OCTAVIA´S VISIONS ist inspiriert von den Parabeln der afro-amerikanischen futuristischen Authorin Octavia E Butler, welche 2006 gestorben ist. Durch das Verwenden von poetischer visueller Sprache wird mit OCTAVIA´S VISIONS Butler´s Welt mit contemporären Fragen von ökologischer Degradierung, Rechtsextremismus und sozialer Freiheit verwoben. Das poetische Werk drückt eine queere, utopische Vorstellung aus, ein Verlangen, aus dem Alten etwas Neues zu erschaffen.
Das Gespräch mit Zara Zandieh wird moderiert von Ragil Huda.

Film: Engl. mit deutschen UT, Gespräch in englischer Lautsprache.
Fotocredit: Janne Ebel

Musikalische Marionettenunterhaltung - Die Kunst des Spiels am Faden mit Live-Gesang

Kassenöffnung 19 Uhr

Afghanistans hidden music treasures: finding, collecting, preserving & archiving as a community in the present (vinyl, cassettes, audio/visuals) – kuratiert von Taīz Nawab

Was wissen wir eigentlich über afghanische Musikgeschichte, Musikproduktion, afghanische Vinyl/Kassetten und andere audio/visuelle Musikformate sowie ihre Erhaltung? Gemäß dem Motto des Festivals soll das Thema als afghanische Community angegangen werden, um es, außerhalb von mehrheitlich akademischen Milieus/Institutionen des globalen Nordens, zugänglich und transparent zu machen.

Um 19 Uhr hält die Kuratorin der Veranstaltung, Taīz Nawab (DJ und Islamwissenschaftlerin aus Hamburg) eine kurze Einführungsrede.
Anschließend führt Dr. Mejgan Massoumi (Historikerin, Universität Stanford) mit einer Keynote zum Thema ein, erweitert durch eine Paneldiskussion mit Omid Jam/Omjvinyls (Privatsammler und DJ aus San Francisco), Munazza Ebtikar (Nahoststudien/Anthropologie, Universität Oxford) sowie Mirwaiss Sidiqi (Ethnomusikologe/Direktor Aga Khan Music Initiative).
Moderiert wird das Gespräch von der Kulturschaffenden/Musikerin Pari Ludin aus Berlin. Im Anschluss ist das Panel offen für Fragen & Feedback.

Zum Ausklang können sich Besucher*innen eine kleine Ausstellung ansehen, kuratiert von Farima Sahibzadeh, Farila Neshat, Taīz Nawab, Omjvinyls, mit seltenem afghanischen Vinyl, Kassetten, audio/visuellem Archivmaterial sowie Bilddrucken, und bei afghanischen Snacks, Chai & anderen Getränken austauschen.

Gefördert von und in Kooperation mit Goethe-Institut im Exil und gefördert vom Goethe-Institut Hamburg, Zentrum für Internationale Kulturelle Bildung.
Sprachen: Englisch, Dari, Pashto
Fotocredit: zolfar

Perspektiven auf den intersektionalen Kulturbetrieb

Nach der Lecture Performance von Nina Prader dieskutieren Kulturschaffende aus ganz Deutschland über ihre Erfahrungen im intersektionalen Kulturbetrieb.

Nina Prader war die museale Gerichtszeichner*in im Rahmen des Artists-in-Residency-Programms der Ausstellung Rache: Geschichte & Fantasie am Jüdischen Museum Frankfurt. Daraus entstand ein Comic-Zine über Lilith & Judith. Sie sind zwei Protagonist*innen, die in der Geschichte oft aus den heiligen Schriften verschwunden sind oder von der Gesellschaft falsch interpretiert wurden. Durch die Anwendung des Bechdel-Tests auf ihre Geschichte, hoffte sie, eine queer-feministische Erzählung zu schaffen. Eine Auswahl von Bildbezügen bezieht sich auf unterschiedliche Objekte und Ideen aus der Ausstellung und beleuchtet die Erfahrungen der Museumsbesucher*innen.

Im Anschluss diskutieren Clara Laila Abid Alsstar, Felisha Maria Carenage, Melissa Kolukisagil und Nina Prader

Wie schaffen wir eine Community übergreifende Solidarität? Und wie funktioniert intersektionales Arbeiten? Auf diesem Panel kommen Clara Laila Abid Alsstar aus der aktivistischen Kunst, Felisha Maria Carenage aus dem universitären Kunstkontext, Melissa Kolukisagil aus der intersektionalen Club- und Festivalsarbeit und Nina Prader aus der Independent Publishing Szene zusammen, um sich über die aktuelle Lage, den Problem und ihren Wünschen über die Kunst- und Kulturszene austauschen. Sie werden ihre Erfahrungen teilen und ihre praktischen Ansätze, eine Form der Solidarität und Gemeinschaft herzustellen, diskutieren. Der Wunsch, intersektionale Perspektiven in der eigenen Arbeit zu berücksichtigen und zu stärken, produziert Unbehagen – bei Besuchenden, aber auch Mitwirkenden. Wie umgehen mit den unterschiedlichen Momenten der Konfrontation, wie Räume des solidarischen Miteinanders und der critical friendship schaffen?

Gefördert durch die Coalition for Pluralistic Public Discourse (CPPD).
Sprache: Deutsch

HÄNDE ist ein Kurzfilm, der hinterfragt, ob Klassenherkunft und -zugehörigkeit an den Händen abzulesen ist: Armut oder Reichtum, Arbeits- und Lebensweise, Zugang zu Geld und Kultur...? Mit einem mobilen Filmstudio sind die Künstler*innen Verena Brakonier (Tänzerin), Greta Granderath (Theatermacherin) und Jivan Frenster (Bildender Künstler) Anfang 2021 in Hamburg auf die Straße gegangen und haben die Hände ganz unterschiedlicher Menschen gefilmt und sie dabei befragt.
Die Recherche fand im Rahmen von CLASS MATTERS (IMMER NOCH), einem künstlerischen Forschungsprojekt zum Thema Klassismus, im Fleetstreet Theater Hamburg statt.

Film: De mit deutschen UT
Sprachen: Deutsch, Englisch
Fotocredit: Brakonier, Frenster, Granderath

In Hamburg werden Erinnerungsorte und damit das Geschichtsbild der Stadt anhand von «Kulturdenkmal-Tafeln» gezeichnet, die gut sichtbar an der Fassade vieler Hamburger Monumente angebracht sind. Sie sind nicht nur unbeabsichtigte Spuren der ehemaligen kolonialen Metropole, sondern auch Spuren der dazugehörigen Denkmuster, die seither nicht aufgehört haben zu existieren und überlebt haben – als Nachleben des Kolonialismus.
Bei einem Spaziergang durch die Stadt werden die Tafeln mit Seidenpapier, auf welches ein neuer Text für die Denkmaltafeln gedruckt wurde, abgedeckt. Durch die Überlagerung der verschiedenen Erzählungen wird das offizielle Geschichtsbild um Dimensionen erweitert, die vom institutionellen Narrativ verschwiegen wurden.

Der Spaziergang ist nicht barrierefrei. Er führt teilweise über unebene Wege (Baustellen), evtl. Treppen und Bordsteine. Eine Festivalperson begleitet den Spaziergang.
Sprache: Deutsch

Fotocredit: privat

Start beim MARKK, Treffpunkt 13:45 am Infopoint

Leider sind aktuell keine Tickets mehr verfügbar.

Eine zauberhafte Geschichte von Riesen und Zwergen, die erzählt, wie man freundlich miteinander umgeht und wahre Größe zeigt.

Kassenöffnung 14:30 Uhr

Funk You! ist eine Party-Performance, in der die Performer*innen Analy Nágila, Priscila Vaz und DJ Rô zusammen mit dem Publikum durch die queer-feministische brasilianische Funk-Kultur das Patriarchat zum Wackeln bringen. Der brasilianische Funk entsteht als eine Form der Gegenkultur in Brasilien und basiert auf einem Musikstil, der von rhythmischen Beats und Rap-Gesang geprägt ist. Der Tanzstil, der sich auf Funk-Parties entwickelt hat, ist durch schnelle Becken- und Fußbewegungen gekennzeichnet. Funk You! ist ein Akt der Subversion, der das Patriarchat nicht theoretisch dekonstruiert, sondern der als Praxis durch unsere Körper, unsere Bewegungen und unsere Freude die Machtverhältnisse untergräbt.

Triggerwarnung: Explizite Sprache
Sprachen: Deutsch, Englisch, bras. Portugiesisch
Fotocredit: G2 Baraniak

Generation PostOst x antirassistische Diskurse heute – eine kritische Annäherung
Erfreulicherweise sind Debatten um Rassismus und Diskriminierung, Begriffsdefinitonen von race und BiPoC inzwischen auch in Deutschland oft diskutiert und berücksichtigt. Wie sieht aber Diskriminierung gegen "Menschen aus Osteuropa" aus, welche Rolle spielt die deutsche Geschichte in Bezug auf eine Definition des heutigen Rassismusbegriffs, wie sinnvoll ist die Übernahme von (nord)amerikanischen Begriffen im europäischen Kontext? Mit unseren streitfreudigen Gäst*innen Irina Bondas und Sergej Prokopkin u.a. verhandeln wir Vorurteile und Zuschreibungen der Post-Ost Generation und suchen nach einem aktuellen Begriffsinstrumentarium.

Gefördert von und in Kooperation mit Goethe-Institut im Exil.
Sprache: Deutsch

Identität, im und abseits des großen Trubels. Geschichten aus dem echten Leben, mit all seinen kleinen Freuden und großen Schmerzen, davon erzählt uns Shelly. Eine erhebliche Rolle spielen dabei persönliche Erfahrungen und Momentaufnahmen der Vergangenheit. Dies spiegelt sich dann in Shelly´s modernem Pop-Sound wieder. Das Genre Singer/Songwriter personalisiert Shelly durch orchestrale, rockige und elektronische Einflüsse, wodurch ein Wechselspiel aus Energie & Ruhe, Sehnsucht & Zufriedenheit, Melancholie & Freude entsteht.

Fotocredit:Tobias König

Yali verbindet zeitgenössischen Tanz und Dalit-Kultur und zeigt einen sozio-politischen Aspekt Indiens, der den meisten Besucher*innen nicht bewusst ist. Es ist ein Versuch, die kastenbasierten Vorurteile und Schrecken aufzudecken, die in den letzten 2000 Jahren auf dem Land und in den Städten aufgetreten sind, indem es die physischen Auswirkungen von Kastensystem und Unberührbarkeit auf den Körper eines Dalit hinterfragt. Das Kochen als Teil dieses Stücks zeigt die verinnerlichte Überzeugung, dass Frauen immer die Bedürfnisse ihres Mannes und ihrer Familie vor ihre eigenen stellen sollten. Dies ist das Produkt einer patriarchalischen Denkweise, die in der Küche beginnt. Durch die Kombination von Elementen des zeitgenössischen Tanzes, des Volkstanzes, des Kalaripayattu und des Kochens werden die Darsteller*innen diese schwerwiegenden Fragen durch ihren Körper darstellen.

Im Anschluss Künstler-Gespräch mit Christopher A. Nixon.

Sprache: Englisch
Fotocredit:Mayur Revanna

Aktivismus, politische und gesellschaftliche Verantwortung, Ambivalenzen, Erwartungshaltung an BIPOC und Erschöpfung sind unter anderem die zentralen Themen des Kurzfilms „Things that have to be done“. Der Film wurde mit Laiendarsteller*innen aus der Schwarzen Community realisiert. Es ist ein Independent-Indepassion Projekt der Hamburger Filmemacherin, Künstlerin und Drehbuchautorin Tatiana Calasans.

Film: En/De mit englischen UT
Sprachen: Deutsch, Englisch

Western knowledge production mostly relies on academic discourse and factual knowledge. But in the history of mankind, stories always have given us the wisdom to understand situations from different points of view. Using traditional wisdom tales, Wangari Grace will take you on a journey to meet characters who, through their actions, changed the lives of their communities for the better. Whether it is by promoting harmonious living in the face of conflict, or providing a voice for those who cannot shout as loud. Using rhythm, song, call and response, the session is designed to be interactive for both the storyteller and the audience.

Sprache: In englischer Lautsprache mit deutscher Übersetzung.
Fotocredit: Murathe Photography

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Eine zauberhafte Geschichte von Riesen und Zwergen, die erzählt, wie man freundlich miteinander umgeht und wahre Größe zeigt.

Kassenöffnung 10:30 Uhr

Die Inszenierung, die Teatro Trono auf der Tour der Kinderkulturkarawane 2023 zeigen wird, beschäftigt sich mit den Themen Umwelt und gender. Es ist ein Stück voll verkörperter Bilder, Zirkus und Tanz, die kritische und hinterfragende Botschaften angesichts der Passivität vieler Gesellschaften vermitteln werden.
In einem ruhigen Dorf taucht ein seltsames Wesen auf, das beginnt, Pflanzen und Bäume zu beschneiden bzw. zu fällen, sie in einen Nylonsack zu stecken und zu vergraben. Dasselbe macht es mit dem Wasser und dem Wind. Eine Bewohnerin des Dorfes hat wiederkehrende Träume von Menschen, die im Sterben liegen und sie um Hilfe bitten. Sie glaubt, dass diese Träume eine Warnung sind, da auch Menschen aus dem Dorf erkranken. Sie wird sich bewusst, dass die Menschen in ihren Träumen die Geister der Natur sind, der Wind, die Bäume und das Wasser, die eingepackt und vergraben worden sind. Die Frau macht sich auf die Suche und begegnet dem seltsamen Wesen. Das Wesen will nicht, dass sie sein Geheimnis entdeckt, denn es weiß, dass ihr Gesang die Geister der Natur anrufen und sie heilen kann. Er wird so einiges tun, um sie davon abzuhalten.

Der Eintritt für Kinder unter 14 Jahren ist kostenlos.
In Kooperation mit KinderKulturKarawane

Eine zauberhafte Geschichte von Riesen und Zwergen, die erzählt, wie man freundlich miteinander umgeht und wahre Größe zeigt.

Kassenöffnung 14:30 Uhr

Es ist der 26. August 2021. Der letzte Evakuierungsflug verlässt den Kabuler Flughafen und mit ihm verschließt sich Afghanistan, auch für Ariana.
Was der deutsch-afghanischen Protagonistin Ariana bleibt, sind Erinnerungen. Biografische Episoden, Nostalgie- und Fantasiegeschichten, Musik, Poesie und Tanz – durch Ariana greifen diese collagenhaft ineinander und werden zu flüchtigen Bildern eines Afghanistans, das es so vielleicht nie gegeben hat. Den westlichen Bildern und Erzählungen zu Afghanistan stellt Ariana ihre eigenen, diasporischen entgegen. Sie überschreibt und verändert sie, und schafft sich dadurch einen ebenso intimen wie politischen Raum, der ihr nicht genommen werden kann. Gleichzeitig mit einem Gefühl der Schuld konfrontiert, zeichnet LANDSFRAU ein vielschichtiges Bild von einem Leben in der Diaspora – samt seiner Probleme und Privilegien.

Content Notes:
In dieser Inszenierung wird (anti-muslimischer) Rassismus auf sprachlicher und musikalischer Ebene thematisiert.
Die Figur zeigt starke Emotionen.
Einige Momente des Stücks können Unbehagen auslösen. Es ist jederzeit möglich, den Raum zu verlassen.
Sensorische Reize:
An mehreren Stellen kommen plötzliche musikalische Effekte, schnelle Lichtwechsel und laute Musik zum Einsatz

Gefördert vom Goethe-Institut Hamburg, Zentrum für Internationale Kulturelle Bildung.
Sprache: Deutsch und Dari, mit Übertitelung in Dari bzw. Deutsch und Englisch
Fotocredit: Cornelius Reitmayr

Leider sind aktuell keine Tickets mehr verfügbar. Probiere es gerne an der Abendkasse!