Aufführung in deutscher Sprache mit englischen Übertiteln

ROMEO UND JULIA ist eines der bekanntesten Werke von William Shakespeare. Ein uralter Zwist zweier Häuser, dessen Ursprung niemand mehr zu kennen scheint. Das Blutvergießen kostete bereits zu viele Opfer und manifestiert das Feindbild der Rivalen. Dazwischen stehen zwei junge Menschen, die all dem mit ihrer Liebe zu trotzen versuchen. Auf einem Fest im Hause Capulet trifft Romeo, von den verfeindeten Montagues, auf Julia. Beide verlieben sich sofort, eine heimliche Hochzeit folgt. Im Kampf der beiden Häuser tötet Romeo Tybalt, den Cousin Julias, und wird aus Verona verbannt. Unterdessen pochen die Capulets auf die Vermählung zwischen Julia und dem Grafen von Paris. Um der Eheschließung zu entgehen, nimmt Julia einen Trank zu sich, der sie für Tage in einen todesähnlichen Schlaf versetzt. Romeo kommt zu spät. Wie tot liegt Julia vor ihm und aus Verzweiflung trinkt er, nichts ahnend von ihrem Plan, Gift. Als sie wenig später erwacht und den toten Romeo sieht, ersticht sie sich aus Unglück mit seinem Dolch. Der Versuch, die wahre Liebe zu leben, könnte nicht tragischer enden. Die Familien versöhnen sich schlussendlich am Grab der beiden Unglücklichen.

Die bedingungslose Bereitschaft Romeos und Julias, für die Liebe und füreinander alles zu opfern sowie ihre Liebe zur einzigen Priorität ihres Lebens zu erklären, ist der Versuch, an dem die beiden scheitern – gegen die Enge der gesellschaftlichen Konvention, gegen die Angst, nur ihren Herzen und der Stimme der Freiheit gehorchend. Und so ist diese große Liebe, die trotz aller Tragik stärker ist als die Gewalt, ein Symbol der Hoffnung.

ENSEMBLE-TALKRUNDE ZU SPIELZEITTHEMEN

Kurz vor der Wahl fragen auch wir uns: Wie soll das alles noch weitergehen? Produktionen in Schauspiel und Musiktheater untersuchen Zustände in der Gesellschaft, beobachten, wie Dynamiken entstehen und kanalisiert werden und wozu es Menschen treibt, wenn sie feststellen: „Es ist etwas faul im Staate …“

Die Dramaturginnen Franziska Benack und Corinna Jarosch sprechen u. a. mit der Sängerin Anne Martha Schuitemaker über Fremdheit und Ausgrenzung in KLEIDER MACHEN LEUTE. Regisseur Dominik Wilgenbus erzählt, wie er seine Empörung über politische Zustände in Satire und die Produktion KEIN SCHÖNER LAND IN DIESER ZEIT verwandelt. Die JUGEND OHNE GOTT sucht sich neue Götter und rennt blindlings ins Unglück und natürlich kommt auch HAMLET zu Wort, der auf seine Weise mit der Unzufriedenheit im Staate umgeht …  

HINWEIS
Der Eintritt ist frei.
Kostenlose Tickets erhalten Sie im Besucherservice und unter www.staatstheater-cottbus.de.

Musik und Gesangstexte von Stephen Sondheim
Buch von Hugh Wheeler nach dem gleichnamigen Stück von Christopher Bond
Orchestrierung von Jonathan Tunick
Deutsche Fassung von Wilfried Steiner und Roman Hinze (2019)

„Okay, lasst sie uns das Gruseln lehren!“, rief Stephen Sondheim aus, als er sich mit SWEENEY TODD eine Schauergeschichte vornahm, die in England schon lange zuvor weit bekannt war. Er entwickelt die Geschichte, mit spannungsgeladener Handlung und Figuren, deren Überzeichnung zwischen Monstrosität, Skurrilität und Tragik changieren, in bester Horrorfilm-Manier. Unter dem Namen Sweeney Todd kehrt Benjamin Baker nach langer Zeit der Strafversetzung zurück in seine Heimatstadt London, wo er noch eine Rechnung mit dem korrupten Richter Turpin offen hat. Dieser hatte nicht nur für seine Verbannung gesorgt, sondern ihm auch seine Frau und seine Tochter entrissen.

Sweeney Todd eröffnet seinen alten Friseur-Salon wieder und tut sich mit der geschäftstüchtigen Pasteten-Bäckerin Mrs. Lovett zusammen, die für leibliches Wohl sorgt, während Sweeney seinen Racheplan in die Tat umsetzt. Immer rücksichtloser, immer fanatischer wird sein Treiben und schließlich droht dabei ein junger Bursche wortwörtlich zwischen die Räder zu kommen und ein junges Liebespaar um sein Glück.

URAUFFÜHRUNG

Das für Cottbus entstandene Recherchestück erzählt eine Cottbuser Geschichte rund um fünf Figuren, die den Chancen und Herausforderungen des Strukturwandels unterschiedlich begegnen.

Nach dem Tod ihres Großvaters kehrt die junge Journalistin Carla in ihre Heimatstadt Cottbus zurück. Im Haus ihres Opas findet sie einen Ordner mit der Aufschrift „KRAFTWERK – für Carla“. Darin befinden sich stapelweise Dokumente mit Informationen über die Firma LEAG, um Vattenfall, das Kraftwerk Jänschwalde, den Ostsee und die Gigawattfactory. Als Carla beginnt sich näher damit zu beschäftigen, trifft sie auf völlig unterschiedliche Menschen: Sie begegnet der Nachbarin ihres Opas, einer ehemaligen Aktivistin, deren Zuhause schon zweimal abgebaggert wurde. Der Freund ihres Sohnes kämpft für die grüne Zukunft der LEAG. Und dessen Chef wiederum sorgt sich für den Fall eines Kohleausstiegs um die Versorgungssicherheit. Es entspinnt sich eine Geschichte um die Kohleindustrie und ihre Zukunft, die zudem von Alternativen und Utopien und von den Chancen und dem Scheitern gemeinsamer Gespräche erzählt.

Autor Calle Fuhrs vielstimmiges und humorvolles Theaterstück basiert auf Recherchen des investigativ-journalistischen Kollektivs CORRECTIV, deren Ergebnisse, bspw. zur Lage der Wasserversorgung der Region, bereits veröffentlicht sind. Darüber hinaus begleiteten sie die Produktion bis zum Premierentag mit laufenden Recherchen. Die neuesten Resultate wurden tagesaktuell zur Premiere von CORRECTIV veröffentlicht und exklusiv auf der Cottbuser Bühne präsentiert.

Fuhr arbeitet regelmäßig zusammen mit journalistischen Kollektiven an der Erarbeitung aktueller Themen für das Theater. Aus seiner Überzeugung heraus, dass das Erzählen von Geschichten die Wahrnehmung unserer Welt beeinflusst, findet er im Theater den Ort, der Menschen berühren, Perspektiven ändern und Verständnis möglich machen kann.

Dora Pejačević war eine der wenigen Komponistinnen, die bereits zu Lebzeiten hochgeschätzt wurde. Geboren in Budapest, aufgewachsen in Kroatien und mit nur 37 Jahren in ihrer Wahlheimat München gestorben, war sie eine echte Europäerin und geriet nach ihrem Tod zu schnell in Vergessenheit. Ihr herausragendes Talent ist beispielhaft in ihrer „Ouvertüre für großes Orchester“ zu hören, die Form, Ausdruck und Orchesterbehandlung meisterhaft vereint.

Die gleichen Ziele verfolgte Wolfgang Amadeus Mozart in seinem Klavierkonzert Nr. 24. Es fällt nicht nur wegen seiner düster-leidenschaftlichen Tonart aus dem Rahmen, sondern auch wegen der Selbstständigkeit des Orchesterparts, der in all seinen Facetten zur Geltung kommt. Ein Meilenstein der Gattung, der das Tor zur Romantik weit geöffnet hat.

Der luxemburgische Komponist Marco Pütz ist in Cottbus kein Unbekannter. Nachdem in den vergangenen Jahren wiederholt Werke von ihm aufgeführt und eingespielt wurden, folgt nun eine weitere Uraufführung. Erstmals wendet er sich der Sinfonie zu, die mit ihrem Titel „Four Colours“ abwechslungsreiche Klangwelten im Zusammenspiel von Tradition und Moderne verspricht.

Dora Pejačević – Ouvertüre d-Moll op. 49
Wolfgang Amadeus Mozart – Klavierkonzert Nr. 24 c-Moll KV 491
Marco Pütz – Sinfonie Nr. 1 „Four Colours“ ○ UA

Matthias Kirschnereit (Klavier)
Philharmonisches Orchester
Dirigent: GMD Alexander Merzyn

Maurice Duruflés „Requiem“ entstand nur zwei Jahre nach Ende des Zweiten Weltkriegs. Es verbindet die spirituelle Tiefe gregorianischer Gesänge mit den reichen Harmonien des 20. Jahrhunderts. Die Musik bewegt sich zwischen zarter Kontemplation und kraftvoller Erhabenheit und bietet sowohl Trost als auch Hoffnung auf Aufbruch in eine friedlichere Zeit. Von diesem Wunsch sind auch zwei Sammlungen aus der Zeit des Dreißigjährigen Kriegs erfüllt, der Europa 300 Jahre zuvor in die Katastrophe stürzte. Die „Musicalischen Friedensseufftzer“ sind eine Sammlung geistlicher Lieder und Gesänge, die 1642 von Erasmus Kindermann veröffentlicht wurden. In dieser Sammlung bringt er seine Sehnsucht nach Frieden und göttlicher Gnade zum Ausdruck.

Musikalisch verbinden sich barocke musikalische Formen mit religiöser Meditation. Auch die wenige Jahre später komponierten „Krieges – Angst – Seufftzer“ von Johann Hildebrand geben die tiefe Verzweiflung und den Wunsch nach spirituellem Trost wieder, den die Menschen inmitten von Krieg und Zerstörung suchten.

Maurice Duruflé – „Requiem“ für Chor, Solisten und Orgel
Erasmus Kindermann – Auszüge aus den „Musicalischen Friedensseufftzern“ Nürnberg 1642
Johann Hildebrand – Auszüge aus „Krieges – Angst – Seufftzer“ Eilenburg 1645

Isabelle Osenau (Mezzosopran)
Taejong Kim (Bariton)
Julie Auer (Violoncello)
Daniel Clark (Orgel)
Opernchor
Dirigent: Christian Möbius

HINWEIS
Der Eintritt ist frei.
Kostenlose Tickets erhalten Sie im Besucherservice und unter www.staatstheater-cottbus.de.

Neukomposition von The McDaniel Brothers für das Staatstheater Cottbus

Das Schauermärchen von E.T.A. Hoffmann erzählt von dem Studenten Nathanael, den ein schweres Trauma seiner Kindheit heimsucht. Eine Reihe merkwürdiger Geschehnisse ereignet sich, sie scheinen mit dem Tod von Nathanaels Vater zu tun zu haben. Der Sandmann tritt, mal als Dämon, mal als Erfindung von Nathanaels kindlichem Ich auf. Nathanael scheint dem Wahn zu verfallen, verliebt sich in eine Puppe und endet schließlich im tragischen Selbstmord.

E.T.A. Hoffmann gilt als einer der bedeutendsten Vertreter der deutschen Romantik. Vor allem durch seine mystisch-schaurigen Erzählungen, von denen DER SANDMANN als die wohl bekannteste gilt, erlangte er Mitte des 19. Jahrhunderts posthum Weltruhm. In Cottbus vereint die Bühnenadaption des US-amerikanischen Komponisten-Duos The McDaniel Brothers, der Choreografin Alessia Ruffolo und Co-Schauspieldirektor Philipp Rosendahl die Mittel von Schauspiel, Musik und Tanz miteinander. Auf den Spuren des Unbewussten werden in dieser Neukreation die Grenzen des Sag-, Spür- und Darstellbaren in traumhaft-verästelten Bildern ausgelotet.

Diese Arbeit entsteht als spartenübergreifendes Projekt zwischen Schauspiel und Ballett sowie Cottbuser Musiker*innen.

HINWEIS: Die Veranstaltung ist nicht barrierefrei.

Hinter den Kulissen des Staatstheaters wird ALLES lebendig. Der Text von Alistair McDowall ist in der Deutschsprachigen Erstaufführung in Cottbus die Grundlage, um Backstage im Großen Haus das Leben einer Frau buchstäblich zu durchschreiten.

Mit ALLES schreibt Alistair McDowall einen Monolog, der den Weg einer Protagonistin von der Wiege bis zur Bahre im Schnelldurchlauf erzählt. Unmittelbar und pur stellt er die innere Sprache einer Frau in den Mittelpunkt: Die ersten Babylaute, bis sich aus Gebrabbel Sätze bilden und aus krabbeln Gehversuche werden, die schrittweise Entdeckung der Welt, das Staunen, Lernen und Begreifen. Es folgt die Pubertät, die erste Liebe, der erste Sex, dann das Studium, der Berufseinstieg und das tägliche Pendeln ins Büro bis zur Rente. Es wird geheiratet und ein Kind geboren, geschieden und verabschiedet – zwischen alldem Bücher, Filme und Songs, Urlaube und Alltagstrott, Karrierepläne und Enttäuschungen, Hoffnungen und Krankheiten. Und schließlich: Das allmähliche Verschwinden. Und am Schluss ist da dasselbe Rauschen wie am Anfang, nun nicht mehr verheißungsvoll, dafür reicher an Erfahrung.

Durch das Große Haus spazierend, sich kämpfend, wandernd, entdeckend, wird die Lebensgeschichte einer Frau lebendig, die von vier Schauspielerinnen verkörpert wird. Hierin steckt „Alles“, was das Leben ausmachen kann. Die Geschichte bleibt dabei subjektiv und verweist dennoch über sich hinaus auf die Allgemeingültigkeiten, die das Leben ausmachen. Von der Geburt bis zum Tod, von der Kantine bis zur großen Bühne – das Theater macht, mit den Mitteln des Theaters und an allen Orten des Theaters, die Stationen und Bögen eines Lebens erfahrbar.

Shakespeares „Ein Sommernachtstraum“ wird verdichtet auf den Handlungsstrang der vier flirtenden und flirrenden, zaudernden und zweifelnden jungen Liebenden: Helena liebt Demetrius, der sie aber abweist. Er ist ihrer Freundin Hermia versprochen. Zwar umschwärmt Demetrius Hermia – zum Leidwesen Helenas –, jedoch hat Hermia kein Auge für ihn. Denn sie liebt Lysander, der ihre Liebe erwidert. Leider ist eine Verbindung der beiden aussichtslos, da Hermia ja Demetrius versprochen ist …

Als wäre diese Situation nicht schon kompliziert genug, wird Gnom Puck in einer Sommernacht magische Späße treiben, um die Verliebten zu entlieben und die Karten neu zu mischen. Wie in einem rasant rauschhaften Traum, werden die Vier zwischen Schmachten und Schmähen, Hoffen und Flehen, Schmerz und Glück hin und her geworfen.

Mit den beliebten Figuren und der unvergleichlichen Sprache Shakespeares sowie dem damit einhergehenden Humor, erzählt ROSE UND REGEN SCHWERT UND WUNDE eine junge, unterhaltsame Geschichte von den Irrungen und Wirrungen jugendlicher Liebe.

Dora Pejačević war eine der wenigen Komponistinnen, die bereits zu Lebzeiten hochgeschätzt wurde. Geboren in Budapest, aufgewachsen in Kroatien und mit nur 37 Jahren in ihrer Wahlheimat München gestorben, war sie eine echte Europäerin und geriet nach ihrem Tod zu schnell in Vergessenheit. Ihr herausragendes Talent ist beispielhaft in ihrer „Ouvertüre für großes Orchester“ zu hören, die Form, Ausdruck und Orchesterbehandlung meisterhaft vereint.

Die gleichen Ziele verfolgte Wolfgang Amadeus Mozart in seinem Klavierkonzert Nr. 24. Es fällt nicht nur wegen seiner düster-leidenschaftlichen Tonart aus dem Rahmen, sondern auch wegen der Selbstständigkeit des Orchesterparts, der in all seinen Facetten zur Geltung kommt. Ein Meilenstein der Gattung, der das Tor zur Romantik weit geöffnet hat.

Der luxemburgische Komponist Marco Pütz ist in Cottbus kein Unbekannter. Nachdem in den vergangenen Jahren wiederholt Werke von ihm aufgeführt und eingespielt wurden, folgt nun eine weitere Uraufführung. Erstmals wendet er sich der Sinfonie zu, die mit ihrem Titel „Four Colours“ abwechslungsreiche Klangwelten im Zusammenspiel von Tradition und Moderne verspricht.

Dora Pejačević – Ouvertüre d-Moll op. 49
Wolfgang Amadeus Mozart – Klavierkonzert Nr. 24 c-Moll KV 491
Marco Pütz – Sinfonie Nr. 1 „Four Colours“ ○ UA

Matthias Kirschnereit (Klavier)
Philharmonisches Orchester
Dirigent: GMD Alexander Merzyn

Gäste: Beatrice Achterberg und Nico Fried

Eine Woche vor der vorzeitig angesetzten Wahl zu einem neuen Deutschen Bundestag am 23. Februar 2025 haben wir zwei Gäste eingeladen, die Ohr und Auge nah am Puls der Berliner Politik haben. Mit der Korrespondentin für die Schweizer Tageszeitung Neue Zürcher Zeitung, der Potsdamerin Beatrice Achterberg, und dem langjährigen Politikjournalisten Nico Fried wird Jörg Thadeusz die letzten und nächsten politischen Ereignisse besprechen und für manch noch Unentschlossenen vielleicht sogar ein kleines Licht ins Dunkel der eigenen Wahlentscheidung bringen können.

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Der Eintritt ist frei.
Kostenlose Tickets erhalten Sie im Besucherservice und unter www.staatstheater-cottbus.de.

Um seine Geliebte Marie und ihr gemeinsames uneheliches Kind über Wasser zu halten, verdingt sich der einfache Soldat Woyzeck zusätzlich als Diener seines Hauptmanns und als medizinischer Proband. Dem Sadismus des Arztes und der Willkür des Hauptmanns ausgeliefert, erfährt Woyzeck Demütigungen, Diffamierungen und Ohnmacht. Als Woyzeck schließlich von Maries Liaison mit dem Tambourmajor erfährt, wendet er seine Verzweiflung in Gewalt.

Als Dichter des Vormärz, der Zeit vor den bürgerlichen Revolutionen des 19. Jahrhunderts, ist Georg Büchner exemplarischer Vertreter der „engagierten Literatur“ und zugleich Protokollant der gesellschaftlichen Umbrüche. Lange vor Gerhart Hauptmann, Arthur Schnitzler und Siegmund Freud lässt er seinen Franz Woyzeck fragen, „was das ist in uns, das stiehlt, hurt und mordet“. Das Elend der Ohnmacht über die eigene Lage lässt sich kaum klarer und verzweifelter zum Ausdruck bringen.

WOYZECK ist die erste Arbeit der Regisseurin Anna Frick für das Staatstheater Cottbus. Die Inszenierungen der Preisträgerin des Körber-Studios für junge Regie 2016 sind bekannt für ihre fließenden Übergänge zwischen Sprechtheater, Performance, Tanz und Musik. In ihrer Inszenierung in der Kammerbühne konzentriert sie sich auf Woyzecks von Zwängen beherrschte Gefühlslage, seine inneren Stimmen und sein Gehetztsein durch eine Welt, die kein Erbarmen kennt.

Was soll auf dem Theater gespielt werden? „Komödien!“, fordern die einen, „Tragödien“ wollen die anderen, und eine dritte Gruppe sieht am liebsten „romantische Liebe“.

Das erste Werk des Komponisten Sergej S. Prokofjew in seiner neuen Heimat, den USA, bringt alles gleichzeitig auf die Bühne und überwältigt das Publikum als zirkushaftes Märchen voller magischer Verwandlungen, Commedia dell’arte-Maskeraden, absurder Wendungen und Theatercoups. Vor dem Hintergrund höfischer Intrigen und einem Streit höherer Mächte, wird die Geschichte des tief melancholischen Prinzen erzählt, den nur ein Lachen heilen kann. Ausgerechnet ein Missgeschick der bösen Zauberin Fata Morgana ist es, das ihn zum Lachen bringt. Sie verflucht ihn daraufhin dazu, sich in drei Orangen zu verlieben. Der Weg zu ihnen führt den liebeskranken Prinzen vorbei an allerlei monströsen Gestalten in die Wüste. Um ein Haar wird aus dem komödiantischen Spektakel doch eine Tragödie – griffe nicht das Publikum in Prokofjews Theater auf dem Theater in die Geschichte ein.

Wie alle Märchen hat DIE LIEBE ZU DREI ORANGEN einen ernsten Hintergrund. Während der Streit um die verschiedenen Theaterrichtungen auf der Opernbühne unblutig ausgefochten wird, entwickelt er sich in der sowjetischen Realität zunehmend zu einer lebensbedrohlichen Angelegenheit. 1940 lässt Stalin den großen Theaterreformer Wsewolod Meyerhold hinrichten. Prokofjew verlässt 1918 das postrevolutionäre Russland und komponiert mit DIE LIEBE ZU DREI ORANGEN eines der virtuosesten, farbigsten und aberwitzigsten Werke der Musikgeschichte.

Dass Oli seine Identität im Internet gestohlen wurde, ist schlimm genug. Doch kurz darauf bricht nicht nur sein Online-Leben zusammen: Sein reales Leben wird ihm ebenfalls geraubt. Wer macht und sagt so schreckliche Dinge? Wem kann Oli trauen, so wahrgenommen zu werden, wie er wirklich ist, während die Welt ihn als Monster sieht? Bald fragt er sich, ob sein reales Ich je existiert hat. – In einer deutschsprachigen Erstaufführung entspinnt sich ein abgründiger Thriller, in dem nichts so ist, wie es scheint, und keiner ist, wer er ist. Denn vielleicht wird Olis Geschichte aus einer ganz anderen Perspektive erzählt, die die Wirklichkeit ins Unwirkliche verkehrt. Vermutlich heißen sogar Stück und Autor*in ganz anders, weil man sich während der Recherche selbst im Stück verlor? Aber garantiert bekommen Sie einen unterhaltsamen, hoch dramatischen wie verwirrenden britischen Krimi zu sehen, erzählt in Dialogen wie aus einer spannenden Netflix-Serie, die Hausregisseur Philipp Rosendahl, als Liebhaber des Well-made plays, hier inszeniert – wirklich!

Eine Koproduktion mit Lausitz Festival

Ob Klassik oder Romantik, Sonatenhauptsatzform oder Variation: Wer seine Lieblingsstücke schon immer genauer kennenlernen wollte, bekommt in dieser Reihe die Gelegenheit zu einer besonderen Werkschau mit GMD Alexander Merzyn.

Gemeinsam mit dem Philharmonischen Orchester entführt er in diesem Konzert in die Geheimnisse von Johannes Brahms‘ letzter SINFONIE NR. 4, die Gipfel- und Schlusspunkt des sinfonischen Schaffens sein sollte. Was hat Johann Sebastian Bach damit zu tun? Und was klingt hier nach Abschied?

Alexander Merzyn erzählt spannende Entstehungsgeschichten und historisch bedeutende Interpretationen, führt musikalische Zitate, Motive und Themen vor, und dirigiert das Werk schließlich in Gänze. Interessierte Klassik-Neulinge kommen dabei ebenso auf ihre Kosten wie passionierte Konzertbesucher*innen. Die einen erhalten einen leichten und lustmachenden Einstieg in die spannende Welt der Orchestermusik, den anderen öffnen sich ganz neue Perspektiven und Klangeindrücke jenseits bekannter Pfade.

Johannes Brahms – Sinfonie Nr. 4 e-Moll op. 98

Dirigent und Moderator GMD Alexander Merzyn
Es spielt das Philharmonische Orchester.

1974 hinterlässt Brigitte Reimann mit FRANZISKA LINKERHAND ihren unvollendeten Kultroman, als Literatur gewordene Sehnsucht eines Menschen nach einem glücklichen Leben. Franziska Linkerhand ist Stadtplanerin, Liebende, Visionärin und das Alter Ego ihrer Autorin Brigitte Reimann. Die Titelfigur möchte – mal enthusiastisch, mal hochmütig, mal manisch – ihre Ideale von einem glücklichen Leben und menschenwürdigem Städtebau verwirklichen. Doch bleibt dies nicht ohne Konflikte mit bestehenden Strukturen und Ideologien. Auf den Status Quo, mit all seinen Berufen, Männern, Städten und Familien, schaut sie mit dem Blick einer Frau, die von all dem nichts Geringeres fordert als alles Glück dieser Erde. FRANZISKA LINKERHAND erzählt von Verlusten und Utopien und stellt die Frage nach der Welt, in der wir leben wollen.

Die ungleichen Brüder Karl und Franz Moor sind mit den Herrschaftsverhältnissen, die sie vorfinden, nicht zufrieden: Franz sieht sich von einer Gesellschaft betrogen, die ihn als Zweitgeborenen überflüssig erscheinen lässt, und von einem Vater, der den Bruder offensichtlich vorzieht. Karl sträubt sich gegen die Konventionen und die Repressalien einer korrupten Regierung – die Beute seiner Räuberbande spendet der selbsternannte Rächer der Armen zunächst an Bedürftige. Beide Brüder fühlen sich berechtigt, ihre Freiheit von den Mächtigen, die sie unterdrücken, gewaltsam zu erkämpfen. Doch während Franz ohne moralische Skrupel handelt, wird Karl zerrissen zwischen dem Wunsch zu rebellieren und den Schuldgefühlen, die die immer grausameren Taten der Räuberbande in ihm auslösen.

Schiller schuf mit DIE RÄUBER ein Stück über die Kraft der Jugend, über Freiheit und Rebellion. Wie kam es dazu, dass Schiller zum „Nationaldichter“ erhoben wurde, obwohl er sich doch selbst eher als Weltbürger und Europäer denn als Nationalist verstand?

Die Regisseurin Pia Richter beschäftigt sich in ihrer Arbeit intensiv mit einer heutigen Lesart des großen klassischen Stoffs. Dabei hinterfragt sie, warum er ein wichtiger Teil unserer kulturellen Identität wurde und was wir daraus sowohl über unser Selbstverständnis als auch unsere Abgründe lernen können. Die Frage nach Freiheit ist bei Schiller immer auch eine des Individuums. Was bedeutet das in einer Gesellschaft, die längst das Individuum zum Maß aller Dinge gemacht hat? Hat eine freie, demokratische Gesellschaft – von der Schiller nur träumen konnte – überhaupt noch Bedarf an Rebellen wie seinen Räubern? Und: Wer sind heutzutage die eigentlichen Räuber?

6. Kammerkonzert

Saitenweise

Saiten lassen sich streichen und zupfen – beide Aspekte stehen im 6. Kammerkonzert im Fokus, das diese beiden Arten des Spielens auf und mit Saiten von der kleinen Mandoline über das Violoncello bis zur großen Konzertharfe präsentiert. Das höchst abwechslungsreiche Programm reicht dabei vom Barock über die Romantik bis zur Gegenwart – ein klingender Streifzug durch die Musikgeschichte abseits ausgetretener Pfade. Ob solistisch oder in Kombination miteinander: Ein ganz eigener Klangkosmos dieser drei Instrumente tut sich auf, dessen Entdeckung ganz neue Hörerfahrungen garantiert!

Es musiziert das Trio Capriccioso: Betina Müller (Mandoline), Nikola Götzinger (Violoncello), Antje Gräupner (Harfe)

Eines Tages erscheint Alice ein sprechendes Kaninchen, dem sie in eine kuriose Welt folgt. Hier gelten andere Regeln als Alice sie von zu Hause gewohnt war und so entspinnt sich eine abenteuerliche Reise mit Begegnungen verrückter Gestalten wie der Grinsekatze, dem Hutmacher oder der Herzkönigin. Alice wechselt fortan Größe und Sprache, vergisst alles, was sie je wusste, und lernt Dinge, die sie nie kannte. Scheint das Wunderland auch zauberhaft verwunschen, ist zugleich das Albtraumhafte ihr ständiger Begleiter. Nur mit der Kraft ihrer Phantasie und kindlicher Unerschrockenheit kann sie dort bestehen.

Mit „Alice im Wunderland“ und „Alice hinter den Spiegeln“ etablierte Lewis Carroll Mitte des 19. Jahrhunderts das traumhafte Schreiben, den literarischen Nonsens als adäquate Antwort auf eine sich mechanisierende Welt. Mit Hilfe der phantasievollen Verdrehung der herrschenden Logik stellt er diese nicht bloß aus, sondern befreit sich gleichermaßen von ihr. Und so hat es Alice nicht nur zur Heldin des Wunderlands, sondern ebenso zur generationsübergreifenden Pop-Ikone geschafft.

Hausregisseur Philipp Rosendahl kreiert mit einem künstlerischen Team, welches zum ersten Mal in dieser sprudelnden Kombination seine in Cottbus erprobte wie geschätzte Kreativität bündelt, eine neue musikalische Erzählung um Ikone ALICE, die eine – wenn auch verrückte – Pause von der Normalität herzustellen vermag.

Auf einem Schulausflug geschieht ein Mord. Ein Schüler gesteht, doch scheint er nicht der wahre Täter zu sein. Die Lehrkraft versucht, zwischen Verdächtigungen, Intrige und Hass die Wahrheit aufzudecken. Doch bringen sie die Auseinandersetzung mit der Schülerschaft, deren Machenschaften und nicht zuletzt deren Elternhäuser selbst an die Grenzen von Recht und Gewissen. Im Ringen um die Wahrheit wird der Täter schließlich zu sehr in die Enge getrieben.

In JUGEND OHNE GOTT, 1937 als Roman erschienen, schildert Ödön von Horváth das Aufkommen totalitärer Tendenzen in der bürgerlichen Gesellschaft. Damit geriet er ins Fadenkreuz der Gestapo, die ein Jahr nach Erscheinen das Verbot des Romans veranlasste. Erst in den 1960er-Jahren konnte sich „Jugend ohne Gott“ als Klassiker der Moderne etablieren. Heute scheint seine aufrüttelnde Warnung vor einer emotional vernachlässigten Jugend und ihrer Verführbarkeit zu Gewalt und autoritärer Gesinnung wieder von erschreckender Aktualität.

Wie in einem Thriller entwirft Janis Knorr mit JUGEND OHNE GOTT ein Gesellschaftsporträt um eine Lehrkraft und ihre Klasse, die scheinbar ihren moralischen Kompass verloren hat. Dabei seziert er die Gefühlswelten der Generationen und legt die Psychologie von Manipulation und Lüge im Kontext gesellschaftlicher Zwänge frei.