Erleben Sie die älteste Privatbrauerei Südhessens und zugleich eine der innovativsten Brauereien Deutschlands. Im Verlauf Brauerei-Tour erfahren Sie alles über unsere Geschichte und unsere einzigartige Brau- und Rohstoffphilosophie. Sie erleben hautnah wie unsere Biere naturbelassen, Co2- neutral und trinkwassersparend gebraut werden und lernen den besonderen Geschmack unserer charaktervollen Biere kennen.

Inhalt: 1,5 Stunden Führung durch die Familienausstellung und die neue Brauerei, ein Bierglas als Sammlerstück geschenkt, Zwickeln, Kurze Bierprobe in der Brauerei

Wichtige Informationen zur Führung:
• Führungen finden erst ab 10 Personen statt - Bei Absage des Veranstalters ist eine Umbuchung möglich bzw. die Rückerstattung ist gewährleistet
• Führung unter Einhaltung der Corona-Hygienebestimmungen.
• Mundschutz bitte selbst mitbringen
• Die Führung ist aufgrund einer steilen Treppe für Rollstuhlfahrer oder Kinderwägen nicht geeignet.
• Keine Haustiere gestattet.
• Der Treffpunkt ist im Glaabsbräu-Innenhof (Frankfurter Str.)

Die Brauereiführung ist ausgebucht.

„Unsere Kinder sollen es einmal besser haben“, haben unsere Eltern gesagt.
„Unsere Kinder sollen es einmal besser haben“, sagen wir.
„The Kids Are Alright“ widmet sich den Familienerzählungen, Generationenkonflikten, politischen Kämpfen und Zukunftsvisionen in Familien mit Migrationsgeschichte. Kinder der zweiten und dritten Einwanderer*innen-Generation leben oft mit dem Narrativ, ihre Eltern wären nach Deutschland gekommen, damit sie hier „etwas für ihre Kinder aufbauen können“. Doch was möchten wir und unsere Kinder eigentlich aufgebaut bekommen – im wörtlichen wie übertragenen Sinne? Simone Dede Ayivi und Kompliz*innen haben Gespräche mit Großeltern, Eltern und Kindern aus verschiedenen Communities geführt und bringen in einer performativen Installation die divergierenden Vorstellungen eines „besseren Lebens“ auf die Bühne

Foto: Theresa Reiwer

Bei den Konzerten des ›Sternenatlas‹ gibt es keine Abendkasse. Bitte kaufen Sie ein Ticket vorab.
Bitte beachten Sie, dass der Veranstaltungsort nicht barrierefrei und nicht beheizt ist.

Sonderkonzert in großer Ensemblebesetzung in der Installation ›Analemma‹ in der KunstKulturKirche Allerheiligen

Sternenatlas

John Cage: Atlas Eclipticalis (1961/62)
Eine Konzertinstallation von Hermann Kretzschmar (2023/24), UA

Mitglieder des Ensemble Modern
Hermann Kretzschmar | Einrichtung und Bearbeitung

Dauer: 45 min (ohne Pause, keine Bewirtung vor Ort)

Eigens für cresc… hat das Ensemble Modern-Mitglied Hermann Kretzschmar eine Bearbeitung von John Cages ›Atlas Eclipticalis‹ als Konzertinstallation entwickelt. Cage projizierte den berühmten Sternenatlas des tschechischen Astronomen Antonín Bečvář auf Notenpapier und wandelte so die Karte der Himmelskörper in musikalische Prozesse um. Kretzschmars Bearbeitung versetzt nun Cages Werk frei nach Stephen Hawkings Buch ›Das Universum in der Nussschale‹ in die kleinen Räume von Sternwarten. Hierzu hat das Ensemble Modern unterschiedliche Versionen der klingenden Sternenkarte aufgezeichnet. Diese werden mithilfe eines Samplers vielfältig und immer wieder neu geschichtet und verbunden sowie durch Livemusiker*innen des Ensemble Modern ergänzt. So entsteht der Sternenatlas in jedem Konzert neu. Das Mikrofon spiegelt dabei das Teleskop der Sternwarten und ergänzt deren visuelle Projektion um eine akustische. Ein intimes Format, das den Sternenhimmel hörbar macht.


cresc... wird ermöglicht durch den Kulturfonds Frankfurt RheinMain.
___________


Especially for cresc…, the Ensemble Modern member Hermann Kretzschmar has developed an arrangement of John Cage’s ›Atlas Eclipticalis‹ as a concert installation. Cage projected the famous atlas of the stars created by the Czech astronomer Antonín Bečvář onto musical staves, thereby transforming the chart of celestial bodies into musical processes. Kretzschmar’s arrangement now transposes Cage’s work into the small spaces of observatories, inspired loosely by Stephen Hawking’s book ›The Universe in a Nutshell‹. To this end, Ensemble Modern has recorded different versions of the resounding astronomic atlas. These are going to be stratified, layered and connected in always new and multiple ways with the help of a sampler, and complemented by live performances by Ensemble Modern musicians. In this manner, this atlas of the stars is created anew in each concert. The microphone mirrors the telescope of the observatories, adding an acoustic projection to their visual ones. An intimate format rendering the night sky audible.

cresc... is funded by Kulturfonds Frankfurt RheinMain.

Hausöffnung: 15 min vor Vorstellungsbeginn Nach Vorstellungsbeginn besteht kein Anspruch auf Saaleinlass.

Lange Zeit galt ja das Thema „Boy meets Girls“ als patente Idee für einen Film oder ein Theaterstück. Man denke nur an „Romeo und Julia“ oder „Harry und Sally“. Das war einmal. Heute muss man weiterdenken. Fällt Sallys gespielter Orgasmus nicht in die „Me Too“-Kategorie, weil Harry sie dazu drängte? Und dann dieser Shakespeare. Mit „Lieben denn junge Männer mit ihren Augen nur?“ kann er doch nur die „kleinen Paschas“ gemeint haben, wie Friedrich Merz Söhne von Migranten nannte. Das muss man doch in einem Film oder einer Inszenierung thematisieren!

Kurzum: Man hat’s nicht leicht heutzutage als Regisseur. Oder RegisseurIn? Oder Regisseur*in? Oder Regisseur:in? Oder Regisseur_in? Okay. Dann eben als Regieperson. Erst recht nicht leicht haben’s Margarete und Heiner, die zwei Schauspielpersonen. Sie stehen auf unserer Bühne vor einem Wust an Material zu so lieblichen Themen wie Gender-Gaga, Me Too, Feminismus, Patriarchat und sogar „Männliche und weibliche Straßenbäume“ ­– und sollen daraus ein Theaterstück machen.

Dabei wär’s ja ganz einfach – denn alle Menschen sind doch gleich. Prima. Dann halten wir’s mit Friedrich Schiller, und alle Menschen werden Brüder. Okay. Aber warum nicht Schwestern? Also doch nicht so einfach.

Einlass: 19.00 Uhr

„Sie hören viel Reinhard Mey, oder? Die Gitarre und die Art der Texte erinnern mich sehr daran – wunderbar!“. Diese und ähnliche Fragen bekommt Stefan Eichner - besser bekannt als „Das Eich“ - nach seinen Konzerten immer wieder zu hören. Nicht von ungefähr, denn in der Tat ist der „Entspannte Franke“ ein Liebhaber der Chansons von Deutschlands bekanntestem Liedermacher und hat sein Gitarrenspiel größtenteils mit Liedern von Reinhard Mey gelernt und verfeinert.
Jetzt hat sich Stefan Eichner einen Wunsch erfüllt und ein abendfüllendes Reinhard-Mey-Chanson-Bühnenprogramm zusammengestellt, das er neben seinen eigenen Musik-Kabarett-Programmen ab sofort live spielen wird. Natürlich, wie Reinhard Mey selbst, ohne Band. Nur mit Gitarre. Der Künstler selbst beschreibt den Abend so: „Die Lieder begleiten mich mehr als ein halbes Leben lang: Zu Hause, auf Tour, eigentlich ständig. Reinhard ist einzigartig, nicht zu kopieren und darum soll es in diesem Programm auch nicht gehen. Auch ist der Konzertabend kein „Best of“. Reinhard Mey hat über 500 Lieder in seiner Karriere geschrieben. Eine unglaubliche Leistung. Von daher würde aus meiner Sicht eine Zusammenstellung aus z.B. den 20 größten Erfolgen dieser Leistung nicht gerecht. Genau deshalb finden sich neben Klassikern wie „Über den Wolken“ und „Gute Nacht, Freunde“ auch Lieder aus der „zweiten und dritten Reihe“ wieder, die - wie ich finde - auch gespielt werden müssen. In zahlreichen Gesprächen nach den Konzerten erzählen mir die Besucher, dass ihnen gerade das so gut gefällt. Diese durchweg positive Resonanz freut mich sehr und sorgt bei mir immer wieder für große Vorfreude auf das nächste Konzert!“

Einlass 19:00 Uhr

„Unsere Kinder sollen es einmal besser haben“, haben unsere Eltern gesagt.
„Unsere Kinder sollen es einmal besser haben“, sagen wir.
„The Kids Are Alright“ widmet sich den Familienerzählungen, Generationenkonflikten, politischen Kämpfen und Zukunftsvisionen in Familien mit Migrationsgeschichte. Kinder der zweiten und dritten Einwanderer*innen-Generation leben oft mit dem Narrativ, ihre Eltern wären nach Deutschland gekommen, damit sie hier „etwas für ihre Kinder aufbauen können“. Doch was möchten wir und unsere Kinder eigentlich aufgebaut bekommen – im wörtlichen wie übertragenen Sinne? Simone Dede Ayivi und Kompliz*innen haben Gespräche mit Großeltern, Eltern und Kindern aus verschiedenen Communities geführt und bringen in einer performativen Installation die divergierenden Vorstellungen eines „besseren Lebens“ auf die Bühne

Foto: Theresa Reiwer

„Sein Ton ist bisweilen klirrend gespannt, manchmal fast verzweifelt leuchtend schön“, so die Presse über den in Hamburg lebenden ukrainischen Pianisten Volodymyr Lavrynenko, als er 2016 den 1. Preis des Internationalen Schubert-Wettbewerbs in Dortmund gewann. Seither gilt der heute 39Jährige als ausgewiesener Schubert-Interpret, und seine Schubert-CD-Einspielung - „sowohl technisch als auch musikalisch einzigartig“ - erzeugt selbst bei Kennern immer wieder Gänsehaut: „Mitreißend bringt er die emotionale Kraft, die Vielschichtigkeit und Ambivalenz dieser Werke zum Ausdruck, so dass sie das ganze Spektrum menschlichen Glücks und menschlicher Sehnsucht mitsamt ihrer Kehrseite, den Ängsten, Verlorenheiten, Einsamkeiten, mit Trauer und Schmerz, Erschütterung und Innigkeit, spiegeln.“

Diesmal ist der vom Musikpublikum bisher immer noch viel zu wenig wahrgenommene, bescheidene Ausnahmemusiker Volodymyr Lavrynenko wieder mit Schubert zu hören, nämlich mit den 13 Variationen über ein Thema von Anselm Hüttenbrenner. Und weitere Variationen stehen auf dem Programm, über Themen aus Werken von Haydn, Mozart, Beethoven und Rachmaninow. „Wenn ich ein Konzertprogramm spiele, ist es für mich wie ein großes Werk, das aus mehreren Teilen besteht. Und jeder Teil ist mir gleich wichtig. Man muß die Musik, die man spielt, lieben, sonst klappt es nicht“, sagt Lavrynenko, der schon früh in einer Kiever Schule für musikalisch Hochbegabte gefördert wurde und seine weiteren musikalischen Ausbildungen alle mit Auszeichnung absolvierte. Als Meisterschüler wurde Volodymyr Lavrynenko von Weltgrössen wie Alfred Brendel oder Leon Fleisher unterrichtet und war mehrere Jahre Assistent von Konstantin Lifschitz an der Hochschule Bern. Als Konzertpianist gewann er zahlreiche einschlägige Wettbewerbe und Preise und erspielte sich in den vergangenen Jahren in ganz Europa eine Reputation als beeindruckender Solist und Kammermusiker.

Das Schanz bebt im Februar mit vier Metalbands an einem Abend!

Corbian:
Viele Menschen sagen, dass Offenbach nicht für harte Musik gemacht sei. Dann lasst euch sagen: Das ist falsch! Die vierköpfige Hybrid Metal Band Corbian beweist euch das Gegenteil! Moderner Metal gepaart mit fauchenden Vocals und schneller Double Bass ergeben die letzte Veröffentlichung der Jungs "Chapter II".
Corbian bewegen sich geschmeidig durch moderne Genres wie Death oder Metal Core genauso aber Melodeath und Thrash immer mit dem Ziel vor Augen, die Fans stets zu überraschen. Die Band stand schon mit Größen wie Avatar, Cattle Decapitation, Welicoruss oder Circus of Fools zusammen auf der Bühne und will noch weiter aufsteigen.

XO armor:
Mit ihrem kürzlich veröffentlichten Studioalbum „Nublar” ist die aus der Vulkaneifel stammende Band XO Armorwie ein Asteroidin die Metal-Szene eingeschlagenund hat dabeisämtliche Genregrenzen ausgelöscht. Mit ihrem stampfenden Mix aus Metalcore, Trap, Techno, Pop und allem dazwischen, hat die Band eine einzigartige Klanglandschaft geschaffen, welche sich, in Anlehnung an die Insel „Isla Nublar” aus Jurassic Park, in ihrer Sprache und Ästhetik prähistorischer Stilistik bedient. XO Armor haben mit ihrer brachialen und fesselnden Live-Performance bereits Locations wie das PellMell Festival und das Kitkat in Berlin wie ein angepisster T-Rex beben lassen. Also mach dich auf den Pit deines Lebens gefasst, wenn es wieder heißt „Crush this place like Pangea”.

DARK DAYS:
Dark Days ist eine deutsche Metalcore-Band aus Gießen, die im Mai 2018 gegründet wurde. Das Quartett veröffentlichte ihre Debüt-EP "Balance" im Juli 2020 und arbeitete während COVID an ihrer zweiten EP "The day darkness returns to bloom", die im Mai 2022 released wurde.
Durch emotionale und mitreißende Shows, schafften die vier Gießener den Aufstieg von einer lokalen hin zu einer deutschlandweit bekannten Band, die für massive Breakdowns, melodische Riffs und prägnante Vocals bekannt ist.
Ihr Sound ist eine Mischung aus klassischen Metalcore-Riffs, beeinflusst von Parkway Drive und Trivium, kombiniert mit modernen Hardcore-Rhythmen beeinflusst durch Malevolence und Silent Planet.

Im Januar 2023 veröffentlichten Dark Days ihre neue Single "No Home | No Hope", die instrumental in eine - für die Band - neue Richtung lenkt!

DYING BREED:
NOTE TO SELF. So lautet der Titel der kürzlich erschienenen EP von DYING BREED, einem Namen, den viele Fans der deutschen Metal- und Hardcoreszene schon mal gehört haben dürften. Seit 10 Jahren machen die fünf Jungs aus Mittelhessen mit Herzblut Musik, die den Boden zum Beben bringt, aber auch gefühlvoll Geschichten erzählt, denn ihre Musik ist gleichzeitig ihr Sprachrohr nach draußen.
Die aus 8 Songs bestehende EP ist das wohl bisher persönlichste Werk der Band und schafft es jederzeit, neben genretypischen Elementen wie eingängigen Riffs, treibenden Drums und emotionalen Shouts und Gesängen, eine ganz eigene Identität mit Wiedererkennungswert zu bewahren.
Auch über Landesgrenzen hinaus haben DYING BREED schon ihre Musik gebracht, unter anderem nach Belgien, Österreich, Tschechien oder in die Niederlande. Live versteht sich die Kombo darauf, die Massen mitzureißen und einzuheizen, sodass jeder Konzertbesuch zu einer bleibenden Erinnerung wird. Davon muss sich aber schlussendlich jeder selbst überzeugen.

Einlass: 18:30

Bei der Buchung von drei Konzerten des Cresc-Festivals (3er-Wahlabo) ist das Konzert mit 25% Ermäßigung buchbar.

cresc… 2024 | Forum N

Coptic Light

Lawrence Power | Viola
Stefan Asbury | Dirigent

Coptic Light:
Tania León: Ácana für Kammerorchester (2008)
Morton Feldman: Coptic Light für Orchester (1986)
George Benjamin: Palimpsest I (2000)
Sofia Gubaidulina: Konzert für Viola und Orchester (1996/2015)


Muster, Strukturen, Gewebe, Teppiche. Morton Feldmans »Coptic Light« ist ein eindrucksvoller orchestraler Ausdruck seines Interesses an gewebten Materialien. Im Rahmen der »cresc… Biennale« und ihrem Thema »Fadenspiele« knüpft sein von koptischen Textilien im Pariser Louvre inspiriertes Werk im Forum N des hr-Sinfonieorchesters vielschichtige Beziehungen. Zur Musik der aus Kuba stammenden US-Kollegin Tania León, in der »cultural clashes« französischer, spanischer, chinesischer, afrikanischer und kubanischer Traditionen vital ineinanderwirken. Aber auch zu dem Briten George Benjamin und seiner Faszination für Überlagerungen in jahrhundertealten Manuskripten, deren bruchstückhaft-komplexe Schichtungen organischem Wachstum ähneln und miteinander in Beziehung stehen. Sowie zu der großen russischen Komponistin Sofia Gubaidulina, die ihre kulturellen Wurzeln in der Prägung durch jüdische Lehrer, der frühen Begegnung mit der deutschen Kultur und ihrer russisch-tatarischen Herkunft beschreibt, und in deren Werk sich das 20. Jahrhundert seit der Stalinzeit – der Kalte Krieg, Gorbatschows Perestroika und der Zusammenbruch der Sowjetunion – widerspiegelt.

Konzertdauer: ca. 115 Minuten – inklusive Pause

cresc... wird ermöglicht durch den Kulturfonds Frankfurt RheinMain.
___________

Patterns, structures, weaves, carpets. Morton Feldman‘s »Coptic Light« is an impressive orchestral expression of his interest in woven materials. In the context of the »cresc... Biennale« and its theme »Fadenspiele«, his work, inspired by Coptic textiles in the Louvre in Paris, establishes multi-layered relationships in Forum N of the Frankfurt Radio Symphony. To the music of the Cuban-born U.S. colleague Tania León, in which »cultural clashes« of French, Spanish, Chinese, African and Cuban traditions work vital together. But also with the British George Benjamin and his fascination with superimpositions in centuries-old manuscripts, whose fragmentary yet complex stratifications resemble organic growth, all interrelated. Furthermore, with the great Russian composer Sofia Gubaidulina, who describes her cultural roots in the influence of Jewish teachers, her early encounter with German culture and her Russian-Tatar origins, and whose musical oeuvre reflects the 20th century since the Stalin era – the Cold War, Gorbachev’s perestroika and the collapse of the Soviet Union.

Concert duration: about 115 minutes – including break

cresc... is funded by Kulturfonds Frankfurt RheinMain.

Hausöffnung: 18:00 Uhr Nach Konzertbeginn besteht kein Anspruch auf Saaleinlass.

Eine bitterböse Komödie unter der Regie von Michael Quast.

Zwei befreundete Paare treffen sich zu einer Aussprache.
Die Volksbühne, an einem spielfreien Tag, scheint ein guter und neutraler Ort dafür. Nun ist aber doch – irrtümlicherweise – Publikum anwesend. So gerät das Stück zu einem Stück Theater im Theater: Ein
wilder Ritt durch die Konflikte dieser Vierer-Konstellation beginnt – bis geschossen wird!

Philipp Mosetter, seit vielen Jahren gemeinsam mit Michael Quast in Sachen Goethe, Schiller und Grimm auf der Bühne, hat diese bitterböse Komödie geschrieben.

Mit Sam Michelson, Randi Rettel, Susanne Schäfer, Andreas Wellano
Regie Michael Quast Kostüm Erika Landertinger Regieassistenz Christof Fraunholz

Foto © Josef Perndl

Einlass ab 18:30 Uhr

STREAMING-ABONNEMENT: MIT EINEM KLICK 18 MAL LITERATURHAUS AUF DEM SOFA

Und so geht’s: Im Literaturhaus-Kartenshop einfach das „Streaming-Abo Literaturhaus Frankfurt“ auswählen, einmalig 50 Euro zahlen und losstreamen. Sie bekommen – per E-Mail – die Zugangsdaten zum Livestream für 18 der Literaturhaus-Veranstaltungen im Januar, Februar und März 2024. Jedes der Tickets enthält die für die Veranstaltung gültige Internetadresse und Ihren persönlichen Zugangscode, der unbegrenzt nacheinander nutzbar ist. Sie können die Veranstaltung live am Bildschirm mitverfolgen oder innerhalb von 72 Stunden nach Veranstaltungsbeginn abrufen.

Folgende Veranstaltungen sind im Streaming-Abo enthalten:

15.01. Ewald Frie
16.01. Bodo Kirchhoff
22.01. Angelika Klüssendorf
25.01. Barbara Yelin
29.01. Erste Bücher
01.02. Schreibzimmer 2023: Abschlusslesung
07.02. WORTMELDUNGEN. Ulrike Crespo Literaturpreis für kritische Kurztexte - Shortlist-Abend
14.02. Madita Oeming
20.02. Raphaela Edelbauer und Thomas Lehr
21.02. Gelebtes Leben: Denker der Freiheit im Porträt - Arthur Koestler
26.02. Zoë Beck
28.02. Michael Braun-Lyriknacht
04.03. Daniel Schreiber
10.03. Sasa Stanisic
11.03. Andrea Petkovic
13.03. Barbara Kingsolver
14.03. Deniz Ohde
18.03. Dana von Suffrin und Dana Vowinckel

(Ausgeschlossen sind die Veranstaltungen des Jungen Literaturhauses sowie die Lesungen im Schauspiel Frankfurt und die Reihe "Acht Orte - Acht Autor*innen".)

In ihrem Programm Metamagicum führen Thomas Fraps und Pit Hartling die Gäste virtuos durch Zauberkunst und Wissenschaft:

Von einem IQ-Scan des Publikums, über die Paradoxien der Quantenphysik bis zu einer echten Zeitreise und dem gemeinsamen Sprung in ein paralleles Universum - Metamagicum ist ein Grenzgang zwischen Fakt und Fiktion.

Wo sonst erfahren Sie zwischen Filmprojektionen und Johann Sebastian Bachs wohltemperierten Klavier, wie Ihre Schuhgröße den Benzinverbrauch Ihres Nachbarn beeinflusst, und was die Relativitätstheorie mit der Münchner Spaten-Brauerei zu tun hat?
Neu: Jetzt mit Weltformel!
Thomas Fraps hat ein waschechtes Diplom in Physik und machte vor vielen Jahren die Zauberkunst zum Hauptberuf. Zwei Jahre lang moderierte er die Sendung „Faszination Wissen“ im Bayerischen Rundfunk und ist der bisher einzige Zauberkünstler, der ein Portrait in der Zeitschrift „Nature“ bekam.

Pit Hartling wurde bereits im Alter von 17 Jahren Vize-Weltmeister der Zauberkunst. Durch zahlreiche Experimente mit der Wirklichkeit kam er zu dem Schluss: „Die Naturgesetze sind überbewertet.“ Gemeinsam mit Thomas Fraps zeigt er, dass die Natur erstaunlicher ist als jeder Trick, und alle haben eine Menge Spaß dabei!

Einlass ins Foyer 18:00 Uhr, Einlass in den Saal 18:30 Uhr

Die Veranstaltung ist bereits ausverkauft.

Das Eliot Quartett präsentiert ein Konzert zum Mitmachen für Kinder im Alter zwischen 4 und 10 Jahren. Die Mitglieder des Quartetts Maryana, Alexander, Dmitry und Michael haben ihre Wurzeln in Russland, Kanada/China und Deutschland – das ermöglicht es ihnen, ein ganz besonderes Programm für junges Publikum mit Musik aus völlig verschiedenen Kulturkreisen anzubieten. Die Kinder lernen Werke von Haydn und Mozart, von Tschaikowski und Schumann, aber auch vom chinesischen Komponisten Zhou Long kennen. Die Musiker spielen und erklären, was es mit den Stücken und den Instrumenten auf sich hat. Dabei werden die Kinder ins Geschehen einbezogen, nach ihren Eindrücken gefragt und mit Rhythmus- und Bewegungsspielen zum Mitmachen animiert – ein direkter und sehr persönlicher Zugang zum Quartettspiel wie auch zu den Musikern.

Die Veranstaltung ist ausverkauft, es stehen keine Karten mehr zur Verfügung.

Bei der Buchung von drei Konzerten des Cresc-Festivals (3er-Wahlabo) ist das Konzert mit 25% Ermäßigung buchbar.

Hauch #2

Rebecca Saunders: Hauch #2 – Musik für Tanz. Eine musikalische Collage in einer Choreografie von Rafaële Giovanola in Zusammenarbeit mit den Tänzer*innen von CocoonDance: Martina De Dominicis, Léonce Noah Konan, Colas Lucot, Bojana Mitrovic, Nora Monsecour (2021/23), UA

Ensemble Modern
CocoonDance
Rafaële Giovanola | Choreografie
Matthias Rieker | Lichtdesign
Norbert Ommer | Sounddesign
Rainald Endraß | Dramaturgie
Fa-Hsuan Chan | Kostüme
Álvaro Esteban | Outside Eye

Dauer: 75 min

Vielleicht ist Rebecca Saunders die Fadenspielerin unter Komponist*innen schlechthin. Sie fasse die Klänge und Geräusche mit ihren Händen, sagt sie, spüre ihre Potenziale zwischen ihren Handflächen. ›Hauch #2‹ ist eine Collage für Musik und Tanz. Passagen und Fragmente von bestehenden Solostücken und einem Duo werden hier zu etwas Neuem. Saunders interessiert sich dabei für die Spannungen, die entstehen, wenn die »Selbstgespräche« der Soli in einem geteilten Raum aufeinandertreffen, sich überlagern und verweben. So entsteht ein Klangteppich, auf dem sich an diesem Abend die Tänzer*- innen in einer Choreografie von Rafaële Giovanola bewegen. Diese rückt die verbindende Körperlichkeit der beiden künstlerischen Ausdrucksformen ins Zentrum.

cresc... wird ermöglicht durch den Kulturfonds Frankfurt RheinMain, die GVL und die Ernst von Siemens Musikstiftung.
___________

Among composers, perhaps Rebecca Saunders is the grandmaster of string figures. She describes how she grasps sounds and noises with her hands, feeling their potential between the palms of her hands. ›Hauch #2‹ is a collage for music and dance. Here, passages and fragments of existing solo pieces and a duet merge within a new work. Along the way, Saunders is interested in the tensions arising when the »soliloquies« of the solos clash in a shared space, superimposing one another and interweaving. The result is a carpet of sound upon which the dancers move in a choreography by Rafaële Giovanola. This emphasizes the physicality of the two artistic means of expression, a physicality binding them together.

cresc... is funded by Kulturfonds Frankfurt RheinMain, GVL and Ernst von Siemens Musikstiftung.

Hausöffnung: 17:00 Uhr Nach Konzertbeginn besteht kein Anspruch auf Saaleinlass.

Die Veranstaltung ist ausverkauft. Keine Restkarten an der Abendkasse.

EIN IMMERSIVES AUSSTELLUNGSERLEBNIS

Raumfabrik Frankfurt

19. Januar 2024 - 26. April 2024

„Die Aufgabe des Künstlers besteht darin, das darzustellen, was sich zwischen dem Objekt und dem
Künstler befindet, nämlich die Schönheit der Atmosphäre.“
(Claude Monet)

MONETS GARTEN – EIN IMMERSIVES AUSSTELLUNGSERLEBNIS ist eine multisensorische 360-Grad-Reise durch die Geschichte und Werke eines der größten Künstler des vergangenen Jahrhunderts!

„Die Ausstellung ist ein Erlebnis für alle – von jung bis alt. Die Besucher erleben die Welt Claude Monets, seine Farben und berühmten Werke auf wunderbare Weise so, als ob sie tatsächlich in der Szenerie sind. Farben, Licht, die Projektion des Wassers – alles wird lebendig!“ (Roman Beranek, Kreativdirektor)

Inszeniert werden diese Erlebnisreise und das einzigartige Ausstellungskonzept mit modernster Multimedia-Technik, mit der Sie ganz in die Welt und die weltberühmten Kunstwerke des Malers Claude Monet (1840-1926) eintauchen können. Aufwändige Installationen und Projektionen erzeugen in Verbindung mit Musik rauschende Farbwelten und lassen die Gemälde auf noch nie zuvor gesehenen Weisen lebendig und spürbar werden.

Erleben Sie selbst, wie sich für Sie Illusion in Realität verwandelt.

„Die Ausstellung „Monets Garden“ ist wunderbar und es ist nicht zu viel, wenn man sagt: So etwas haben Sie noch nie gesehen!“ (Berliner Zeitung)

Vom „übergroßen Farbklecks“ (ZDF) über „Einfach mal hingehen und ... wirken lassen.“ (taz) bis hin zu „..aus stillen Gemälden wird neuerdings digitale Oper: und man wünscht sich Spinnenaugen, damit einem nichts entgeht.“ (Zeit): Die Reaktionen der Medien waren mehr als überschwänglich. Wie sehr diese Ausstellung nicht nur die Presse überzeugt, zeigen die Publikumszahlen der Weltpremierenwochen: über 100.000 Gäste haben sich in Berlin von MONETS GARTEN begeistern lassen.

Diese Ausstellung wird auch Ihnen den Atem rauben – hier ist es nicht still, wie im Museum, noch betrachtet man die Gemälde aus der Ferne, so dass Details kaum erkennbar sind. Hier eröffnen sich Ihnen einzigartige Perspektiven auf Monets Kunstwerke, die Sie aus neuen Blickwinkeln betrachten können.

Seien Sie dabei und sichern Sie sich jetzt Ihre Tickets!

WARNUNG: Diese Ausstellung kann bei Personen mit lichtempfindlicher Epilepsie möglicherweise Anfälle auslösen.

Veranstalter: Alegria Exhibition GmbH

Wer kann schon von sich behaupten ein „Glückliches Händchen“ zu haben? Wenn nicht Martin Fromme, wer dann? Mit seinem zweiten Programm geht er wieder auf Tour. Comedy mit einer klaren Haltung. Und das will schon etwas heißen, bei eindeutiger Schieflage.
Was ist zurzeit wichtiger als ein klares Statement zur Diversität? Kunst und Kultur sollte die Kraft haben zu verändern. Nachhaltig. Ohne erhobenen Zeigefinger. Sondern ungehemmt, emphatisch, rotzfrech, wertschätzend, authentisch.
Okay. Die Auftritte sind etwas anders. Während der Show werden oft Plakate hochgehalten, auf denen steht zum Beispiel „Ich will ein Kind von Dir“…nur bei Martin Fromme heißt es darauf dann meistens ergänzend: „Ich will ein Kind von Dir…aber nur mit vorheriger Pränataldiagnostik“ – und statt Slips schmeißen ihm die Frauen immer Salbe und Verbandsmaterial auf die Bühne. Oder behindertengerechtes Salatbesteck…aber damit kommt der Comedian klar.
Es werden viele Fragen geklärt:
Ist Martin wirklich der Erfinder der chinesischen Winkekatze?
Warum vertrauen eigentlich Blinde ihren Blindenhunden, obwohl Hunde fast farbenblind sind? Wäre da ein Meerschweinchen nicht besser?
Ist „vertikal herausgefordert“ die politsch korrekte Bezeichnung für Kleinwüchsige?
War Martins Hass-Lektüre in der Schule „Faust 2“?
Können Rollstuhlfahrer auch richtige Rampensäue sein?
Hat Martin deshalb so einen großen Erfolg bei Frauen, weil ich ein Typ bin der nicht so klammert?
Freuen sie sich auf Deutschlands einzigen asymmetrischen Komiker. Es gibt Gestanduptes, Gesungenes, Gelesenes, Improvisation, Multimedia und Inklusion für alle.

Einlass 17:00 Uhr

Veranstaltung abgesagt!

„Unsere Kinder sollen es einmal besser haben“, haben unsere Eltern gesagt.
„Unsere Kinder sollen es einmal besser haben“, sagen wir.
„The Kids Are Alright“ widmet sich den Familienerzählungen, Generationenkonflikten, politischen Kämpfen und Zukunftsvisionen in Familien mit Migrationsgeschichte. Kinder der zweiten und dritten Einwanderer*innen-Generation leben oft mit dem Narrativ, ihre Eltern wären nach Deutschland gekommen, damit sie hier „etwas für ihre Kinder aufbauen können“. Doch was möchten wir und unsere Kinder eigentlich aufgebaut bekommen – im wörtlichen wie übertragenen Sinne? Simone Dede Ayivi und Kompliz*innen haben Gespräche mit Großeltern, Eltern und Kindern aus verschiedenen Communities geführt und bringen in einer performativen Installation die divergierenden Vorstellungen eines „besseren Lebens“ auf die Bühne

Foto: Theresa Reiwer