Susanna Borsch, Susanne Hochscheid, Kerstin de Witt, Blockflöten
Ursula Thelen Blockflöten, Gesang
Holger Schäfer Gesang, Harfe, Erzählung, Blockflöte

Brillantes Zusammenspiel auf höchstem Niveau, Witz, Temperament und Charme: Flautando Köln ist seit Jahren eins der international renommiertesten Blockflötenquartette. Mit Stilgefühl und Fantasie adaptieren die Musikerinnen Werke vom Mittelalter bis zur Gegenwart und stellen sie mit Originalkompositionen zu spannungsreichen Programmen zusammen. Darin setzen sie mehr als 40 Blockflöten verschiedener Größe und Bauart ein, bisweilen singt Ursula Thelen zur Musik. Und der Märchenerzähler, Multiinstrumentalist und preisgekrönte Minnesänger Holger Schäfer ist mit von der Partie, wenn es in Musik und Wort um den ewigen Kampf zwischen Gut und Böse, Teufel und Engel geht, um „Licht und Finsternis – Höllenfeuer und Himmelsglanz“.

Im Christen- und Judentum wie im Islam vermitteln Engel zwischen Gott und den Menschen. Als von Gott geschaffene Himmelswesen sind sie selbst nicht göttlich, sondern ángeloi (griechisch), „Boten“ und Werkzeuge Gottes, glänzende Lichtgestalten, die auf Harfe und Flöte im Engelskonzert die schönste aller Musiken spielen. Sie verkünden Botschaften Gottes, beschützen die Menschen vor dem Bösen, trösten und heilen sie. Ihr Gegenspieler ist ein aus Hochmut – er wollte Gott sein – gefallener Engel, der die Menschen zu sich hinab in die Finsternis, ins Böse, in Depression und Sünde, die Hölle, ihr ewiges Feuer zieht. Er heißt Satan oder Luzifer, ist der Teufel.

Flautando Köln hebt in „Licht und Finsternis“ mit dem Kapitel „Diabolus in musica“ an. Der Teufel in der Musik ist der Tritonus, das unangenehme Intervall aus sechs Halbtonschritten, das die göttliche Ordnung stört, indem es, wie bei Machaut und Bach, Schmerz, Klage, Sünde zum Ausdruck bringt. Mit di Lasso erklingt die biblische Geschichte Hiobs, dem durch Satan alles genommen wird, um seinen Glauben zu prüfen. Den „Sturz ins Höllenfeuer“ evozieren Bachs Toccata und „Vuur“ des niederländischen Komponisten Pieter Campo zum Konzertende feurig. Die Kapitel dazwischen bieten „Engelsmusik“ mit Engeln, die gute Nachrichten überbringen und trösten. Und das Märchen Holger Schäfers nach dem amerikanisch-libanesischen Dichter Khalil Gibran macht poetisch klar, was die Welt zusammenhält: die Polarität von Licht und Finsternis.


Licht und Finsternis – Von Himmelsglanz und Höllenfeuer

Anonymus (14. Jh.): Estampie Tre Fontane
Guillaume de Machault (1300–1377): Kyrie
Orlando di Lasso (1532–1594): In te speravi Domine
Joh. Sebastian Bach (1685–1750): Es ist genug | Es erhob sich ein Streit, BWV 19
Märchen nach Khalil Gibran (1883–1931): Lucifer und der weise Alte
Hans Leo Hassler (1564–1612): Angelus ad pastores ait
Jan Pieterszoon Sweelinck (1562–1621): Angelus ad pastores ait.
Willem Wander van Nieuwkerk (*1955): Stamping Ground for Angels
Bernardino Borlasca (ca. 1560–nach 1631): Angelus Domini descendit
Adrian Willaert (ca. 1490–1562): Angelus Domini descendit
Tomás Luis de Victoria (1548–1611): Descendit Angelus
Joh. Sebastian Bach: Toccata d-moll, BVW 538 | Kontrapunktus IV
Märchen nach Khalil Gibran: Lucifer und der weise Alte
Pieter Campo (*1980): Vuur – Feuer

Zurzeit ist das Kontigent erschöpft, schauen Sie gerne später nochmal rein.

Sebastian Knauer ist einer der bedeutendsten deutschen Pianisten der Gegenwart. Seit seinem Konzertdebüt mit 14 Jahren in der Laeiszhalle seiner Heimatstadt Hamburg kann Sebastian Knauer inzwischen auf eine über 30 Jahre dauernde Konzertkarriere zurückblicken. In über 50 Ländern auf 4 Kontinenten hat Sebastian Knauer konzertiert. Sebastian Knauers sehr umfangreiches und vielseitiges Repertoire spiegelt sich in seinen inzwischen über 15 CD-Veröffentlichungen wieder. Für seine CD „ÜBERBACH“ wurde er 2017 mit dem Klassik Echo ausgezeichnet. Die Aufnahmen „Bach & Sons“ und „Bach & Sons II“, gemeinsam mit dem Zürcher Kammerorchester, wurden hoch gelobt: „Brillant“ (Stern), „Fantastisch“ (Neue Zürcher Zeitung), „Exzellent“ (Die Presse Wien). Auf dem Programm stehen Werke von W.A. Mozart, F. Schubert, L. van Beethoven und modernen amerikanischen Komponisten (Gershwin, Copland, u.a.).

Łukasz Dyczko, Sopransaxophon
Oskar Rzążewski, Altsaxohon
Karol Mastalerz, Tenorsaxophon
Wojciech Chałupka, Baritonsaxophon

Vier polnische Gentlemen mit Rhythmus im Blut, Gesang in den Herzen und einem fabelhaft farbigen Sound; jeder ein Virtuose, doch als Teamplayer für die andern ganz Ohr; ihre Programme ein Mix aus Eigenbearbeitungen klassischer Werke (K. Mastalerz, W. Chałupka) und Originalen für Saxophonquartett, der zündet: Das Nemesis Quartett gilt in Polen als eins der aufregendsten Kammermusik-Ensembles der neuen Generation.

Mit „Mazurka und Bach“ lässt Nemesis einen vibrierenden Hör-Saal erstehen, in dem polnische und deutsche Klassiker in Resonanz geraten, miteinander „tanzen“, und all jene, die sie erleben, in ihren Schwingkreis ziehn. Zumal die Stücke der Viere selbst tänzerisch sind. Inspiriert an polnischen Nationaltänzen, am schwungvoll italienischen Barock Vivaldis oder am deutschen Walzer wie auch an Bachs Choral, ist ein jedes eine neue Legierung aus Eigenem und Fremdem – so individuell wie die Cover-Versionen des Nemesis Quartetts, das sie in seinem modernen Idiom interpretiert.

Bach vereint in seinen italienischen Konzerten Vivaldis Leichtigkeit und Virtuosität, opernhafte Sanglichkeit und motorische Rhythmik, Solo-Tutti-Kontraste und dynamische Steigerungen mit seiner komplexen Mehrstimmigkeit, motivischen Entwicklung und reich modulierenden Harmonik.

Mazurka, Oberek, Krakowiak und Polonaise haben die polnischen Komponisten zu bezaubernden Kunsttänzen inspiriert. Sind Chopins Mazurken – die eine kontemplativ entrückt, die andre extrovertiert – bei uns populär, so sind die andern polnischen Werke mit Nemesis zu entdecken: Lutosławskis augenzwinkernder Volksmelodie-Schnipsel; Różyckis glanzvolles, spätromantisch-pathetisches Miniaturballett; Nowakowskis dramatisch dichte Fantasie auf „Halka“, die tragische Nationaloper der Polen; Szymanowskis Mazurka, in der Folklore, Moderne und fast mystische Klänge sich mischen; Noskowskis nachdenklich-nostalgisches Stimmungsbild, eine gebremste Cracovienne.

Mit Widmanns launigen „Capricci“ zeigt Nemesis alles, was das Saxophonquartett heute ausmacht: melodische Beweglichkeit und harmonische Weltläufigkeit etwa, raffinierteste Artikulation, Mikro-Tonalität oder „noise“: Luft-, Atem-, Klappen- und Reibungsgeräusche. Zum Schluss überbordende Zirkusmusik, ironisch, komisch, rasant.

Mazurka und Bach
Witold Lutosławski (1913–1994): An Overheard Melody
Johann Sebastian Bach (1685–1750): Italienisches Konzert, BWV 971
Ludomir Różycki (1883–1953): Polish Dances, op. 37
Johann Sebastian Bach: Jesus bleibet meine Freude
Fryderyk Chopin (1810–1849): Mazurka a-Moll, op. 17 Nr. 4 | Mazurka in C-Dur, op. 24 Nr. 2
Józef Nowakowski (1800–1865): Fantasie auf die Oper „Halka“ von Stanisław Moniuszko, op. 51
Antonio Vivaldi/Joh. Sebastian Bach: Orgelkonzert a-Moll, BWV 593
Karol Szymanowski (1882–1937): Aus: Mazurkas, op. 50
Zygmunt Noskowski (1846–1909): Cracovienne, op. 2 Nr. 1
Jörg Widmann (*1973): 7 Capricci

Berlin um 1930 – die Stadt vibriert. Lebenslust kennt keine Grenzen, in den legendären Clubs wird getanzt, bis die Sohlen rauchen, die Freizügigkeit pulsiert.

So auch im Kit-Kat-Club, wo sich Abend für Abend die Gäste von der mitreißenden Musik und der fantastischen Sängerin Sally Bowles die Alltagssorgen vertreiben lassen. Ihr verfällt der amerikanische Schriftsteller Cliff Bradshaw, der auf der Suche nach Inspiration staunend einem neuen Lebenssinn zu finden glaubt.

Es ist ein Tanz auf dem Pulverfass. Am Horizont ziehen bereits dunkle Wolken auf. Die Lebensfreude wird erstickt – der aufkommende Nationalsozialismus zerstört die Hoffnung einer ganzen Generation.

Während Sally Bowles noch voller Inbrunst „Das ganze Leben ist ein Cabaret“ singt, breitet sich der Faschismus aus und vernichtet, was sich ihm in den Weg stellt.

CABARET ist das Stück unserer Zeit. Landauf, landab feiert das Musical Triumphe – es bewegt und verstört zugleich. Das Publikum wird dabei immer wieder mit der erschreckenden Aktualität des Stoffs und der Geschichte konfrontiert.

Inszenierung: Markus Kopf
Bühne: Manfred Kaderk
Kostüme: Maud Herrlein
Choreografie: Melanie Lópe
Dramaturgie & Musikalische Leitung: Tankred Schleinschock

Mit dem Ensemble und der Live-Band des Westfälischen Landestheaters, Castrop-Rauxel

Programmänderungen vorbehalten
© Volker Beushausen

Einlass: 19:00 Uhr

Koryun Asatrayn, Saxophon
Enrique Ugarte Akkordeon, Arrangements

Zwei Spitzensolisten greifen in die Schatzkiste der Tradition und verwandeln sich Hits aus Klassik und Jazz, aus geistlichem Gesang und Volksmusik an. In raffinierten Arrangements, die Enrique Ugarte dem Duo auf den Leib geschrieben hat, vereinen Koryun Asatryan und er die musikalischen Genres, wobei ihre Werkauswahl der Klang ihrer Heimaten durchstrahlt. Der Armenier und der Baske servieren ein Kesselbuntes in ihrem ureigenen Fortezza-Stil, in dem sich musikalische Vielsprachigkeit, höchste Musikalität und Virtuosität mit Tiefgang und dem Spirit der Improvisation verbinden.

Mit zwei Liedern aus Orffs „Carmina Burana“ und „Havun“ (Taube) von Grigor von Narek, dem bedeutendsten armenischen Mystiker, öffnet Fortezza den seelischen Echoraum des Programms. Tänzerisch und handfest feiern Saxophon und Akkordeon mit Orff den Frühling, Begehren und Vitalität, um danach mit „Taube, Taube“ – in Armenien Symbol der Reinheit, Sanftmut und göttlichen Inspiration – beinahe ätherisch zu beten, voller Sehnsucht nach göttlichem Licht. Schwebend und intim, ebenfalls in armenischer Melodik Chatschaturjans fast sakrales, sanft tröstendes „Wiegenlied“, das Piazzollas „Libertango“ maskulin und gezügelt aggressiv kontert.

Einer der berührendsten langsamen Sätze des 20. Jahrhunderts folgt, Rodrigos melancholisches, an den andalusischen cante jondo erinnerndes Adagio aus dem „Concierto de Aranjuez“. Chick Corea zitiert dieses in „Spain“, seinem elektrisierenden Manifest des Fusion Jazz. Ausgelassen fröhlich der Freylach, ein Festtanz mit Schluchzern und Trillern in ostjüdischer Klezmertradition. In der baskischen Folklore ist der Zortziko verwurzelt, ein stolzer, zuweilen spielerischer 5/8-Tanz mit leicht stolperndem Schwung und markanter Akzentuierung. Unaufhebbare Traurigkeit in Händels Lamento „Lass mich das grausame Schicksal beweinen“. Hypnotisch, erotisch, dabei maschinenhaft und cool das gigantische Crescendo von Ravels Boléro, bevor Chatschaturjans „Säbeltanz“ mit Überlust und Overdrive das Leben cartoonhaft feiert.

Boléro und Havun
Carl Orff (1895–1982): Uf dem Anger | Chramer, gip die varwe mir. Aus: Carmina Burana
Grigor von Narek (ca. 951–1003): Havun, Havun
Aram Chatschaturjan (1903–1978): Wiegenlied. Aus: Gayane
Astor Piazzolla (1921–1992): Libertango
Joaquín Rodrigo (1901–1999): Adagio. Aus: Concierto de Aranjuez
Chick Corea (1941–2021): Spain
Traditional Klezmer: Freilach
Traditional Baskisch: Zortziko
Georg Friedrich Händel (1685–1759): Lascia ch’io pianga. Aus: Rinaldo
Maurice Ravel (1875–1937): Boléro
Aram Chatschaturjan: Säbeltanz. Aus: Gayane

Zurzeit ist das Kontigent erschöpft, Warteliste unter 0251-5913041 oder gwk@lwl.org.

Zofia Neugebauer, Flöte
DKO Deutsches Kammerorchester Berlin
Gabriel Adorján, Leitung

Silberklänge – Flötenkonzerte, zwei der schönsten und spannendsten, mit einer der inspirierendsten jungen Flötist:innen und dem renommierten DKO Deutschen Kammerorchester Berlin. Zofia Neugebauer begeistert mit ihrem lyrischen Klang und ihrer frischen künstlerischen Vision als Solistin, Kammer- und Orchestermusikerin europaweit.

Das passt zu Mozart und zu Carl Philipp Emanuel Bach, dem „Revoluzzer“ und Hofcellisten Friedrichs des Großen, der, damals berühmter als sein Vater Johann Sebastian, forderte: „Aus der Seele muss man spielen und nicht wie ein abgerichteter Vogel“. Der Interpret müsse empfinden, was er spielt, um seine Gefühle und Stimmungen auf das Publikum zu übertragen. Wohl dies wahrhaftige Ausdrucksspiel, aber vor allem die moderne, dramatisch-expressive und subjektive Musiksprache meinte Mozart, als er über C.P.E. bemerkte: „Er ist der Vater, wir sind die Bub’n. Wer von uns was Rechts kann, hat’s von ihm gelernt.“

Empfindsamkeit und Sturm-und-Drang: im Dialog mit Zofia Neugebauer breiten die Streicher in Carl Philipp Emanuel Bachs h-Moll-Sinfonia ein packendes Seelendrama aus. Die Flöte ist eine rhetorisch aufgeladene Stimme, als spräche sie: mit expressiver Melodik, kantiger Gestik, abrupten Affektsprüngen und beredten Pausen, fragend, seufzend, insistierend, lächelnd, melancholisch sinnend, introvertiert oder nervös und rasend. Freche Harmoniewechsel, ausdrucksstarke Dissonanzen, dynamische Kontraste im Orchester – diese Affektwechsel-Dramaturgie ohne Effekthascherei hat der 22-jährige Mozart in seinem Flötenkonzert G-Dur von Bach. Doch er hat es auf seine Weise galant und elegant gemacht. Alles lächelt und strahlt höfisch, die Flöte singt graziös und ausdrucksvoll. Zum Schluss ist’s, als hüpfe die F-Dur-Sinfonie des 15-jährigen Genies unschuldig und in Anmut durch einen alten italienischen Sommer. Mit purer Gute-Laune-Musik entlassen Silberklänge in die wirkliche Welt.

Silberklänge
Carl Philipp Emanuel Bach (1714–1788 ): Sinfonia h-Moll, Wq 182/5
Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1791): Konzert Nr. 1 für Flöte und Orchester G-Dur, KV 313
Carl Philipp Emanuel Bach: Konzert für Flöte und Orchester d-Moll, WQ 22
Wolfgang Amadeus Mozart: Sinfonie Nr. 13 F-Dur, KV 112

Das zwitschert, tschilpt, trillert und tiriliert! Mit einem famosen Blockflötisten und Sänger:innen, die bis zu 18-stimmig singen. In Festtagslaune feiern der international gastierende Blockflötenvirtuose Max Volbers und Seicento vocale, das exquisite westfälische Vokalsemble für Alte Musik, ein launiges „Vogel.Stimmen.Fest“ – mit einem selten zu erlebenden Musikmix, mit Humor, Ernst und Tiefe.

Madrigale und Motetten, die vor 500 Jahren, an der Schwelle von Renaissance und Frühbarock, entstanden, schließen sie mit Moritz Eggerts „Nacht.Tick.All.“ (2014) kurz: ein vielstimmiger Vogel-Chor mit Amsel und Eule, Kuckuck oder Nachtigall, den Max Volbers auf diversen Blockflöten verblüffend erweitert, umrankt, umgarnt, anstachelt oder ironisch durchkreuzt und überflügelt. Hier wie in all seinen Werken geht es Eggert „um das Zelebrieren der menschlichen Fantasie im Kontext unseres Staunens über die Welt“.

In den alten Gesängen zwitschern Vogelstimmen von überall her wie an einem späten Sommerabend. Echo-Effekte entführen in die Höhlen griechischer Nymphen, Engel singen einander zu wie in Venedigs Markusdom, in mehreren Chören von unterschiedlichen Positionen im Kirchenraum aus.

Das alte Symbol der Nachtigall, die für Liebe und Klage, Frühlingserneuerung, Geheimnis und Nacht, dichterische Inspiration und Transzendenz steht, feiert und bricht Moritz Eggert lustvoll-ironisch mit „Nacht.Tick.All.“ Sein fantasievolles Klangtheater eröffnet mit einer ruhigen Nachtmusik, bis die Blockflöte „keck wie ein Vogel“ (Eggert) einfällt und das ausgelassene Vogelfest beginnt. Dann ticken alle aus. Max Volbers muss zu seinem Spiel die Ellenbogen ruckartig bewegen, Flügelschlägen gleich, rhythmisch mit dem Fuß stampfen. Der Chor singt „Nachtigall“ in 20 Sprachen zugleich und durcheinander, bis er „mit einem Gefühl großer Weite“ (Eggert) abhebt und sein Gesang im All wie Sphärenmusik verklingt. Das Gezwitscher leitet zum Pfingstfest hin, an dem der Heilige Geist über die Jünger Christi kommt und sie inspiriert, in fremden Sprachen zu sprechen: „O welch ein selig Fest.“

Vogel.Stimmen.Fest:
Moritz Eggert (*1965): Nacht.Tick.All. 3 Wortszenen für 8-stimmigen gemischten Chor und Blockflöte
Werke von Luca Marenzio (ca. 1553–1599), Orlando di Lasso (1532–1594), Clément Janequin (1485– 1558), Melchior Vulpius (1570–1615), Johannes Eccard (1553–1611), Leo Hassler (1564–1612), Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525–1594), Jacobus Clemens non Papa (ca. 1512–1555)

Annelien Van Wauwe Klarinette, Alexandra Soumm Violine, Samuel Nemtanu Violine, Mathis Rochat Viola, Louis Rodde Cello

Delikat, der Koffein-Kick aus der Weltstadt der Klassik. Carousel serviert eine „Wiener Mélange“, die es in sich hat. Extrem aromatisch, ist sie zugleich ausgewogen und raffiniert.

Das Ensemble aus Preisträger:innen großer Wettbewerbe, 2019 von Annelien Van Wauwe, leidenschaftliche Kammermusikerin und Solistin bei Spitzenorchestern weltweit, gegründet, genießt internationale Reputation. In der „Wiener Mélange“ kombiniert Carousel lebenshungrig-liebestrunkene solitäre Quartettsätze mit lebensbejahend-heiteren Klarinettenquintetten.
Nemesis

Hochromantische Emphase, Glück bis zur Ekstase und fiebrige Sehnsucht herrschen in Anton Weberns Quartettsatz. Der Kompositionsstudent ist 1905 noch nicht der atonale Zwölftöner der Zweiten Wiener Schule. Ob in sein Stück Biografisches einschlug? „Zwei Seelen hatten sich vermählt!“, notierte der 22-Jährige nach einem Wanderurlaub mit seiner späteren Frau in sein Tagebuch ... Strahlende Serenität dagegen im Klarinettenquintett von Robert Fuchs, das zu seinem 70. Geburtstag uraufgeführt wurde. Hier ist alles maßvoll. Dennoch berührt die Musik des Professors für Komposition am Wiener Konservatorium tief mit ihrem ausbalancierten Dialog von Klarinette und Streichern, den atmenden Melodien, der farbigen Harmonik. „Fuchs ist ein famoser Musiker“, lobte Brahms. „So fein und so gewandt, so reizvoll erfunden ist alles, man hat immer seine Freude daran!“

Dramatische Wucht, existenzielle Unruhe und Verletzlichkeit, Nervosität, schwebende Melancholie – eine fast schmerzliche Schönheit erfüllt den Quartettsatz c-Moll, den Schubert mit 23 schrieb. Ob Franz damals schon von seiner Syphilis wusste? Schubert starb nur wenig jünger als Mozart. Trotz seines frühen Todes spricht man von Mozarts Spätstil, auch beim Klarinettenquintett, mit dem er 1789 diese Gattung begründete. Die Klarinette ist Partnerin und Solistin im Hin-und-Her der Stimmen. Bezaubernd ihr inniges Lamento im langsamen Satz, das Menuett mit dem ländlerhaften ersten und dem vertrackt-virtuosen zweiten Trio. Spiel, Eleganz und Leuchten, sentimentalische Heiterkeit zum guten Schluss.


Wiener Mélange
Anton Webern (1883–1945): Langsamer Satz
Robert Fuchs (1847–1927): Quintett Es-Dur für Klarinette, zwei Violinen, Viola, Violoncello, Op. 102
Franz Schubert (1797–1828): Quartettsatz c-Moll, D. 703
Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1791): Quintett A-Dur für Klarinette, 2 Violinen, Viola und Violoncello, KV 581

Adrien Reboisson Schalmei, Blockflöten
Marion le Moal Schalmeien, Blockflöten
Rémi Lécorché Buisine, Zugtrompete, Posaune, Blockflöten
Julián Rincón Schalmeien, Blockflöten
Laurent Sauron Perkussion

Into The Winds, das ist Alte Musik mit der Energie und dem Groove einer Big Band. Die Spezialist:innen für historische Blasmusik nehmen für sich ein: durch instrumentale Meisterschaft, Bühnenpräsenz, Spielfreude und durch ihren Ensembleklang, der erhaben und edel ist, so eindrucksvoll wie fremd. Auch optisch machen die Instrumente viel her, Schalmeien und Bombarden, die Vorläufer der Oboe, sowie Posaunen, Trompeten, die fast 2 m lange Buisine, eine Naturtrompete, Blockflöten, diverse historische Perkussionsinstrumente.

Das Quintett, das in den letzten Jahren auf internationalen Wettbewerben und Podien hervorgetreten ist, entführt mit seinem Programm „Vor den Toren der Städte“ ins späte Mittelalter und in die Renaissance. Wie klingen die Städte des 15. Jhs, die Orte der großen politischen, sozialen und kulturellen Umwälzungen, die Machtzentren, in denen die Kunst immer auch als Instrument der Machtausübung fungierte? In ganz Europa wurden Fürsten damals zu Mäzenen, die die Künstler auch für Repräsentations- und Propagandazwecke einbanden. Musikalisch in die Atmosphäre dieser Städte und Höfe einzutauchen, in Bürgerkriege und Triumphesfeiern, Fürstenhochzeit und -mord, Karneval und Trauerfeier, lädt Into The Winds ein.

Die Zeitreise geht in das von den Bürgerkriegen zwischen den Armagnacs und den Burgundern zerrissene Paris; nach Brügge zur Hochzeit von Philipp dem Guten mit Isabella von Portugal; nach Dijon, das durch die Nachricht vom Kriegstod des Burgunderherzogs Karls des Kühnen erschüttert wird, der für seine aggressive Militärpolitik, seinen heroischen Mut und seine gefährliche Selbstüberschätzung bekannt war; nach Florenz, wo unter der aufgeklärten Herrschaft von Lorenzo il Magnifico, der als der ideale Fürst und Inbild des Renaissance-Mäzens (Michelangelo, Botticelli, Ficino) gilt, Künste, Philosophie und Wissenschaften und der Karneval blühen; nach Granada, als es die vereinten Kräfte der Kronen von Aragon und Kastilien von den muslimischen Herrschern zurückerobern; in das London unter Heinrich VIII., der grausam und brutal und leidenschaftlicher Musikhörer war und der komponierte; schließlich nach Lyon, das den triumphalen Einzug von Franz I., König von Frankreich und einer der prägenden Renaissanceherrscher und Mäzene (Leonardo da Vinci), auf seinem Weg zum Sieg bei Marignano feiert.

Von der Alta Capella Burgunds bis zum englischen Broken Consort: die Multiinstrumentalist:innen von Into The Winds spielen in wechselnden Konstellationen. Vom Repertoire französischer und italienischer Minnesänger bis zu den Stücken der arabisch-andalusischen Ensembles, die vor der Reconquista noch in Spanien aktiv waren, bietet „Vor den Toren der Städte“ ein Kaleidoskop einzigartiger Klänge und wenig bekannte Musik der europäischen Renaissance.

Vor den Toren der Städte

Paris 1407 | Ermordung Louis I. von Orléans durch Johann Ohnefurcht, Herzog von Bourgogne
Anonym: Fanfare Tuba Gallicalis
Baude Cordier: Je suis celuy qui veul toudis servir
Nicole Grenon: La plus belle figure
Johannes Le Grant: Entre vous nouveaux mariés

Brügge 1430 | Heirat von Philipp dem Guten und Isabella von Portugal
Gilles Binchois: Amours et souvenirs
Gilles Binchois: Te deum
Guillaume Dufay: Navré je suis
Guillaume Dufay: Se la face ay pale

Dijon 1477 | Tod Karls des Kühnen und das Ende des burgundischen Traums
Buxheimer Orgelbuch & Robert Morton: Le Souvenir
Antoine Busnois: Quand ce viendra
Antoine Busnois: Anthoni usque limina
Robert Morton: Pues serviçio vos desplaze

Florenz 1490 | Karneval unter Lorenzo il Magnifico
Anonymus: Rostiboli Gioso
Anonymus: Trionfo delle tre parche
Bartolomeo Florentino: Canto di pastori bacchiatori di bassette
Pietrequin Bonnel: Adieu Florens la yolye
Anonymus: Alle stamegne donne

Granda 1492 | Der Fall Granadas und das Ende der muslimischen Herrschaft in Spanien
Ibn Zuhr: Ayyuha s-saql' ilay-ka l-mustaka & Hal’ tusta adu
Luys de Narvaez: Pasebase el roy moro
Juan del Encina: Triste España sin ventura & Tan buen ganadico
Franco Alonso: La Tricotea
Juan del Encina: Rodrigo Martinez & Hoy Commamos y bebamos

London 1513 | Feier des Sieges Heinrichs VIII. über die Schotten
King Henry VIII: Helas Madame
King Henry VIII: Past Time with good company
William Cornysh: Hey Robin
Heinrich Isaac: La mi la sol
Anonymus: England, be glad
William Cornysh: Trolly lolly

Lyon 1515 | Triumphaler Einzug Franz I. von Frankreich auf dem Weg nach Marignano
Jacques Moderne, Pierre Attaingnant & Pierre Phalèse:
Suite de danses

Colourage
Simon Bernstein Vibraphon, Electronics
Vladimir Dindiryakov Kaval
Hescham Hamra Oud
Jochen Keller Trompete, Flügelhorn
Youssef Laktina Perkussion
Laila Ta-Mah Kanun
Hanna Mangold Querflöte
Guillem Selfa Oliver Bratsche
Jonathan Sell Kontrabass, E-Bass

Colourage macht eigen-artiges Neues: Weltmusik vom Feinsten, eingängig und inspirierend. Arabische Ornamentik und Melismen, mikrotonale Färbungen und Maqams – spezifische Tonleitern, die auch Stimmungen und Emotionen transportieren – mischen sich mit Harmonieentwicklungen und melodischen Linien wie in westlicher Klassik und Jazz. Dazu Farbwechsel und rhythmische Patterns, die sich verschieben und verdichten, oder ein europäischer Puls. Ruhige und sanfte Momente gehen nahtlos in leidenschaftlich-kraftvolle Passagen über, Komponiertes in Improvisation.

„Colourage“ ist ein Kunstname aus colour, collage und courage, denn beherzt bringt Colourage Okzident und Orient zusammen. Unter dem Claim „Die schöne Seite der Realität“ fusioniert das Ensemble aus Mitgliedern der Deutschen Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz, der Popakademie Baden-Württemberg und der orientalischen Musikakademie Mannheim europäische Klassik und arabische Traditionen, Jazz und Pop zu einem vielstimmig-organischen Sound. Transkulturalität ist hier gelebte Praxis. Im kreativen Miteinander erleben die Musiker:innen Identität nicht als statischen Zustand, sondern als offenen Prozess des Werdens und Sich-Veränderns, hin auf ein zu Anfang noch unbekanntes Ich und ein Wir: „Alle unsere Stücke sind in basisdemokratischer Arbeit entstanden,“ so Simon Bernstein. „Die Komponist:innen liefern den ersten Entwurf eines Stücks, dann gibt ein jedes Ensemblemitglied in sehr intensiver Probenarbeit seinen Input ins Werk. Wir probieren aus, stellen um, arrangieren neu und feilen immer weiter, bis sich jeder wohlfühlt und ein Teil der Komposition geworden ist. Das ist das Besondere an Colourage.“

Golden Whims
Dominik Fürstberger (*1988): Golden Whims
Hesham Hamra (1993): Cordoba | Caroussel | Sehnsucht
Simon Bernstein (*1984): Suq | 9 ½ | Scenes
Laila Ta-Mah (*1990) & Jonathan Sell (*1987): Sabsibni
Jonathan Sell: Suite for Jörg Teichert

Ein unterhaltsamer und nostalgischer Abend voller Geschichten, Anekdoten, Bilder und Musik aus mehr als 40 Jahren Bandgeschichte von Depeche Mode und The Cure.

Im Mittelpunkt stehen die Historien beider Kultbands mit besonderem Schwerpunkt auf den prägenden 80er- und 90er-Jahren. Depeche Mode- und The Cure-Fans erwartet eine faszinierende Reise durch die wichtigsten Stationen ihrer Lieblingsbands – mit vielen spannenden Stories, überraschenden Hintergrundinformationen und besonderen Anekdoten.

Zahlreiche Ausschnitte der ikonischen Songs sorgen für die passende musikalische Begleitung. Ergänzt wird die Lesung durch eine umfangreiche Bildershow sowie exklusive O-Töne aus Interviews, die der Autor mit engen Wegbegleitern von Depeche Mode und namhaften Vertretern der Schwarzen Szene geführt hat. Dabei wird auch der nachhaltige Einfluss beider Bands auf Generationen von Musikern und Fans beleuchtet.

Freuen Sie sich auf einen Abend voller Fanliebe, Nostalgie, Musik und überraschender Einblicke in das Schaffen zweier außergewöhnlicher Bands, die bis heute Millionen Menschen weltweit begeistern.

Einlass: 18:30 Uhr

Jakub Muras, Saxophon
Łukasz Brzezina, Akkordeon

Abgedroschen? Im Gegenteil: Unsterblich! Mit diesen Topvirtuosen duften sämtliche „Vier Jahreszeiten“ auf. Frisch, aromatisch, intensiv. Aus Allzeit-Hits Vivaldis, Max Richters Rekomposition der barocken Suite des Veneziers und Astor Piazzollas berühmten „Las cuatro estaciones porteñas“ – porteños nennen sich die Einwohner von Buenos Aires – haben Jakub Muras und Łukasz Brzezina ein elektrisierendes Programm gemixt. In originellen Bearbeitungen für Saxophon und Akkordeon bringen die charismatischen Polen, die zu den meistausgezeichneten Interpret:innen ihrer Generation gehören, drei Sommer und Winter, Frühlinge und Herbste untereinander in vibrierende Resonanz, indem sie die schnellen, knackig-kurzen dritten Sätze aus einer jeden „stagione“ Vivaldis mit einschlägigen Sätzen Piazzollas und Richters matchen.

Vivaldi evoziert Naturszenen: tanzende Hirten im Frühling, ein grandioses Sommergewitter, herbstliche Jagd, Winterchaos, Ausrutschen, Eiseskälte. Für den Komponisten aus „La Serenissima“, der Musikstadt Venedig, war die Natur wenn nicht Idylle, so doch in Ordnung, heil. Knapp 350 Jahre später beschwören Piazzollas „estaciones“ keine Naturphänomene, sondern psychische Zustände, Atmosphären, Stimmungen und Energien von Buenos Aires herauf, in dessen multikulturellen Elendsquartieren kurz vor 1900 der Tango entstand. Diesen Tango revolutionierte Piazzolla, indem er ihn mit europäischer Klassik und amerikanischem Jazz zum Tango Nuevo verschmolz. In seinen „Jahreszeiten“ sind Fieber und Hitze, Nervosität, Überdruck, Melancholie und Leidenschaft der porteños am Río de la Plata spürbar. Solche Urbanität radikalisiert und modernisiert Max Richter, einer der einflussreichsten Komponist:innen der Gegenwart. 2012 überführt er ikonische Themen der Barocksuite in eine emotional direkte Klangwelt von heute. In seiner Rekomposition von Vivaldis Jahreszeiten mischen sich die Genres: Minimalismus, zeitgenössische Klassik, Ambient, Rock.

Die nächste Generation dann spielt mit den Jahreszeiten der Alten: Muras & Brzezina „kom-ponieren“ mit „VIV4LDI FOREVER“ eine neue Jahreszeitensuite für unsere Zeit.

VIV4LDI FOREVER

Antonio Vivaldi (1678–1741): Aus: Die vier Jahreszeiten, op. 8, Nr. 2, RV 315
Astor Piazzolla (1921–1992): Las cuatro estaciones porteñas
Max Richter (*1966): Aus: Recomposed by Max Richter: Vivaldi – The Four Seasons

Armin Kyūmei Lohbeck Shakuhachi

Am 28. August ist Vollmond. Da bietet es sich für Armin Kyūmei Lohbeck an, Werke über den Mondschein, die Wandermönche im alten Japan für Shakuhachi geschrieben haben, auf sein Programm zu setzen. Lohbeck, der nach seinem Cello-Studium in Deutschland Mitglied des Japan Philharmonic Symphony Orchestra war und damals seine Liebe zur japanischen Bambusflöte entdeckte, lässt in „Das alte Japan im Mondschein“ das magische Gestirn musikalisch aufgehen. Er erklärt sein Instrument, die uns fremde Musik und spricht über seine Ausbildung zum Meister in der Kinko-ryu-Tradition bei Gunnar Jinmei Linder in Schweden und Ryumei Matsuyama in Japan.

Die japanische Bambusflöte ist eins der ältesten Musikinstrumente der Welt und seit 1.200 Jahren unverändert. Sie klingt holzig-hauchig, nach Weite und Wind. Sie ist aus dem Wurzelende des Madake-Bambus gemacht und ähnelt der Blockflöte, hat aber nur eine schlichte Anblaskante. Anblas- und Atemtechnik sind anspruchsvoll. Indem die Spielenden die fünf Grifflöcher ganz oder teilweise abdecken und Kopfneigung oder Lippenspannung verändern, können sie über mehr als zweieinhalb Oktaven jeden Ton und ein reiches Spektrum an Klangfarben erzeugen. Nahezu alles ist auf der Shakuhachi spielbar: traditionelle japanische Meditations- und Ensemblemusik, Arrangements klassischer Musik, Filmmusik, Jazz.

Im 13. Jahrhundert kam die Shakuhachi mit chinesischen Buddhisten nach Japan und wurde seitdem von wandernden Mönchen gespielt. Im 16. Jh. gründeten Bettelmönche einen Zen-Orden, dessen Wahrzeichen die Shakuhachi wurde. Für diese „Komusō“ war die Flöte ein Werkzeug der Meditation, das Spielen ein Weg zur Erleuchtung. Flöte spielend gingen die Mönche auch durch die Straßen, um für ihr Essen zu betteln. Ihre Musik wird „Honkyoku“, Hauptstücke, genannt. Honkyoku, die nicht mit Noten, sondern mit japanischen und chinesischen Schriftzeichen notiert sind, bestechen durch fehlenden Rhythmus und Freiheit von allem, was man im Westen unter Musik versteht.

Das alte Japan im Mondschein
Yobitake Uketake: Rufender Bambus – antwortender Bambus
Shin-Kyorei: Der wahre Geist der Leere
Kumoi Jishi: Himmlischer Shishi-Löwe
Gekkai: Mond-Meer
Tsuki No Kyoku: Mond-Stück

Duo Duor & Malion Quartett
Andre Tsirlin Saxophon
Hila Ofek Harfe
Alex Jussow Violine
Miki Nagahara Violine
Lilya Tymchyshyn Viola
Bettina Kessler Violoncello

Hebräisch "or" bedeutet Licht, aber auch Erkenntnis, Klarheit, Hoffnung. Im Licht der Hoffnung schlagen sie Brücken: Das Duo Duor, aus Klassik und Klezmer kommend, unter seinem alten Namen „Jerusalem Duo“ preisgekrönt und bejubelt, und das Malion Quartett, eins der international führenden Streichquartette seiner Generation. Hochvirtuos und ausdrucksstark, gekonnt wild oder überaus zart öffnen die Ensembles im innovativen Sextett- und Duo-Sound oder als Streichquartett Herzen und Ohren. Auf dem Programm: osteuropäisch gefärbte Klassik und packende neue Stücke, die den Klezmer weiterschreiben.

Der Klezmer, diese Mischung aus Wehmut und Tanz, ist ursprünglich die Festmusik der aschkenasischen Juden, der jiddisch-sprachigen Nachfahren jener jüdischen Gemeinden, die ab dem 10. Jh. im deutschsprachigen Raum lebten und später nach Osteuropa wanderten. Die dortigen Volksmusiken hat der Klezmer in sich aufgenommen.

Aus Klezmer-Themen machte der Russe Prokofjew 1919 in New York fesselnde Kunstmusik. Seine kosmopolitisch-moderne, zugleich nostalgische Ouvertüre eröffnet „Bridges“ mit heiteren Passagen in vitaler Motorik, scharfen Akzenten, vielschichtiger Harmonik, melancholischen Kantilenen. Der Ungar Béla Bartók dokumentierte die authentische Volksmusik seiner Heimat mit dem Phonographen, erforschte und transformierte sie in seiner Musik. Seine rumänischen Volkstänze hat er Siebenbürgener Bauern abgelauscht: Sechs Minuten Dorfschenke, kantig, erdig, leichtfüßig, stampfend, lyrisch-schwebend, dann Polka und Ekstase.

Imogen Holsts Fantasie ist voll innerer Dramatik, elegisch-schwermütig, aber mit energisch-lebhaften Passagen durchsetzt. Meditation, Tanz, höchste Ekstase in der Fantasie „In Chassidic Mood“ des israelischen Komponisten Gil Aldema. Sie nimmt den Niggun, den Gesang der südrussischen Chassidim auf, Melodien, die der Verzückung des Gebets entsprungen und als Ausdruck psychischer Spannungen verstehbar sind, die offenbaren, was in Worte nicht fassbar ist.

Der Israeli Amit Weiner, dessen Werke weltweit aufgeführt werden, verbindet in seiner Musik Klezmer mit neuen Kompositionstechniken und Sounds. Für das Duo Duor-Sextett schrieb er 2024 „Eschaton“ – Vollendung der Schöpfung. Dabei hatte er diese Legende im Kopf: König David interpretierte unsere siebenstufige Tonleiter als Symbol der Prinzipien der Schöpfung. Der unbekannte achte Ton wird hörbar, wenn der Messias kommt. Er setzt die Gottesherrschaft durch, den universalen Frieden, in dem Ende und Anfang der Welt zusammenfallen, das Paradies wiederkehrt. „Ich lebe in einem Land,“ so Weiner, „das permanent im Kriegszustand ist, und mein größter Traum war immer, die Welt zu einem besseren Ort zu machen durch die Kraft der Musik. Das ist kein Klischee; das ist tatsächlich meine Lebensaufgabe.“


Bridges – Brücken
Sergei Prokofjew (1891–1953): Ouvertüre über hebräische Themen, Op. 34
Béla Bartók (1881–1945): Rumänische Volkstänze, Sz. 56, bearb. für Saxophon und Harfe
Imogen Holst (1907–1984): Phantasy Quartet für Streichquartett
Amit Weiner (*1981): Eschaton – Song of Genesis
Gil Aldema (1928–2014): In Chassidic Mood

Glanz und Glühn – Abschlusskonzert

Stefan Schilli, Kai Frömbgen Oboe
Bram van Sambeek Fagott
Ying Lai Green Kontrabass
Sergej Tcherepanov Cembalo, Orgel
Barocke Kammermusik, gravitätisch, glänzend und glühend: Triosonaten als dramatische Kammerspiele, mit Oboen als Protagonistinnen. Das ist selten zu erleben – und exquisit, wenn zwei der angesehensten Oboist:innen Deutschlands, Kai Frömbgen und Stefan Schilli, die beiden Melodiestimmen spielen. Dritte Kraft im Ensemble ist der Generalbass, das harmonische und rhythmische Fundament, das Bram van Sambeek, Ying Lai Green und Sergej Tcherepanov legen, indem sie zu den vorgegebenen Basslinien improvisieren.

Der besondere Reiz der Triosonate: die beiden Oberstimmen sind gleichberechtigt und ständig in Dialog. Sie imitieren einander wie Echos, sind sich nah wie Frage und Antwort, Behauptung und Widerspruch; sie umkreisen einander, laufen parallel, verflechten und lösen sich, gehen wieder eigene Wege. Darunter der Bass, pulsierend oder ruhig, farbig und voll. Er hält die Solisten motorisch, trägt ihren Dialog oder greift kommentierend in das melodische Geschehen ein.

Glanz und Glühn: Jan Dismas Zelenkas Triosonaten gehören zu den allerschönsten überhaupt und zum Außergewöhnlichsten, was das europäische Barock zu bieten hat! Sie entstanden 1721/22 am Hof Augusts des Starken in Dresden, einem der damals bedeutendsten Musikzentren Europas. Dort gab es eine Hofkapelle mit Spitzenmusikern, wo auch Zelenka seit 1710 als Kontrabassist und Komponist angestellt war. Die Triosonaten des Böhmen heben sich von Händels italienisch geprägter Triosonate, Hasses gesanglich inspirierter, höfisch eleganter und Faschs rhythmisch markanter, orchestraler Sonate deutlich ab. Denn sie sind extrem virtuos und wundervoll lang, harmonisch und kontrapunktisch eigenwillig, bisweilen extravagant oder im besten Sinn exzentrisch, technisch also äußerst anspruchsvoll. Dabei sind sie nie verkopft, sondern immer höchst musikantisch und expressiv. Ihr Rhythmus nimmt mit und drängt nach vorn, kompliziert laufen die beiden Oboenstimmen über der Bassgruppe gegeneinander. Das ist aufregend und spannend, zumal, wenn sich das Fagott aus der Bassbegleitung heraus zwischen die melodieführenden Oboen drängt – und die Triosonate plötzlich vier Stimmen hat.

Glanz und Glühn
Joh. Friedrich Fasch (1688–1758): Sonate a 4 g-Moll, FWV N:g1
Georg Friedrich Händel/William Babell (1690–1723): Ouvertüre „Rinaldo“ & Lascia ch’io pianga
Georg Friedrich Fuchs (1752–1821): Triosonate d-Moll
Johann Adolph Hasse (1699–1783): Triosonate d-Moll
Georg Friedrich Händel (1685–1759): Triosonate B-Dur, op. 2 Nr. 3, HWV 388
Jan Dismas Zelenka (1679–1745): Triosonate Nr. 4 g-Moll, ZWV 181 | Triosonate Nr. 6 c-Moll, ZWV 181

Mord mit Mutter - Ein munterer Krimiabend mit Marie-Luise Marjan.

Unblutige, kuriose Mordgeschichten - ironisch, witzig, geheimnisvoll! Spannungsgeladen!

Die „Mutter der Nation“ liest Kurzkrimis des „König des Kurzkrimis“, Ralf Kramp. Die vielfach ausgezeichnete Schauspielerin (u.a. Thalia Theater Hamburg, Bochumer Schauspielhaus) glänzt im TV und auf der Bühne längst nicht nur als Mutter Beimer in der „Lindenstraße“. Mit einer gehörigen Portion Witz und unvergleichlichem Charme interpretiert sie die bitterbösen Storys aus der Feder von Ralf Kramp, einem der renommiertesten deutschsprachigen Spaß-Krimiautoren.

Da meucheln diabolische Putzfrauen, und der gute Bohnenkaffee ist vergiftet, da wird die Gehhilfe zum Mordinstrument, und die betagten Witwen zählen die Gräber ihrer zahlreichen Dahingeschiedenen wie die Perlen an einer Kette. Das verspricht einen spannungsgeladenen und
vor allem vergnüglichen Abend.

"Ein Stück deutsche Fernsehgeschichte. Als "Mutter der Nation" ist Marie Luise Marjan aus dem deutschen Fernsehen nicht mehr wegzudenken."
(Süddeutsche Zeitung)

Einlass: 19:00 Uhr

Autor Dirk Reinhardt ist Preisträger des deutschen Jugendliteraturpreises 2025 mit seinem Buch "NO ALTERNATIVE".
„Wir können uns nicht ewig damit rausreden, dass die anderen auch nichts tun. Dann ändert sich nie etwas.“ Emma Larsen hat sich entschieden, etwas zu tun, um unseren Planeten zu retten. Die mutige junge Aktivistin ist bereit, dafür notfalls ihr Leben zu riskieren. Nachdem ihr Freund bei einer aufsehenerregenden Kampagne gegen den Pharmakonzern PLS zu Tode gekommen ist, schließt sie sich NO ALTERNATIVE an und geht in den Untergrund. Eine halsbrecherische Aktion auf der Spitze des Frankfurter Messeturms macht die radikale Umweltschutzorganisation in der Öffentlichkeit bekannt. Doch das ist erst der Anfang … Spannend, brisant und hochaktuell – auch in seinem neuesten Roman trifft Dirk Reinhardt einen Nerv unserer Zeit.

Copyright: Vanessa Janssen

Einlass: 19:00 Uhr

Sie ist berüchtigt, sie ist einzigartig und sie ist definitiv verrückt. Sie hat nicht DEN grünen Daumen, sondern gleich zwei davon. „Gärtnern ohne viel Geschiss“ ist nicht nur ihr Motto, sondern auch der Titel ihrer aktuellen Live-Tour.

Die Rede ist von Katrin Iskam, gelernte und aktive Krankenschwester, aber vor allem die heißeste Entdeckung in der hiesigen Garten-Szene. Denn wer buddelt, schaufelt und gräbt schon in Gummistiefeln und Nachthemd? Genau, nur das „Katrinchen“, wie sie liebevoll von ihren Fans genannt wird. Und davon gibt es inzwischen eine ganze Menge. Allein fast 200.000 auf ihrer mit dem 1. Platz des Deutschen Gartenbuchpreises prämierten Instagram-Seite @katrinsgarten. Die Autodidaktin ist erfolgreiche Garten-Influencerin und SPIEGEL-Bestseller-Autorin (2022 „Mit Witz, Charme und Methode – Das etwas andere Gartenbuch“; 2023 „Klotzen statt kleckern: Gartengestaltung mit @katrinsgarten“; Im Spätsommer folgt Buch Nr. 3: „Mit Herz & Gabel durch Katrins Gartenjahr 2025“). Geboren und aufgewachsen in der Altmark, lebt sie heute in Himbergen in der Lüneburger Heide. Kann ein Wohnort mehr nach Garten klingen? Wohl kaum.

Und genau dort liegt er auch: Ihr Garten. Ihr Rückzugsort. Der Ursprung all ihrer kreativen katrinsgarten-Konstruktionen. Und die Keimzelle unzähliger unglaublicher Geschichten. Da endet die nächtliche Schnecken-Rettung schon mal um ein Haar auf der Polizeiwache. Und wenn der Naturdünger ungewollt am Weihnachtsbaum landet, freut sich maximal „Chefgärtner“ Tyson, Katrins Dackel. Zusammen bilden die beiden ein unschlagbares Team, wenn es ums Planen, Pflegen und Hegen geht. Dann ist da noch Waldemar, der Götter-Gatte, der die Fette Henne eher im Hühnerstall verortet. Und wenn Katrin zum „Abstechen“ rät, dann immer nur mit den besten Absichten. In „Gärtnern ohne viel Geschiss“ serviert Katrin Iskam jede Menge praktische Tipps und mindestens genauso viele lustige Anekdoten. „Happy Garden“ mal ganz anders. Und falls sich doch mal jemand nach Himbergen verirren und vor ihrer Haustür stehe sollte, hat das „Katrinchen“ auch für diesen Fall einen lebensnahen und präventiven Ratschlag parat: Einbruch ist bei mir zwecklos, das Geld liegt im Garten.

All das und noch viel mehr gibt es in „Gärtnern ohne viel Geschiss“, dem Live-Programm von und mit Katrin Iskam.

Einlass ab 19:00 Uhr

Zwei Geigen, ein Cello, ein Klavier - und ein Übermaß an kreativer Energie: Salut
Salon sind „Hamburgs charmantester Kultur-Export“ (Hamburger Abendblatt). Seit
über 20 Jahren gastieren die vier Virtuosinnen mit ihren „Masterpieces of ‚classical ‘
comedy“ (The New York Times) in den renommiertesten Konzerthäusern weltweit
und begeistern ihr Publikum mit irrwitzigen Parforceritten zwischen Vivaldi und
Vokalakrobatik, Tango und Tatort, Rap und Rachmaninov - „Wunderbar!“ (The
Economic Times India).
Mit ihrem neuen Programm „Heimat“ feiern Salut Salon ab 2025 zugleich das Finale
einer Konzert-Trilogie: Auf „Liebe“ und „Träume“ folgt nun das nächste große, fast
allumfassende Thema. Denn: Was genau ist das eigentlich, Heimat? Ist es ein Ort?
Tradition? Ein Gefühl? Sind es die Menschen, die einen umgeben? Oder vielleicht
Worte, Sprachen, Klänge? Mit der traumwandlerischen Selbstverständlichkeit, mit
der die vier Musikerinnen Stücke aus allen Winkeln der Welt in diesen wunderbaren
Konzert-Abend verwandeln, geben sie auch gleich ihre ganz eigene Antwort: Salut
Salon sind in der Welt zu Hause - und ihre Heimat ist die Musik.

Einlass ab 19:00 Uhr

Nina Petri - Eine der bekanntesten deutschen Schauspielerinnen (u.a. Deutscher Filmpreis) und Sprecherinnen Deutschlands , ist mit ihrem neuen literarisch-kabarettistischem Programm 2026/27 wieder vereinzelt in Deutschland unterwegs.
Gemeinsam mit dem Pianisten und Komponisten Jens-Karsten Stoll, verführt sie packend und spannend, wie auch humorvoll, in Schauergeschichten, in die Welt der Vampire, Geister und in unerklärliche Phänomene.

Ein Gänsehaut-Gefühlerleben der ganz besonderen Art.


Lassen Sie sich von uns entführen zu einem schaurig schönen Abend mit Texten von Kästner,
Heine, Morgenstern, Kafka, Bram Stoker um nur einige bekannte Namen zu nennen, diese dunkle
Kammer unserer Sehnsucht zu ergründen.
Schwarzer Humor, sarkastische Gleichmut und morbide Eleganz dargeboten mit Klang und
Gesang, wird Sie "UNHEIMLICH" gut unterhalten.
Gespickt mit interessanten wissenschaftlichen, philosophischen und geschichtlichen Erkenntnissen
können wir vielleicht sogar etwas schummriges Licht in diese geheimnisvolle Welt bringen.

Am Ende des Abends werden Sie mit einem etwas anderen Gefühl nach Hause
gehen und sich in ihre Decke einmummeln, versprochen...



"Nina Petri nimmt uns mit in eine phantastische Reise in die Finsternis, in die dunklen Abgründe der menschlichen Existenz, mit Ausflügen ins Übernatürliche. Sie verwandelte das Theater in ein schummriges Horrorkabinett.
Zum gruseln schön dieser Abend, der auch ab und zu ins Lachen kippt - wo kein Auge trocken blieb.''
- Rheinpfalz -

"Morbide. Gänsehaut pur. Nina Petri entführt grandios in die Grusel-Welt. Ein großartiges Erlebnis dieser Abend."
- Wormser Zeitung -

Einlass: 19:00 Uhr