Schwäbisch-Heiteres zur Weihnachtszeit

Ingrid Koch: Text, Maria Hartmann: Flöte, Ulrike Neubacher: Harfe

Wenn Ingrid Koch auf der Bühne steht, wird an vielen Stellen geschmunzelt und bei all ihren Pointen laut gelacht. Dazwischen wartet das Publikum aber nicht nur auf den nächsten Schenkelklopfer, dazwischen lauscht es, nickt, lächelt und genießt. Das verspricht auch ihr weihnachtliches Mundart-Format „Scho wieder…“, bei dem sie unter musikalischer Begleitung von Maria Hartmann und Ulrike Neubacher mit Humor, Witz und Poesie auf die schöne, aber nicht immer stressfreie Vorweihnachtszeit einstimmt.
Schon vor über 10 Jahren hat die „Worthandwerkerin“ in ihrem Büchlein „Scho wieder…“ Advents- und Weihnachts-Texte zusammengestellt, die vom „Erschte Schnee“ bis zu „Silveschter“ handeln. Fragen wie „Was schenke ich denn heuer wieder oder was koche ich dieses Weihnachten?“ dürfen dabei nicht fehlen – von den Antworten ganz zu schweigen.
„‘S isch eh jedes Johr ‘s Gleiche!“ ist dabei eine Erkenntnis der „Schwäbin aus Überzeugung“.

Bild: Buchcover

incl. 1 Getränk

Wichtiger Hinweis:
Das mit Sheku Kanneh-Mason angesetzte Konzert mit dem London Philharmonic Orchestra wird umbesetzt. Sheku Kanneh-Mason muss dieses Konzert aufgrund einer Verletzung an der linken Hand mit großem Bedauern absagen. Auf ärztlichen Rat setzt er seine Konzerttätigkeit bis Ende 2025 aus und plant, 2026 auf die Bühne zurückzukehren. Wir freuen uns sehr, dass Arabella Steinbacher kurzfristig mit Max Bruchs Konzert für Violine und Orchester Nr. 1 g-Moll op. 26 einspringt.
Sofern Sie Ihr bereits gekauftes Ticket zurückgeben und erstattet haben möchten, können Sie das an der jeweiligen Vorverkaufsstelle tun, wo Sie ihr Ticket erworben haben.

Edward Gardner, Leitung
Arabella Steinbacher, Violine

Programm:
Edward Elgar: In the South - Konzertouvertüre op. 50 (1903) - (Alassio)
Max Bruch: Konzert für Violine und Orchester Nr. 1 g-Moll op. 26
Sergej Rachmaninoff: Symphonie Nr. 3 a-Moll op. 44

Arabella Steinbacher zählt zu den führenden Geigerinnen ihrer Generation. Ihr Repertoire umfasst Werke von der Klassik und Romantik bis zu zentralen Kompositionen des 20. Jahrhunderts. Engagements führen sie regelmäßig zu bedeutenden Orchestern in Europa, Asien und den USA, darunter die Dresdner Philharmonie, das Gewandhaus Orchester Leipzig, Orchester in Seoul und Taiwan sowie das Sydney Symphony Orchestra. Ein Schwerpunkt ihrer aktuellen Projekte sind Aufführungen des für sie komponierten Violinkonzerts von Georges Lentz. Ihre Diskografie bei Pentatone umfasst u. a. einen gefeierten Mozart-Zyklus, Einspielungen von Bach und Pärt sowie Piazzollas und Vivaldis „Vier Jahreszeiten“.
Seit seiner Gründung im Jahr 1932 wird das London Philharmonic Orchestra (LPO) international als eines der ganz großen Orchester gefeiert. „Unser Ziel ist es, „die moderne Welt durch die Kraft der Orchestermusik an Wundern teilhaben zu lassen“, so die Zielsetzung. Und die scheint aufzugehen: Das LPO gehört zu den meist gestreamten Orchestern weltweit, jeder kennt und hört es – auch dank der unzähligen Filmsoundtracks zu Blockbustern wie „Herr der Ringe“.

Bild: Merz

Curtis Phill Hsu, geboren 2004, gilt als spannendes junges Talent der Klavierszene. Schon 2016 wurde er in das Pre-College des Mozarteums in Salzburg aufgenommen; seit 2023 studiert er an der Hochschule für Musik, Theater und Medien Hannover bei Arie Vardi. Längst sammelt er Preise, Stipendien und Förderprogramme wie andere Jugendliche Turnschuhe. So gewann er 2024 unter anderem die 17th Hastings International Piano Concerto Competition dank seines mitreißenden Auftritts mit dem Royal Philharmonic Orchestra unter Rory Macdonald. Ein Erfolg, der ihm sein London-Debüt in der Cadogan Hall mit dem Royal Philharmonic Orchestra unter Jac van Steen bescherte.

Hinweis: Reservierte Tickets müssen bis spätestens 10:30h abgeholt sein. Ab diesem Zeitpunkt sind reservierte und nicht abgeholte Tickets wieder im freien Verkauf und es besteht keine Berechtigung für einen Einlass.

Bild: Curtis Phill Hsu

Grace Davidson, Sopran
Martha McLorinan, Alt
Jeremy Budd, Tenor
Jimmy Holliday, Bass
Nigel Short, Leitung

Georg Friedrich Händel: „Messiah“ Oratorium HWV 56 (1741)

Ein musikalisches Gipfeltreffen: Wenn es um den Londoner Tenebrae Choir geht, überbieten sich die Kritiken: Phänomenal“ jubelt die New York Times, „umwerfend schön“ schreibt das Gramophone Magazine. Unter der Leitung von Nigel Short begeistert der Chor Kritiker wie Publikum mit seiner makellosen Intonation und atmosphärischen Klangfülle. Auch an der Musik von internationalen Kinofilmen ist das Vokalensemble beteiligt, so etwa beim Blockbuster „Avatar“: Für seine Aufnahmen wurde das Ensemble mehrfach ausgezeichnet. So z. B. mit den BBC Awards, Gramophone Awards und dem Grammy. Und dann das Kammerorchester Basel: Gegründet 1984, ist es für seinen Entdeckergeist, seine stilistische Vielseitigkeit und seine historisch informierten Klangbilder hochgeschätzt und vielfach ausgezeichnet. Wer in der vergangenen Spielzeit das Konzert mit Vilde Frang erleben durfte, mag hier sicher in das Loblied einstimmen.

Händels „Messiah“ gilt seit seiner Uraufführung nicht nur als sein bekanntestes Werk, sondern auch als eines der beliebtesten Oratorien überhaupt. Seine universelle Botschaft, das einzigartige Zusammenspiel aus religiösen Texten und theatralischer Musik machen es zudem zu einem Eckpfeiler der Chorkultur. Kurz: Barocke Klangpracht verbindet sich mit zeitloser Spiritualität – interpretiert von zwei Spitzenensembles. Unbedingt hingehen.

Bild: Sim Canetty Clarke

Ona Ramos Tintó, 1. Horn
Ferdinand Gleixner, 2. Horn
Yolanda Flox, 3. Horn
Tobías Van Der Wardt, 4. Horn
Joachim Trost, Leitung

Robert Schumann: Konzertstück für vier Hörner und großes Orchester F-Dur op. 86
Pjotr Iljitsch Tschaikowsky: Sinfonie Nr. 5 e-Moll op. 64 „Schicksals-Sinfonie“

„Etwas ganz curioses“ nannte Robert Schumann sein Konzertstück für vier Hörner und Orchester. Mit der damals neuartigen Ventiltechnik sprengte Schumann die bisherigen klanglichen Grenzen des Horns: Virtuose Läufe, kühne Modulationen und der satte Klang des vierstimmigen Hornsatzes machen das Stück bis heute zu einem Prüfstein für jeden Solisten.

Mit diesem eindrucksvollen Werk stellt sich das Sinfonieorchester Friedrichshafen erneut einer außergewöhnlichen Herausforderung. Und das mit hochkarätiger Unterstützung: Gleich vier herausragende Hornsolisten und -solistinnen der Staatlichen Hochschule für Musik Trossingen stehen dafür gemeinsam auf der Bühne – begleitet und angeleitet von ihrem Professor Saar Berger. Der international renommierte Hornist war bis 2023 Mitglied des Ensemble Modern. Gemeinsam mit seinen bereits orchestererfahrenen Studierenden bringt er ein Stück auf die Bühne, das klanglich ebenso reizvoll wie anspruchsvoll ist – und das in dieser Besetzung nur selten zu hören ist.

Bild: Sabine Kunze

Anna Naomi Schultsz, Violine
Gabriel Venzago, Leitung & Moderation

Schon wieder ein Jahr vorbei – und das Neue steht energiegeladen in den Startlöchern. Was es jetzt braucht, ist eine gute Portion Schwung. Und die schenkt uns die Bodensee Philharmonie mit ihrem musikalischen Auftakt: Nicht umsonst gehört das Neujahrskonzert längst zum festen Ritual für alle, die das neue Jahr lieber mit Walzer als mit wilden Prognosen begrüßen.

Auf dem Programm steht wie gewohnt und heiß geliebt ein „Strauß“ aus heiteren Melodien. Mit der in Basel geborenen Geigerin Anna Naomi Schultsz steht zudem eine junge Künstlerin auf der Bühne, die bereits auf internationalen Wettbewerben und renommierten Festivals für Aufsehen sorgte. Ihr virtuoses Spiel und ihre musikalische Ausdruckskraft machen sie zur idealen Solistin für diesen schwungvollen Jahresauftakt.

Bild: Nicole Pont

Seine Laufbahn entwickelte sich konsequent: Der in Kyoto geborene Pianist Wataru Hisasue erhielt zahlreiche Auszeichnungen, darunter den Liszt-Bartók Preis im Rahmen des Concours Géza Anda 2024 sowie den Beethoven-Preis des G. Henle Verlags. Wataru Hisasue konzertierte bereits mit renommierten Orchestern wie dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks und dem Tokyo Metropolitan Symphony Orchestra. Mehrere seiner CDs erschienen bei ART INFINI und der Deutschen Grammophon.

In seinem Programm setzt Wataru Hisasue auf Kontraste: Die Etüden von Pascal Dusapin – konzentriert, rhythmisch verschoben, von innerer Spannung getragen – rahmen Beethovens „Eroica“-Variationen, ein Werk von wuchtiger Architektur und motivischer Fantasie. Mit Liszt öffnet sich schließlich ein neuer Klangraum: atmosphärisch und voller klanglicher Raffinesse. Ein Programm, das Wataru Hisasues Vielseitigkeit widerspiegelt.

Hinweis:
Reservierte Tickets müssen bis spätestens 10:30h abgeholt sein. Ab diesem Zeitpunkt sind reservierte und nicht abgeholte Tickets wieder im freien Verkauf und es besteht keine Berechtigung für einen Einlass.

Bild: Hisasue Wataru

Einlass: 19:00

Johann Baptist Georg Neruda: Trompetenkonzert Es-Dur
Carl Philipp Emanuel Bach: Hamburger Sinfonie Nr. 2 B-Dur
Karol Beffa: Intrada für Trompete und Streicher
Maurice Ravel: Streichquartett F-Dur op. 35 (Fassung für Streichorchester)

Wer behauptet, die Trompete sei ein eher männliches Instrument, hat Lucienne Renaudin Vary noch nicht gehört. Die junge, charismatische Französin bringt mit Pariser Nonchalance und butterweichem Ton die Konzerthäuser zum Schwingen. Mit ihrem Charme und ihrer Vielseitigkeit spielt sie sich durch die Welt der Klassik wie durch die des Jazz: Sie ist exklusiv bei Warner unter Vertrag, Opus Klassik-Preisträgerin, „Junge Wilde“ in Dortmund, Residenzkünstlerin in Gstaad und stand mit 18 schon neben Rolando Villazón auf der Bühne. Die Fachpresse lobt ihre „warme Tongebung“ und ihr „flüssiges und präzises Spiel“ (ResMusica).

Mit einem wahren Fest für alle Fans barocker Klangpracht kommt sie nun an den See: Nerudas Trompetenkonzert entfaltet den vollen Glanz des böhmischen Spätbarocks – virtuos, festlich und von berückender Eleganz. Bei C.P.E. Bachs „Hamburger Sinfonie“ jagen die Melodien in Barocktradition auf und ab, dazwischen die empfindsamen Melodien der beginnenden Klassik. Und schließlich bringt Ravels Streichquartett impressionistische Farben ins Spiel, während Karol Beffas jazzig-rhapsodische „Intrada“ zwischen den Zeiten vermittelt. Dieses musikalische Rendezvous mit dem Stuttgarter Kammerorchester sollte man sich keinesfalls entgehen lassen.

Bild: Simon Fowler

Bunte Eiskugeln, süße Säfte, lange laue Nächte mit zirpenden Grillen – eingebettet in die Geborgenheit einer großen Familie. Diese Bilder prägen Alena Jabarines Erinnerungen an die Sommer ihrer Kindheit. Weniger als 20 Kilometer trennen das Haus ihrer Großeltern, das sich im heutigen Israel befindet, vom besetzten palästinensischen Gebiet. Als Kind hatte sie nur eine Ahnung davon, dass eine zunächst unsichtbare Grenze dieses Land in zwei Welten teilt – mit großen Unterschieden, was die Rechte, die Lebenserwartungen und auch den Status in den Augen der Welt angeht.

Anfang 2020 zog Jabarine nach Ramallah, um zu verstehen, was „Palästina“ bedeutet: für die Menschen auf der einen Seite der Mauer und für die auf der anderen. Und für ihre eigene Identität. In ihrem Buch erzählt sie Geschichten von Menschlichkeit und Lebensfreude, aber auch von Widerstand. Geschichten, die dabei helfen, die Realität in Israel und Palästina zu verstehen.

Alena Jabarine
Alena Jabarine (geboren 1985 in Hamburg) ist Deutsch-Palästinenserin mit deutscher und israelischer Staatsbürgerschaft. Sie wuchs in Hamburg auf, studierte Politik und absolvierte ein journalistisches Volontariat beim NDR. Danach arbeitete sie vor allem für öffentlich-rechtliche Formate. Von 2020–2022 lebte sie in Ramallah und war dort für eine Stiftung tätig. In dieser Zeit begann sie, auf Instagram aus dem Alltagsleben der palästinensischen Bevölkerung zu berichten und politische Zusammenhänge zu erklären. Insbesondere seit Beginn des aktuellen Krieges in Gaza ist sie regelmäßig als Expertin geladen, u.a. beim NATO Defense College in Rom, den Münchner Kammerspielen und dem Berliner Ensemble. Sie ist eine der wenigen palästinensischen Stimmen im deutschen Diskurs.

Moderation: Fatih Özcelik Moderation

Foto: Tim Oehler

Georg Unterholzner, Gitarre
Andreas Winkler, Steirische Harmonika
Nathanael Turban, Geige
Florian Mayrhofer, Tuba

Geige, Steirische Harmonika, Gitarre und Tuba – aus traditioneller Volksmusik wird bei Maxjoseph eine echte kammermusikalische Überraschung! Die vier virtuosen Musiker von Maxjoseph weben ein dynamisch und kammermusikalisch höchst feines Geflecht, und zwar in einer derartigen Eleganz und Leichtigkeit, die man im Zusammenhang mit Volksmusik so nicht erwartet hätte.

In ihrem aktuellen Programm „NAU“ treffen volksmusikalische Wurzeln auf die Freiheit des Jazz, auf die Klarheit klassischer Schulung und auf die Neugier von vier Weltbürgern, die ihrer Heimat eng verbunden sind. Diese Musik verweigert sich einfachen Kategorien. Und genau darin liegt ihr Zauber. Improvisation trifft auf Präzision, Erdigkeit auf Esprit. Klischees lösen sich auf, neue Hörbilder entstehen.

Was Maxjoseph schafft, ist mehr als eine stilistische Synthese. Es ist ein Dialog zwischen alt und neu, zwischen E- und U-Musik, zwischen Klassik und Volksmusik. Dieses Hörerlebnis lässt sich nicht einordnen, aber umso leichter genießen. Ein Abend, an dem man sich beglückt wegträumt und summend nach Hause geht.

Bild: Jessica Elsner

Medhi Walerski, Künstlerischer Leiter

Triple Bill
BOLERO X von Shahar Binyamini
SWAY von Medhi Walerski
Frontier von Crystal Pite

Mutig, innovativ, herausragend: Das kanadische Ballet BC steht seit seiner Gründung 1986 für einen unverwechselbaren Stil. Neben ikonischen Choreografien des späten 20. und frühen 21. Jahrhunderts stellt es insbesondere Neukreationen internationaler Choreografen und Choreografinnen ins Zentrum seines Schaffens. So auch an diesem Abend. Unter der künstlerischen Leitung von Medhi Walerski präsentiert das Ensemble drei höchst unterschiedliche zeitgenössische Werke. Jedes für sich voller kreativer Energie und künstlerischer Vielfalt.

„Frontier“ von Crystal Pite führt ins Ungewisse, es ist ein tänzerischer Dialog mit dem Zweifel. „SWAY“, Medhi Walerskis lyrisches Tanzstück, verwandelt Emily Dickinsons Gedicht „Hope is the thing with feathers“ in flüchtige, poetische Bilder mit fließenden Übergängen zwischen Duetten und Ensemble. Und in „BOLERO X“ lässt Shahar Binyamini Ravels Meisterstück auf eine körperlich intensive Choreografie treffen, in der 24 Tänzerinnen und Tänzer das Spannungsfeld zwischen Individualität und Kollektiv ausloten.

Um diesen Abend in aller Kürze mit den Worten von Medhi Walerski zu umreißen: „Das Ballet BC ist eine Kompanie, die darauf abzielt, Tanz in seiner wesentlichsten Form zu kreieren: gefühlsbetont, kraftvoll, transformativ und zum Nachdenken anregend.“

Bild: Michael Slobodian

Musiktheater nach der Novelle von Esther Vilar „Die Mathematik der Nina Gluckstein”

Annette Wunsch, Spiel
Goran Kovacevic´; Akkordeon

„Wie ließe sich eine Musik beschreiben, die sich jeder Regel der Harmonielehre, jeder kalkulierbaren Dramaturgie entzieht? Und die sich von einer Sekunde zur nächsten total verändern kann, hinzieht und wieder abstößt, hängenbleibt, um gleich darauf davonzurasen, bald voller Lebensfreude ist, bald voller Sehnsucht nach dem Sterben?“

Es sind Fragen wie diese, die sich die Erzählerin in Esther Vilars Novelle stellt. Sie versucht nicht nur, das vibrierende Lebensgefühl des Tango Nuevo zu ergründen. Als ehemalige Mathematikprofessorin forscht sie zudem akribisch nach einer Formel für „andauernde Leidenschaft“. Ihr Forschungsobjekt: das in Buenos Aires hochprominente Liebespaar Chucho Santelmo – einer der erfolgreichsten Tangomusiker aller Zeiten – und seine Geliebte Nina Gluckstein. Das Paar konnte seine leidenschaftliche Beziehung über viele Jahre auf der Höhe des Liebesglücks halten. Aber wie? Nun, Nina Gluckstein hatte ein sicheres Mittel gefunden, um ihren Chucho an sich zu binden: Unter keinen Umständen zeigte sie ihm, dass sie ihn an sich binden wollte. Doch um welchen Preis.

Eine berührende Liebesgeschichte und eine Hommage an den Tango Nuevo.

keine Pause

Bild: IIja Mess

Mechtild Borrmann liest aus „Lebensbande“

Zeitgeschichtlicher Roman über drei Frauen in Ost- und Westdeutschland vom 2. Weltkrieg bis zum Mauerfall

Zeitgeschichte trifft auf die verwobenen Schicksalsfäden dreier Frauen:

Basierend auf wahren Begebenheiten erzählt Bestseller-Autorin Mechtild Borrmann in ihrem großen zeitgeschichtlichen Roman »Lebensbande« die Lebensgeschichten dreier Frauen, deren Schicksale sich zwischen dem 2. Weltkrieg und dem Fall der Berliner Mauer kreuzen.

Vom Zweiten Weltkrieg bis zum Mauerfall verbinden die Fäden des Schicksals Lene, Nora und Lieselotte: Obwohl sie sich in einer Zeit der Angst und des Terrors als Fremde begegnen, werden sie zu Freundinnen, die einander Halt geben und große Risiken auf sich nehmen. Krankenschwester Nora tut alles, um Lene zu helfen, das Leben ihres kleinen Sohnes Leo zu retten. Denn wegen eines leichten Handicaps gilt Leo als »Reichsausschusskind«. 1942 lernt Nora Lieselotte in Danzig kennen. Drei Jahre später werden die Frauen in einen Gulag der Sowjetunion verschleppt – als Teil der 900.000 Arbeitskräfte, die Stalin unter anderem im Rahmen der Reparationszahlungen zugesichert worden waren. Schließlich gibt Lieselotte alles auf, was sie noch hat, um Nora die Rückkehr in die Heimat zu ermöglichen …

Zeitgeschichte, inspiriert von wahren Ereignissen und Schicksalen und so spannend erzählt wie ein Kriminalroman

Mechtild Borrmann versteht es meisterlich, zutiefst menschliche Geschichten ohne Pathos zu erzählen. Auch in »Lebensbande« lässt die Bestseller-Autorin auf zwei Zeitebenen große Spannung entstehen. Erschütternd und trotzdem voller Hoffnung zeigt sie, wie eng große Tragik und zartes Glück beieinander liegen können.

Mechtild Borrmann, Jahrgang 1960, verbrachte ihre Kindheit und Jugend am Niederrhein. Bevor sie sich als Schriftstellerin einen Namen machte, war sie u. a. als Tanz- und Theaterpädagogin und Gastronomin tätig. Die Autorin ist mit zahlreichen renommierten Preisen, u.a. dem deutschen Krimipreis ausgezeichnet worden. Ihre Romane "Trümmerkind", "Grenzgänger" und "Feldpost" standen monatelang unter den TOP 10 der Spiegel-Bestsellerliste. Mechtild Borrmann lebt als freie Schriftstellerin in Bielefeld.

Bild: Buchcover

incl. 1 Getränk

Konzerte mit jungen Künstlerinnen und Künstlern

Seit über 24 Jahren spielt Tomasz Zajac Klavier. In dieser Zeit hat der 30-jährige Tastenkünstler zahlreiche internationale Preise, etliche Stipendien und eine alltagspraktische Einsicht gewonnen: „Als Pianist ist es ein bisschen egal, wo man genau wohnt, solange es einen gut angebundenen Bahnhof gibt.“ – Eine Einsicht, die man wahrscheinlich nur gewinnt, wenn man wie er durch die Welt tourt. Derzeit gehört er zu den gefragtesten polnischen Pianisten der jungen Generation. Er konzertierte sowohl in Polen als auch in Deutschland, Österreich, Frankreich, Norwegen, Weißrussland, Tschechien, Japan und im Iran. Er hat mit einer Vielzahl von bedeutenden Orchestern gespielt und bereits drei klassische Alben aufgenommen: „Beethoven & Chopin“, „Slavic Impressions“ und „Violin & Piano“. Neben seiner Konzerttätigkeit begleitet Tomasz Zajac als Korrepetitor Studierende der Kunstuniversität in KUG Graz.

Hinweis:
Reservierte Tickets müssen bis spätestens 10:30h abgeholt sein. Ab diesem Zeitpunkt sind reservierte und nicht abgeholte Tickets wieder im freien Verkauf und es besteht keine Berechtigung für einen Einlass.

Bild: W.Grzedzinski

Ascent, A Better Place, Trust, If You Were a Man

Mauro Astolfi, Künstlerische Leitung
Valentina Marini, Generalmanagerin & Programmdirektorin

Tanz, der unter die Haut geht: Seit 1994 lotet Spellbound Contemporary Ballet die Grenzen des zeitgenössischen Tanzes aus – innovativ, virtuos, intelligent. Kein Wunder, dass sich die Kompanie seit ihrer Gründung durch Mauro Astolfi in Italien zu einem international führenden Ensemble entwickelt hat. Seit 2022 ist Spellbound als nationales Produktionszentrum für Tanz in Rom anerkannt und kooperiert regelmäßig mit renommierten Kunstschaffenden und Institutionen wie Jean Guillaume Weis, Sang Jijia, Marcos Morau oder Jacopo Godani.

Der mehrteilige Abend zeigt die ganze Bandbreite dieser Ausnahmeformation. Das Stück „Trust“ seziert die fragile Architektur zwischenmenschlicher Beziehungen – ein vibrierendes Duett aus Nähe und Risiko, das spürbar macht, wie verletzlich Bindung ist. „If You Were a Man“ hingegen verhandelt mit choreografischer Schärfe die Zuschreibungen an Männlichkeit – kraftvoll, poetisch und dabei ohne jedes Pathos. Alle vier Werke zeigen, wie Tanz gesellschaftliche Themen sichtbar macht, ohne sie auszuformulieren. Ein Abend, der fordert, berührt – und sicherlich noch lange nachwirkt.

Dauer: 1 Stunde 40 Minuten, inkl. Pause

Bild: Paolo Porto

Ascent, A Better Place, Trust, If You Were a Man

Mauro Astolfi, Künstlerische Leitung
Valentina Marini, Generalmanagerin & Programmdirektorin

Tanz, der unter die Haut geht: Seit 1994 lotet Spellbound Contemporary Ballet die Grenzen des zeitgenössischen Tanzes aus – innovativ, virtuos, intelligent. Kein Wunder, dass sich die Kompanie seit ihrer Gründung durch Mauro Astolfi in Italien zu einem international führenden Ensemble entwickelt hat. Seit 2022 ist Spellbound als nationales Produktionszentrum für Tanz in Rom anerkannt und kooperiert regelmäßig mit renommierten Kunstschaffenden und Institutionen wie Jean Guillaume Weis, Sang Jijia, Marcos Morau oder Jacopo Godani.

Der mehrteilige Abend zeigt die ganze Bandbreite dieser Ausnahmeformation. Das Stück „Trust“ seziert die fragile Architektur zwischenmenschlicher Beziehungen – ein vibrierendes Duett aus Nähe und Risiko, das spürbar macht, wie verletzlich Bindung ist. „If You Were a Man“ hingegen verhandelt mit choreografischer Schärfe die Zuschreibungen an Männlichkeit – kraftvoll, poetisch und dabei ohne jedes Pathos. Alle vier Werke zeigen, wie Tanz gesellschaftliche Themen sichtbar macht, ohne sie auszuformulieren. Ein Abend, der fordert, berührt – und sicherlich noch lange nachwirkt.

Dauer: 1 Stunde 40 Minuten, inkl. Pause

Bild: Paolo Porto

Georg Breinschmid, Kontrabass
Dominik Wagner, Kontrabass
Risto Joost, Leitung

Heiner Eller: Fünf Stücke für Streichorchester (1953)
Giovanni Bottesini: Konzert für Kontrabass und Streichorchester Nr. 1 fis-Moll
Georg Breinschmid: Konzert für zwei Kontrabässe
Edvard Grieg: Aus Holbergs Zeit – Suite im alten Stil op. 40

Ein Kontrabass als Soloinstrument ist selten – zwei Bässe in einem Konzert sind geradezu ein Ereignis! Wenn dann noch zwei herausragende Bassisten gemeinsam mit dem Württembergischen Kammerorchester Heilbronn (WKO) auftreten, darf man wortwörtlich hellhörig werden. Mit Georg Breinschmid und Dominik Wagner treffen in diesem Konzert zwei Künstler aufeinander, die kaum unterschiedlicher und dennoch kaum besser aufeinander abgestimmt sein könnten. Breinschmid, einst bei den Wiener Philharmonikern, ist nicht nur zweifacher Hans Koller-Preisträger, er ist ein gefragter Grenzgänger zwischen den Genres: sei es Jazz, Klassik, Dada oder Kabarett. Wagner, erst Mitte 20, ist Preisträger nahezu aller Kontrabasswettbewerbe. Sein Ziel: den Kontrabass aus seinem Schattendasein zu befreien.

Begleitet wird das kongeniale Duo vom Württembergischen Kammerorchester Heilbronn. Neben Giovanni Bottesinis erstem Kontrabasskonzert steht auch eine Auftragskomposition des WKOs von Georg Breinschmid auf dem Programm.

Bild: Julia Wesely

- Nachholtermin -

Anja Kampmann liest aus "Die Wut ist ein heller Stern"

Hedda hat sich ihren Traum erkämpft: Artistin im »Alkazar« auf der Reeperbahn. Doch nichts zählt mehr, als in den dreißiger Jahren die neuen Uniformen wie selbstverständlich im Publikum auftauchen. Die Freiräume werden enger und auch für die Mädchen im Varieté wird es gefährlich. Wem kann Hedda noch trauen? Ihr Bruder Jaan heuert als Harpunenschmied auf einem Walfänger an, für eine Fahrt in die Antarktis. Und auch Hedda sucht für sich und ihren kleinen Bruder Pauli nach Auswegen.
Anja Kampmann erzählt in einer unvergleichlich atmosphärischen Sprache, der es auch an Leichtigkeit nicht fehlt, eine Geschichte weiblicher Selbstbehauptung aus einer ganz und gar von Männern dominierten Zeit.

Anja Kampmann wurde 1983 in Hamburg geboren. Sie studierte an der Universität Hamburg und am Deutschen Literaturinstitut in Leipzig. Sie debütierte bei Hanser mit dem Gedichtband »Proben von Stein und Licht« (Lyrik Kabinett, 2016). Ihr erster Roman »Wie hoch die Wasser steigen« (2018), wurde vielfach übersetzt, für den Preis der Leipziger Buchmesse sowie den Deutschen Buchpreis nominiert und war Finalist für den National Book Award in den USA. Zuletzt erschien der Gedichtband »Der Hund ist immer hungrig« (2021), der mit dem Günter Kunert Literaturpreis für Lyrik ausgezeichnet wurde. Für ihr Werk erhielt sie 2024 den Marie-Luise-Kaschnitz-Preis.

Moderation: Carsten Otte

Bild: Maxim Ecke

incl. 1 Getränk