Die Ausstellung KÖRPERWELTEN in Berlin widmet sich dem Thema „Facetten des Lebens“.

Dr. Gunther von Hagens öffnet in seinen Körperwelten-Ausstellungen den menschlichen Körper und macht die fragilen, schützenswerten Strukturen des Lebens für medizinische Laien sichtbar. Gemeinsam mit Kuratorin Dr. Angelina Whalley zeigt er in der Ausstellung in Berlin-Mitte die Facetten des Lebens – zwischen Glück und Unglück, Druck und Ausgleich, Zufall und Fügung, Körperversessenheit und Körpervergessen sowie Maßlosigkeit und Bescheidenheit.

Das Museum öffnete 2015 seine Pforten in Berlin. Es ist am Alexanderplatz direkt vor dem Berliner Fernsehturm beheimatet. Seitdem haben die Besucherinnen und Besucher die Möglichkeit eine Vielzahl einzigartiger Plastinate zu bestaunen. Diese geben einen tiefen Einblick in das hochkomplexe Innere des menschlichen Körpers. So erhalten Interessierte ein detailliertes Wissen über Organfunktionen und häufige Krankheiten, all das leicht verständlich vermittelt. Durch die lebensnahen Posen wird ein unmittelbarer Bezug zu den Betrachtenden hergestellt.

Was verbindet uns, was hält uns aufrecht und in Bewegung, was lässt uns lachen und lieben? Bei den KÖRPERWELTEN erhalten Sie Antworten auf diese und viele weitere Fragen. Machen Sie sich auf eine tief berührende und inspirierende Begegnung mit dem Leben bereit. Lassen Sie sich einen Besuch nicht entgehen und erleben Sie die Faszination der Plastination.
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The first BODY WORLDS museum presents unique plastinates that show the function of individual organs as well as common diseases. It gives insights into the highly complex and structures of the human bod and shows what connects us, keeps us upright and in motion and what makes us laugh and love.

Moreover, the Museum opens the visitors´ eyes to various facets that determine our existence: Gluttony & Restraint | Excess & Moderation | Chance & Fate | Pressure & Balance | Happiness & Unhappiness

Letzter Einlass 18:00 Uhr

Die demo station von Rirkrit Tiravanija ist eine bühnenähnliche Skulptur und lädt Menschen dazu ein, etwas zu „demonstrieren“. Tiravanija versteht den Begriff dabei im doppelten Sinn – als politischen Protest oder als Vorführung von etwas, das jemand besonders gut kann oder gerne mag. Über die Laufzeit der Ausstellung bietet die demo station täglich Raum für öffentliche Auftritte.

Bei der Veranstaltung werden ggfs. Foto- und Videoaufnahmen entstehen, auf denen Sie zu erkennen sein könnten. Mit Ihrem Besuch willigen Sie ein, dass diese Aufnahmen zur Kommunikation der Veranstaltung bzw. Ausstellung verwendet werden.

GASTSPIEL

O SÜSSER MOND
Eine musikalisch - literarische Nachtwanderung
Mit: Felix Martin (Spiel, Gesang) und Harry Ermer (Klavier)

Dauer:

Zu müde, um schlafen zu gehen?
Dann begleiten Sie doch den vielfach ausgezeichneten Sänger und Schauspieler Felix Martin bei seinem nächtlichen Streifzug am „Moon River“! Oder begegnen Sie den „Strangers in the Night“ oder dem berühmten „Phantom der Oper“ in Liedern und Geschichten!
Traumwanderlisch bringt „Mr. Sandman“ Felix Martin Sie zum sanften Träumen und zum herzlichen Lachen.

Texte von Mascha Kaléko, Axel Hacke, Erich Kästner und Heinz Erhardt erzählen von nächtlicher Ruhestörung und warum die Nacht nicht allein zum Schlafen da ist.
Für eine besondere Atmosphäre sorgen Lieder u.a. von Cole Porter, Andrew Lloyd Webber, Georg Gershwin, Elvis oder Elton John!
Ein musikalisch-literarisches Programm, das mitreißt und unter die Haut geht.

Abendkasse / Einlass ab 60 Minuten vor Vorstellungsbeginn

Mit Beginn des 19. Jahrhunderts beginnen sich Kunststile zeitlich zu überschneiden und können dabei europaweit nicht mehr scharf voneinander geschieden werden. Das verstärkte Ausbilden von Nationalismen führte zu den unterschiedlichsten Ausprägungen von "Kunststilen" in den jeweiligen Ländern. Der Kunsthistoriker Thomas R. Hoffmann möchte die Urania Saison 2024/25 für einen Kunst-Parcour durch ein Jahrhundert voller Umbrüche und Revolutionen nutzen, um die vielfältigen Kunstströmungen des 19. Jahrhunderts zu präsentieren und Fragen der unterschiedlichen Lesbarkeit zu stellen. Wo haben die stilistischen Einflüsse ihren Ursprung? Wie sehen die Vorbilder und Inspirationen in den jeweiligen Ländern und Nationen aus? Wo liegen die Gemeinsamkeiten, wo die Unterschiede? Wie hängen die historischen Entwicklungen und geschichtlichen Umbrüche mit den Kunststilen zusammen? Ein spannendes Tableau an Bildern wird die Folie bilden, um sich den jeweiligen Kunstrichtungen zu nähern. Dieser Vortrag nähert sich den Romantiken und spannt den Bogen von Frankreich über England und Russland bis in die deutschsprachigen Gebiete.

Wer war Hölderlin? Sperrig-verkannter Dichter, der aus seinem kleinen Turmzimmer heraus die Welt beschreibt?
Visionäres Genie, schon immer seiner Zeit voraus? Oder einfach nur verrückt?
Wie heutig ist Hölderlin mit seinem freiheitsliebenden Blick auf Welt, Kunst und Gesellschaft?
Und wie viel von ihm steckt in jedem von uns?
Ein Abend mit Hölderlin im Turm, in seinem Kopf, in seiner Erinnerung, mit seinen Worten und Melodien.

Von und mit: Heidi Bruck, Martin Clausen, Torsten Holzapfel, Sammy Serag, Riki von Falken | Musik und Komposition: Boris Bergmann | Regie: Silvina Buchbauer | Dramaturgie: Nicole Hummel | Bühne: Michael Graessner | Kostüm: Ellen Hofmann | Licht: Katri Kuusimäki | Foto: Mirjam Knickriem

Psychedelika wie LSD und Psilocybin erleben ein Revival, in Psychotherapie und Lifestyle. Warum sind die Mittel im therapeutischen Kontext anerkannt, in Rückzugsräumen und bei Happenings aber verpönt? Liefern die Substanzen wichtige Erkenntnisse oder trügerische Illusion? Und was ist überhaupt eine Erkenntnis und wie kann man sie erlangen? Über Potentiale und Risiken spricht Jochen Müller mit seinen Gästen Andrea Jungaberle, Jakob Hein und Sascha Benjamin Fink.

Dr. Andrea Jungaberle, Anästhesistin und Notfallmedizinerin, Mitgründerin, Medizinische Leiterin und Geschäftsführerin der MIND Foundation
Dr. Jakob Hein, Psychiater und Schriftsteller
Dr Sascha Benjamin Fink, Philosph, Director of Research am Centre for Philosophy and AI Research der Friedrich-Alexander-Universität Erlangen

Moderation: Dr. Jochen Müller

Foto: LordToran, Wikimedia Commons

Das erfolgreichste Kriminalstück aller Zeiten!

DIE MAUSEFALLE
Das Kriminalstück von Agatha Christie

In London wird eine Frau ermordet. Der Täter ist flüchtig, die Polizei hat die Fahndung aufgenommen. An diesem Tag eröffnen Mollie und Giles Ralston ihre kleine Pension ”Monkswell Manor”. Sie erwar¬ten ihre ersten vier Gäste, die bei starkem Schneefall nach und nach eintreffen. Die Spur des Londoner Frauenmörders führt direkt hierher. Das Gästehaus ist eine ”Mausefalle”, in der nicht nur weitere Mord¬opfer, sondern auch der Mörder selbst gefangen sind. Jeder ist verdächtig, aber: wer ist das nächste Opfer, wer der Mörder?

DIE MAUSEFALLE ist eines der berühmtesten Stücke der britischen Erfolgsautorin Agatha Christie. Es gilt als d e r Krimi Klassiker mit der längsten Laufzeit der Theatergeschichte.

»Post Daddies« ist ein humorvoller und radikaler Selbsterkundungsabend mit den israelischen queeren Performer*innen und Pionieren Noam Meiri und Ariel Nil Levy. Ein Dialog über gelebtes Leben als intimes Porträt einer Freundschaft, die in den 1990ern in Tel Aviv begann. Unterstützt von dem Musiker Henri Maximilian Jakobs und unter der Regie des Deutsch-Jemeniten Konstantin Achmed Bürger wird die Bühne zu einer Sauna.

Die Körper der Daddies sind nicht nur ein wunderschöner Tempel und geistiger Ort, sondern auch ein Vergnügungspark, und zwar für alle! Auf den schwulen Dating-Apps jedenfalls sind die drei noch heiß begehrt! Doch wie ist es mit dem Älterwerden, der Einsamkeit? Wo verortet man sich als ältere queere Person in den aktuellen Debatten der queeren Community, ihrem Aktivismus und ihren Lebensansprüchen?

Und gibt es so etwas wie eine kollektive Weisheit älterer Queers? Erfahrungen, die für die junge queere Generation von Nutzen sein könnten? Die drei jüdisch, deutsch-arabischen Daddies aus Berlin denken eindeutig: JA!

von und mit
Tilman Lucke

Entweder Klimaschutz - UND billiger Sprit. Entweder Digitalisierung - UND Datenschutz. Entweder Demokratie - UND mit Rechten reden. In Deutschland muss zurzeit vieles unter einen Hut passen, was unter einem Dach wohl einen Dachschaden bekäme. Wie halten wir diese Widersprüche aus, ohne entweder verrückt zu werden - und einfach weiterzuwursteln? Denn für all das haben wir zum Glück entweder eine handlungsfähige Regierung - UND Olaf Scholz.
Der musikalische Politkabarettist Tilman Lucke, entweder Schwabe und Berliner, bietet Ihnen entweder einen unterhaltsamen Abend mit albernen Gags - und gleichzeitig nachdenkliche Politsatire. Auf alles, was in dieser Welt vorne und hinten nicht zusammenpasst, macht er sich in seinem neunten Soloprogramm dennoch elegant und einleuchtend mindestens einen Reim. Und vielleicht trägt er entweder Schlips - und Fliege.

Einlass eine Stunde vor Beginn

Josefine Fischrüb, die sich selbst den Künstlernamen „Belladonna“ gibt, will Schauspielerin werden.
Gegen den Willen ihrer Mutter absolviert sie das Fernstudium „Act at home“, und anstatt im Haushalt zu helfen, übt sie lieber für ihre Schauspielkarriere. Doch Belladonna gerät in Stress, da sie — wie das Fernstudium dringend empfiehlt — an ihrer Weiblichkeit arbeiten muss. Schnell entdeckt sie, welch großes Repertoire an Rollen, auch abseits der Bühne, von einer Frau verlangt wird.
In einem facettenreichen Verwandlungsspiel versucht Belladonna zu einer Frau zu werden, die gemäß des Märchens Rumpelstilzchen „Stroh zu Gold spinnen kann“…

Komödiantisches vermischt sich in diesem Spiel mit dem Tiefsinn, der entsteht, wenn man der Frage

Spielen, lachen, laut sein, toben, nichts tun – und das in einem Ausstellungshaus! Ab dem 4. September 2024 lädt BAUBAU genau dazu ein. In dem von der Künstlerin Kerstin Brätsch gestalteten Spielort für Kinder ist mehr erlaubt als verboten. Bunte Wandtapeten, Strukturen, Objekte und eine Reihe von „Loose Parts“ (losen Materialien) formen im Erdgeschoss des Gropius Bau Räume, die keine festen Vorgaben machen, sondern durch die Aktivitäten der Kinder bestimmt werden. Sie geben die Richtung und die Form vor für das, was hier passiert. So wird dieser Ort zum Möglichkeitsraum, der sich Tag für Tag verändern kann.

BAUBAU startet im September 2024 in einer Prototypversion und wird sich über die kommenden Jahre hinweg innerhalb wie außerhalb des Gropius Bau weiterentwickeln und wachsen – in engem Austausch mit den Kindern und ihren Wünschen, denn dies ist ihr Ort.

 Das Spiel
Alle Kinder haben den Drang zu spielen. So lernen sie, sich und die Welt zu begreifen. Gerade das offene, selbstbestimmte Spiel ist für die emotionale und soziale Entwicklung von großer Bedeutung. Das pädagogische Konzept für BAUBAU basiert deshalb auf den Grundlagen des freien Spiels: Hier gibt es die Zeit, den Raum und die Erlaubnis für Kinder, ihren eigenen Bedürfnissen und Interessen zu folgen. Begleitet werden sie dabei von Playworker*innen – geschulten Mitarbeiter*innen, die eine sichere und unterstützende Umgebung schaffen, in der Kinder frei spielen können.

 
Die Kunst
BAUBAU stellt spielerisch infrage, was ein Museum oder eine Kunstinstitution sein soll. Die umfassende Raumgestaltung, die Kerstin Brätsch entwickelt hat, ist voller Bezüge und Anregungen: Elemente aus ihren früheren Werken, wie Marmorierungen, Malereien oder Stuckmarmorarbeiten, tauchen hier in veränderter Gestalt und Materialität wieder auf. Die Tapeten, Vorhänge, Stoffe, Sitzmöbel und Klettergerüste sind bewohnt von Dinosauriern, fantastischen Wesen, Termitenhügeln und abstrakten Elementen. Mit ihren komischen, lustigen, vielleicht auch etwas unheimlichen Formen schaffen sie einen offenen Rahmen für das freie Spiel.

Kerstin Brätschs Praxis ist darauf ausgelegt, Einflüsse von außen zuzulassen und aufzunehmen. Hat sie bisher mit Künstler*innen oder Kunsthandwerker*innen zusammengearbeitet, so tut sie dies nun auf ganz andere Weise mit Kindern: Sie lädt die Kinder dazu ein, den Raum nach ihren eigenen Ideen und Vorstellungen und ohne das Einwirken der Künstlerin auf unvorhersehbare Weise umzugestalten und weiterzuentwickeln.

Montag 11:00–19:00 Uhr Dienstag geschlossen Mittwoch 11:00–19:00 Uhr Donnerstag 11:00–19:00 Uhr Freitag 11:00–19:00 Uhr Samstag 10:00–19:00 Uhr Sonntag 10:00–19:00 Uhr

Bei Leo Leike landen irrtümlich E-Mails einer ihm unbekannten Emmi Rothner. Aus Höflichkeit antwortet er ihr. Und weil sich Emmi von ihm verbal angezogen fühlt, schreibt sie zurück. Nach anfänglichem Geplänkel entwickelt sich echte Kommunikation und in weiterer Folge eine immer intimere Freundschaft. Es beginnt zu knistern in der Leitung. Und Leos E-Mails sind gut gegen den Nordwind, der Emmi nicht schlafen lässt, wenn er bläst. Die Versuchung eines persönlichen Treffens steigt. Doch werden die gesendeten, empfangenen und gespeicherten Liebesgefühle einer Begegnung standhalten? Und was, wenn ja?
mit Johannes Hallervorden und Johanna Marie Bourgeois
Autor: Daniel Glattauer Bühnenfassung: Ulrike Zemme
Regie: Irene Christ
Bühne: Tom Grasshof
Kostüm: Jasper Krafft

19.00 Uhr

Im Jubiläumsprogramm 75 Jahre Stachelschweine „Ich hab´ noch einen Tesla in Berlin“ von Frank Lüdecke und Sören Sieg wird eine Zukunftsvision des Jahres 2029 erzählt.
Die neue Bundeskanzlerin Sahra Wagenknecht gerät zunehmend unter Druck, weil die Staatsverschuldung unaufhaltsam voranschreitet.
Das Käsebrötchen kostet 14 Euro, BASF und Bayer sind nach Asien ausgewandert, VW und BMW gehören zu Tesla. Die Kreditwürdigkeit der Bundesrepublik wurde auf BB heruntergestuft, die Steuern gehen zur Hälfte für Zinszahlungen drauf.
Da hat die Bundeskanzlerin eine Idee. Mit einer einzigen Maßnahme, so rechnet sie vor, können alle ihre Wahlversprechen finanziert werden: Rente ab 55, kostenloser öffentlicher Verkehr und Mietendeckel auf dem Stand von 1989. Es ist der „Geheimplan Berlin“. Die Hauptstadt soll als Tafelsilber Deutschlands verkauft werden. Ein Elektroautohersteller, Betreiber von Sprachnachrichten-diensten, Mars-Raketen und Gehirnimplantaten schlägt sofort zu…

Zum 75. Jubiläum legen DIE STACHELSCHWEINE ein Programm vor, das schwarzen Humor elegant mit Berliner Gelassenheit verknüpft. Wenn alles in Panik gerät, wissen wir: Niemand hat die Absicht, Berlin zu verkaufen!

Mit Santina Maria Schrader, Mirja Henking, Sebastian Stert.

„Sterben heißt besser zu leben.“

STARDUST ist eine partizipative Installation mit Performances. Sterben wird als einen Akt der Ermächtigung, Selbsttransformation und radikalen Fürsorge betrachtet, um mit den sozialen, politischen und ökologischen Krisen umzugehen, mit denen wir derzeit konfrontiert sind. STARDUST ist eine künstlerische Meditation über das Sterben und das Leben. Es möchte einen Einblick geben, wie eng Menschen miteinander und der ganzen Natur verbunden sind. Indem wir sterben, lassen wir auch die uns eingeschriebenen Machtstrukturen sterben. Dies könnte den Raum für eine Zukunft, die fürsorglicher, sowie sozial und ökologisch gerechter ist, öffnen.

Über einen Zeitraum von 8 Tagen entfaltet sich STARDUST als eine interaktive, sensorische und lebendige Installation. Die Besucher*innen sind eingeladen, Trauerreden über sich selbst zu schreiben, einem Audioguide („Instructions for Dying“) anzuhören oder sich an einem intimen Gespräch über das Sterben zu beteiligen. Die übergreifende Erzählung folgt den 8 Stadien der Transformation des Todes im tibetischen Buddhismus: Erde, Wasser, Feuer, Luft, weißes Licht, rotes Licht, schwarzes Licht und klares Licht. Als Teil der Installation werden 7 Performer*innen (zwischen 30 - 64 Jahre alt) ihre individuellen Sterberituale vorführen. Ihre Themen reichen von kollektiver Bestattung, Loslassen und Verschwinden bis hin zu Heilung, Erinnerung und Verbundenheit. Am letzten Tag führen sie ein Gruppenritual durch, bei dem alle entstandenen Trauerreden zu Staub werden - eine Erinnerung daran, dass wir alle aus Sternenstaub gemacht sind.

Dauer:
30 Minuten

ENGLISCH:
“To die means to live better.”

STARDUST is a participatory installation-cum-performance. It looks at dying as an act of empowerment, self-transformation and radical care to address the social, political and ecological crises that we are currently facing. STARDUST is as much an artistic meditation on dying as it is on living. It hopes to give a glimpse of how closely interconnected we are to each other, as well as to the natural world. By dying, we also let the power structures inscribed in us die, opening up the space for a future that is more caring and socially and ecologically just.

Over a period of 8 days, STARDUST unfolds as an interactive, sensorial and living installation. Visitors are invited to write their own eulogies, listen to an audio guide (“Instructions for Dying”) or join in an intimate conversation about dying. The overarching narrative follows the 8 stages of death transformation in Tibetan Buddhism: Earth, Water, Fire, Air, White Light, Red Light, Black Light and Clear Light. As part of the installation, 7 performers (30 - 64 years old) will perform their individual dying rituals. Their themes range from collective burial, letting go and disappearance to healing, remembering and connectedness. On the final day, they perform a group ritual, in which all the eulogies created are turned into dust – a reminder that we are all made of stardust.

Duration:
30 mins


Künstlerische Leitung & Choreografie: Ming Poon
Performance: Veronika Heisig, Lee Mun Wai, Birte Opitz, Vera Shchelkina, Hilla Steinert, Lisa Stertz, hugo-huga x tibiriçá
Choreographische Assistenz: Nora Tormann
Bühnenbild: Sichi Li
Bühnenbildassistenz: Sangyeon Lee
Kostüme: Tin Wang
Lichtdesign: Raquel Rosildete
Lichtdesign-Assistenz: Alexandra Úhlarová
Video & Projektiondesign: Harshini J. KarunaratneSounddesign: Haesoo Jung
Stimme (Audioguide): AngieM (EN), Sandra Hetzl (DE)
Technische Leitung: Frieder Miller
Betreuungsperson & Sterbegefährtin: Alessa Rhode
Audiodeskription: Irene Baumann
Audiodeskription Co-Autorin: Johanna Krins
Relaxed Performance: Agnieszka Habraschka
Grafikdesign: Hung Kieu
Videodokumentation: Isabelle Schmitz
Fotodokumentation: Olivia Kwok
Öffentlichkeitsarbeit: Marcelo Vilela da Silva
Pressearbeit: Tom Müller-Heuser
Produktionsleitung: MIFRUSH Production (Micaela Trigo & Urszula Heuwinkel)
Produktionsassistenz: Nur Bildik

Produktion: Ming Poon
Koproduktion: MIFRUSH Production
Gefördert durch: Hauptstadtkulturfonds

Der Audioguide „Instructions for Dying“ wurde von Tanz im August / HAU Hebbel am Ufer (2023) beauftragt.

Besonderen Dank an Dandan Liu und SOEX Textil-Verwertungsgesellschaft m.b.H. für die großzügige Unterstützung.

Ticket gültig für Installation + Performance

ox&öl | Text: Adelheid Duvanel

Musiktheater mit Texten von Adelheid Duvanel und Musik von Lara Stanić für verzauberte Geigen-Bögen, singende Teekannen und magische Radio-Antennen.

Gemeinsam mit der Komponistin Lara Stanić und dem langjährigen Radio-Moderator Andreas Müller-Crepon, verzaubert das Kollektiv ox&öl vermeintlich bekannte Geräte und kreiert neue Apparaturen aus Billardkugeln, Propellern und Geigenbögen. Historische Radiogeräte kommen zum Einsatz, die als Sprachrohr zur Welt, Vermittlungsgeräte und Wundermaschinen dienen. Abgelöst werden sie von modernen, lernfähigen KI-Robotern, den sogenannten “Heilrobotern“, die während der Pandemie mit einem Umarmungsmodus für alleinstehende Menschen entwickelt wurden.

Nicht nur die "Windgeschichten" (Duvanels erster von sechs Bänden im Luchterhand-Verlag) scheinen regelrecht auf Lara Stanićs Kompositionen gewartet zu haben, sondern auch die vielen konkreten Verweise auf Musik, die "ohne X und ohne U" zu szenisch-musikalischen Situationen umwandelt.

Adelheid Duvanels literarisches Schaffen widmet sich dem “Kleinsein“ und rückt die gesellschaftlich Marginalisierten ins Zentrum: Die Versehrten und Übersehenen, Misshandelten und Verstossenen, die Eigenbrötler:innen und Aussenseiter:innen. Prominente Kritiker bewunderten sie, bescheinigten ihr einen souveränen Formwillen und bezeichneten sie als „eine Meisterin der Verdichtung“. Für die sechs zu Lebzeiten bei Luchterhand erschienenen Bücher mit Erzählungen erhielt Duvanel mehrerer Literaturpreise. Trotzdem ist ihr Werk der Öffentlichkeit weitgehend unbekannt und ihre Bücher waren seit ihrem Tod 1996 lange vergriffen.
„ohne X und ohne U“ widmet ihren Texten einen Reigen aus Bild, Musik und Klang.

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Seit 2010 arbeiten der Regisseur Philip Bartels und die Pianistin Simone Keller kontinuierlich zusammen und leiten seit 2014 das Kollektiv ox&öl für experimentelles Musik¬theater¬ und partizipative Vermittlung. Der Name “ox&öl“ bezieht sich auf ein experimentelles Gedicht von Ernst Jandl, in dem er Unsinn und Tiefsinn eng mit-einander verbindet. Außerdem steht “ox“ symbolisch für die An¬strengungen und “öl“ für die Leichtig¬keit in der Kunst – womit die Ambivalenzen kreativer Prozesse in nur vier Buchstaben zusammengefasst sind.

Gefördert durch die Schweizer Kulturstiftung Pro Helvetia

Einlass: 18:30 Uhr

Individuen sind eingebunden in komplexe gesellschaftliche Entwicklungen und suchen darin nach Sinn, Orientierung, konkretem Verhalten und Handeln. Polarisierung und Empathie sind dabei mögliche Umgangsweisen gesellschaftliche Wirklichkeit zu verarbeiten.

In beiden Begriffen stecken positive und negative Seiten. Polarisierung entfaltet eine negative Kraft, wenn sie dazu führt, dass kein Dialog, kein Diskurs mehr möglich ist. Polarisierung kann aber auch als kreatives Mittel dafür eingesetzt werden, eine offene Auseinandersetzung zu führen, um neue Lösungen zu finden.

Die Fähigkeit zur Empathie ist sehr wahrscheinlich eine natürliche Anlage des Menschen und bildet die Grundlage, auf der Wissen über sich selbst und andere erzeugt wird. Empathie kann allerdings auch für Menschen gehegt werden, die reaktionäre, intolerante oder sehr egoistische Ziele verfolgen. Exponierte Beispiele wären Jair Bolsonaro oder Donald Trump.

Beide Begriffe handeln von Beziehungen zwischen Menschen und gesellschaftlichen Gruppen. Wahrnehmung, Bewegung und aktives Handeln sind Essenziel für die Entstehung von Empathie. Gesellschaftliche Polarisierung wird über Körper ausgetragen, die selbst in ihren Körpersystemen aus polaren Strukturen bestehen. Über den Körper, die Interaktion der Tänzer*innen, die Choreografie und über die Livemusik entstehen mit dieser Performance Bilder, Atmosphären, Energien, in denen sowohl Polarisierung als auch Empathie als vielschichtiges Spannungsfeld thematisiert wird, das Nützliches und Gefährliches, Utopisches und Rückwärtsgewandtes in sich trägt.

Dauer:
70 min ohne Pause


ENGLISCH
Individuals are involved in complex social developments and search for meaning, orientation, concrete behavior and action. Polarization and empathy are possible ways of dealing with social reality. There are positive and negative sides to both terms.

Polarization develops a negative force when it leads to dialogue and discourse no longer being possible. But polarization can also be used as a creative means of conducting an open debate in order to find new solutions.

The ability to empathize is very likely a natural human trait and forms the basis on which knowledge about oneself and others is generated. However, empathy can also be nurtured for people who pursue reactionary, intolerant or very selfish goals. Prominent examples would be Jair Bolsonaro or Donald Trump.

Both terms deal with relationships between people and social groups. Perception, movement and active action are essential for the development of empathy. Social polarization is carried out through bodies, which themselves consist of polar structures in their body systems. Through the body, the interaction of the dancers, the choreography and the live music, images, atmospheres and energies are created in which both polarization and empathy are addressed as a complex field of tension that contains both useful and dangerous, utopian and backward-looking elements.

Duration:
70 mins without break


Konzept und Raum: Dieter Baumann, Jutta Hell
Choreografie, Inszenierung: Jutta Hell
Tanz, Kreation: Zoé Alibert, Liza Alpizar Aguilar, Dieter Baumann, Carlos Osatinsky, Fernando Pelliccioli, Anja Sielaff, Xuan Shi,
Komposition und Live Musik: Alexander Nickmann
Licht: Fabian Bleisch
Kostüm: Jutta Hell
Kommunikation: k3 Heike Diehm


Produktion: Tanzcompagnie Rubato, gefördert vom Hauptstadtkulturfonds, in Kooperation mit den Uferstudios Berlin. Projektrecherchegefördert durch die Beauftragte der Bundesregierung für Kultur und Medien im Programm NEUSTART KULTUR.

Wer wird Berlins unterhaltsamste:r Reporter:in?

Deutschlands unterhaltsamste Bühnenshow mit Journalist:innen gastiert wieder im Heimathafen: der Reporter Slam. Am Mittwoch, 23. Oktober, wetteifern fünf Reporter:innen darum, wer am besten von einer eigenen Recherche erzählen kann.
Der Reporter Slam tourt inzwischen in ganz Deutschland – und war inzwischen sogar in Südafrika zu Gast. Das Konzept: Journalisteninnen und Journalisten erzählen auf der Bühne von ihrer Arbeit, unter dem Motto: immer mitten in die Presse rein! Jede:r von ihnen bekommt zehn Minuten Zeit. Der Einsatz von Fotos, Videos, Musik o.ä. ist dabei ausdrücklich erlaubt. Das Publikum wählt am Ende den neuen Slampion. Er oder sie qualifiziert sich fürs nächste Reporter Slam Jahresfinale.
Moderiert wird die Show von Jochen Markett. Für musikalische Highlights sorgt erneut die Showband „Bommi & Brummi“.

reporterslam.de

Anfang September 2024 eröffnet im Gropius Bau die Ausstellung DAS GLÜCK IST NICHT IMMER LUSTIG des Künstlers Rirkrit Tiravanija, der mit seiner Praxis den konventionellen Kunstbegriff erweitert hat und Situationen schafft, in denen soziale Interaktionen und sinnliche Erfahrungen verhandelt werden. Seit den frühen 1990er Jahren lebt Tiravanija teilweise in Deutschland und hat immer wieder künstlerische Arbeiten entwickelt, die sich mit kulturellen Eigentümlichkeiten, Migration und der politischen Gegenwart des Landes beschäftigen. DAS GLÜCK IST NICHT IMMER LUSTIG versammelt erstmals diese Werke, die auch die Bedeutung von Berlin und Deutschland als Ort künstlerischer Produktion für Tiravanija zeigen. Der Titel der Ausstellung ist dem Vorspann von Rainer Werner Fassbinders Film Angst essen Seele auf von 1974 entliehen, dessen Schilderung von anti-arabischem Rassismus gegen den sogenannten Gastarbeiter Ali heute, 50 Jahre später, erschreckend aktuell ist. Die umfangreiche Ausstellung umfasst Arbeiten auf Papier, Skulpturen, Fotografien, Multiples und eine Auswahl selten gezeigter Super-8-Filme sowie regelmäßige Aktivierungen zentraler ephemerer und partizipatorischer Arbeiten des Künstlers von den 1980er Jahren bis heute. Dabei steht die Sprengkraft seiner Praxis immer im Mittelpunkt: Institutionelle Grenzen und Kategorien werden ausgetestet; es wird laut, es wird gekocht, gegessen und gespielt.

Kuratiert von Jenny Schlenzka, Yasmil Raymond und Christopher Wierling

Montag 12:00–18:00 Uhr Dienstag geschlossen Mittwoch 12:00–18:00 Uhr Donnerstag 12:00–18:00 Uhr Freitag 12:00–18:00 Uhr Samstag 12:00–18:00 Uhr Sonntag 12:00–18:00 Uhr

Du hast Lust auf ein Abenteuer? Dann komm in den Museumspark Rüdersdorf und fühle Dich ein paar Stunden lang wie ein richtiger Geologe auf Forschungsmission! Während unserer Geo-Tour kannst Du Einiges erleben. Nach einer kurzen theoretischen Einführung im Otto-Torell-Haus geht es gemeinsam mit unseren Gästeführer*innen ganz Forscher-mäßig mit dem Geländewagen in den aktiven Tagebau.
Hier heißt es Ärmel hoch krempeln und Augen offenhalten. Wir können nicht versprechen, dass Du hier einen Dinosaurier findest, aber Fossilien gibt es im wahrsten Sinne des Wortes wie Sand am Meer. Zurück im Museumspark nimmst Du Deine Fundstücke genau unter die Lupe. Unter Anleitung legst Du die eingeschlossenen Fossilien frei, bestimmst sie und darfst Deine gefundenen "Schätze" natürlich mit nach Hause nehmen.

Helme, Schutzbrillen, Warnwesten und Werkzeuge werden gestellt.
Feste, knöchelhohe Schuhe sind unbedingt erforderlich.
Teilnahme erst ab 6 Jahren