Wo Jazz und indische Ragas verschmelzen

Wenn sich Jazz und indische Ragas begegnen, entsteht ein faszinierender Klangraum: RAGAWERK – das Duo aus Gitarrist Max Clouth und Schlagzeuger Martin Standke – verbindet analoge Wärme mit elektronischer Raffinesse, hypnotische Loops mit improvisatorischer Freiheit. Ihr Sound ist kosmopolitisch und doch geerdet: Jazz, Krautrock und indische Tradition verschmelzen zu einer eigenständigen musikalischen Vision. Ragawerk ist kein Crossover – es ist ein kreatives Labor, in dem östliche Tiefe auf westliche Präzision trifft. Mal meditativ, mal energetisch – aber immer klar, intensiv und überraschend.
Mit "Niḷa" legen Ragawerk ihr zweites Album vor – und erweitern ihr Klangspektrum um neue, überraschende Facetten. Rauer, unmittelbarer, kantiger als zuvor – mit mehr "Deutschness" und zugleich kristalliner Klarheit. Zwischen erdiger Direktheit und spaciger Weite entfaltet sich ein Sound, der tief geht und dabei stets in Bewegung bleibt. Niḷa – Sanskrit für "Blau" – ist wie ein musikalischer Saphir: facettenreich, geheimnisvoll, kühl und leuchtend. Ragawerk zeigen sich hier so kompromisslos wie vielschichtig.

Einlass 19 Uhr // Bitte nutzen Sie für Ihren Besuch bei uns möglichst öffentliche Verkehrsmittel. Danke!

Minimal Groove mit Tiefgang und Hypnose-Faktor

Wenn vier Musiker mit radikalem Klangideal aufeinandertreffen, entsteht etwas, das man nicht so schnell vergisst: SONAR, das Zürcher Minmal Groove Quartett, das seit 2010 mit hypnotischen Polyrhythmen, glasklaren Gitarrentexturen und einem Bassfundament arbeitet, das unter die Haut geht.
Die Gitarristen Stephan Thelen und Bernhard Wagner entdeckten ihre gemeinsame musikalische Sprache an einem Abend, an dem der eine auf der Bühne und der andere im Publikum stand – und schnell war klar: Hier schlummert ein gemeinsames Projekt. Der Funke sprang endgültig über, als Stephan eine ungewöhnliche, auf Tritonus-Intervallen basierende Gitarrenstimmung wiederentdeckte. Die daraus entstehenden Obertöne gaben SONAR diesen charakteristisch schwebenden, fast mystischen Klang.
Von Anfang an setzten die beiden auf ein kompromissloses Konzept: keine Effekte, keine Loops, keine überflüssige Virtuosität. Stattdessen die reine Klangfarbe der E-Gitarre, komplexe Polyrhythmen und ein Zusammenspiel, das wie ein fein getaktetes Uhrwerk funktioniert.
Um den Sound zu komplettieren, holten sie Christian Kuntner an den Bass – für seine tiefen, sparsamen, aber umso wirkungsvolleren Linien bekannt – und Manuel Pasquinelli, einen Schlagzeuger, der selbst die kompliziertesten metrischen Verschiebungen organisch und selbstverständlich klingen lässt.
Mit Alben wie Static Motion, Black Light oder Vortex (produziert von David Torn) erspielten sich SONAR internationale Anerkennung und tourten u. a. durch die USA, Kanada, Großbritannien, Japan und mehrere europäische Länder.
Live entfaltet sich ihre Musik vollends: pointillistische Gitarrenfiguren, verschachtelte Rhythmen, ein Bass wie eine geologische Schicht – und darüber ein Ensemble, das wie ein einziger Organismus atmet. Musik, die zugleich meditativ und hochenergetisch ist.

Einlass 19 Uhr // Bitte nutzen Sie für Ihren Besuch bei uns nach Möglichkeit öffentliche Verkehrsmittel.

Die musikalischen Wurzeln der sechsköpfigen Leipziger Band HOTEL RIMINI kann man auch ohne botanische Expertise als weit verästelt bezeichnen. E-Gitarre, Kontrabass und Drums mischen sich mit Cello und Violine; Piano und Akustikgitarre treffen auf Effektgeräte, ein sporadisch eingesetztes Waldhorn oder ein betagtes Casio. Die deutschen Texte widmen sich dabei den Krokodilstränen städtischer Wohlstandsproblematiker, der Vergangenheitsbewältigung im öffentlichen Nahverkehr oder dem Scheitern an den Brutalitäten des Alltags.

Im Herbst 2023 erschien ihr Debütalbum »Allein unter Möbeln«, das auf breite positive Resonanz stieß. Für den Herbst 2025 ist die zweite Platte angesetzt.

Die Band: Julius Forster | Paul Pötsch (Trümmer) | Annegret Enderle | Valentin Link (KUF) | Paul-Jakob Dinkelacker (Fabian Simon & The Moon Machine) | Paula Schieferecke

Restkarten ggf. an der Abendkasse

Musik für eine bessere Welt – komponiert von Majid Montazer, interpretiert von Giora Feidman
Mit ihrem neuen Konzertprogramm “For a Better World” schlagen Giora Feidman und der iranische Komponist Majid Montazer ein weiteres bedeutendes Kapitel ihrer künstlerischen Zusammenarbeit auf. Nach den Erfolgsprogrammen “Friendship” und “Revolution of Love” führen sie ihre musikalische Botschaft fort: ein leidenschaftliches Plädoyer für Frieden, Menschlichkeit und Hoffnung.
Mehr als 150.000 Konzertbesucher haben die bisherigen Programme erlebt – ein beeindruckender Beleg für die emotionale Kraft und internationale Strahlkraft dieser außergewöhnlichen Vision.

Einlass: 19:00 Uhr

Die dynamische Zusammenarbeit zwischen der griechischen Vibrafonistin EVI FILIPPOU und dem deutsch-rumänischen Kontrabassisten ROBERT LUCACIU hat eine künstlerische Partnerschaft entstehen lassen, die sich den Zwängen starrer Genre-Kategorisierungen entzieht. Ihrer musikalische Forschungsreise liegt eine Vielzahl von Quellen zu Grunde: von den komplizierten Kompositionen der klassischen Musik des 20. und 21. Jahrhunderts über die temperamentvollen Rhythmen des Jazz bis hin zu beschwörenden Geschichten, die in den Traditionen der Folklore verwoben sind. Diese gemeinsame klangliche Erkundung überschreitet die Grenzen vordefinierter Etiketten: die Essenz ihrer Arbeit liegt im Bereich grenzenloser Kreativität.
Die Verflechtung ihrer einzigartigen Hintergründe führt zu einem exquisiten Klangteppich, in dem die Lebendigkeit des Balkan mit dem kosmopolitischen Einfluss der zeitgenössischen europäischen Musiklandschaften zusammenfließt. Wie ein zarter Faden der freien Improvisation entfalten sich ihre Auftritte in einem ungeschriebenen Tanz, der den Fluss des Lebens selbst widerspiegelt. In diesem Wandteppich fließen die Noten wie Rinnsale der Emotionen, die ineinander übergehen und sich wieder trennen, um Momente der Trauer, der Freude und die undefinierbaren Räume dazwischen zu erfassen.
Die Erkundungen des Duos EVI FILIPPOU & ROBERT LUCACIU sind von einem gemeinsamen Streben nach persönlichem Ausdruck geprägt. In einer durch vielfältige Einflüsse bestimmten Welt schaffen sie ein Hörerlebnis, das sowohl zeitlos als auch zeitgenössisch ist - ein Zeugnis dafür, wie sich musikalische Traditionen und Innovationen im rhythmischen Kern der menschlichen Erfahrung vermischen.

Einlass 19 Uhr // Bitte nutzen Sie für Ihren Besuch bei uns möglichst öffentliche Verkehrsmittel. Danke!

Album-Release mit der genreübergreifenden Singer-Songwriterin

Die Jazz-Singer-Songwriterin Ines Kolleritsch hat sich in den letzten sechs Jahren zu einer genre-übergreifenden Künstlerin entwickelt.
Mit "Five Hearts No Control" öffnet sie mit ihrer Band BRAZEY ein neues Kapitel – vielstimmig, vielschichtig, verletzlich und kraftvoll. Fünf Herzen, fünf Stimmen, fünf Perspektiven auf das Ich und die Welt, die sich in einem Netz aus Emotion, Erinnerung und Sound verflechten.
War das Vorgängeralbum "Songs for Sleep" noch eine traumwandlerische Reise durch enge Innenräume, öffnet sich "Five Hearts" wieder den luftigen Konzertsälen und Jazz-Bühnen
aus Brazeys musikalischer Vergangenheit – dorthin also, wo ihre musikalischen Wurzeln liegen: Jazz, Pop, Elektronik und experimenteller Klang vereinen sich zu einem intimen, leuchtenden Ganzen.
In Brazeys neuen Songs begegnen wir Fragen, Stimmen, Suchbewegungen – mal als schimmernde Melodien, mal als digitale Verzerrungen, als aufblitzende Beats oder fragile Stille. Der Sound ist dicht, aber nicht erdrückend. Zart, aber nicht harmlos. Zwischen goldenen Fäden und elektronischen Interventionen wächst eine Musik, die berührt, ohne sich erklären zu müssen.

Foto: Jana van Brussel

Einlass 19 Uhr // Bitte nutzen Sie für Ihren Besuch bei uns nach Möglichkeit öffentliche Verkehrsmittel. Danke!

Mit seinem traditionellen Neujahrskonzert präsentiert der Dresdner Chor Slavica gemeinsam mit eigens eingeladenen Gastsängern in einer der klanglich schönsten Kirchen Dresdens sein weit gefächertes Repertoire.
Einen besonderen Schwerpunkt des Programms bilden – passend zur Jahreszeit – die sogenannten Koljadki: Teilweise noch aus vorchristlicher Tradition stammende Gesänge und Volksweisen, hier dargeboten in Bearbeitungen der großen slawischen Komponisten des 20. Jahrhunderts.
Liebhaber ergreifender Chorwerke, emotionaler Musik und slawischer Kultur kommen hier voll auf Ihre Kosten:
"Es war wunderbar. Wir wussten nicht, dass es so etwas Tolles in Dresden gibt."
(Aus einer Mail von Besuchern des Neujahrskonzertes 2024)

Unser Chor Slavica Dresden ist ein außergewöhnlicher Chor, der sich seit über 15 Jahren der Pflege slawischer Liedkultur widmet.
Vorrangig bestehend aus ukrainisch- und russischstämmigen sowie Dresdner Mitgliedern leben wir trotz und gerade auch wegen der schwierigen derzeitigen politischen Krisensituation das friedliche Miteinander verschiedener Nationen und Kulturen.Unser höchstes gemeinsames Anliegen ist es, mit dem facettenreichen Liedgut der verschiedenen slawischen Herkunftsländer professionell und mit hoher gesanglicher Qualität die Besucher unserer Konzerte emotional zu erreichen und durch diesen kulturellen Brückenschlag zu inspirieren:
„Kaum eine andere Chormusik webt so emotional, einzigartig und unvergleichlich Klangteppiche wie die Slawische“.

Feiern Sie mit uns unser
Fest Slawischer Lieder !

Einlass: 18:30 Uhr

Nach 3 ausverkauften Partys im Blauen Salon und im Parkhotel Dresden, freuen wir uns den "Father Of The Loveparade" - DR. MOTTE am 24.01.2026 wieder in Dresden begrüßen zu können.
Kaum ein Mensch hat die elektronische Musikszene so entscheidend geprägt und verändert wie Dr. Motte. Er ist Phantast und Visionär, Botschafter der elektronischen Musik weltweit. Sein Sound ist anspruchsvoll, energetisch und vielschichtig. Spannungsgeladenen Acid und mitreißende Grooves verbindet er mit treibendem Techno und nimmt sein Publikum mit auf einen spannenden Trip durch seinen Techno-Kosmos.

„Wer Musik auch als soziale Verantwortung einer Kultur versteht, ist und bleibt progressiv.“
– Dr. Motte –

Einlass: 22:00 Uhr / Beginn: 22:30 Uhr

Derzeit keine Karten verfügbar.

Der norwegische Klangvisionär im Solokonzert

Bugge Wesseltoft gilt als einer der einflussreichsten Pianisten und Klangkünstler Europas. Mit Wurzeln im Jazz, aber stets offen für elektronische Experimente, hat der Norweger seit den 1990er Jahren die Grenzen des Genres verschoben wie kaum ein anderer. Spätestens mit seinem ikonischen Album "New Conception of Jazz" (1997) etablierte er sich als Pionier einer neuen, elektronisch geprägten Jazz-Ästhetik – ein Brückenschlag zwischen Tradition und Moderne, Club und Konzertsaal.
Als Gründer des Labels Jazzland Recordings hat er nicht nur seine eigene künstlerische Freiheit gesichert, sondern auch zahlreichen innovativen Stimmen im nordischen Jazz eine Plattform geboten. In der Zusammenarbeit mit Musiker*innen wie Jan Garbarek, Sidsel Endresen, Terje Rypdal, Henrik Schwarz oder in der Band Rymden hat er immer wieder bewiesen, wie facettenreich und dialogfähig seine Musik ist.
Bugge Wesseltofs neues Album "Am Are" ist eine Fortsetzung seiner Serie von Solo-Alben, die 2007 begann. Inspiriert von einer melancholischen Downtempo-Stimmung, enthalten diese Solo-Alben immer auch hoffnungsvolle Botschaften oder spiegeln die neuesten Nachrichten der Welt wider. "Am Are" präsentiert besondere musikalische Konstellationen exzellenter Musiker*innen, die sowohl Generationen als auch Stilrichtungen überbrücken. Es ist eine Erkundung klanglicher Texturen, dynamischer Kontraste von Stimmung und Stil – und bewegt sich zwischen reduzierten Arrangements, komplexen Schichten aus Dubs und Loops sowie improvisatorischem Zusammenspiel.
Im Live-Konzert präsentiert Bugge Wesseltoft die Stücke des Albums solistisch. Hier zeigt sich seine ganze Tiefe: intime Klavierpassagen, fragile elektronische Texturen und eine atemberaubende emotionale Direktheit. Mal reduziert und meditativ, mal voller rhythmischer Energie – Bugge Wesseltoft nutzt das Klavier nicht nur als Instrument, sondern als Resonanzraum für Emotion, Stille und Überraschung. Dabei verzichtet er nicht selten auf klare Strukturen, zugunsten eines offenen musikalischen Dialogs – mit sich selbst, mit dem Raum, mit den Zuhörenden. Seine Konzerte sind keine bloßen Darbietungen – sie sind Erlebnisse, die weit über das rein Musikalische hinaus berühren.

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Ausverkauft, keine Abendkasse!

Grenzenloser Jazz, große Intentionen

GARD NILSSEN ACOUSTIC UNITY ist der Sound des wilden, neugierigen und ruhelosen Geistes des spektakulären norwegischen Schlagzeugers und seiner musikalischen Weggefährten, dem sensationellen Bassisten Petter Eldh und dem spektakulären Saxofonisten André Roligheten.

Offen, energiegeladen und frei von Genregrenzen hat das 2014 gegründete Trio weltweit über 250 Konzerte gespielt – von Norwegen über Europa bis nach Japan, die USA, Kanada und Brasilien – und dabei sechs von der Kritik gefeierte Alben veröffentlicht, darunter "Firehouse", "Live In Europe", "To Whom Who Buys a Record" und das ECM-Debüt "Elastic Wave". Nach einer Nominierung für den norgwegischen Grammy und gefeierten Auftritten beim Winterjazz in New York, bei Jazzahead Bremen und beim Molde International Jazz Festival mit Joshua Redman und Ambrose Akinmusire gilt Acoustic Unity heute als eines der spannendsten Ensembles der europäischen Jazzszene.

Mit dem brandneuen Album "Great Intentions" präsentiert sich die Band in erweiterter Besetzung mit nun gar drei ausdrucksstarken und mitreißenden Saxofonist*innen: Kürzlich sind Signe Emmeluth und Kjetil Møster zur Band gestoßen, Sie geben dem Sound frische Impulse und verleihen ihm zusätzliche Wucht und Tiefe. Gemeinsam freuen sie sich sehr darauf, durch Europa zu touren und einige ihrer Lieblingsfestivals und -clubs zu besuchen und dort mit ihrer kompromisslosen, lebendigen und hochenergetischen Musik zu begeistern, genau nach ihrem Credo "Music Is The Healing Force Of The Universe!"

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Musik gegen Ungerechtigkeit – eindringlich und herausragend

Zehn Jahre nach dem Erscheinen ihres ersten Albums "Xenon" (2014) veröffentlichte das EVA KLESSE QUARTETT im Herbst 2024 mit STIMMEN sein sechstes und bislang persönlichstes und politischstes Album. Das Album sammelt Geschichten von Menschen, die aufstehen gegen Ungerechtigkeit und Ungleichheiten auf der Welt – von Ägypten über Russland bis nach Südamerika. Und deren Botschaft gehört werden will. Gemeinsam mit den drei Gastmusiker*innen Michael Schiefel, Zuza Jasinska und Philipp Rumsch haben die vier Musiker*innen des Eva Klesse Quartetts einen komplexen Klangkosmos in der Form eines musikalischen Essays kreiert, der die Konfrontation mit Schmerz, Trauer, Wut und Verzweiflung nicht scheut und gleichzeitig immer wieder von Hoffnung erzählt.
Beim 30-minütigen Showcase zur Jazzahead 2025 hat das siebenköpfige Ensemble mit der ebenso intensiven, dringlichen und zutiefst berührenden Performance einen bleibenden Eindruck beim begeisterten Publikum hinterlassen. Stimmen ist ein enorm wichtiges und musikalisch herausragendes Werk.

Was heißt es, eine Stimme zu haben?
Wer wird gehört? Wer wird nicht gehört? Und warum?
Was heißt es, sich Gehör zu verschaffen?
Kann eine Stimme zu laut werden und was geschieht dann mit ihr?
Wie kann einem Gegenüber, dessen Geschichte droht, in der Schnelllebigkeit des Alltags oder in der Flut der auf uns einstürzenden Bilder unterzugehen, eine Stimme gegeben werden?

Die Idee des Kollektivs zu STIMMEN entstand 2020 in der Einsamkeit des ersten COVID-19 bedingten Lockdowns. Ausgangspunkt der Arbeit war die Überzeugung des Ensembles, dass der äußeren Abschottung innerer Widerstand geleistet werden müsse. Als Reaktion auf die Einschränkungen entschieden sich die Musiker*innen dazu, Personen zuzuhören, deren Geschichten ihnen weiter weg denn je erschienen. So entstanden 13 neue Stücke in drei Kapiteln, durch die sich wie ein roter Faden die Thematisierung von Gesellschaftsumbrüchen spinnt: Geschichten vom Leben, Träumen, Hoffen und Vermissen. Gedichte und Geschichten von und über russische Freiheitskämpferinnen, die mutig aufbegehrten, solange sie konnten. Erzählungen von der beklemmend gewaltsamen Diskriminierung aufgrund von Geschlecht, Hautfarbe, (sozialer) Herkunft oder Sexualität in der Welt. Mit der Beschreibung symbolisch zu verstehender Lebensgeschichten und -realitäten, den damit verbundenen individuellen Kämpfen und ihren Folgen für die Beteiligen, geht für das Quartett eine Botschaft der Hoffnung einher: individueller Einsatz, Engagement und der Kampf für eine lebenswerte Zukunft lohnen.

Foto: Sally Lazic

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Der intensive Sound des Augenblicks

Wenn sich vier Musiker:innen treffen, die kompromisslos nach neuen Klängen suchen, entsteht ein Moment, den man nicht verpassen sollte. ALMOST, die neue Band des Kölner Saxophonisten und Komponisten FABIAN DUDEK, bringt Energie, Intensität und unerwartete Schönheit auf die Bühne. Mit Ruth Goller (E-Bass), Felix Hauptmann (Piano) und Leif Berger (Schlagzeug) entfaltet sich ein Spiel, das Grenzen sprengt und das Publikum mitten ins Geschehen zieht.
Dudek zählt zu den markantesten Stimmen des zeitgenössischen Jazz und prägt mit jeder neuen Arbeit die Szene. Seine Alben und Kompositionen waren schon mehrfach für den Preis der Deutschen Schallplattenkritik und den Deutschen Jazzpreis nominiert.
Mit ALMOST und seinen herausragenden Mitmusiker:innen zeigt er sich unmittelbar im Jetzt – Musik, die sich nicht einordnen lässt, sondern im Augenblick entsteht. Klangliche Vielfalt, pulsierender Flow und eine Spannung zwischen Komposition und Improvisation machen jedes Konzert dieser Formation zu einer Reise voller Überraschungen. Wer ALMOST erlebt, hört nicht nur Jazz – er erlebt, wie Musik sich immer wieder neu erfindet.

Foto: Niclas Weber

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Zukunftsmusik aus tiefen Wurzeln

LOGAN RICHARDSON ist einer dieser seltenen Altsaxofonisten, bei denen man sofort spürt: Das Instrument singt. Sein Ton wirkt wie eine führende Stimme, warm, klagend, kraftvoll und absolut unverwechselbar. Schon mit seinem Debütalbum Shift (Blue Note, 2015), das er mit den namhaften Musikern Pat Metheny, Jason Moran, Harish Raghavan und Nasheet Waits einspielte, lieferte er ein hochmodernes Jazz-Statement.
Mit seinem aktuellen Projekt blues PEOPLE kommt der in Kansas City geborene Musiker nun zu uns und bringt ein klangliches Universum mit, das gleichermaßen aus Vergangenheit und Zukunft gebaut ist.
Inspiriert vom gleichnamigen Buch von Amiri Baraka, widmet sich Richardson den Wurzeln Schwarzer Musik – von Blues und Gospel über Soul und Rock bis hin zu avantgardistischen Soundexperimenten. Aber statt nostalgisch zurückzublicken, zieht er die Traditionen ins Heute: roh, energetisch, futuristisch. Seine Kompositionen verschmelzen die Genres schlüssig, manchmal stürmisch, immer melodisch auf den Punkt.
blues PEOPLE ist mehr als ein Albumtitel – Richardson versteht es als Zustand: ein Ritual, ein Ort, an dem Erinnerung, Widerstand und Vorstellungskraft ineinandergreifen. Die Musik erzählt Geschichten über Identität, über Schwarzes Leben damals und heute, und über den Mut, neue Wege zu gehen, ohne die eigenen Wurzeln aus dem Blick zu verlieren. "Keine Angst haben, fest auf den Schultern unserer Vorfahren zu stehen", so beschreibt er selbst seinen Ansatz.
Auf der Bühne wird diese Vision zur geballten Energie. Richardson umgibt sich mit einer jungen Generation von Musikern, die mit ihm gemeinsam Klangräume betreten, in denen Kansas-City-Blues auf Rock ’n’ Roll trifft, Synthesizer auf mächtige Grooves und lyrisches Saxofon auf elektrisierende Gitarrenflächen. Das Ergebnis: Musik, die nicht nur gespielt wird, sondern befreit. Zeitgenössischer Jazz? Blues? Rock? Alles – und noch viel mehr.

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CHE SUDAKA PRÄSENTIERT „WIR SIND LICHT“: EINE TOUR, DIE UNS DARAN ERINNERT, DASS „WIR ALLE LICHT SIND“
Die in Barcelona ansässige Band Che Sudaka, die bald ihr 24-jähriges Bestehen feiert, kündigt ihre bevorstehende Nordeuropa-Tournee an, mit Konzerten in Deutschland, Österreich, der Schweiz, der Tschechischen Republik und den Niederlanden zwischen Januar und März 2026. Unter dem Motto „Wir Sind Licht” würdigt die Band ihr nordeuropäisches Publikum, das sie schon so oft mit offenen Armen empfangen hat, und feiert die strahlende Energie, die jeden Abend zwischen Bühne und Publikum entsteht.
Der Name der Tour stammt von „Wir Sind Licht”, einem Song aus dem Album „20 años” (2022), das in Zusammenarbeit mit Mal Élevé (Irie Révoltés) – Musiker und engagierter Aktivist – entstanden ist. Das Album markiert zwei Jahrzehnte musikalischen Widerstands und kollektiver Freude. Mit einer explosiven, kommunikativen und zutiefst menschlichen Show verwandelt Che Sudaka jedes Konzert in ein Volksfest, bei dem Ska, Reggae, Cumbia und lateinamerikanische Folklore mit einer klaren Botschaft verschmelzen: Musik als Mittel zur Einheit und Awareness.
Ihre Live-Auftritte werden nun durch audiovisuelle Synchronisationen ergänzt, die die emotionale und visuelle Reise ihrer Shows noch verstärken. Leo, Kacha und Sergio bleiben ihrem Geist treu: Sie verbreiten gute Laune, Hoffnung und soziales Engagement durch ihre Kunst. Auch nach 24 Jahren rollt der Zug von Che Sudaka weiter – und jeder Halt ist eine neue Gelegenheit zum Tanzen, Nachdenken und Feiern des Lebens. Che Sudaka: Musik, Energie und Menschlichkeit ohne Grenzen.

Einlass 19 Uhr, Stehplatz

Die spektakuläre Kultband feiert 10-jähriges Jubiläum

Kaum eine andere Band hat die mitteleuropäische Jazzszene in den letzten Jahren derart auf den Kopf gestellt wie SHAKE STEW. Während die ZEIT sie als "Österreichs Jazzband der Stunde" bezeichnete und sie der NDR schon früh in den Status einer "Kultband" erhob, ist spätestens seit der Verleihung des Amadeus Music Awards 2023 und des Deutschen Jazzpreises 2021 in der Kategorie "Band des Jahres International" klar: Hier ist etwas ins Rollen gekommen, das es in dieser Form noch nicht gegeben hat. Und es macht keine Anstalten, langsamer zu werden!
2026 markiert nun einen besonderen Meilenstein: das 10-jähriges Jubiläum von Shake Stew. Und es wäre nicht Shake Stew, wenn sie dies nicht mit einem musikalischen Spektakel feiern würden: einem dreiteiligen Albumprojekt. Die ersten beiden Teile mit ausschließlich neuer Musik erscheinen im Frühjahr, der dritte folgt im Herbst. Auch personell schlägt die Formation im Jubiläumsjahr ein neues Kapitel auf: Mit Yvonne Moriel stößt eine der spannendsten Newcomerinnen der Szene zur Band und verleiht Shake Stew eine frische Klangfarbe.
Schon von Beginn an umgab die vom Bassisten und Komponisten Lukas Kranzelbinder ins Leben gerufene Formation etwas Mystisches, das im Live-Konzert eine ungemein soghafte Wirkung entfacht, der sich die wenigsten entziehen können: "Die unausgesprochenen Zauberworte heißen Magie und Energie – Shake Stew bringt etwas Kultisches in den aktuellen Jazz, eine Bereicherung!" schreibt die Jury der deutschen Schallplattenkritik in ihrer Begründung für die Aufnahme in die Bestenliste 2020 und das britische Magazin MOJO wird sogar noch eine Spur körperlicher: "Able to blind you into a trance and make you dance to your knees, Shake Stew twists, blisters and burns like a fevered dream!"
Trotz ihrer ungewöhnlichen Besetzung mit zwei Schlagzeugen, zwei Bässen und drei Bläsern schafft es die Band immer wieder, ihre Zuhörer*innen aller Altersklassen auf eine unglaublich direkte Weise zu erwischen – ganz egal ob vor stehendem Publikum im vollgepackten Club oder im ausverkauften Großen Saal des Wiener Konzerthauses.
"Man muss Jazz nicht mögen, um Shake Stew zu lieben: Die Band um Lukas Kranzelbinder ist von Kopf bis Fuß auf Ekstase eingestellt. Oder frei nach Nietzsche: Das ist keine Musik, sondern Dynamit!", schrieb die Wiener Zeitung.
Hypnotische Soundflächen und treibende Rhythmen prägten von Beginn an den Sound der Band, doch gerade wenn man glaubt, die Zauberformel dieses musikalischen Eintopfs entziffert zu haben, zeigt Shake Stew die ganze klangliche Bandbreite seiner einzigartigen Instrumentierung auf: An der Grenze zur absoluten Stille entstehen wie aus dem Nichts beschworene Klanggebilde, die auf trance-artig wiederholten Basslinien und Gong-Patterns dahinperlen und einen in ihrer Ruhe und Fragilität mindestens genauso tief berühren, wie die vorangegangenen Groove-Explosionen.
"Etwas geht von dieser Band aus, das neu und besonders ist – und ungemein attraktiv," schrieb die ZEIT in ihrer Analyse, und nach zehn Jahren, zahllosen Konzerten von Europa bis Übersee und sieben Alben ist klar: Shake Stew ist längst mehr als eine Jazzband – sie sind ein Ereignis.

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Free-flowin’ phonk-a-delic-space-jazz from Berlin

Die Berliner Band mOnk bOts um den Trompeter, Sänger und Soundtüftler Martin Klingeberg lädt auf eine Reise ins klangliche Weltall ein. Hypnotische Beats, vibrierende Gitarrenriffs und zwingende Basslines verschmelzen mit der kosmischen Trompete zu einem surreal-futuristischen Klanguniversum – unvorhersehbar, verspielt und unbedingt hörenswert.
Die Initialzündung für diese erstklassig besetzte Band war die Idee, Stücke von Thelonious Monk in eher groove-orientierten Versionen zu spielen. Daraus hat sich – kombiniert mit eigenem und anderem Material – ein facettenreiches Programm entwickelt, das Funk, Hip-Hop und Soul mit jazziger Improvisationslust verbindet und kontinuierlich weiterwächst.
Bass-Guru Beat Halberschmidt webt gemeinsam mit Hans Otto an den Drums einen hypnotisch pulsierenden Rhythmusteppich, der von Christian Kögel mit eigenwilligen Riffs sorgfältig zerlegt wird. Und über allem schwebt Klingebergs kosmische Trompete, mal gesungen, mal verfremdet, immer voller Energie.
Musik mit treibenden Grooves und feinen Zwischentönen – irgendwo zwischen Club und Kosmos.

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Der 1988 geborene Saxophonist und Komponist JOHANNES LUDWIG hat über die letzten 15 Jahre ein umfangreiches Werk an Kompositionen und Einspielungen erschaffen, aktuell steht der Zähler bei 20 Alben mit eigener Musik. Der Output war schon immer divers und doch stets von einer ästhetischen Stringenz durchzogen. Von seinem elektro-akustischen Soloprojekt über zeitgenössische Jazzbesetzungen, eine improvisierende Post-Rock-Band, ein Sextett mit zwei E-Gitarren und ein produziertes Songwriter-Projekt bis zur Bigband tobt er sich hemmungslos aus. Das Thema Bigband spielte schon immer eine wichtige Rolle: BuJazzO 2008-2011, Mitgründer des Subway Jazz Orchestra (Köln) 2013, Gastsolist der WDR-Bigband 2021, Dozent für Bigbandleitung an der HMT München 2020-2025, Sideman-Tätigkeit in diversen Bigbands deutschlandweit - die Referenzen sprechen für sich. Doch im Kern geht es Johannes Ludwig bei seiner Musik vor allem um musikalische Tiefe und Aufrichtigkeit. Keine überkomplex aufgeblasenen Konstrukte, sondern Melodien, die einem schon beim ersten Hören das Gefühl von etwas Vertrautem geben, bevor sie dann eine unerwartete Wendung nehmen, die jedoch genau so und nicht anders sein muss. Groove, Erde und Platz für die individuellen Stimmen der Mitmusiker*innen sind die Kernelemente, um die sich seine Musik stets dreht und um die herum eine besondere kleine Welt entsteht.

Das JUGEND-JAZZORCHESTER SACHSEN ist eine Big Band vom Feinsten. Das Ensemble, dessen Bühnenbesetzung nicht mehr als 20 Musiker umfasst, besteht in immer wechselnden Besetzungen seit 1993 und begeisterte seit seiner Gründung sowohl regionales Publikum als auch Jazzliebhaber in Kanada, Griechenland, Indien, Ungarn, Israel und wo die zahlreichen Konzertreisen noch hinführten. Dabei befindet sich auch die künstlerische Leitung im ständigen Wechsel, um den jungen Musikern im Alter zwischen 18 und 26 Jahren möglichst vielfältige Impulse zu geben. So dirigierten schon Jazzgrößen wie Ed Partyka (Schweiz/USA), Malte Schiller, Jan Schreiner, Janis Steprans (Kanada), Milan Svoboda (Tschechien), Jürgen Friedrich, Carla Bley (USA), Joe Sullivan (Kanada), Rolf von Nordenskjöld, Marko Lackner, Al Porcino, Ansgar Striepens, Emiliano Sampaio (Brasilien/Österreich), Theresia Philipp, Steffen Schorn und Štěpánka Balcarová (Tschechien) die Band. Das übergeordnete Motto ist dabei immer "Think Jazz! Feel Jazz! Be Jazz!"

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