„Best of Poetry Slam“, das ist, wenn sich Dichter*innen und Poet*innen, Geschichtenerzähler*innen und Prolet*innen, die Mutigen und die Wilden, die Nerds und die Stillen begegnen und nur mit Worten und Gesten gegeneinander antreten. Der Preis? Nichts weniger als Adrenalin und Applaus, Euphorie, ein Publikum, das entscheidet, ob das gerade Quatsch oder Rausch, kurzum: ob dieser Text vielleicht die beste Geschichte aller Zeiten ist. Ein Publikum, das du bist.

Fünf Top-Poet*innen treten beim „Best of Poetry Slam“ gegeneinander an und wollen nichts weniger als in deinen Kopf, deine Ohren, deine Gunst. Moderiert von beliebten Slam-Moderator*innen, präsentiert von »Kampf der Künste«. Sie treffen aufeinander im härtesten Wettstreit dieser Nacht in einer fulminanten Dichterschlacht. Und so bleibt, was hinter jedem guten Wettstreit steht – es geht niemals nur ums Siegen, es geht um den Moment, um ein Gefühl, das jeden Slam eint: ein Teil der Magie zu sein, die aus Geschichten entsteht, ein Teil der Welle zu werden, die dieser Abend in sich trägt.

Bereits in ihrem ersten Roman „Aufstand der Fischer von St. Barbara“ stellt Anna Seghers die für ihr ganzes Schreiben charakteristische Frage nach der Kraft der Schwachen: Ein Fischerdorf kämpft im Streik für bessere Arbeitsbedingungen. Während sich die Bewohner im Aufstand anfangs miteinander solidarisieren, reißen am Ende alle sozialen Bande. Im Dorf herrschen elendere Bedingungen als zuvor. Als Erwin Piscator den Roman 1934 für sein Spielfilmdebüt wählt, schreibt er ihn zu einer Geschichte über nicht enden wollenden Kampfgeist und den letztlichen Erfolg des Aufstands der Fischer um.

Ausgehend von diesem Stoff führt die Autorin und Regisseurin Milena Michalek Gespräche mit Cottbuser*innen und dem Ensemble über Streik und Streit, über Trotz und Trauer, über Sehnsüchte und Bedürfnisse. Aus diesen Gesprächen und Gedanken wird ein Theaterstück entstehen, das Seghers‘ soziale Fragen nach Perspektiven und Orientierung auf das unruhige Heute überträgt und Trost zu spenden vermag.

Was wir von Liebe wissen, hat uns Shakespeare längst gesagt. So lehrt er auch: „Wahre Liebe läuft nie glatt.“ Zur Befeuerung derselben und auch zum Trost gibt es aber Töne, gibt es Musik. Auch das ist ein Rat des Altmeisters: „Wenn die Musik der Liebe Nahrung ist, spielt weiter!“ Wen wundert es also, wenn sich über die Zeiten Komponist*innen immer wieder Texte des großen englischen Dichters vorgenommen haben, um in Tönen über das Menschsein nachzudenken mit allen seinen Abgründen: mit seiner Fähigkeit zu lieben und zu hassen, mit seinen verstrickten Abhängigkeiten und seinem Schwanken zwischen Wahnsinn und Sinneslust. Isabelle Osenau und Amadeus Gollner interpretieren in dieser Ausgabe der Literaturkonzert-Reihe Lieder und Texte nach William Shakespeare und tauchen damit ein in das unendliche Universum zwischenmenschlicher Beziehungen.

Isabelle Osenau (Gesang)
Amadeus Gollner (Lesung)
Frank Bernard (Klavier)

Sie sind eines der berühmtesten Liebespaare der Welt: Tristan und Isolde, Protagonisten einer bedingungslosen, alle sozialen und psychischen Grenzen überflutenden Liebe, die sich letztlich nur in einem transzendenten Raum verwirklichen kann. „In des Weltatems wehendem All“ versinken die Liebenden in einer unbewussten, niemals endenden „höchsten Lust“. Richard Wagner sagte, er wolle mit TRISTAN UND ISOLDE der Liebe, „dem schönsten aller Träume ein Denkmal setzen“, und schuf seine vielleicht radikalste, aber auch sinnlichste Partitur. Mit dieser Oper aller Opern begeben sich Intendant Stephan Märki und der Bühnenbildner Philipp Fürhofer auf die Suche nach der Unendlichkeit und wagen einen utopischen Blick auf das Neue. Durch Raum und Zeit geht die Reise der Liebenden Tristan und Isolde, eine Reise ins Innerste der Gefühle und an die äußersten Grenzen der menschlichen Existenz.

HINWEIS: Die Veranstaltung ist nicht barrierefrei.

Hinter den Kulissen des Staatstheaters wird ALLES lebendig. Der Text von Alistair McDowall ist in der Deutschsprachigen Erstaufführung in Cottbus die Grundlage, um Backstage im Großen Haus das Leben einer Frau buchstäblich zu durchschreiten.

Mit ALLES schreibt Alistair McDowall einen Monolog, der den Weg einer Protagonistin von der Wiege bis zur Bahre im Schnelldurchlauf erzählt. Unmittelbar und pur stellt er die innere Sprache einer Frau in den Mittelpunkt: Die ersten Babylaute, bis sich aus Gebrabbel Sätze bilden und aus krabbeln Gehversuche werden, die schrittweise Entdeckung der Welt, das Staunen, Lernen und Begreifen. Es folgt die Pubertät, die erste Liebe, der erste Sex, dann das Studium, der Berufseinstieg und das tägliche Pendeln ins Büro bis zur Rente. Es wird geheiratet und ein Kind geboren, geschieden und verabschiedet – zwischen alldem Bücher, Filme und Songs, Urlaube und Alltagstrott, Karrierepläne und Enttäuschungen, Hoffnungen und Krankheiten. Und schließlich: Das allmähliche Verschwinden. Und am Schluss ist da dasselbe Rauschen wie am Anfang, nun nicht mehr verheißungsvoll, dafür reicher an Erfahrung.

Durch das Große Haus spazierend, sich kämpfend, wandernd, entdeckend, wird die Lebensgeschichte einer Frau lebendig, die von vier Schauspielerinnen verkörpert wird. Hierin steckt „Alles“, was das Leben ausmachen kann. Die Geschichte bleibt dabei subjektiv und verweist dennoch über sich hinaus auf die Allgemeingültigkeiten, die das Leben ausmachen. Von der Geburt bis zum Tod, von der Kantine bis zur großen Bühne – das Theater macht, mit den Mitteln des Theaters und an allen Orten des Theaters, die Stationen und Bögen eines Lebens erfahrbar.

Nachdenklicher Melancholiker, intellektueller Schwärmer, Prinz von Dänemark – Shakespeares Hamlet ist weltberühmt. Der junge Mann, der sich in seinen Monologen mit sich selbst, seinen Ängsten und seiner Unfähigkeit zur Tat auseinandersetzt, gilt als größter Zweifler der Literatur.

Die über 400-jährige Aufführungsgeschichte und zahlreiche Verfilmungen zeugen davon, dass jede Generation ihren eigenen Zugang zu dem Stoff findet. Armin Petras erzählt die Geschichte um den plötzlichen Wechsel von Machtverhältnissen auf der Blaupause der deutschen Wendejahre. Hier zeigt sich, wer sich mit den abrupten Umstrukturierungen zufriedengibt, wer das eigene Lebensglück in den Vordergrund stellt und wie Hamlet im Spiegel der Ungerechtigkeiten dem Wahnsinn verfällt.

Die britische Anarcho-Opern-Straßen-Band „The Tiger Lillies“ hat Shakespeares Drama 2012 zur Grundlage für ihr Konzeptalbum „Hamlet“ gemacht. In 19 Songs wird die Geschichte des dänischen Prinzen gewohnt exzentrisch, schräg und humorvoll erzählt. Nach der TWO PENNY OPERA ist HAMLET der zweite „The Tiger Lillies“-Abend am Staatstheater Cottbus, in dem Regieteam und Schauspielensemble mit Tanz, Gesang, Musik und spektakulärer Ausstattung fulminante Unterhaltung mit Niveau auf die Bühne bringen.

Um seine Geliebte Marie und ihr gemeinsames uneheliches Kind über Wasser zu halten, verdingt sich der einfache Soldat Woyzeck zusätzlich als Diener seines Hauptmanns und als medizinischer Proband. Dem Sadismus des Arztes und der Willkür des Hauptmanns ausgeliefert, erfährt Woyzeck Demütigungen, Diffamierungen und Ohnmacht. Als Woyzeck schließlich von Maries Liaison mit dem Tambourmajor erfährt, wendet er seine Verzweiflung in Gewalt.

Als Dichter des Vormärz, der Zeit vor den bürgerlichen Revolutionen des 19. Jahrhunderts, ist Georg Büchner exemplarischer Vertreter der „engagierten Literatur“ und zugleich Protokollant der gesellschaftlichen Umbrüche. Lange vor Gerhart Hauptmann, Arthur Schnitzler und Siegmund Freud lässt er seinen Franz Woyzeck fragen, „was das ist in uns, das stiehlt, hurt und mordet“. Das Elend der Ohnmacht über die eigene Lage lässt sich kaum klarer und verzweifelter zum Ausdruck bringen.

WOYZECK ist die erste Arbeit der Regisseurin Anna Frick für das Staatstheater Cottbus. Die Inszenierungen der Preisträgerin des Körber-Studios für junge Regie 2016 sind bekannt für ihre fließenden Übergänge zwischen Sprechtheater, Performance, Tanz und Musik. In ihrer Inszenierung in der Kammerbühne konzentriert sie sich auf Woyzecks von Zwängen beherrschte Gefühlslage, seine inneren Stimmen und sein Gehetztsein durch eine Welt, die kein Erbarmen kennt.

Ob Klassik oder Romantik, Sonatenhauptsatzform oder Variation: Wer seine Lieblingsstücke schon immer genauer kennenlernen wollte, bekommt in dieser Reihe die Gelegenheit zu einer besonderen Werkschau mit GMD Alexander Merzyn.

Gemeinsam mit dem Philharmonischen Orchester entführt er in diesem Konzert in die Geheimnisse von Franz Schuberts letzter SINFONIE NR. 9, die als „Die Große“ berühmt wurde. „Groß“ ist hier alles: der strahlende und majestätische Tonfall, die Besetzung des Orchesters sowie die monumentalen Dimensionen der einzelnen Sätze. Ein mitreißendes Werk, das sich neben Beethoven mehr als behaupten kann. Alexander Merzyn erzählt spannende Entstehungsgeschichten und historisch bedeutende Interpretationen, führt musikalische Zitate, Motive und Themen vor, und dirigiert das Werk schließlich in Gänze. Interessierte Klassik-Neulinge kommen dabei ebenso auf ihre Kosten wie passionierte Konzertbesucher*innen. Die einen erhalten einen leichten und lustmachenden Einstieg in die spannende Welt der Orchestermusik, den anderen öffnen sich ganz neue Perspektiven und Klangeindrücke jenseits bekannter Pfade.

Franz Schubert – Sinfonie Nr. 9 C-Dur „Die Große“ D 944

Dirigent und Moderator: GMD Alexander Merzyn
Es spielt das Philharmonische Orchester.

Auf einem Schulausflug geschieht ein Mord. Ein Schüler gesteht, doch scheint er nicht der wahre Täter zu sein. Die Lehrkraft versucht, zwischen Verdächtigungen, Intrige und Hass die Wahrheit aufzudecken. Doch bringen sie die Auseinandersetzung mit der Schülerschaft, deren Machenschaften und nicht zuletzt deren Elternhäuser selbst an die Grenzen von Recht und Gewissen. Im Ringen um die Wahrheit wird der Täter schließlich zu sehr in die Enge getrieben.

In JUGEND OHNE GOTT, 1937 als Roman erschienen, schildert Ödön von Horváth das Aufkommen totalitärer Tendenzen in der bürgerlichen Gesellschaft. Damit geriet er ins Fadenkreuz der Gestapo, die ein Jahr nach Erscheinen das Verbot des Romans veranlasste. Erst in den 1960er-Jahren konnte sich „Jugend ohne Gott“ als Klassiker der Moderne etablieren. Heute scheint seine aufrüttelnde Warnung vor einer emotional vernachlässigten Jugend und ihrer Verführbarkeit zu Gewalt und autoritärer Gesinnung wieder von erschreckender Aktualität.

Wie in einem Thriller entwirft Janis Knorr mit JUGEND OHNE GOTT ein Gesellschaftsporträt um eine Lehrkraft und ihre Klasse, die scheinbar ihren moralischen Kompass verloren hat. Dabei seziert er die Gefühlswelten der Generationen und legt die Psychologie von Manipulation und Lüge im Kontext gesellschaftlicher Zwänge frei.

Text von Friedrich Kind

Carl Maria von Webers romantische Oper ist eines der beliebtesten Werke des Repertoires. Dem volkstümlichen Idyll einer biedermeierlichen Dorfgemeinschaft steht eine abgründige Geisterwelt gegenüber, gipfelnd in den schauerromantischen Fieberkurven der berühmten Wolfsschlucht-Szene. Der Jägerbursche Max verschreibt sich dunklen Mächten, um beim Probeschießen zu bestehen und Agathe als Braut zu gewinnen. Versagensängste treiben ihn in die Hände des zwielichtigen Kaspar, der Max dazu verleitet, heimlich magische Freikugeln zu gießen, die ihm den Sieg sichern sollen: Sechse treffen, doch die siebte Kugel leitet der Teufel nach seinem Willen.

Tomo Sugao inszeniert die zeitlose Handlung als Geschichte junger Menschen auf dem Sprung ins Erwachsenenleben, die Auswege suchen aus einer von Erfolgszwang, Gruppendruck, rigiden Regeln und einer repressiven Frömmigkeit zusammengehaltenen Gemeinschaft.

Der Regisseur, Drehbuchautor und Schauspieler Eberhard Weißbarth plaudert amüsant und wahrheitsgetreu über seine Begegnung mit der Schauspielerin Hildegard Knef, die er während der Dreharbeiten für den ARD-Dokumentarfilm „Hildegard Knef – zwischen gestern und heute“ erleben durfte. Er begleitete dabei die charmante Diva exklusiv mit einem Kamerateam auf den Spuren ihrer Kindheit, aber auch zu verschiedenen Stationen ihres Lebens und ihrer Karriere. Die Dreharbeiten, die zum 65. Geburtstag Hildegard Knefs stattfanden, führten sie u. a. zum Original-Atelier des Nachkriegsfilms „Die Mörder sind unter uns“ in Babelsberg und zur Berliner Philharmonie, wo sie ihre ersten dortigen Erfolge als Sängerin feiern konnte. Eberhard Weißbarth, der noch heute ein glühender Verehrer der Knef ist, schrieb über die Dreharbeiten mit der Ausnahmekünstlerin das Buch nach dem gleichnamigen Film und sprach das zugehörige Hörbuch zusammen mit ihr ein. Die Lesung ist untermalt von Originalliedern.

Neukomposition von The McDaniel Brothers für das Staatstheater Cottbus

Das Schauermärchen von E.T.A. Hoffmann erzählt von dem Studenten Nathanael, den ein schweres Trauma seiner Kindheit heimsucht. Eine Reihe merkwürdiger Geschehnisse ereignet sich, sie scheinen mit dem Tod von Nathanaels Vater zu tun zu haben. Der Sandmann tritt, mal als Dämon, mal als Erfindung von Nathanaels kindlichem Ich auf. Nathanael scheint dem Wahn zu verfallen, verliebt sich in eine Puppe und endet schließlich im tragischen Selbstmord.

E.T.A. Hoffmann gilt als einer der bedeutendsten Vertreter der deutschen Romantik. Vor allem durch seine mystisch-schaurigen Erzählungen, von denen DER SANDMANN als die wohl bekannteste gilt, erlangte er Mitte des 19. Jahrhunderts posthum Weltruhm. In Cottbus vereint die Bühnenadaption des US-amerikanischen Komponisten-Duos The McDaniel Brothers, der Choreografin Alessia Ruffolo und Co-Schauspieldirektor Philipp Rosendahl die Mittel von Schauspiel, Musik und Tanz miteinander. Auf den Spuren des Unbewussten werden in dieser Neukreation die Grenzen des Sag-, Spür- und Darstellbaren in traumhaft-verästelten Bildern ausgelotet.

Diese Arbeit entsteht als spartenübergreifendes Projekt zwischen Schauspiel und Ballett sowie Cottbuser Musiker*innen.

Libretto von Giuseppe Giacosa und Luigi Illica
Aufführung in italienischer Sprache mit deutschen Übertiteln

In unfreien Zeiten kann sich niemand hinter seiner Kunst verstecken, nicht der Maler Mario Cavaradossi und nicht seine Geliebte, die Sängerin Floria Tosca. Vor dem Hintergrund des Konflikts zwischen Napoleons Revolutionsheer und den habsburgisch-päpstlichen Truppen im Jahr 1800 entspinnt sich die Handlung der Oper innerhalb von nur 24 Stunden. Nach dem Sturz der römischen Republik hat Polizeichef Scarpia ein Terrorregime errichtet, das jede freiheitliche Regung im Keim erstickt. Die von allen verehrte Diva, die nur für die Kunst und die Liebe leben wollte, gerät ins Machtgetriebe des korrupten politischen Systems, nachdem ihr Geliebter in die Hände Scarpias fällt, weil er einem politisch Verfolgten Schutz gewährt hat. Scarpia verknüpft seine politischen Machtinteressen mit einer Obsession für Tosca und spinnt eine tödliche Intrige. Puccinis Opernkrimi über Verführung, Verleumdung und die Rolle der Kunst in totalitären Regimen zählt zu den beliebtesten Opern des Repertoires.

Mit „Folter und Tod, Glocken und Kanonen“ wollte Puccini das Publikum erklärtermaßen aufschrecken und schuf mit TOSCA sein politischstes und dramatischstes Werk. Die atemlos vorangetriebene Handlung entführt den Zuhörer musikalisch in ein überwältigendes Panorama der Ewigen Stadt, in dem sich Puccini zugleich auch als Meister melodischer Verführungskunst und Süße erweist.

Hausregisseur und Co-Schauspieldirektor Armin Petras inszeniert diesen Meilenstein der Operngeschichte als hoch aktuellen Polit-Thriller über das Verhältnis von Kunst und Macht.

Bereits in ihrem ersten Roman „Aufstand der Fischer von St. Barbara“ stellt Anna Seghers die für ihr ganzes Schreiben charakteristische Frage nach der Kraft der Schwachen: Ein Fischerdorf kämpft im Streik für bessere Arbeitsbedingungen. Während sich die Bewohner im Aufstand anfangs miteinander solidarisieren, reißen am Ende alle sozialen Bande. Im Dorf herrschen elendere Bedingungen als zuvor. Als Erwin Piscator den Roman 1934 für sein Spielfilmdebüt wählt, schreibt er ihn zu einer Geschichte über nicht enden wollenden Kampfgeist und den letztlichen Erfolg des Aufstands der Fischer um.

Ausgehend von diesem Stoff führt die Autorin und Regisseurin Milena Michalek Gespräche mit Cottbuser*innen und dem Ensemble über Streik und Streit, über Trotz und Trauer, über Sehnsüchte und Bedürfnisse. Aus diesen Gesprächen und Gedanken wird ein Theaterstück entstehen, das Seghers‘ soziale Fragen nach Perspektiven und Orientierung auf das unruhige Heute überträgt und Trost zu spenden vermag.

Angesichts der Nachrichten aus Welt und Politik könnte man verzweifeln, man könnte sich ärgern oder wütend werden. Man kann daraus aber auch Theater machen. Autor und Regisseur Dominik Wilgenbus bringt in seiner Revue die schrillsten und unglaubwürdigsten Charaktere auf die Bretter, die die Welt bedeuten. Ähnlichkeiten mit realen Personen sind dabei natürlich nie rein zufällig.

In einer neuen Form des althergebrachten Mysterienspiels betreten allegorische Figuren die Bühne, jede ein Sinnbild für menschliche Schwächen und Sehnsüchte. Die Torheit stimmt stolz ihr eigenes Loblied an, während Habgier und Egoismus ihre fragwürdigen Vorzüge ins Rampenlicht rücken. Doch wem glauben wir? Wer kann uns wirklich ein "schöneres Land" versprechen? Mit einer überdrehten Mischung aus Realem und Groteskem wird unsere Zeit scharfzüngig hinterfragt. Visionen und Schreckensbilder tauchen auf, nur um am Ende am liebsten gemeinsam „weggelacht“ zu werden. Ein Abend voll Witz, Tiefgang und musikalischem Zauber!

Einen Ausflug auf das Land und in die Natur unternehmen – das ist nicht nur für die Stadtmenschen von heute eine willkommene Abwechslung. Auch Ludwig van Beethoven liebte ausgedehnte Spaziergänge in der Natur. Seine „6. Sinfonie" lässt uns erahnen, welche Empfindungen und Erlebnisse er damit verband. Weit weg von der Hektik der Stadt scheint die Zeit still zu stehen, in der Ferne ist ein murmelnder Bach oder Vogelgesang zu hören, bevor ein Gewitter losbricht. Das Philharmonische Orchester des Staatstheater Cottbus und KiKA-Moderator Juri Tetzlaff laden ein zu einem spannenden Ausflug mit den Ohren. So klingt der Frühling!

Ludwig van Beethoven – Sinfonie Nr. 6 „Pastorale“

Moderation: Juri Tetzlaff
Hummel Mats (Martin Eitner)
Philharmonisches Orchester
Dirigent: Gyuseong Lee

1974 hinterlässt Brigitte Reimann mit FRANZISKA LINKERHAND ihren unvollendeten Kultroman, als Literatur gewordene Sehnsucht eines Menschen nach einem glücklichen Leben. Franziska Linkerhand ist Stadtplanerin, Liebende, Visionärin und das Alter Ego ihrer Autorin Brigitte Reimann. Die Titelfigur möchte – mal enthusiastisch, mal hochmütig, mal manisch – ihre Ideale von einem glücklichen Leben und menschenwürdigem Städtebau verwirklichen. Doch bleibt dies nicht ohne Konflikte mit bestehenden Strukturen und Ideologien. Auf den Status Quo, mit all seinen Berufen, Männern, Städten und Familien, schaut sie mit dem Blick einer Frau, die von all dem nichts Geringeres fordert als alles Glück dieser Erde. FRANZISKA LINKERHAND erzählt von Verlusten und Utopien und stellt die Frage nach der Welt, in der wir leben wollen.

Musik und Gesangstexte von Stephen Sondheim
Buch von Hugh Wheeler nach dem gleichnamigen Stück von Christopher Bond
Orchestrierung von Jonathan Tunick
Deutsche Fassung von Wilfried Steiner und Roman Hinze (2019)

„Okay, lasst sie uns das Gruseln lehren!“, rief Stephen Sondheim aus, als er sich mit SWEENEY TODD eine Schauergeschichte vornahm, die in England schon lange zuvor weit bekannt war. Er entwickelt die Geschichte, mit spannungsgeladener Handlung und Figuren, deren Überzeichnung zwischen Monstrosität, Skurrilität und Tragik changieren, in bester Horrorfilm-Manier. Unter dem Namen Sweeney Todd kehrt Benjamin Baker nach langer Zeit der Strafversetzung zurück in seine Heimatstadt London, wo er noch eine Rechnung mit dem korrupten Richter Turpin offen hat. Dieser hatte nicht nur für seine Verbannung gesorgt, sondern ihm auch seine Frau und seine Tochter entrissen.

Sweeney Todd eröffnet seinen alten Friseur-Salon wieder und tut sich mit der geschäftstüchtigen Pasteten-Bäckerin Mrs. Lovett zusammen, die für leibliches Wohl sorgt, während Sweeney seinen Racheplan in die Tat umsetzt. Immer rücksichtloser, immer fanatischer wird sein Treiben und schließlich droht dabei ein junger Bursche wortwörtlich zwischen die Räder zu kommen und ein junges Liebespaar um sein Glück.

Aufführung in deutscher Sprache mit englischen Übertiteln

ROMEO UND JULIA ist eines der bekanntesten Werke von William Shakespeare. Ein uralter Zwist zweier Häuser, dessen Ursprung niemand mehr zu kennen scheint. Das Blutvergießen kostete bereits zu viele Opfer und manifestiert das Feindbild der Rivalen. Dazwischen stehen zwei junge Menschen, die all dem mit ihrer Liebe zu trotzen versuchen. Auf einem Fest im Hause Capulet trifft Romeo, von den verfeindeten Montagues, auf Julia. Beide verlieben sich sofort, eine heimliche Hochzeit folgt. Im Kampf der beiden Häuser tötet Romeo Tybalt, den Cousin Julias, und wird aus Verona verbannt. Unterdessen pochen die Capulets auf die Vermählung zwischen Julia und dem Grafen von Paris. Um der Eheschließung zu entgehen, nimmt Julia einen Trank zu sich, der sie für Tage in einen todesähnlichen Schlaf versetzt. Romeo kommt zu spät. Wie tot liegt Julia vor ihm und aus Verzweiflung trinkt er, nichts ahnend von ihrem Plan, Gift. Als sie wenig später erwacht und den toten Romeo sieht, ersticht sie sich aus Unglück mit seinem Dolch. Der Versuch, die wahre Liebe zu leben, könnte nicht tragischer enden. Die Familien versöhnen sich schlussendlich am Grab der beiden Unglücklichen.

Die bedingungslose Bereitschaft Romeos und Julias, für die Liebe und füreinander alles zu opfern sowie ihre Liebe zur einzigen Priorität ihres Lebens zu erklären, ist der Versuch, an dem die beiden scheitern – gegen die Enge der gesellschaftlichen Konvention, gegen die Angst, nur ihren Herzen und der Stimme der Freiheit gehorchend. Und so ist diese große Liebe, die trotz aller Tragik stärker ist als die Gewalt, ein Symbol der Hoffnung.

Wien: Das sind Beiseln, Bars und bissiger, schwarzer Humor. Auf dem Ring flaniert man an Hofoper, Justizpalast und Burgtheater vorbei, verweilt für einen Augenblick vor der imposanten Hofburg oder grüßt das Standbild von Maria Theresia. Die Luft ist lau, die Straßenbahn rattert fröhlich in ihren Schienen und überall weht einem eine leise, melancholisch-frohe Musik um die Ohren. In einem der vielen Kaffeehäuser lässt man sich zu den Klängen eines Pianos für eine Zigarettenlänge nieder, um nicht bloß den Melodien, sondern vor allem dem neuesten Klatsch und Tratsch zu lauschen. Danach geht’s zum Spazieren den Donaukanal entlang, wo man beim Taubenvergiften den reizendsten Wiener Maderln begegnet. Abends darf es dann gern ein bisschen Kino sein.

Dieser musikalische Abend in der Theaterscheune nimmt das Publikum mit in die schöne Donaumetropole. Mit Wiener Schlagern, Filmen und Geschichten stürzen sich Frank Bernard und Heiko Walter mitten hinein ins wilde Wiener Leben, spüren dem echten habsburgischen Flair nach und weben mit leichter Hand die alten und die neuen Zeiten ineinander. Da fühlt man sich fast, als sei man selbst vor Ort. Wenn es schließlich hinaus nach Grinzing zum berühmten Heurigen in die weinselige Sommerfrische geht, bestellt man dann gern noch ein zweites oder drittes Glas …