Bereits in ihrem ersten Roman „Aufstand der Fischer von St. Barbara“ stellt Anna Seghers die für ihr ganzes Schreiben charakteristische Frage nach der Kraft der Schwachen: Ein Fischerdorf kämpft im Streik für bessere Arbeitsbedingungen. Während sich die Bewohner im Aufstand anfangs miteinander solidarisieren, reißen am Ende alle sozialen Bande. Im Dorf herrschen elendere Bedingungen als zuvor. Als Erwin Piscator den Roman 1934 für sein Spielfilmdebüt wählt, schreibt er ihn zu einer Geschichte über nicht enden wollenden Kampfgeist und den letztlichen Erfolg des Aufstands der Fischer um.

Ausgehend von diesem Stoff führt die Autorin und Regisseurin Milena Michalek Gespräche mit Cottbuser*innen und dem Ensemble über Streik und Streit, über Trotz und Trauer, über Sehnsüchte und Bedürfnisse. Aus diesen Gesprächen und Gedanken wird ein Theaterstück entstehen, das Seghers‘ soziale Fragen nach Perspektiven und Orientierung auf das unruhige Heute überträgt und Trost zu spenden vermag.

Libretto von Giuseppe Giacosa und Luigi Illica
Aufführung in italienischer Sprache mit deutschen Übertiteln

In unfreien Zeiten kann sich niemand hinter seiner Kunst verstecken, nicht der Maler Mario Cavaradossi und nicht seine Geliebte, die Sängerin Floria Tosca. Vor dem Hintergrund des Konflikts zwischen Napoleons Revolutionsheer und den habsburgisch-päpstlichen Truppen im Jahr 1800 entspinnt sich die Handlung der Oper innerhalb von nur 24 Stunden. Nach dem Sturz der römischen Republik hat Polizeichef Scarpia ein Terrorregime errichtet, das jede freiheitliche Regung im Keim erstickt. Die von allen verehrte Diva, die nur für die Kunst und die Liebe leben wollte, gerät ins Machtgetriebe des korrupten politischen Systems, nachdem ihr Geliebter in die Hände Scarpias fällt, weil er einem politisch Verfolgten Schutz gewährt hat. Scarpia verknüpft seine politischen Machtinteressen mit einer Obsession für Tosca und spinnt eine tödliche Intrige. Puccinis Opernkrimi über Verführung, Verleumdung und die Rolle der Kunst in totalitären Regimen zählt zu den beliebtesten Opern des Repertoires.

Mit „Folter und Tod, Glocken und Kanonen“ wollte Puccini das Publikum erklärtermaßen aufschrecken und schuf mit TOSCA sein politischstes und dramatischstes Werk. Die atemlos vorangetriebene Handlung entführt den Zuhörer musikalisch in ein überwältigendes Panorama der Ewigen Stadt, in dem sich Puccini zugleich auch als Meister melodischer Verführungskunst und Süße erweist.

Hausregisseur und Co-Schauspieldirektor Armin Petras inszeniert diesen Meilenstein der Operngeschichte als hoch aktuellen Polit-Thriller über das Verhältnis von Kunst und Macht.

Angesichts der Nachrichten aus Welt und Politik könnte man verzweifeln, man könnte sich ärgern oder wütend werden. Man kann daraus aber auch Theater machen. Autor und Regisseur Dominik Wilgenbus bringt in seiner Revue die schrillsten und unglaubwürdigsten Charaktere auf die Bretter, die die Welt bedeuten. Ähnlichkeiten mit realen Personen sind dabei natürlich nie rein zufällig.

In einer neuen Form des althergebrachten Mysterienspiels betreten allegorische Figuren die Bühne, jede ein Sinnbild für menschliche Schwächen und Sehnsüchte. Die Torheit stimmt stolz ihr eigenes Loblied an, während Habgier und Egoismus ihre fragwürdigen Vorzüge ins Rampenlicht rücken. Doch wem glauben wir? Wer kann uns wirklich ein "schöneres Land" versprechen? Mit einer überdrehten Mischung aus Realem und Groteskem wird unsere Zeit scharfzüngig hinterfragt. Visionen und Schreckensbilder tauchen auf, nur um am Ende am liebsten gemeinsam „weggelacht“ zu werden. Ein Abend voll Witz, Tiefgang und musikalischem Zauber!

Angesichts der Nachrichten aus Welt und Politik könnte man verzweifeln, man könnte sich ärgern oder wütend werden. Man kann daraus aber auch Theater machen. Autor und Regisseur Dominik Wilgenbus bringt in seiner Revue die schrillsten und unglaubwürdigsten Charaktere auf die Bretter, die die Welt bedeuten. Ähnlichkeiten mit realen Personen sind dabei natürlich nie rein zufällig.

In einer neuen Form des althergebrachten Mysterienspiels betreten allegorische Figuren die Bühne, jede ein Sinnbild für menschliche Schwächen und Sehnsüchte. Die Torheit stimmt stolz ihr eigenes Loblied an, während Habgier und Egoismus ihre fragwürdigen Vorzüge ins Rampenlicht rücken. Doch wem glauben wir? Wer kann uns wirklich ein "schöneres Land" versprechen? Mit einer überdrehten Mischung aus Realem und Groteskem wird unsere Zeit scharfzüngig hinterfragt. Visionen und Schreckensbilder tauchen auf, nur um am Ende am liebsten gemeinsam „weggelacht“ zu werden. Ein Abend voll Witz, Tiefgang und musikalischem Zauber!

1974 hinterlässt Brigitte Reimann mit FRANZISKA LINKERHAND ihren unvollendeten Kultroman, als Literatur gewordene Sehnsucht eines Menschen nach einem glücklichen Leben. Franziska Linkerhand ist Stadtplanerin, Liebende, Visionärin und das Alter Ego ihrer Autorin Brigitte Reimann. Die Titelfigur möchte – mal enthusiastisch, mal hochmütig, mal manisch – ihre Ideale von einem glücklichen Leben und menschenwürdigem Städtebau verwirklichen. Doch bleibt dies nicht ohne Konflikte mit bestehenden Strukturen und Ideologien. Auf den Status Quo, mit all seinen Berufen, Männern, Städten und Familien, schaut sie mit dem Blick einer Frau, die von all dem nichts Geringeres fordert als alles Glück dieser Erde. FRANZISKA LINKERHAND erzählt von Verlusten und Utopien und stellt die Frage nach der Welt, in der wir leben wollen.

1974 hinterlässt Brigitte Reimann mit FRANZISKA LINKERHAND ihren unvollendeten Kultroman, als Literatur gewordene Sehnsucht eines Menschen nach einem glücklichen Leben. Franziska Linkerhand ist Stadtplanerin, Liebende, Visionärin und das Alter Ego ihrer Autorin Brigitte Reimann. Die Titelfigur möchte – mal enthusiastisch, mal hochmütig, mal manisch – ihre Ideale von einem glücklichen Leben und menschenwürdigem Städtebau verwirklichen. Doch bleibt dies nicht ohne Konflikte mit bestehenden Strukturen und Ideologien. Auf den Status Quo, mit all seinen Berufen, Männern, Städten und Familien, schaut sie mit dem Blick einer Frau, die von all dem nichts Geringeres fordert als alles Glück dieser Erde. FRANZISKA LINKERHAND erzählt von Verlusten und Utopien und stellt die Frage nach der Welt, in der wir leben wollen.

Einen Ausflug auf das Land und in die Natur unternehmen – das ist nicht nur für die Stadtmenschen von heute eine willkommene Abwechslung. Auch Ludwig van Beethoven liebte ausgedehnte Spaziergänge in der Natur. Seine „6. Sinfonie" lässt uns erahnen, welche Empfindungen und Erlebnisse er damit verband. Weit weg von der Hektik der Stadt scheint die Zeit still zu stehen, in der Ferne ist ein murmelnder Bach oder Vogelgesang zu hören, bevor ein Gewitter losbricht. Das Philharmonische Orchester des Staatstheater Cottbus und KiKA-Moderator Juri Tetzlaff laden ein zu einem spannenden Ausflug mit den Ohren. So klingt der Frühling!

Ludwig van Beethoven – Sinfonie Nr. 6 „Pastorale“

Moderation: Juri Tetzlaff
Hummel Mats (Martin Eitner)
Philharmonisches Orchester
Dirigent: Gyuseong Lee

1974 hinterlässt Brigitte Reimann mit FRANZISKA LINKERHAND ihren unvollendeten Kultroman, als Literatur gewordene Sehnsucht eines Menschen nach einem glücklichen Leben. Franziska Linkerhand ist Stadtplanerin, Liebende, Visionärin und das Alter Ego ihrer Autorin Brigitte Reimann. Die Titelfigur möchte – mal enthusiastisch, mal hochmütig, mal manisch – ihre Ideale von einem glücklichen Leben und menschenwürdigem Städtebau verwirklichen. Doch bleibt dies nicht ohne Konflikte mit bestehenden Strukturen und Ideologien. Auf den Status Quo, mit all seinen Berufen, Männern, Städten und Familien, schaut sie mit dem Blick einer Frau, die von all dem nichts Geringeres fordert als alles Glück dieser Erde. FRANZISKA LINKERHAND erzählt von Verlusten und Utopien und stellt die Frage nach der Welt, in der wir leben wollen.

Musik und Gesangstexte von Stephen Sondheim
Buch von Hugh Wheeler nach dem gleichnamigen Stück von Christopher Bond
Orchestrierung von Jonathan Tunick
Deutsche Fassung von Wilfried Steiner und Roman Hinze (2019)

„Okay, lasst sie uns das Gruseln lehren!“, rief Stephen Sondheim aus, als er sich mit SWEENEY TODD eine Schauergeschichte vornahm, die in England schon lange zuvor weit bekannt war. Er entwickelt die Geschichte, mit spannungsgeladener Handlung und Figuren, deren Überzeichnung zwischen Monstrosität, Skurrilität und Tragik changieren, in bester Horrorfilm-Manier. Unter dem Namen Sweeney Todd kehrt Benjamin Baker nach langer Zeit der Strafversetzung zurück in seine Heimatstadt London, wo er noch eine Rechnung mit dem korrupten Richter Turpin offen hat. Dieser hatte nicht nur für seine Verbannung gesorgt, sondern ihm auch seine Frau und seine Tochter entrissen.

Sweeney Todd eröffnet seinen alten Friseur-Salon wieder und tut sich mit der geschäftstüchtigen Pasteten-Bäckerin Mrs. Lovett zusammen, die für leibliches Wohl sorgt, während Sweeney seinen Racheplan in die Tat umsetzt. Immer rücksichtloser, immer fanatischer wird sein Treiben und schließlich droht dabei ein junger Bursche wortwörtlich zwischen die Räder zu kommen und ein junges Liebespaar um sein Glück.

Aufführung in deutscher Sprache mit englischen Übertiteln

ROMEO UND JULIA ist eines der bekanntesten Werke von William Shakespeare. Ein uralter Zwist zweier Häuser, dessen Ursprung niemand mehr zu kennen scheint. Das Blutvergießen kostete bereits zu viele Opfer und manifestiert das Feindbild der Rivalen. Dazwischen stehen zwei junge Menschen, die all dem mit ihrer Liebe zu trotzen versuchen. Auf einem Fest im Hause Capulet trifft Romeo, von den verfeindeten Montagues, auf Julia. Beide verlieben sich sofort, eine heimliche Hochzeit folgt. Im Kampf der beiden Häuser tötet Romeo Tybalt, den Cousin Julias, und wird aus Verona verbannt. Unterdessen pochen die Capulets auf die Vermählung zwischen Julia und dem Grafen von Paris. Um der Eheschließung zu entgehen, nimmt Julia einen Trank zu sich, der sie für Tage in einen todesähnlichen Schlaf versetzt. Romeo kommt zu spät. Wie tot liegt Julia vor ihm und aus Verzweiflung trinkt er, nichts ahnend von ihrem Plan, Gift. Als sie wenig später erwacht und den toten Romeo sieht, ersticht sie sich aus Unglück mit seinem Dolch. Der Versuch, die wahre Liebe zu leben, könnte nicht tragischer enden. Die Familien versöhnen sich schlussendlich am Grab der beiden Unglücklichen.

Die bedingungslose Bereitschaft Romeos und Julias, für die Liebe und füreinander alles zu opfern sowie ihre Liebe zur einzigen Priorität ihres Lebens zu erklären, ist der Versuch, an dem die beiden scheitern – gegen die Enge der gesellschaftlichen Konvention, gegen die Angst, nur ihren Herzen und der Stimme der Freiheit gehorchend. Und so ist diese große Liebe, die trotz aller Tragik stärker ist als die Gewalt, ein Symbol der Hoffnung.

Wien: Das sind Beiseln, Bars und bissiger, schwarzer Humor. Auf dem Ring flaniert man an Hofoper, Justizpalast und Burgtheater vorbei, verweilt für einen Augenblick vor der imposanten Hofburg oder grüßt das Standbild von Maria Theresia. Die Luft ist lau, die Straßenbahn rattert fröhlich in ihren Schienen und überall weht einem eine leise, melancholisch-frohe Musik um die Ohren. In einem der vielen Kaffeehäuser lässt man sich zu den Klängen eines Pianos für eine Zigarettenlänge nieder, um nicht bloß den Melodien, sondern vor allem dem neuesten Klatsch und Tratsch zu lauschen. Danach geht’s zum Spazieren den Donaukanal entlang, wo man beim Taubenvergiften den reizendsten Wiener Maderln begegnet. Abends darf es dann gern ein bisschen Kino sein.

Dieser musikalische Abend in der Theaterscheune nimmt das Publikum mit in die schöne Donaumetropole. Mit Wiener Schlagern, Filmen und Geschichten stürzen sich Frank Bernard und Heiko Walter mitten hinein ins wilde Wiener Leben, spüren dem echten habsburgischen Flair nach und weben mit leichter Hand die alten und die neuen Zeiten ineinander. Da fühlt man sich fast, als sei man selbst vor Ort. Wenn es schließlich hinaus nach Grinzing zum berühmten Heurigen in die weinselige Sommerfrische geht, bestellt man dann gern noch ein zweites oder drittes Glas …

Nach vielen Jahren ist sie endlich wieder in Cottbus zu erleben: Johann Sebastian Bachs „Matthäus-Passion“! 1727 in Leipzig uraufgeführt, gilt sie als eines der monumentalsten Werke der Kirchenmusik. Die doppelchörige Anlage, die Begleitung durch zwei Orchester und die kunstvoll verwobenen Choräle verleihen der Vertonung der Passionsgeschichte nach Matthäus eine außergewöhnliche klangliche Tiefe. Dramatische Rezitative, ausdrucksstarke Arien – darunter das ergreifende „Erbarme dich“ mit seiner wehmütigen Violinsolo-Begleitung – und mächtige Chorsätze wie „O Mensch, bewein dein Sünde groß“ oder „Sind Blitze, sind Donner in Wolken verschwunden?“ verdichten sich zu einer emotionalen Gesamtwirkung von seltener Intensität. Durch die raffinierte Verbindung von musikalischer Symbolik, Affektdarstellung und Bachs meisterhafter Polyphonie bleibt die „Matthäus-Passion“ bis heute eines der bewegendsten Werke der geistlichen Musik.

Johann Sebastian Bach – „Matthäus-Passion“ BWV 244

Anne Martha Schuitemaker (Sopran), Rahel Brede (Alt)
Dirk Kleinke (Tenor), Nils Stäfe (Bariton), Andreas Jäpel (Bass)
Kammerchor der Singakademie Cottbus e.V.
Bachchor Eisenach
Bach Consort Cottbus
Dirigent: Christian Möbius

Nach vielen Jahren ist sie endlich wieder in Cottbus zu erleben: Johann Sebastian Bachs „Matthäus-Passion“! 1727 in Leipzig uraufgeführt, gilt sie als eines der monumentalsten Werke der Kirchenmusik. Die doppelchörige Anlage, die Begleitung durch zwei Orchester und die kunstvoll verwobenen Choräle verleihen der Vertonung der Passionsgeschichte nach Matthäus eine außergewöhnliche klangliche Tiefe. Dramatische Rezitative, ausdrucksstarke Arien – darunter das ergreifende „Erbarme dich“ mit seiner wehmütigen Violinsolo-Begleitung – und mächtige Chorsätze wie „O Mensch, bewein dein Sünde groß“ oder „Sind Blitze, sind Donner in Wolken verschwunden?“ verdichten sich zu einer emotionalen Gesamtwirkung von seltener Intensität. Durch die raffinierte Verbindung von musikalischer Symbolik, Affektdarstellung und Bachs meisterhafter Polyphonie bleibt die „Matthäus-Passion“ bis heute eines der bewegendsten Werke der geistlichen Musik.

Johann Sebastian Bach – „Matthäus-Passion“ BWV 244

Anne Martha Schuitemaker (Sopran), Rahel Brede (Alt)
Dirk Kleinke (Tenor), Nils Stäfe (Bariton), Andreas Jäpel (Bass)
Kammerchor der Singakademie Cottbus e.V.
Bachchor Eisenach
Bach Consort Cottbus
Dirigent: Christian Möbius

Libretto von Leo Feld unter Benutzung von Gottfried Kellers gleichnamiger Novelle
„Mannheimer" Fassung (1913)
Nach der Kritischen Erstausgabe von Antony Beaumont
Uraufführung
© Mit freundlicher Genehmigung von Universal Edition AG Wien

Alexander Zemlinsky, 1871 in Wien geboren, war ein Protagonist des blühenden Musiklebens der ersten Jahrzehnte des 20. Jahrhunderts. Als Jude musste er 1938 emigrieren und starb wenige Jahre später. In seiner Adaption der Novelle des armen Schneiderleins, das große Sehnsüchte hegt, im Nachbarort für einen Grafen gehalten wird und brutal von der Menge enttarnt wird, zeigt sich Zemlinsky im Kontrast zu Gottfried Keller als Meister von Vielschichtigkeit und Poesie.

KLEIDER MACHEN LEUTE ist eine feinsinnige Allegorie auf den unsteten, auf der Suche seienden Künstler und eine große Erzählung über die alle Verzweiflung versöhnende Kraft der Liebe. Zugleich zeichnet die Oper ein messerscharfes Bild gesellschaftlicher Dynamiken, in denen Projektionen sich in Missgunst und Hass wenden, wie Zemlinsky selbst später erfahren musste und es heute wieder erschütternde Aktualität zeitigt. Voll betörend farbenreicher Klänge bildet Zemlinskys Musik ein kaleidoskopisches Spiegelbild ihrer Zeit, gespickt mit Witz und Charme, Leichtigkeit und Melancholie.

Auf einem Schulausflug geschieht ein Mord. Ein Schüler gesteht, doch scheint er nicht der wahre Täter zu sein. Die Lehrkraft versucht, zwischen Verdächtigungen, Intrige und Hass die Wahrheit aufzudecken. Doch bringen sie die Auseinandersetzung mit der Schülerschaft, deren Machenschaften und nicht zuletzt deren Elternhäuser selbst an die Grenzen von Recht und Gewissen. Im Ringen um die Wahrheit wird der Täter schließlich zu sehr in die Enge getrieben.

In JUGEND OHNE GOTT, 1937 als Roman erschienen, schildert Ödön von Horváth das Aufkommen totalitärer Tendenzen in der bürgerlichen Gesellschaft. Damit geriet er ins Fadenkreuz der Gestapo, die ein Jahr nach Erscheinen das Verbot des Romans veranlasste. Erst in den 1960er-Jahren konnte sich „Jugend ohne Gott“ als Klassiker der Moderne etablieren. Heute scheint seine aufrüttelnde Warnung vor einer emotional vernachlässigten Jugend und ihrer Verführbarkeit zu Gewalt und autoritärer Gesinnung wieder von erschreckender Aktualität.

Wie in einem Thriller entwirft Janis Knorr mit JUGEND OHNE GOTT ein Gesellschaftsporträt um eine Lehrkraft und ihre Klasse, die scheinbar ihren moralischen Kompass verloren hat. Dabei seziert er die Gefühlswelten der Generationen und legt die Psychologie von Manipulation und Lüge im Kontext gesellschaftlicher Zwänge frei.

Eines Tages erscheint Alice ein sprechendes Kaninchen, dem sie in eine kuriose Welt folgt. Hier gelten andere Regeln als Alice sie von zu Hause gewohnt war und so entspinnt sich eine abenteuerliche Reise mit Begegnungen verrückter Gestalten wie der Grinsekatze, dem Hutmacher oder der Herzkönigin. Alice wechselt fortan Größe und Sprache, vergisst alles, was sie je wusste, und lernt Dinge, die sie nie kannte. Scheint das Wunderland auch zauberhaft verwunschen, ist zugleich das Albtraumhafte ihr ständiger Begleiter. Nur mit der Kraft ihrer Phantasie und kindlicher Unerschrockenheit kann sie dort bestehen.

Mit „Alice im Wunderland“ und „Alice hinter den Spiegeln“ etablierte Lewis Carroll Mitte des 19. Jahrhunderts das traumhafte Schreiben, den literarischen Nonsens als adäquate Antwort auf eine sich mechanisierende Welt. Mit Hilfe der phantasievollen Verdrehung der herrschenden Logik stellt er diese nicht bloß aus, sondern befreit sich gleichermaßen von ihr. Und so hat es Alice nicht nur zur Heldin des Wunderlands, sondern ebenso zur generationsübergreifenden Pop-Ikone geschafft.

Hausregisseur Philipp Rosendahl kreiert mit einem künstlerischen Team, welches zum ersten Mal in dieser sprudelnden Kombination seine in Cottbus erprobte wie geschätzte Kreativität bündelt, eine neue musikalische Erzählung um Ikone ALICE, die eine – wenn auch verrückte – Pause von der Normalität herzustellen vermag.

Conrazoncorazon Ballett von Cayetano Soto
Sortijas Ballett von Cayetano Soto
Cantata Ballett von Mauro Bigonzetti

Temperament und mediterrane Leidenschaft bringt das Ballettensemble des Staatstheaters mit den Kreationen von Mauro Bigonzetti und Cayetano Soto auf die Bühne. Der vielfach ausgezeichnete spanische Choreograf Cayetano Soto gilt als unverwechselbare Stimme im modernen Ballett. Charakteristisch für seine Arbeit ist ein exzentrischer und oftmals ironischer Zugriff, der das Publikum mitreißt. Inspiriert von den Musicals der 20er und 30er Jahre schuf der er das Ballett CONRAZONCORAZON. Der Titel spielt mit den Worten „Herz“ (Corazon) und „Verstand“ (Razon) und reflektiert damit auch den künstlerischen Schaffensprozess, in dem Gedanken und Gefühle ihren Ausdruck suchen. Die Choreografie ist ein kraftvolles, sehr körperbetontes Ensemblestück: witzig, überschwänglich und schnell. SORTIJAS (Ringe) ist von einem kreisförmigen Band inspiriert, das Menschen in verschlungene Beziehungen verstrickt.

Emotional, leidenschaftlich und unmittelbar erzählt auch Mauro Bigonzettis Werk von menschlichen Beziehungen zwischen Verführung, Liebe, Streit und Eifersucht. Mit CANTATA spürt Bigonzetti den eigenen Wurzeln nach und verbreitet südländisches Flair, wenn er die wilde Schönheit des Mittelmeers beschwört. Das Stück ist inspiriert von der italienischen Musik des 18. und 19. Jahrhunderts, von Wiegenliedern bis hin zu den Pizziche des Salento, mit einer Anspielung auf neapolitanische Serenaden. Der energiegeladene Tanz setzt das Spiel der Gegensätze in Szene: Mann und Frau, Sonne und Mond, Liebe und Gewalt.

Was soll auf dem Theater gespielt werden? „Komödien!“, fordern die einen, „Tragödien“ wollen die anderen, und eine dritte Gruppe sieht am liebsten „romantische Liebe“.

Das erste Werk des Komponisten Sergej S. Prokofjew in seiner neuen Heimat, den USA, bringt alles gleichzeitig auf die Bühne und überwältigt das Publikum als zirkushaftes Märchen voller magischer Verwandlungen, Commedia dell’arte-Maskeraden, absurder Wendungen und Theatercoups. Vor dem Hintergrund höfischer Intrigen und einem Streit höherer Mächte, wird die Geschichte des tief melancholischen Prinzen erzählt, den nur ein Lachen heilen kann. Ausgerechnet ein Missgeschick der bösen Zauberin Fata Morgana ist es, das ihn zum Lachen bringt. Sie verflucht ihn daraufhin dazu, sich in drei Orangen zu verlieben. Der Weg zu ihnen führt den liebeskranken Prinzen vorbei an allerlei monströsen Gestalten in die Wüste. Um ein Haar wird aus dem komödiantischen Spektakel doch eine Tragödie – griffe nicht das Publikum in Prokofjews Theater auf dem Theater in die Geschichte ein.

Wie alle Märchen hat DIE LIEBE ZU DREI ORANGEN einen ernsten Hintergrund. Während der Streit um die verschiedenen Theaterrichtungen auf der Opernbühne unblutig ausgefochten wird, entwickelt er sich in der sowjetischen Realität zunehmend zu einer lebensbedrohlichen Angelegenheit. 1940 lässt Stalin den großen Theaterreformer Wsewolod Meyerhold hinrichten. Prokofjew verlässt 1918 das postrevolutionäre Russland und komponiert mit DIE LIEBE ZU DREI ORANGEN eines der virtuosesten, farbigsten und aberwitzigsten Werke der Musikgeschichte.

Mitten während der Komposition der berühmten „Planeten“ schrieb Gustav Holst auf Bitten des japanischen Tänzers Michio Ito die „Japanische Suite“. Da Holst die Musik des lange abgeschotteten Landes nicht kannte, ließ er sich von ihm traditionelle Melodien vorpfeifen, die er als Vorlage in seine stimmungsvolle Musik einbaute. Mit den Mitteln des europäischen Orchesters entfalten etwa das „Lied des Fischers“ oder der „Tanz unter dem Kirschbaum“ eine magische Wirkung. 

Das musikalische Aushängeschild des heutigen Japan ist die Komponistin und Marimba-Spielerin Keiko Abe. In Zusammenarbeit mit der Firma Yamaha entwickelte sie das Instrument in der aktuellen Form und schrieb hierfür zahlreiche Werke. Eines der bekanntesten ist das Konzert „The Wave Impressions“, das wie schon bei Holst östliche und westliche Klangsphären harmonisch vereint – hier jedoch aus der entgegengesetzten Perspektive.

Auch Antonin Dvořák ließ sich in seiner berühmtesten Sinfonie Nr. 9 von außereuropäischer Musik inspirieren, die er während seines Aufenthalts in den USA kennenlernte. Doch bei aller Begeisterung für das „Fremde“ – also Musik der afroamerikanischen und indigenen Bevölkerung sowie der Größe des Landes – bricht die Sehnsucht nach der böhmischen Heimat klanglich immer wieder deutlich hervor.

Gustav Holst – Japanische Suite op. 33
Keiko Abe – Konzert für Marimba und Orchester „The Wave Impressions“
Antonin Dvořák – Sinfonie Nr. 9 e-Moll op. 95 „Aus der Neuen Welt“

Shengnan Hu (Marimba)
Philharmonisches Orchester
Dirigent: Daniel Geiss

Bearbeitung von Jürgen Wölffer

Philipp Klapproth langweilt sich. Auf seinem Landsitz bei Berlin scheint es ihm, als hätten alle mehr zu erleben und mehr zu erzählen als er. Seine Idee: Eine Nervenheilanstalt muss her!

Ein Tag bei echten „Irren“ verspricht eine Menge Geschichten für den Stammtisch auf dem Land. Er ködert seinen Neffen mit einer finanziellen Spritze, wenn er ihm so ein Etablissement ausfindig mache. Gelockt vom Versprechen des Geldes, erklärt dieser die stinknormale „Pension Schöller“ zur Irrenanstalt. Der Plan geht auf, der Onkel trifft dort auf die exzentrischen Gäste der Pension und die geben eine hervorragende Nervenheilanstalt ab. Da sind zum Beispiel der Wissenschaftler Bernhardy, der von Löwenjagden zu erzählen weiß, die Schriftstellerin Zillertal, die Geschichten sammelt, oder der Major a.D., der zum Duell fordert. Als die Figuren plötzlich bei Klapproth zu Hause erscheinen, ist das Chaos perfekt.

PENSION SCHÖLLER ist auch hundert Jahre nach seiner Entstehung noch ein Paradebeispiel für das Verschwimmen von Normalität und Irrsinn und zeigt mit Humor und grandiosem Tempo, wie fließend die Grenzen zwischen den Verrückten und den Vernünftigen sein können.

Regisseur Max Simonischek bringt die Komödie in seiner ersten Arbeit für das Staatstheater Cottbus auf die Große Bühne. Das vermeintlich harmlose Lustspiel wird zur Groteske, zum Tränen lachen und zum Ensembletheater voll großer Spiellust, mit Sinn für Humor und Rhythmus.