly to life. The exhibition design transforms his sculptural, colour-rich worlds into an immersive experience. The show is based on the extensive Verner Panton Collection at the Vitra Design Museum, which is one of the most important of its kind and comprises a unique wealth of objects, drawings, models and archival materials. The exhibition, created in close collaboration with Verner Panton Design AG, invites visitors to rediscover a visionary designer – between Pop, utopia, and organic worlds of colour.

Abb.: Verner Panton, »Fantasy Landscape«, Ansicht aus der Ausstellung »Visiona II«, Internationale Möbelmesse Köln, 1970 © Verner Panton Design AG

Schüler-Symphonie-Orchesters Baden-Württemberg – Konzert in e-Moll
Freitag, 09. Oktober 2026, 19 Uhr, Musikhochschule Freiburg
Eintritt: 20 EUR / 5 EUR

Mit einem anspruchsvollen Konzertprogramm präsentiert sich das Schüler-Symphonie-Orchester Baden-Württemberg in der Freiburger Musikhochschule mit seinem diesjährigen Programm. Unter der Leitung von Christoph Wagner (Stuttgart) widmen sich die jungen Musikerinnen und Musiker drei Werken der Romantik, die eines verbindet: Sie stehen sämtlich in e-Moll.

Den Auftakt bildet die Ouvertüre Nr. 1 op. 23 von Louise Farrenc, einer der bedeutendsten französischen Komponistinnen des 19. Jahrhunderts, deren Werke von Robert Schumann sehr wohlwollend besprochen wurden. Klassische Formklarheit verbindet sich hier mit romantischer Ausdruckskraft und mitreißender Energie.

Es folgt das selten gespielte Konzert für Klarinette, Viola und Orchester op. 88 von Max Bruch. Im Mittelpunkt steht der sensible Dialog der beiden Soloinstrumente, gespielt von Annika Kurz (Musikhochschule München, Klarinette) und Raphael Kübler (Musikhochschule Karlsruhe, Viola).

Den Abschluss bildet Pjotr Iljitsch Tschaikowskys Symphonie Nr. 5 op. 64. Die einst als eine der bedeutendsten musikalischen Erscheinungen ihrer Zeit betitelte Symphonie gehört zu den großen letzten drei Symphonien Tschaikowskis. Vom geheimnisvollen Beginn bis zum triumphalen Finale entfaltet sich ein großer Spannungsbogen zwischen Schicksalsmotiv und hoffnungsvoller Apotheose.

Das junge Orchester freut sich auf zahlreiche Besucherinnen und Besucher.

Einlass: 18:30 Uhr

Was geschieht mit einem Menschen, wenn er von der Welt abgeschnitten ist – und was bedeutet Einsamkeit in einer Zeit, in der wir scheinbar permanent miteinander verbunden sind?
Mit „Die Wand 2.0“ überträgt Theater Pro Marlen Haushofers berühmten Roman in die digitale Gegenwart. Im Mittelpunkt steht eine Frau, die seit Jahren isoliert lebt. Doch anders als bei Haushofer schreibt sie keinen Bericht über ihr Leben hinter der unsichtbaren Wand. Sie richtet die Kamera ihres Smartphones auf sich selbst.
Sie spricht. Sie filmt. Sie erinnert sich. Sie sendet.
Die Protagonistin wird zur Influencerin ihrer eigenen Einsamkeit. Ihre Gedanken, Ängste und Erinnerungen verwandeln sich in ein öffentliches Videotagebuch für eine imaginäre Followerschaft. Sie ist permanent sichtbar – und bleibt dennoch allein.
So erhält Haushofers „Wand“ eine neue Bedeutung: Sie wird zur Metapher einer digitalen Welt, in der Millionen Menschen miteinander kommunizieren können und wirkliche Nähe dennoch ausbleiben kann.

2011 begann hier bei den Schönen die Reise – und niemand ahnte, dass daraus eine so mitreißende Geschichte wird.
Heute, 15 Jahre später, hat das Ensemble unzählige Shows gespielt, 5 Programme auf die Bühnen gebracht und vier CDs veröffentlicht!
Jetzt ist es an der Zeit zu feiern!
The Shoo-Shoos präsentieren ihre Lieblingssongs und Highlights ihrer Shows: Von „OnAir!“ Bis „Der Schatz im Titisee“. Eine wilde Reise vom Anfang bis heute.
Feiern Sie mit uns – The Shoo-Shoos 15 Jahre „On The Run!“

19:30

Rock meets Classic at its Best mit der größten Band der Welt!

Wolfgang Roese und die ORSO Rock-Symphoniker präsentieren ihre Show im Konzerthaus Freiburg.

Einlass ab 19 Uhr

Zwei Frauen. Unendlich viele Rollen. Ein Tanz.

Wie ein Traum, an den sich nur der Körper erinnert, entfaltet sich „The Ways She Plays” als Ode an das Spiel – an jenen Raum, in dem Identitäten durchlässig werden, Zärtlichkeit sich in Schalk verwandelt, Schwestern zu Rivalinnen, Geliebte zu Spiegeln und Fremde zu Weggefährtinnen werden.