Im August 1981 machte sich Joseph Beuys mit seiner Familie auf den Weg von Düsseldorf nach Łódź/Lodz. Auf dem Dach seines Wohnmobils transportierte er in einer Holztruhe eine Schenkung von mehr als 700 Zeichnungen, Objekten, Dokumentationen und Archivmaterialien zu seinem bisherigen Schaffen, zu denen nach der Ankunft 13 Grafiken hinzukamen – seine Skizzen von der gesamten Aktion, die Beuys „Polentransport 1981“ nannte.

Das Polnische Institut Düsseldorf und das Muzeum Sztuki Łódź/ Kunstmuseum Lodz beteiligen sich am Jubiläumsprogramm „beuys 2021“ und eröffnen  am 19. November 2021 in der Galerie des Instituts auf der Citadellstraße 7 in Düsseldorf eine Dokumentarausstellung „Die Ökonomie des Schenkens: JOSEPH BEUYS, POLENTRANSPORT 1981“.

Um es mit der Begrifflichkeit von Joseph Beuys zu formulieren: In den Jahren 1980-1981 schufen die Polen eine gigantische „soziale Plastik“ aus zehn Millionen Elementen – „antisozialistischen Elementen“, wie die kommunistische Propaganda sie nannte. Gemeint war die „Solidarność“, die erste unabhängige, das heißt nicht von einem totalitären Regime kontrollierte Gewerkschaft zwischen Eisenach in der DDR und Wladiwostok in der Sowjetunion.

Das Aufkommen der „Solidarność“ war für Beuys nicht nur ein klares Omen für den Zusammenbruch der kommunistischen Diktatur, sondern auch Verheißung einer neuen Wirklichkeit. In der vor allem von Arbeitern geschaffenen Bewegung sah er eine Verkörperung des dritten Wegs: die Suche nach einem Kompromiss, ein Versuch, den Kommunismus zu überwinden, der gleichwohl die sozialen Errungenschaften bewahren wollte und auf einem starken Bewusstsein für Gemeinschaft und Tradition fußte. Das Wirken der „Solidarność“ erschien Beuys als ideale Realisierung seines Konzepts der „sozialen Plastik“, deren Material für ihn das menschliche Handeln und dessen Einfluss auf Funktionsweise und Gestalt der menschlichen Gemeinschaft waren.

Warum schenkte Joseph Beuys seine Werke gerade dem polnischen Muzeum Sztuki Łódź/ Kunstmuseum Lodz?

Beuys nannte diese Aktion „Polentransport 1981“. Er knüpfte damit an die Geschichte des Kunstmuseums in Łódź an, das als weltweit zweitälteste Museum für moderne Kunst seit seiner Gründung im Jahr 1930 eine enge Verbindung zur Avantgardekunst pflegte. Zum Herzstück des Hauses entwickelte sich die Internationale Sammlung Moderner Kunst der Gruppe „a.r.“, deren erster Teil dem Museum am 15. Februar 1931 offiziell übergeben worden war. Bis zum Ausbruch des Zweiten Weltkriegs wuchs die Sammlung auf mehr als 100 Werke von Künstlern der internationalen Avantgarde an, darunter Jean Arp, Alexander Calder, Sonia Delaunay, Max Ernst, Fernand Léger, Pablo Picasso, Kurt Schwitters, Marcel Seuphor i Piet Mondrian, Georges Vantongerloo. Alle Werke waren Schenkungen.

Heute ist Joseph Beuys’ Schenkung vom August 1981 ein wichtiger Bestandteil der Sammlungen des Muzeum Sztuki Łódź im Bereich der modernen Kunst des 20. und 21. Jahrhunderts. Sie passt perfekt zur Geschichte und Philosophie einer Institution, deren Wirken genau so begann, nämlich mit einer Schenkung. Diese erste Geste von 1931, die später von anderen Künstlern und Sammlern wiederholt wurde, sollte das Gesicht der Stadt verändern – durch die Kraft der Ideen, durch die Kraft der Bilder als freiem Ausdruck des Denkens.

Ausstellung anlässlich des Jubiläumsprogramms „beuys 2021“ zum 100. Geburtstag von Joseph Beuys, des 40. Jahrestags der Verhängung des Kriegsrechts in Polen (13.12.1981), des 30. Jahrestags der Unterzeichnung des deutsch-polnischen Vertrags über gute Nachbarschaft und freundschaftliche Zusammenarbeit (17.06.1991) und des 90. Jahrestags der Schenkung der Internationalen Sammlung Moderner Kunst an das Muzeum Sztuki Łódź durch die Gruppe "a.r." (15. 02.1931).

Die Ökonomie des Schenkens: Joseph Beuys, Polentransport 1981

Dauer der Ausstellung: 19.11.2021 - 4.02.2022

Vernissage: am Freitag, den 19.11.2021, um 19.00 Uhr

Kurator: Maciej Cholewiński, Muzeum Sztuki Łódź

Koordination: Monika Kumięga, Polnisches Institut Düsseldorf

Veranstalter: Polnisches Institut Düsseldorf und Muzeum Sztuki Łódź

Polnisches Institut Düsseldorf

Öffnungszeiten: Di - Fr  11 - 17 Uhr  

Citadellstr. 7., 40213 Düsseldorf

www.instytutpolski.pl/duesseldorf

www.msl.org.pl

www.beuys2021.de

Di-Fr: 12-17 Uhr

 
Liebe Kunstfreunde,

die letzen Monate dieses Jahres haben wir genutzt um eine neue, aussergewöhnliche Ausstellung zu kreieren. Sie können gespannt sein! Am kommenden Samstag ist nun die Vernissage. Auf Grund der immer noch andauerden Pandemie haben wir uns für 2G entschieden. Gerne können Sie dazu hier vor Ort oder zu Hause noch einen Schnelltest machen damit wir einen unbeschwerten Tag haben können. Wir freuen uns auf Sie! Entweder am Samstag zur Eröffnung oder bis 30. Januar '22 jeweils dienstags und donnerstags 11:00 - 17:00 Uhr oder auch an einen anderen Tag nach vorheriger Anmeldung unter: 01719393161 dann auch unter 3G.

11:00 - 17:00 Uhr

20:00 Uhr | Eintritt 20,- Euro | Abendkasse 23,- Euro | Streaming 15,- Euro

Mehr als 4000 Konzerte in 30 Jahren. Die BBs lieben ihre Musik und spielen den Blues so gekonnt, daß selbst die Amerikaner inzwischen den Hut vor dieser deutschen Band ziehen. Mit ihrer Mischung aus !Rhythm & Blues* und einem Hauch “Sixty Soul” haben Sie sich eine Fangemeinde um den ganzen Globus erspielt.

Die Band erhielt zahllose Auszeichnungen wie den “German Blues Award” und den Titel “beste Bluesband Europas” durch französische Musikredakteure, ihre CD “Unique Taste” wurde mit dem Preis der deutschen Schallplattenkritik prämiert.
B.B. & The Blues Shacks stehen für großartige Live-Auftritte und haben sich so auch als Top-Act in Übersee etabliert.
Sie spielten in Dubai, auf dem Doheny Festival in Los Angeles und beim Byron-Bay-Festival in Australien mit Künstlern wie Bob Dylan, B.B. King und Elvis Costello vor Zehntausenden.

Frontmann Michael Arlt (vocal und harp) gehört längst zur ersten Liga europäischer Blues- und Soulsänger. Er ist zudem ein einzigartiger Entertainer. Sein Bruder Andreas Arlt ist ein eleganter Stilist und wird inzwischen als Weltklasse-Gitarrist gehandelt. Mit Fabian Fritz an Klavier und Orgel konnte die Band ein weiteres Genie für den eigenständigen Sound verpflichten. Henning Hauerken (Kontrabass und E-Bass), sowie Andre Werkmeister (Schlagzeug) liefern den einzigartigen Drive und Groove, den man noch vom Konzert mit nach Hause nimmt.

Das aktuelles Album der Band trägt den Titel „Reservation Blues“.
www.bluesshacks.com

Besetzung
Andreas Arlt – guitar, vocals
Michael Arlt – vocals, harmonica
Fabian Fritz – piano, organ
Henning Hauerken – electric + upright bass
Andre Werkmeister – drums, percussion

2G Plus-Regel: nur Geimpfte und Genesene werden eingelassen, zusätzlich muss ein offizieller, tagesaktueller, negativer Corona-Test vorgelegt werden.

Dadurch gibt es keine Maskenpflicht, keine Abstandsregeln sowie keine Kapazitätsbeschränkungen.

Jeweiliger Nachweis wird nur in Verbindung mit einem gültigen Personalausweis anerkannt!

20:00 Uhr | Eintritt 15,- Euro | Abendkasse 18,- Euro | Streaming 10,- Euro

Die Sängerin mit der modulationsreichen unverwechselbaren Stimme und ihre improvisationsfreudigen Musiker feiern den Nikolaustag mit poetischen und groovigen Songs, Jazztiteln und Eigenkompositionen. Die Arrangements geben geben der samt-rauchigen Stimme, den anspruchsvollen Lyrics und instrumentalen Improvisationen Raum Geschichten zu erzählen und Bilder entstehen zu lassen. Musik für Body and Soul.

Susanne Vogt, voc, git
Klaus Wenderoth, p
Michael Rosenthal, b
Dirk Osterberg, dr
Peter Zingrebe, sax, fl
special guest: Job Verweijen, perc

2G Plus-Regel: nur Geimpfte und Genesene werden eingelassen, zusätzlich muss ein offizieller, tagesaktueller, negativer Corona-Test vorgelegt werden.

Dadurch gibt es keine Maskenpflicht, keine Abstandsregeln sowie keine Kapazitätsbeschränkungen.

Jeweiliger Nachweis wird nur in Verbindung mit einem gültigen Personalausweis anerkannt!

Johann Sebastian Bach
Weihnachtsoratorium BWV 248
Kantaten I–III

Sopran Catalina Bertucci
Alt Britta Schwarz
Tenor Tilman Lichdi
Bass Tobias Berndt
Kammerchor der Frauenkirche
ensemble frauenkirche dresden
Leitung Frauenkirchenkantor Matthias Grünert

Veit Erdmann-Abele, Traumgesicht. Drei Szenen für Orchester (UA). Auftragskomposition der WPR
Carl Maria von Weber, Klarinettenkonzert Nr. 1 f-Moll op. 73
Wolfgang Amadeus Mozart, Sinfonie g-Moll KV 550

Sabine Meyer, Klarinette
Vladimir Kulenovic, Leitung

Mit freundlicher Unterstützung der LBBW-Stiftung

In ihren „gewebten Zeichnungen“ übersetzt Myong-Hee Ki textile Strukturen und versucht in diesem Prozess, in sie einzutauchen. Ihre Arbeiten vermitteln eine Langsamkeit und Ruhe und fangen das Wesen der uns umgebenden Alltagsgegenstände und ihre poetische Dimension ein. Mehr gewebt als gezeichnet offenbaren sie Spuren einer linienführenden Hand und eines konzentrierten Blicks.
In der Ausstellung Reading the Time With My Hands reflektiert Ki anhand verschiedener Präsentationsformen ihre Arbeitsweise und damit verbundene zyklische Zeitabläufe: Vermeintlich vollendete Arbeiten werden deponiert, wieder herausgenommen und modifiziert, sodass wiederum etwas Neues entsteht. Einzelne Bildelemente fügen sich zu einem Ganzen, das durch Falten und Krümmungen in Bewegung gebracht wird. Das Wesen der Struktur, das durch Wiederholung und der stets daraus hervorgehenden Differenz geformt und belebt wird, rückt hier in den Vordergrund.
Myong-Hee Ki (* 1981 in Sang-Ju, Südkorea) studierte an der Hochschule für Künste Bremen und schloss ihr Studium 2017 bei Katrin von Maltzahn ab. Sie war bereits an Gruppenausstellungen u.a. in Seoul und Düsseldorf beteiligt und 2020 für den Werner-Kühl-Preis nominiert.

/ English version /

In her "woven drawings”, Myong-Hee Ki translates textile structures and, in the process, attempts to immerse herself in them. Her works convey a slowness and tranquility, capturing the essence of the everyday objects that surround us in their poetic dimension. More woven than drawn, they reveal traces of a meticulous hand and a concentrated gaze.
In the exhibition Reading the Time With My Hands, Ki uses various forms of presentation to reflect on her working method and the cyclical passage of time associated with it: supposedly completed works are set into her archives, taken out again, and modified so that something new emerges in turn. Individual pictorial elements join to form a whole that is set in motion by folds and curvatures. The essence of structure, formed and enlivened by repetition and the difference that always emerges from it, comes to the fore here.
Myong-Hee Ki (* 1981 in Sang-Ju, South Korea) studied at the Hochschule für Künste Bremen and graduated in 2017 with Katrin von Maltzahn. She has already participated in group exhibitions in Seoul and Düsseldorf, among others, and was nominated for the Werner Kühl Prize in 2020.

»Nobody's Listening« ist eine Virtual-Reality-Erfahrung und immersive Ausstellung, die an den Genozid an der jesidischen Gemeinschaft erinnert, der von der Terrormiliz Islamischer Staat im Sommer 2014 im Nordirak begangen wurde.

Trotz der Verleihung des Friedensnobelpreises an Nadia Murad, Amal Clooneys einflussreichem Engagement und schnell umgesetzter Flüchtlingsprogramme, wie das des Landes Baden-Württemberg, ist sechs Jahre später noch wenig getan worden, um den Jesid:innen und anderen betroffenen Gemeinschaften zu helfen. Der Völkermord dauert weiterhin an: Etwa 3.000 jesidische Frauen und Kinder werden noch immer vermisst oder sind in Gefangenschaft und kein:e einzige:r ISIS-Kämpfer:in wurde für das Genozid-Verbrechen zur Rechenschaft gezogen. Die Ausstellung erforscht die Folgen des Völkermordes durch den ISIS und seine verheerenden Auswirkungen auf verfolgte Gemeinschaften sowie deren kulturelles Erbe durch Virtual-Reality-Technologie, Fotografie und Kunstwerke von jesidischen Künstler:innen. »Nobody's Listening« würdigt insbesondere den Mut, die Entschlossenheit und die Handlungsfähigkeit der Überlebenden und bietet ihnen einen Raum, in dem sie von Menschen weltweit gehört werden können. Gemeinsam bilden sie eine Stimme, die internationale Anerkennung und Gerechtigkeit fordert.

Zanele Muholi bezeichnet sich selbst als visuelle*r Aktivist*in und dokumentiert seit den frühen 2000er Jahren das Leben der Schwarzen LGBTQIA+-Community Südafrikas in eindrücklichen, intimen Fotografien. Vom 26. November 2021 bis 13. März 2022 wird im Gropius Bau die erste Retrospektive Muholis in Deutschland zu sehen sein.

Neben weniger bekannten, frühen Bildserien umfasst die Ausstellung aktuelle Arbeiten und macht so die gesamte Bandbreite der fotografischen Praxis Muholis erfahrbar, in der Themen wie Sexualpolitik, rassistische Gewalt, gemeinschaftlicher Widerstand und Selbstbehauptung verhandelt werden. Die Fotografien Muholis stellen dabei nicht nur eine Geste der Ermächtigung dar, sondern fordern immer wieder den heteronormativen Blick heraus – und eröffnen gleichzeitig ein Netzwerk von Verwandtschaftlichkeit und neue Bildgeschichten. Serien wie Faces and Phases sowie Brave Beauties bilden ein wachsendes visuelles Archiv von Schwarzen queeren und trans Identitäten und legen Zeugnis von all denjenigen ab, die ihr Leben riskieren, um angesichts von Repression und Diskriminierung authentisch zu leben.

Kuratiert von Natasha Ginwala, Yasufumi Nakamori (Senior-Kurator International Art (Fotografie), Tate Modern) und Sarah Allen (Assistenzkuratorin, Tate Modern)

Mittwoch bis Montag, 10 Uhr bis 19 Uhr, Dienstag geschlossen

Was haben eine Wanknutsäge, Platons Höhlengleichnis, ein Besenstiel und Max Bill gemeinsam? Antwort: Sie haben alle einen bedeutenden Anteil an der Herausbildung eines der berühmtesten Designklassiker des 20. Jahrhunderts. Kaum ein Gegenstand ist unscheinbarer als dieser und doch hat keiner mehr Aufmerksamkeit auf sich gezogen. Die Rede ist vom sogenannten „Ulmer Hocker„.

Mit der Ausstellung „Der Ulmer Hocker: Idee – Ikone – Idol“ stellt das HfG-Archiv erstmals einen der bekanntesten an der Hochschule für Gestaltung Ulm (HfG) entstandenen Entwürfe in das Zentrum einer analytischen Darstellung. Mittels eines umfassenden Blicks auf die unterschiedlichen Bedingungen, die den „Ulmer Hocker“ ermöglicht haben, wird nicht nur ein Designklassiker verstehbar, sondern darüber hinaus auch ein originelles Modell von Geschichtsschreibung vorgestellt, das seinerseits Schule machen könnte.

So zeigt die „Idee“ den „Ulmer Hocker“ in einem weiten Spannungsfeld seiner Entstehung und deutet ihn als ein Erzeugnis unterschiedlicher Faktoren: Max Bill, Hans Gugelot und Paul Hildinger werden als Urheber des „Ulmer Hockers“ ebenso beleuchtet wie innovative Technologien, die bei der Fertigung des „Ulmer Hockers“ zum Einsatz kam, sowie die ökonomische und politische Situation der HfG Ulm.

Als „Ikone“ wird der „Ulmer Hocker“ als einen Klassiker der Designgeschichte präsentiert und als Teil ihres jeweiligen Kanons inszeniert. So werden auch Hocker gezeigt, die entweder zeitgenössische Varianten, Kopien, Variationen, Vorgänger oder Nachfolger des „Ulmer Hockers“ sind, die sich sämtlich mehr oder weniger direkt auf selbigen beziehen lassen und die Frage aufwerfen, was den „Ulmer Hocker “ im Kern eigentlich ausmacht.

In Anlehnung an die Dokumentation der historischen Nutzungen ermunterte ein „Open Call“ über die Plattform nextmuseum.io das Publikum den „Ulmer Hocker“ als „Idol“ mit seiner gegenwärtigen Verwendung fotografisch mitzuteilen und so ein Teil der Ausstellung zu werden.

Di bis Fr 11 bis 17 Uhr, Sa und So 11 bis 18 Uhr

Reiss-Engelhorn-Museen, Museum Weltkulturen D5

Die Ausstellung „gesichtslos – Frauen in der Prostitution“ widmet sich einem gesellschaftlichen Tabuthema: Frauen in der Prostitution. Sie sind täglich damit konfrontiert, ihre wahre Identität zu verbergen. In der Gesellschaft verstecken sie ihr Gesicht, träumen „gesichtslos“ von einem anderen Leben. Die Ausstellung basiert auf Erfahrungsberichten von Frauen, die in der Prostitution arbeiten. Oft sind es Frauen, die ihre Heimatländer verlassen haben, um der dortigen Perspektivlosigkeit zu entkommen und in Deutschland ein neues Leben unter besseren Bedingungen anzufangen. Die Wirklichkeit sieht aber anders aus.

Der Fotograf Hyp Yerlikaya hat die Frauen zusammen mit der Beratungsstelle Amalie über zwei Jahre mit der Kamera begleitet. In seinen Bildern hält er Menschen, Situationen und Orte mit Mitteln der Inszenierung fest. Insgesamt 40 Bilder und begleitende Texte erzählen die Geschichte dieser Frauen – ihrer Ängste und Sorgen, aber auch ihrer Träume und Hoffnungen. Obwohl 2017 das Prostituiertenschutzgesetz in Kraft getreten ist, führt die Mehrheit der Frauen ein Leben abseits der sozialen Wahrnehmung. Nur wenigen von ihnen gelingt der Ausstieg. Die gesellschaftliche Sichtbarmachung und die Anregung eines öffentlichen Diskurses über die oftmals prekären Lebens- und Arbeitswelten von Prostituierten in Deutschland sind Anliegen dieses Projektes.

Die Beratungsstelle Amalie des Diakonischen Werks Mannheim bietet seit 2013 Frauen in der Prostitution Hilfe, Beratung und Begleitung in belasteten Lebenssituationen.

DIGITALE ANGEBOTE
Mit unseren digitalen Angeboten bringen wir Kultur direkt zu Ihnen nach Hause. Besuchen Sie uns unter digital.rem-mannheim.de

Di – So, 11 – 18 Uhr,

auch an Feiertagen geöffnet,

außer 24. und 31.12.

Informationen: Tel 0621 – 293 3771

www.rem-mannheim.de

© Hyp Yerlikaya

Di – So, 11 – 18 Uhr, auch an Feiertagen geöffnet, außer 24. und 31.12.

Die legendäre Spieleplattform des ZKM »ZKM_Gameplay« startet mit »zkm_gameplay. the next level« eine Neuauflage.

Alle GamerInnen, aber auch BesucherInnen, die bislang kaum Erfahrung mit Computerspielen haben, sind zum informativen, kritischen und kreativen Austausch – und natürlich zum Spielen – in die Ausstellung eingeladen. 

Das neue Konzept basiert nicht nur auf den Erfahrungen des »ZKM_Gameplay«, sondern auch auf der Ausstellung »Games and Politics«, die seit 2017 in Zusammenarbeit mit dem Goethe-Institut auf allen Kontinenten zu sehen ist.

Medium der digitalen Gesellschaft
Dass das Computerspiel sich zu einem Leitmedium entwickelt hat, ist heute kaum mehr eine gewagte These über den Stellenwert des interaktiven und multimedialen Mediums. Es hat sich weit von seinen Ursprüngen als Laborexperiment und Spielzeug entfernt und ist »das« Medium der digitalen Gesellschaft geworden, zwischen Pop-Kultur, Unterhaltung und Kunst. 

Mi bis Fr, 10 – 18 Uhr Sa & So, 11 – 18 Uhr

Die Ausstellung »BarabásiLab. Hidden Patterns« stellt die Tätigkeit des Physikers und Netzwerkwissenschaftlers Albert-László Barabási und seines Forschungslabors vor. Der Fokus der Ausstellung liegt hierbei auf der Entwicklung der Netzwerk-Visualisierung innerhalb der letzten 20 Jahre, die sich anhand der Projekte des BarabásiLabs ablesen lässt. 

Die aktuelle Welt produziert so viele Daten pro Tag wie zuvor nicht in Jahrzehnten. Das Wissen der Welt verdoppelt sich alle zwei Jahre. Um diese Datenmenge bewältigen zu können, bedarf es einer neuen Wissenschaft: die Visualisierung von kennzeichnenden Knoten und Netzen, von Parametern und Mustern.

Das innovative und interdisziplinäre Feld der Netzwerkforschung ermöglicht die Analyse verschiedenster kultureller und sozialer Phänomene. Unsichtbare, verborgene Verbindungen und sich stets wiederholende Muster innerhalb Natur, Gesellschaft, Sprache und Kultur können somit nicht nur erforscht, sondern auch sichtbar gemacht werden. Barabásis Netzwerkansatz verspricht eine umfassende, universelle Methode, die es erlaubt, viele Phänomene mit wissenschaftlicher Präzision zu beleuchten. 

Im Rahmen der Ausstellung können BesucherInnen einen umfassenden Einblick in die unter anderem sehr aktuellen Anwendungsbereiche der Netzwerkwissenschaft gewinnen. Die Netzwerkdiagramme und -strukturen werden in vielfältiger Weise und mittelst modernster Technik visualisiert, sodass die wissenschaftlichen und zugleich höchst ästhetischen Beiträge von Prints und Skizzen, über Videos bis hin zu realen und virtuellen Datenskulpturen reichen.

»BarabásiLab. Hidden Patterns« ist eine Zusammenarbeit mit dem Ludwig Museum, Budapest, wo die Ausstellung vom 10. Oktober 2020 bis zum 17. Januar 2021 gezeigt wird.

Mehr zur Ausstellung:https://zkm.de/de/ausstellung/2021/03/barabasilab-hidden-patterns

Mi – Fr, 10 – 18 Uhr Sa & So, 11 – 18 Uhr

Seit 1988 entwickelt der Frankfurter Künstler Karsten Bott (*1960) ein „Archiv für Gegenwarts-Geschichte“, in dem er Alltagsgegenstände ab den 1950er Jahren sammelt, archiviert und katalogisiert. Über eine halbe Million Dinge dürften es inzwischen sein. Bei den Gegenständen handelt es sich um alles, was Menschen in Gebrauch haben oder hatten. Der Künstler setzt hierbei keinerlei Hierarchie an, sondern misst allem denselben Wert bei. Wert meint hier, dass jedes Teil würdig ist, aufbewahrt und präsentiert zu werden – auch oder gerade weil es seinen Wert im kapitalistischen Kreislauf verloren hat. Den Künstler interessiert, welche Dinge wir brauchen und was wir tatsächlich damit machen oder welche Beziehung die Objekte untereinander haben. Diese macht er in seinen Präsentationen über thematische Zuordnungen sichtbar. Im ausschnitthaften Überblicken geben die „Geschichtsdokumente der Menschheit“ (K. B.) umfassend Auskunft über Umgang und Verhältnis des Menschen zur Gegenstandswelt und letztlich auch über die ambivalenten Kreisläufe von Produktion und Konsum. Karsten Botts Präsentationen sind gleichsam eine Bestandsaufnahme, eine Art Gegenwartsarchäologie. Sie verdeutlichen immer auch die schier unfassbare Masse an Dingen, die mit denen wir uns heute umgeben. Für Fürth ist eine große Bodenauslegearbeit geplant.

_{Abb.: Karsten Bott, Von Jedem Eins, Regal, 45 Fächer, Frankfurt, 2017, Dauerinstallation im Historischen Museum Frankfurt/Main, © Karsten Bott}

Mi-Sa 13-18 Uhr So und Feiertag 11-17 Uhr

Thea Djordjadzes künstlerische Praxis lässt sich als Prozess des beständigen Wiederverwertens, Rekonfigurierens und Neuordnens von Objekten begreifen. In der umfangreichen Werkschau der Künstlerin treten bestehende und neue, speziell für den Gropius Bau entwickelte Arbeiten in einen Dialog mit dem geschichtsträchtigen Gebäude.

Gleichermaßen von historischen Artefakten wie von Konzepten moderner Kunst und Architektur beeinflusst, zeichnen sich Djordjadzes skulpturale Arbeiten durch formale Brüche und eine eigenwillige Materialästhetik aus. Indem sie Materialien wie Gips, Metall, Gummi, Textilien, Holz oder Pappmaché kombiniert, schafft Djordjadze fragmentarische Raumsituationen, anhand derer sie das klassische Display – Vitrine, Sockel, Rahmung und Podest – als wiederkehrendes Motiv in ihrer Arbeit neu formuliert. Ab dem 10. September 2020 zeigt der Gropius Bau bestehende und neue Arbeiten der in Berlin lebenden Künstlerin in seinen Räumlichkeiten; so auch im sogenannten Schliemann-Saal, der von 1881 bis 1885 die archäologischen Ausgrabungen Heinrich Schliemanns beherbergte. In Auseinandersetzung mit der Vergangenheit des Ausstellungshauses treten Djordjadzes Arbeiten und Interventionen in einen Dialog mit diesen geschichtsträchtigen Räumen. Die Ausstellung markiert den Beginn einer Reihe von künstlerischen Präsentationen, die sich mit der Geschichte der archäologischen Ausstellungen im Gropius Bau befassen.

Kuratiert von Julienne Lorz

Mittwoch bis Montag 10:00 bis 19:00, Dienstag geschlossen

Zürich - Die Galerie Gmurzynska freut sich vom 26. November bis 22. Februar mit „Stylistics“, nach zwei Museumsausstellungen, die erste Galerieausstellung von Ezra Petronio, einem kreativen Genie mit perfektionistischer Liebe zum Detail, zu präsentieren.

Die Porträts, die die Galerie Gmurzynska in ihren Galerie Räumen am Paradeplatz und der Talstrasse in Zürich ausstellt, beleuchten den Werdegang von Ezra Petronio: eine legendäre Persönlichkeit der Mode- und Kunstwelt u.a. als Fotograf sowie als Art Director, Designer und Herausgeber des Magazins Self.

„Ich bin Old School, komme aus einer vordigitalen Zeit und habe gelernt, wie man alles von der Pike auf selbst macht. Bereits mein Vater und mein Großvater waren im selben Business tätig und die Mentoren, mit denen ich zusammengearbeitet habe, haben mich die Liebe zum Detail gelehrt.“ – Ezra Petronio

Die Ausstellung konzentriert sich auf Petronios einzigartige Verwendung eines künstlerischen Mediums, mit dem bereits Andy Warhol und Luca Samara gearbeitet haben, das Polaroid. Unter ausschließlicher Verwendung der  legendären Land-Kamera und FP-100 Polaroid Films von Fuji, sind einzigartige Porträts einiger der einflussreichsten Persönlichkeiten der letzten drei Jahrzehnte geschaffen worden, die die bahnbrechenden Veränderungen in Kunst und Kultur aufzeichnen und sie für die Ewigkeit festhalten.

Die zweigeteilte Ausstellung bietet zwei gegensätzliche, tiefe Einblicke in Petronios Porträtkunst. Ein Raum zeigt 120 einzigartige, intime Polaroids: eine schillernde Konstellation kultureller Ikonen, die zusammen das fast überwältigende Gefühl vermitteln, diesem radikalen Pantheon an Denkern und Schöpfern auf einzigartigste Weise nah zu sein. In den Räumen der zweiten Galerie werden Arbeiten gezeigt, die über den konventionellen Polaroid-Rahmen durch die Verwendung von erweiterten Größen hinausgehen. Dies betont die materielle Objekthaftigkeit analoger Texturen und die tiefen bildhaften Qualitäten der von Petronios ausgewählten fotografischen Techniken. Durch Diptycha, Triptycha und die Gestaltung von Collagen bringt der Künstler eine unwirkliche Erweiterung seiner Porträts und ihrer Qualitäten hervor und erschafft eine gar transformative Darstellung seiner Motive.

Begleitend zur Ausstellung erscheint ein bebilderter Katalog mit Texten und Interview von Charlotte Cotton.

ÜBER EZRA PETRONIO

Ezra Petronio, 1968 in New York geboren, gehört zu den einflussreichsten Foto-Künstlern seiner Generation. Seit mehr als 25 Jahren punktet er mit seiner Arbeit für führenden Mode- und Beauty-Marken mit großer Resonanz. Petronio ist Gründer und Creative Director von Petronio Associates mit Sitz in Paris, einer 1993 gegründeten multidisziplinären Kreativ- und Strategieagentur. In den letzten Jahrzehnten hat Petronio mit den größten Köpfen der Mode- und Kreativbranche zusammengearbeitet - Karl Lagerfeld, Jil Sander und Miuccia Prada, um nur einige zu nennen – sowie als Art- und Kreativdirektor für Branchengrößen wie YSL, Miu Miu und Chanel. Als er 1994 das Self Service Magazin gründete und eine Land-Kamera einsetzte, begann Petronio, Polaroid als sein bevorzugtes Medium für Porträtaufnahmen zu verwenden, um die Charaktere und Persönlichkeiten des Magazins einzufangen.

Mo bis Fr von 10:00 bis 18:30 Sa von 10:00 bis 16:00

Mit der Gemäldegalerie präsentiert das Stadtmuseum Simeonstift Trier ausgewählte Glanzstücke seiner Sammlung: Mit einem Schwerpunkt auf dem 18. und 19. Jahrhundert zeigt die Ausstellung einen Querschnitt der Sammlungsgeschichte, die eng mit den Geschicken der Stadt und ihren prägenden Persönlichkeiten verwoben ist. Die Sonderschau ist vom 10. Oktober 2021 bis 24. April 2022 im Neubau des Museums zu sehen.

In enger Nachbarschaft und Anbindung an die Ausstellung zur Stadtgeschichte zeigt die Gemäldegalerie mit einer Auswahl von Skulpturen und Gemälden aus dem umfangreichen Bestand des Hauses die Kontinuität und das unverwechselbare Profil der eigenen Kunstsammlungen. Sie macht aber auch die gewachsene Sammlungsvielfalt deutlich, mit ihren Stärken und Schwächen, ihren besonderen ortsspezifischen Schwerpunkten und Defiziten. Bis zum Ende des 18. Jahrhunderts waren die Kurfürsten-Erzbischöfe sowie die Klöster und Stifte die wichtigsten Auftraggeber für die Kunstschaffenden. Im 19. Jahrhundert waren es dann reiche Bürger, die sich als Kunstmäzene und Sammler betätigten. Einige von ihnen schenkten ihre Schätze der Stadt, die auf dieser Grundlage 1904 ein eigenes Museum ins Leben rufen konnte.

Die Entstehung der Sammlung, die Subjektivität der Stifter, die Zufälligkeit dessen, was aus den Weg in den Bestand des Museums gefunden hat und die spezifische Ausprägung des Kunstschaffens vor Ort, all dieses spiegelt die Sammlung des Simeonstiftes wider. Sie ist damit eine im positiven Sinne regionale Sammlung, in der sich Kunstwerke, regionale Kunstgeschichte, örtliche Sammlerpersönlichkeiten und die Geschichte des Museums aufs engste verzahnen. Dass auch Werke von weit überregionaler Bedeutung Teil dieser Sammlung sind, steht dazu in keinem Widerspruch. Die Werke erzählen Geschichten, sie kommen zu Wort, sie enthüllen einige ihrer Geheimnisse. Es geht um historische Hintergründe, ikonographische Aussagen, Künstler und Auftraggeber, um die vielschichtige Erfassung von Kunstwerken, die dem Besucher den Zugang zur Sammlung ermöglichen soll.

Erhebliche finanzielle Mittel werden jährlich in die Erhaltung der materiellen Existenz der Gemälde und Skulpturen des Stadtmuseums investiert. Diese grundlegende Aufgabe verantwortlicher Museumsarbeit bleibt den Augen des Besuchers weitgehend verborgen. Die Arbeit der Restauratoren aber bewahrt die Substanz der Erinnerung an die Vergangenheit und schlägt gleichzeitig eine Brücke in die Gegenwart und Zukunft.

Dienstag bis Sonntag, 10-17 Uhr

Die Ausstellung präsentiert Kinderbücher bis zu einem Lesealter von zwölf Jahren und stellt in chronologischer Reihenfolge Lieblingsbücher vom 18. Jahrhundert bis heute vor. Es wird ein Panorama erzählender Kinderbücher entfaltet (nicht aufgenommen sind Gedichte und Märchen).

Di-So 10:00 bis 16:00 Uhr

"Raum malen" versammelt eine Vielzahl von zeitgenössischen künstlerischen Positionen, die die materiellen Essenzen von Malerei und deren Verhältnis zum Raum untersuchen. Speziell für die Ausstellung entstandene sowie existierende Arbeiten laden die Besucher*innen ein, Malerei nicht nur visuell, sondern auch physisch zu erfahren.

Auch nachdem abstrakte Kunst und Performance den westlichen Malerei-Begriff in Frage gestellt und neue Formate etabliert haben, wird Malerei meist mit Farbe auf Leinwand gleichgesetzt. Was passiert aber, wenn sich diese Farbe von der Leinwand löst und ganze Räume sowie Objekte einnimmt? Viele der in der Ausstellung vertretenen Künstler*innen gehen dieser Frage nach, indem sie Malerei in ihre einzelnen Komponenten zerlegen, auf ein Minimum an Elementen reduzieren, mit Oberfläche und Farbe experimentieren, im gesamten Raum erlebbar machen und so letztlich die Grenzen zwischen Malerei, Installation und Skulptur auflösen. Die Ausstellung fordert die Besucher*innen dazu auf, „mitten ins Bild“ zu treten – und dabei neue Perspektiven auf die Architektur des Gropius Bau zu entdecken.

Kuratiert von Julienne Lorz (Hauptkuratorin, Gropius Bau)

Mittwoch bis Montag, 10:00 bis 19:00, Dienstag geschlossen