Bunte Eiskugeln, süße Säfte, lange laue Nächte mit zirpenden Grillen – eingebettet in die Geborgenheit einer großen Familie. Diese Bilder prägen Alena Jabarines Erinnerungen an die Sommer ihrer Kindheit. Weniger als 20 Kilometer trennen das Haus ihrer Großeltern, das sich im heutigen Israel befindet, vom besetzten palästinensischen Gebiet. Als Kind hatte sie nur eine Ahnung davon, dass eine zunächst unsichtbare Grenze dieses Land in zwei Welten teilt – mit großen Unterschieden, was die Rechte, die Lebenserwartungen und auch den Status in den Augen der Welt angeht.

Anfang 2020 zog Jabarine nach Ramallah, um zu verstehen, was „Palästina“ bedeutet: für die Menschen auf der einen Seite der Mauer und für die auf der anderen. Und für ihre eigene Identität. In ihrem Buch erzählt sie Geschichten von Menschlichkeit und Lebensfreude, aber auch von Widerstand. Geschichten, die dabei helfen, die Realität in Israel und Palästina zu verstehen.

Alena Jabarine
Alena Jabarine (geboren 1985 in Hamburg) ist Deutsch-Palästinenserin mit deutscher und israelischer Staatsbürgerschaft. Sie wuchs in Hamburg auf, studierte Politik und absolvierte ein journalistisches Volontariat beim NDR. Danach arbeitete sie vor allem für öffentlich-rechtliche Formate. Von 2020–2022 lebte sie in Ramallah und war dort für eine Stiftung tätig. In dieser Zeit begann sie, auf Instagram aus dem Alltagsleben der palästinensischen Bevölkerung zu berichten und politische Zusammenhänge zu erklären. Insbesondere seit Beginn des aktuellen Krieges in Gaza ist sie regelmäßig als Expertin geladen, u.a. beim NATO Defense College in Rom, den Münchner Kammerspielen und dem Berliner Ensemble. Sie ist eine der wenigen palästinensischen Stimmen im deutschen Diskurs.

Moderation: Fatih Özcelik

Foto: Tim Oehler

Georg Unterholzner, Gitarre
Andreas Winkler, Steirische Harmonika
Nathanael Turban, Geige
Florian Mayrhofer, Tuba

Geige, Steirische Harmonika, Gitarre und Tuba – aus traditioneller Volksmusik wird bei Maxjoseph eine echte kammermusikalische Überraschung! Die vier virtuosen Musiker von Maxjoseph weben ein dynamisch und kammermusikalisch höchst feines Geflecht, und zwar in einer derartigen Eleganz und Leichtigkeit, die man im Zusammenhang mit Volksmusik so nicht erwartet hätte.

In ihrem aktuellen Programm „NAU“ treffen volksmusikalische Wurzeln auf die Freiheit des Jazz, auf die Klarheit klassischer Schulung und auf die Neugier von vier Weltbürgern, die ihrer Heimat eng verbunden sind. Diese Musik verweigert sich einfachen Kategorien. Und genau darin liegt ihr Zauber. Improvisation trifft auf Präzision, Erdigkeit auf Esprit. Klischees lösen sich auf, neue Hörbilder entstehen.

Was Maxjoseph schafft, ist mehr als eine stilistische Synthese. Es ist ein Dialog zwischen alt und neu, zwischen E- und U-Musik, zwischen Klassik und Volksmusik. Dieses Hörerlebnis lässt sich nicht einordnen, aber umso leichter genießen. Ein Abend, an dem man sich beglückt wegträumt und summend nach Hause geht.

Bild: Jessica Elsner

Die Veranstaltung ist ausverkauft!

Medhi Walerski, Künstlerischer Leiter

Triple Bill
BOLERO X von Shahar Binyamini
SWAY von Medhi Walerski
Frontier von Crystal Pite

Mutig, innovativ, herausragend: Das kanadische Ballet BC steht seit seiner Gründung 1986 für einen unverwechselbaren Stil. Neben ikonischen Choreografien des späten 20. und frühen 21. Jahrhunderts stellt es insbesondere Neukreationen internationaler Choreografen und Choreografinnen ins Zentrum seines Schaffens. So auch an diesem Abend. Unter der künstlerischen Leitung von Medhi Walerski präsentiert das Ensemble drei höchst unterschiedliche zeitgenössische Werke. Jedes für sich voller kreativer Energie und künstlerischer Vielfalt.

„Frontier“ von Crystal Pite führt ins Ungewisse, es ist ein tänzerischer Dialog mit dem Zweifel. „SWAY“, Medhi Walerskis lyrisches Tanzstück, verwandelt Emily Dickinsons Gedicht „Hope is the thing with feathers“ in flüchtige, poetische Bilder mit fließenden Übergängen zwischen Duetten und Ensemble. Und in „BOLERO X“ lässt Shahar Binyamini Ravels Meisterstück auf eine körperlich intensive Choreografie treffen, in der 24 Tänzerinnen und Tänzer das Spannungsfeld zwischen Individualität und Kollektiv ausloten.

Um diesen Abend in aller Kürze mit den Worten von Medhi Walerski zu umreißen: „Das Ballet BC ist eine Kompanie, die darauf abzielt, Tanz in seiner wesentlichsten Form zu kreieren: gefühlsbetont, kraftvoll, transformativ und zum Nachdenken anregend.“

Bild: Michael Slobodian

Musiktheater nach der Novelle von Esther Vilar „Die Mathematik der Nina Gluckstein”

Annette Wunsch, Spiel
Goran Kovacevic´; Akkordeon

„Wie ließe sich eine Musik beschreiben, die sich jeder Regel der Harmonielehre, jeder kalkulierbaren Dramaturgie entzieht? Und die sich von einer Sekunde zur nächsten total verändern kann, hinzieht und wieder abstößt, hängenbleibt, um gleich darauf davonzurasen, bald voller Lebensfreude ist, bald voller Sehnsucht nach dem Sterben?“

Es sind Fragen wie diese, die sich die Erzählerin in Esther Vilars Novelle stellt. Sie versucht nicht nur, das vibrierende Lebensgefühl des Tango Nuevo zu ergründen. Als ehemalige Mathematikprofessorin forscht sie zudem akribisch nach einer Formel für „andauernde Leidenschaft“. Ihr Forschungsobjekt: das in Buenos Aires hochprominente Liebespaar Chucho Santelmo – einer der erfolgreichsten Tangomusiker aller Zeiten – und seine Geliebte Nina Gluckstein. Das Paar konnte seine leidenschaftliche Beziehung über viele Jahre auf der Höhe des Liebesglücks halten. Aber wie? Nun, Nina Gluckstein hatte ein sicheres Mittel gefunden, um ihren Chucho an sich zu binden: Unter keinen Umständen zeigte sie ihm, dass sie ihn an sich binden wollte. Doch um welchen Preis.

Eine berührende Liebesgeschichte und eine Hommage an den Tango Nuevo.

keine Pause

Bild: IIja Mess

Mechtild Borrmann liest aus „Lebensbande“
Dorothea Neukirchen, Moderation

Zeitgeschichtlicher Roman über drei Frauen in Ost- und Westdeutschland vom 2. Weltkrieg bis zum Mauerfall

Zeitgeschichte trifft auf die verwobenen Schicksalsfäden dreier Frauen:

Basierend auf wahren Begebenheiten erzählt Bestseller-Autorin Mechtild Borrmann in ihrem großen zeitgeschichtlichen Roman »Lebensbande« die Lebensgeschichten dreier Frauen, deren Schicksale sich zwischen dem 2. Weltkrieg und dem Fall der Berliner Mauer kreuzen.

Vom Zweiten Weltkrieg bis zum Mauerfall verbinden die Fäden des Schicksals Lene, Nora und Lieselotte: Obwohl sie sich in einer Zeit der Angst und des Terrors als Fremde begegnen, werden sie zu Freundinnen, die einander Halt geben und große Risiken auf sich nehmen. Krankenschwester Nora tut alles, um Lene zu helfen, das Leben ihres kleinen Sohnes Leo zu retten. Denn wegen eines leichten Handicaps gilt Leo als »Reichsausschusskind«. 1942 lernt Nora Lieselotte in Danzig kennen. Drei Jahre später werden die Frauen in einen Gulag der Sowjetunion verschleppt – als Teil der 900.000 Arbeitskräfte, die Stalin unter anderem im Rahmen der Reparationszahlungen zugesichert worden waren. Schließlich gibt Lieselotte alles auf, was sie noch hat, um Nora die Rückkehr in die Heimat zu ermöglichen …

Zeitgeschichte, inspiriert von wahren Ereignissen und Schicksalen und so spannend erzählt wie ein Kriminalroman

Mechtild Borrmann versteht es meisterlich, zutiefst menschliche Geschichten ohne Pathos zu erzählen. Auch in »Lebensbande« lässt die Bestseller-Autorin auf zwei Zeitebenen große Spannung entstehen. Erschütternd und trotzdem voller Hoffnung zeigt sie, wie eng große Tragik und zartes Glück beieinander liegen können.

Mechtild Borrmann, Jahrgang 1960, verbrachte ihre Kindheit und Jugend am Niederrhein. Bevor sie sich als Schriftstellerin einen Namen machte, war sie u. a. als Tanz- und Theaterpädagogin und Gastronomin tätig. Die Autorin ist mit zahlreichen renommierten Preisen, u.a. dem deutschen Krimipreis ausgezeichnet worden. Ihre Romane "Trümmerkind", "Grenzgänger" und "Feldpost" standen monatelang unter den TOP 10 der Spiegel-Bestsellerliste. Mechtild Borrmann lebt als freie Schriftstellerin in Bielefeld.

Bild: Buchcover

incl. 1 Getränk

Konzerte mit jungen Künstlerinnen und Künstlern

Frédéric Chopin: Fantaisie f-Moll, Berceuse Des-Dur
Juliusz Zarębsk: Berceuse
Ludwig van Beethoven: Sonate Es-Dur op. 27 Nr. 1
Magdalena Kosecka: Nephélēs – Mists für Klavier solo (2016)
Zygmunt Krauze: Triptych (1964)
Jan Nowakowski: Fantasie über die Oper „Halka“

Seit über 24 Jahren spielt Tomasz Zajac Klavier. In dieser Zeit hat der 30-jährige Tastenkünstler zahlreiche internationale Preise, etliche Stipendien und eine alltagspraktische Einsicht gewonnen: „Als Pianist ist es ein bisschen egal, wo man genau wohnt, solange es einen gut angebundenen Bahnhof gibt.“ – Eine Einsicht, die man wahrscheinlich nur gewinnt, wenn man wie er durch die Welt tourt. Derzeit gehört er zu den gefragtesten polnischen Pianisten der jungen Generation. Er konzertierte sowohl in Polen als auch in Deutschland, Österreich, Frankreich, Norwegen, Weißrussland, Tschechien, Japan und im Iran. Er hat mit einer Vielzahl von bedeutenden Orchestern gespielt und bereits drei klassische Alben aufgenommen: „Beethoven & Chopin“, „Slavic Impressions“ und „Violin & Piano“. Neben seiner Konzerttätigkeit begleitet Tomasz Zajac als Korrepetitor Studierende der Kunstuniversität in KUG Graz.

Hinweis:
Reservierte Tickets müssen bis spätestens 10:30h abgeholt sein. Ab diesem Zeitpunkt sind reservierte und nicht abgeholte Tickets wieder im freien Verkauf und es besteht keine Berechtigung für einen Einlass.

Bild: W.Grzedzinski

Ascent, A Better Place, Trust, If You Were a Man

Mauro Astolfi, Künstlerische Leitung
Valentina Marini, Generalmanagerin & Programmdirektorin

Tanz, der unter die Haut geht: Seit 1994 lotet Spellbound Contemporary Ballet die Grenzen des zeitgenössischen Tanzes aus – innovativ, virtuos, intelligent. Kein Wunder, dass sich die Kompanie seit ihrer Gründung durch Mauro Astolfi in Italien zu einem international führenden Ensemble entwickelt hat. Seit 2022 ist Spellbound als nationales Produktionszentrum für Tanz in Rom anerkannt und kooperiert regelmäßig mit renommierten Kunstschaffenden und Institutionen wie Jean Guillaume Weis, Sang Jijia, Marcos Morau oder Jacopo Godani.

Der mehrteilige Abend zeigt die ganze Bandbreite dieser Ausnahmeformation. Das Stück „Trust“ seziert die fragile Architektur zwischenmenschlicher Beziehungen – ein vibrierendes Duett aus Nähe und Risiko, das spürbar macht, wie verletzlich Bindung ist. „If You Were a Man“ hingegen verhandelt mit choreografischer Schärfe die Zuschreibungen an Männlichkeit – kraftvoll, poetisch und dabei ohne jedes Pathos. Alle vier Werke zeigen, wie Tanz gesellschaftliche Themen sichtbar macht, ohne sie auszuformulieren. Ein Abend, der fordert, berührt – und sicherlich noch lange nachwirkt.

Dauer: 1 Stunde 40 Minuten, inkl. Pause

Bild: Paolo Porto

Ascent, A Better Place, Trust, If You Were a Man

Mauro Astolfi, Künstlerische Leitung
Valentina Marini, Generalmanagerin & Programmdirektorin

Tanz, der unter die Haut geht: Seit 1994 lotet Spellbound Contemporary Ballet die Grenzen des zeitgenössischen Tanzes aus – innovativ, virtuos, intelligent. Kein Wunder, dass sich die Kompanie seit ihrer Gründung durch Mauro Astolfi in Italien zu einem international führenden Ensemble entwickelt hat. Seit 2022 ist Spellbound als nationales Produktionszentrum für Tanz in Rom anerkannt und kooperiert regelmäßig mit renommierten Kunstschaffenden und Institutionen wie Jean Guillaume Weis, Sang Jijia, Marcos Morau oder Jacopo Godani.

Der mehrteilige Abend zeigt die ganze Bandbreite dieser Ausnahmeformation. Das Stück „Trust“ seziert die fragile Architektur zwischenmenschlicher Beziehungen – ein vibrierendes Duett aus Nähe und Risiko, das spürbar macht, wie verletzlich Bindung ist. „If You Were a Man“ hingegen verhandelt mit choreografischer Schärfe die Zuschreibungen an Männlichkeit – kraftvoll, poetisch und dabei ohne jedes Pathos. Alle vier Werke zeigen, wie Tanz gesellschaftliche Themen sichtbar macht, ohne sie auszuformulieren. Ein Abend, der fordert, berührt – und sicherlich noch lange nachwirkt.

Dauer: 1 Stunde 40 Minuten, inkl. Pause

Bild: Paolo Porto

Georg Breinschmid, Kontrabass
Dominik Wagner, Kontrabass
Risto Joost, Leitung

Heiner Eller: Fünf Stücke für Streichorchester (1953)
Giovanni Bottesini: Konzert für Kontrabass und Streichorchester Nr. 1 fis-Moll
Georg Breinschmid: Konzert für zwei Kontrabässe
Edvard Grieg: Aus Holbergs Zeit – Suite im alten Stil op. 40

Ein Kontrabass als Soloinstrument ist selten – zwei Bässe in einem Konzert sind geradezu ein Ereignis! Wenn dann noch zwei herausragende Bassisten gemeinsam mit dem Württembergischen Kammerorchester Heilbronn (WKO) auftreten, darf man wortwörtlich hellhörig werden. Mit Georg Breinschmid und Dominik Wagner treffen in diesem Konzert zwei Künstler aufeinander, die kaum unterschiedlicher und dennoch kaum besser aufeinander abgestimmt sein könnten. Breinschmid, einst bei den Wiener Philharmonikern, ist nicht nur zweifacher Hans Koller-Preisträger, er ist ein gefragter Grenzgänger zwischen den Genres: sei es Jazz, Klassik, Dada oder Kabarett. Wagner, erst Mitte 20, ist Preisträger nahezu aller Kontrabasswettbewerbe. Sein Ziel: den Kontrabass aus seinem Schattendasein zu befreien.

Begleitet wird das kongeniale Duo vom Württembergischen Kammerorchester Heilbronn. Neben Giovanni Bottesinis erstem Kontrabasskonzert steht auch eine Auftragskomposition des WKOs von Georg Breinschmid auf dem Programm.

Bild: Julia Wesely

- Nachholtermin -

Anja Kampmann liest aus "Die Wut ist ein heller Stern"

Hedda hat sich ihren Traum erkämpft: Artistin im »Alkazar« auf der Reeperbahn. Doch nichts zählt mehr, als in den dreißiger Jahren die neuen Uniformen wie selbstverständlich im Publikum auftauchen. Die Freiräume werden enger und auch für die Mädchen im Varieté wird es gefährlich. Wem kann Hedda noch trauen? Ihr Bruder Jaan heuert als Harpunenschmied auf einem Walfänger an, für eine Fahrt in die Antarktis. Und auch Hedda sucht für sich und ihren kleinen Bruder Pauli nach Auswegen.
Anja Kampmann erzählt in einer unvergleichlich atmosphärischen Sprache, der es auch an Leichtigkeit nicht fehlt, eine Geschichte weiblicher Selbstbehauptung aus einer ganz und gar von Männern dominierten Zeit.

Anja Kampmann wurde 1983 in Hamburg geboren. Sie studierte an der Universität Hamburg und am Deutschen Literaturinstitut in Leipzig. Sie debütierte bei Hanser mit dem Gedichtband »Proben von Stein und Licht« (Lyrik Kabinett, 2016). Ihr erster Roman »Wie hoch die Wasser steigen« (2018), wurde vielfach übersetzt, für den Preis der Leipziger Buchmesse sowie den Deutschen Buchpreis nominiert und war Finalist für den National Book Award in den USA. Zuletzt erschien der Gedichtband »Der Hund ist immer hungrig« (2021), der mit dem Günter Kunert Literaturpreis für Lyrik ausgezeichnet wurde. Für ihr Werk erhielt sie 2024 den Marie-Luise-Kaschnitz-Preis.

Moderation: Carsten Otte

Bild: Maxim Ecke

incl. 1 Getränk

Humorvolles Gesellschaftsdrama von Rebekka Kricheldorf

Angelika Zacek, Regie & Bühne
Spiel: Fanny Holzer, Charlotte Ronas, Sven Brormann, Ulrike Walther

Teambesprechung und Bestandsaufnahme: Die vier Kardinaltugenden Fortitudo (Tapferkeit), Justitia (Gerechtigkeit), Temperantia (Mäßigung) und Prudentia (Klugheit) treffen sich alle zehn Jahre und werfen einen Blick auf die Gesellschaft. Wo bei den Menschen Jahrtausende lang Hochmut, Habgier und Wollust hoch im Kurs standen, ist endlich eine Zeitenwende gekommen! Was heute zählt: Nachhaltigkeit, Empathie und ein solidarisches Miteinander. Also alles prima? Höchst satirisch analysiert Rebekka Kricheldorf unser Handeln und stellt vor allem eines fest: Aktuelle Normvorstellungen sind so komplex, dass selbst die Tugenden in Erklärungsnöte kommen.

Dauer: ca. 2 Stunden 20 Minuten, inkl. Pause

Bild: Jan Bosch

Humorvolles Gesellschaftsdrama von Rebekka Kricheldorf

Angelika Zacek, Regie & Bühne
Spiel: Fanny Holzer, Charlotte Ronas, Sven Brormann, Ulrike Walther

Teambesprechung und Bestandsaufnahme: Die vier Kardinaltugenden Fortitudo (Tapferkeit), Justitia (Gerechtigkeit), Temperantia (Mäßigung) und Prudentia (Klugheit) treffen sich alle zehn Jahre und werfen einen Blick auf die Gesellschaft. Wo bei den Menschen Jahrtausende lang Hochmut, Habgier und Wollust hoch im Kurs standen, ist endlich eine Zeitenwende gekommen! Was heute zählt: Nachhaltigkeit, Empathie und ein solidarisches Miteinander. Also alles prima? Höchst satirisch analysiert Rebekka Kricheldorf unser Handeln und stellt vor allem eines fest: Aktuelle Normvorstellungen sind so komplex, dass selbst die Tugenden in Erklärungsnöte kommen.

Dauer: ca. 2 Stunden 20 Minuten, inkl. Pause

Bild: Jan Bosch

Gabriela Montero, Klavier
Andrey Boreyko, Leitung

Alberto Ginastera: Suite aus dem Ballett Estancia op 8, Nr. 1, 2, 4
Gabriela Montero: Klavierkonzert Nr. 1 „Latin Concerto“
Hector Berlioz: Symphonie fantastique op. 14

Gabriela Montero gehört zu den profiliertesten Musikerinnen ihrer Generation. Die in Venezuela geborene Pianistin und Komponistin feierte ihr Debüt mit acht Jahren in Caracas, studierte in den USA und an der Royal Academy of Music in London. Heute ist sie weltweit gefragt – von der Carnegie Hall bis zum Concertgebouw. Sie konzertiert mit so bedeutenden Klangkörpern wie dem New York Philharmonic Orchestra oder dem Gewandhausorchester Leipzig. Ihre Auftritte sind musikalische Erlebnisse von seltener Intensität: virtuos, expressiv und oft improvisierend.

Auch als Komponistin macht Montero international von sich reden – etwa mit dem Werk „Ex Patria“, in dem sie auf die politischen Verhältnisse in ihrer Heimat reagiert. Für die Aufnahme dieses Werks erhielt sie ihren ersten Latin GRAMMY. Als engagierte Verfechterin der Menschenrechte wurde sie u. a. von Amnesty International zur Honorarkonsulin ernannt und von der Human Rights Foundation für ihr kontinuierliches Engagement ausgezeichnet.

Mit den Stuttgarter Philharmonikern spielt Montero ihre eigene Komposition „Latin Concerto“. Inspiriert von den musikalischen Traditionen ihrer lateinamerikanischen Heimat verbindet sie darin verschiedene Elemente – etwa des venezolanischen „El Pajarillo“ oder kubanische Einflüsse – zu einem Konzert, das als persönlicher und kraftvoller Ausdruck ihrer Herkunft verstanden werden kann.

Bild: Gabriel Montero

„Den Namen von Ilya Shmukler muss man sich jetzt wohl merken“, schrieb die Frankfurter Allgemeine Zeitung nach seinem Triumph beim Concours Géza Anda 2024 in Zürich, wo er neben dem Ersten Preis vier weitere wichtige Auszeichnungen erhielt.

Dieser junge russische Pianist zählt ohne Frage zu den vielversprechenden Talenten seiner Generation. Als Solist trat er bereits mit renommierten Orchestern sowie Künstlerinnen und Künstlern in Europa, Asien und Nordamerika auf. Dazu zählen Mikhail Pletnev, Marin Alsop und Paavo Järvi, das Tonhalle-Orchester Zürich, die Orchester des Mariinsky Theaters und das Kansas City Chamber Orchestra. Sein Mozart beim Cliburn-Wettbewerb 2022 wurde ebenso preisgekrönt wie sein Debüt in New York als Gewinner der Carnegie Weill Recital Hall Debut Audition 2022.

Hinweis:
Reservierte Tickets müssen bis spätestens 10:30h abgeholt sein. Ab diesem Zeitpunkt sind reservierte und nicht abgeholte Tickets wieder im freien Verkauf und es besteht keine Berechtigung für einen Einlass.

Bild: Andrej Grilc

21 von Rodrigo Pederneiras
Marco Antônio Guimarães/UAKTI, Musik
Fernando Velloso, Bühnenbild
Freusa Zechmeister, Kostüme
Paulo Pederneiras, Licht

2025 CREATION von Cassi Abranches & Rodrigo Pederneiras
Clarice Assad, Musik

Mit „21“ setzte Grupo Corpo 1992 ein kraftvolles Zeichen – und leitete eine neue künstlerische Phase ein, in der die brasilianische Kompanie konsequent mit einer eigens für sie komponierten Musik arbeitet: einer strukturell komplexen, rhythmisch dichten Partitur von Marco Antônio Guimarães, entwickelt gemeinsam mit dem legendären Instrumentalensemble UAKTI.

Diese musikalische Freiheit eröffnete Choreograf Rodrigo Pederneiras neue Wege. Er entwickelte daraus eine durch und durch brasilianische Bewegungssprache, die seither zum Markenzeichen von Grupo Corpo gehört. In „21“ reagiert der Tanz auf die mathematische Strenge der Komposition mit pulsierenden, synchronen Bewegungen – und erschafft dabei ein körperlich aufgeladenes Wechselspiel zwischen System und Emotion.

Anlässlich ihres 50-jährigen Jubiläums präsentierte Grupo Corpo im Jahr 2025 eine ganz besondere Uraufführung: 2025 CREATION. Das bislang unbetitelte Werk markiert den Beginn eines neuen kollaborativen Formats. Erstmals arbeiten Cassi Abranches und Rodrigo Pederneiras gemeinsam an einer Produktion – ein künstlerisches Aufeinandertreffen zweier Handschriften, das mit Spannung erwartet wird.

Dauer: 1 Stunde 35 Minuten, inkl. Pause

Bild: Jose Luiz Pederneiras

Kühe sollen bessere Milch geben, wenn sie Mozart hören. Was passiert dann wohl mit uns, wenn wir einen Reigen von Mozarts berührenden Melodien im Klassik-Rock Stil hören? Eine Frage, die durchaus bei einem Konzert von LA FINESSE aufkommen kann. Denn die vier klassisch ausgebildeten Musikerinnen pflegen ihren ganz eigenen Umgang mit den guten alten Klassikern.

Dass dies alles grandios gelingt, beweist das Ensemble seit über zehn Jahren mit seinen Shows und Crossover-Konzerten. Und so bewegt sich LA FINESSE auch mit dem neuen Programm „Grenzenlos“ an der Schnittstelle zwischen Tradition und Gegenwart – handwerklich fundiert und klanglich höchst eigenständig. Musikalische Kategorien lösen sich auf, ohne dass Beliebigkeit entsteht; die klassische Quartettbesetzung wird erweitert – mit E-Bass, Drums oder Gitarre – nicht um des Effekts willen, sondern als logische Entwicklung einer offenen Musiksprache. „Was beliebt, ist auch erlaubt“ – wusste schon Wilhelm Busch. Und so kreiert das virtuose Streichquartett auch in diesem Konzert ein spektakuläres Bühnenerlebnis.

Bild: Grenzenlos Pressebild

Pietro Sarno, Leitung

Nicht nur wegen der Papstwahl und des "Heiligen Jahres 2025 in Rom", in dem bis zu 50 Millionen Pilger in Rom erwartet werden, ist diese "ewige Stadt" immer eine Reise wert. Mit zwei großen Werken möchten wir die Zuhörerinnen und Zuhörer einen Abend lang dorthin entführen. Franco Cesarinis 1. Sinfonie, "Die Erzengel", beschreibt mit farbenreichen musikalischen Mitteln vier der Erzengel. Ein weiteres sehr berühmtes Werk, die "Pinien von Rom" von Ottorino Respighi, nimmt unmittelbar Bezug auf die Stadt und darf im Programm nicht fehlen.

Bild: Heppeler

Eternal Echoes – A Journey through Time and Harmony

Max Richter: On the Nature of Daylight
Henry Purcell: Chaconne in g-Moll und Cold Song
Antonio Vivaldi: Konzert f-Moll „Der Winter“ aus Die vier Jahreszeiten
Johann Sebastian Bach: Kontrapunkt 1 aus Die Kunst der Fuge
Sting: Shape of my Heart
Benjamin Britten: Variations on a Theme of Frank Bridge op. 10
The Beatles: Across the Universe
u. a.

Sie spielen Bach und Metallica und gerne auch mal Hildegard von Bingen. Und das so, als gäbe es dazwischen keine Grenzen. Das O/Modernt Kammerorchester denkt Musik erfrischend und radikal neu. Nicht umsonst nannte der Tagesspiegel sie „die wilden Schweden“. Gegründet vom charismatischen Geiger Hugo Ticciati, versammelt das O/Modernt Kammerorchester junge Spitzentalente aus ganz Europa. Voller Energie und Verve spielen diese u. a. in der Wigmore Hall, im Musikverein Wien oder in der Elbphilharmonie. Ob mit Jazzern, Rappern oder Barock-Spezialisten: Das Ensemble bringt musikalische Welten miteinander ins Gespräch. Dabei bedeutet „O/Modernt“ eigentlich „un/modern“. Das ist natürlich ironisch gemeint, denn moderner könnte man Konzerte überhaupt nicht konzipieren.

Mit einem Programm, das seinem Ruf alle Ehre macht, kommt das Orchester an den See: Sting verbindet sich mit alter Musik; die Beatles stehen neben Bach. Das wird wild – und sicherlich höchst beglückend für die Ohren.

Bild: Kaupo Kikkas

30 Literaturkritikerinnen und -kritiker geben monatlich vier Neuerscheinungen ihrer Wahl Punkte (15, 10, 6, 3). Die Jury entscheidet autonom. Die Punkte, die für die Bücher abgegeben werden, ergeben die Platzierung. Auf die Liste dürfen nur Bücher gewählt werden, die deutschsprachig sind oder in deutscher Übersetzung erscheinen und die im genannten Monat erschienen sind. Ein Buch kann höchstens dreimal auf die Bestenliste gewählt werden.
Sie können live dabei sein, wenn drei Jurymitglieder mit Carsten Otte auf der Bühne über vier ausgewählte Bücher der SWR Bestenliste diskutieren.

Carsten Otte - Moderation
Julia Schröder, Shirin Sojitrawalla, Jan Wiele - Diskussionsrunde
Isabelle Demey und Dominik Eisele - Lesungen


Bild: SWR Bestenliste

incl. 1 Getränk

Harold George, Künstlerische Leitung & Choreografie
Antoine Panier, Künstlerische Leitung & Film

Zwischen Tanz und Film, zwischen Europa und Afrika, zwischen Mythos und Männlichkeit – mit „Making Men“ präsentiert das Dunia Dance Theatre ein außergewöhnliches Werk, das Welten nicht trennt, sondern verbindet.

Das Ensemble wurde 2003 von Harold George in Brüssel gegründet und zählt seither zu den profiliertesten Kompanien an der Schnittstelle zwischen afrikanischer und europäischer Tanzkultur.

In „Making Men“ stellt das Ensemble die Frage nach dem Konstrukt von Männlichkeit in einer Welt voller Erwartungen, Klischees und Zwänge. Vier afrikanische Tänzer erzählen vom Erwachsenwerden, von Rollenbildern, innerem Ringen – und vom Wunsch nach Selbstbestimmung. Eine Performance über das, was Männer sein sollen, dürfen oder wollen. Kraftvoll und verletzlich zugleich.

Der Abend beginnt mit dem vielfach ausgezeichneten Film von Antoine Panier zur Choreografie. Gedreht in der atemberaubenden Landschaft Simbabwes, ist er integraler Bestandteil des Gesamtkunstwerks. Tanz und Film durchdringen einander und verdichten die Thematik zu einem atmosphärischen Erlebnis.

Bild: Antoine Panier