KUNST , Komödie von Yasmina Reza, aus dem Französischen von Eugen Helmlé
Theater Poetenpack
Regie: Carl-Hermann Risse

Serge hat sich ein monochromes Ölgemälde gekauft, weiß mit weißen Streifen. Und teuer, richtig teuer. An diesem Bild entzündet sich der Streit zwischen drei Freunden. Serge ist begeistert von dem Gemälde, sein Freund Marc findet es einfach „Scheiße“, Yvan will keine Stellung beziehen, um es sich mit seinen Freunden nicht zu verderben.
Zwischen den Männern tun sich tiefe Gräben auf und die langjährige, enge Beziehung steht auf einmal zur Disposition.

Das Bild dient als Katalysator, mit dessen Hilfe die Autorin auf sehr subtile und psychologisch fein gezeichnete Weise wortgewandt und komisch eine Situation analysiert, die drei Männer, ihre Gefühle, ihre Befindlichkeit, ihre Freundschaft und ihr bisheriges Dasein auf den Prüfstand und infrage stellt.
KUNST ist das dritte Theaterstück der französischen Autorin Yasmina Reza. Es wurde 1994 in Paris uraufgeführt und schnell zu einem Welterfolg; es erhielt mehrere Preise (Molière, Tony Award, Laurence Olivier Award) und wurde bisher in 40 Sprachen übersetzt. Das Stück handelt davon, dass eine langjährige Freundschaft dreier Männer durch ein Bild auf die Probe gestellt wird: das Lachen ist Thema des Stückes. Die Autorin selbst sagt dazu: „Das Drama von „Kunst“ ist ja nicht, dass Serge das weiße Bild kauft, sondern dass man mit ihm nicht mehr lachen kann.“
Zum autobiografischen Hintergrund ergänzt sie: „Die Geschichte ist mir passiert mit einem Freund, der ein weißes Bild gekauft hat. Er ist Dermatologe, und ich habe ihn gefragt: ‚Wieviel hast du dafür bezahlt?‘ Und er hat geantwortet: ‚Zweihunderttausend Francs.‘ Und ich brüllte vor Lachen. Er allerdings auch. Wir sind Freunde geblieben, weil wir lachten. Als er das Stück las, lachte er auch. Es hinderte ihn nicht daran, sein Bild weiterhin zu lieben.“

Pressestimme: „Denn .. ihr großartiges, unaufgeregtes und punktgenaues Spiel macht diese unverwüstliche Konversationskomödie zu einem „Kunst“-Stück."

Einlass: 19:30 Uhr

AKTUELLES PROGRAMM: »DAS KANN MAN SO NICHT SAGEN.«
Ein neues Programm? Das kann man so nicht sagen.
Helmut Schleich macht, was er will. Kein Abend gleicht dem anderen.
Sein Vorbild ist die Regierung. Und so sagt er sich: was kümmert mich mein Geschwätz von gestern.
Schließlich leben wir in einer Zeit, wo die Wirklichkeit das Kabarett Tag für Tag überbietet.

„Überholen ohne einzuholen“ hieß das früher im Sozialismus.
Damals baute man in Russland die größte Wasserstoffbombe der Welt. Die sogenannte Zarenbombe. Die war so groß, dass kein Trägersystem in der Lage war, sie zu transportieren.
Das ist mal eine Friedensinitiative. Die Amis waren überrumpelt. Mit untragbarem Pazifismus aus dem „Reich des Bösen“ hatten sie nicht gerechnet.

Gutes Kabarett und Politik haben eben doch was gemein: Beide wollen die Leute überraschen.
Das Kabarett muss dabei sein wie einst die Zarenbombe. Zündend und untragbar.
Das kann man so nicht sagen.
Egal.
Helmut Schleich macht es einfach.

Einlass: 19:00

Die Stadt Burghausen organisiert das Konzert als Dank an Siggi Loch, auf dessen Initiative hin die Skulptur zuerst als Leihgabe, nun als Geschenk nach Burghausen kommt und  seit  2019 am Eingang zur Burg vor der Evangelischen Friedenskirche ihren passenden Platz gefunden hat.

Der Saxophonist Jakob Manz und die Pianistin Johanna Summer zählen zu den interessantesten und meistbeachteten Entdeckungen im jungen deutschen Jazz der vergangenen Jahre. Nun treten sie im Duo in ein inniges, offenes, schillerndes Zwiegespräch.
Jakob Manz und Johanna Summer kennen und schätzen einander seit ihrer gemeinsamen Zeit in der Talentschmiede des Bundesjugendjazzorchesters. Und die Tatsache, dass sie, praktisch zeitgleich, im Jahr 2020, Teil der ACT-Labelfamilie wurden, hat dafür gesorgt, dass sich ihre Wege immer wieder kreuzten – bis sie schließlich bei einigen wenigen, exklusiven Terminen im Duo auf der Bühne standen. Und hier offenbarte sich schnell: In dieser Konstellation entsteht eine besondere Magie und Freiheit im Zusammenspiel, die sich so wohl nur zu zweit erzeugen lässt. Auf Basis von klassischen Stücken, Eigenkompositionen oder Jazz-Standards erschaffen sie ein eigenes musikalisches Universum, mal zart und zerbrechlich, mal rhythmisch zupackend, mal mitreißend melodisch.

Die Süddeutsche Zeitung nannte Johanna Summers Solo-Debüt "Schumann Kaleidoskop" (ACT) „eine kleine Sensation“, das Anfang 2023 veröffentlichte Nachfolge-Album "Resonanzen" ist laut ZEIT "ausgefeilt, raffiniert, wagemutig". Piano-Altmeister Joachim Kühn war begeistert von einer „Musik voller Fantasie und ohne Kategorie“. Bei Johanna Summer passiert nichts um des Effekts Willen, alles steht im Zeichen des musikalischen Storytellings, mit einem äußerst reifen, weitsichtigen Blick für Dramaturgie, Dynamik und Harmonie. Ein außergewöhnliches Talent ist auch Altsaxophonist Jakob Manz. Mit „The Jakob Manz Project“ zeigt der 20-Jährige „das beeindruckende Spektrum seines Instruments – im Geiste des Jazzrock und mit einer tight groovenden Band“ (3sat Kulturzeit). Sein Album „Natural Energy“ (ACT) klingt spielerisch und kompositorisch so reif, dass es klar macht: Jakob Manz zählt zu den kommenden Größen des Genres.

Foto: ACT_Mirko Polo

Einlass: 19:30 Uhr

Die Udo Jürgens Story – Promotion-Texte zur Tournee 2024
„Ein Muss für alle Udo-Fans!“ – Große Tournee zum 10. Todestag und 90. Geburtstag

100.000 Zuschauer haben sich bereits von der Show begeistern lassen. 2024 ist DIE UDO JÜRGENS STORY mit Gabriela Benesch und Alex Parker erneut auf großer Tournee durch Deutschland und Österreich – und feiert das Udo-Jürgens-Jahr. 2024 jährt sich der Todestag der Musiklegende zum zehnten Mal und am 30. September ’24 hätte Udo Jürgens seinen 90. Geburtstag gefeiert.
Die erfolgreiche Tribute-Show ist eine einfühlsame und mitreißende Hommage an den Grandseigneur der deutschen Unterhaltungsmusik – mit den großen Hits und unbekannteren Juwelen sowie spannenden Geschichten rund um das Leben dieser bedeutenden Musiklegende.
Die mehrfach ausgezeichnete Film- und Theaterschauspielerin Gabriela Benesch und Alex Parker, der wohl beste, bekannteste und beliebteste Udo-Jürgens-Interpret, führen ihre Gäste auf eine musikalische Zeitreise von Evergreens wie „Merci Cherie“, „Ein ehrenwertes Haus“, „Ich war noch niemals in New York“, „Griechischer Wein“, „Liebe ohne Leiden“, „Mit 66 Jahren“ bis zu „Mein Ziel“ und vielen weiteren Hits. Das Duo sorgt unter der Regie von Erich Furrer für einen Abend voller Erinnerungen und Überraschungen und lässt das Herz jedes Udo-Jürgens-Fans höherschlagen.

Foto: Erich Furrer

Einlass: 19:00 Uhr

Am Ende vorn

Seine Jahresrückblicke sind längst Kult. So wie seine alljährlichen
Maibockreden im Hofbräuhaus längst legendär sind. Aber wenn Django
Asül ein neues Bühnenprogramm zimmert, geht es nicht um das
alltägliche Kleinklein in Politik und Gesellschaft, sondern um die großen
Themen. Aktuell zu sein reicht da bei weitem nicht. Er blickt nicht nur auf
das Hier und Jetzt, sondern gerne auch mal auf das Woanders und
Später. Sich selber treu bleiben und gleichzeitig sich konsequent
weiterentwickeln – das sind die Eckpfeiler seines Schaffens. Das ist er
nicht mal so sehr sich selber, sondern seinem Publikum schuldig. Die
Verantwortung wiegt mittlerweile schwer. Wer wie Django Asül Träger
des Bayerischen Verdienstordens, des Bayerischen Kulturpreises und
des Bayerischen Kabarettpreises ist, hat begriffen: Das Gröbste ist
erledigt – jetzt geht es ans Eingemachte. Und zwar ohne Rücksicht auf
Gewinne. Und das Publikum darf live dabei sein. Wem diese
Ankündigung zu kryptisch ist, dem sei gesagt: Django Asüls mittlerweile
achtes Soloprogramm kann es locker mit jedem Präzisionsgerät made in
Germany mithalten. Freuen Sie sich auf zwei Stunden, in denen jeder
Nebensatz das Zeug zum Hauptsatz hat.

Einlass: 18 Uhr

Die von John Cage zwischen 1946 und 1948 komponierten „Sonatas and Interludes“ für präpariertes Klavier sind eines der bekanntesten Werke des Komponisten und nehmen in dessen Werkkatalog eine Schlüsselstellung ein.
Bereits einige Jahre zuvor entwickelte Cage die Technik des Klavier-Präparierens und lotete die Möglichkeiten der Klangmanipulation aus: Die seinen Stücken jeweils vorangestellten Präparationstabellen geben dabei an, welche Materialien (z. B. Schrauben, Bolzen, Gummi-, Filz- oder Plastikelemente) zu verwenden sind und wo diese zwischen den Klaviersaiten zu platzieren sind. Mit jedem Objekt, dessen Größe, Stärke und Position verändert sich der ursprüngliche Klavierklang in seiner Höhe, Stärke, Farbe und Dauer. Die Präparation, für deren Vorbereitung ein Pianist etwa zweieinhalb bis drei Stunden braucht, betrifft mehr als die Hälfte der Saiten eines Flügels. Der Pianist, Komponist und Dirigent Steffen Schleiermacher zählt zu den bedeutensten Figuren der Neuen Musik weltweit. Seine Einspielung des Gesamtwerkes für Klavier von John Cage gelten als Refernzaufnahmen.

Im Anschluss: Künstlergespräch

Offizielle Eröffnung um 19.00 Uhr, Konzert um 20.00 Uhr

Zusammen mit dem spanischen Perkussionisten Agustín Jiménez zeigt die geniale Flamenco Tänzerin LEONOR LEAL wie spannungsvoll, facettenreich und vor allem zeitgenössisch ihre Tanzkunst ist. Jazz meets Flamenco. Weltmusik meets Tanz.

Tradition trifft auf Moderne: Die Ausnahmetänzerin Leonor Leal ist ständig auf der Suche nach maximaler Präsenz und Ausdruckskraft. Es ist diese „Magie“, dieser „Flow“ - oder wie es in der Flamencosprache heißt: der „Duende“ - der nur im spontanen und improvisierten gemeinschaftlichen Spiel zum Vorschein kommt und das Publikum elektrisiert. Geboren in der Wiege des Flamenco Jerez de la Frontera, begann sie ihre Ausbildung im Alter von 9 Jahren am CONSERVATORIO PROFESIONAL DE DANZA DE SEVILLA. Sie vertiefte ihre Ausbildung in Sevilla bei Flamencogrößen wie Manolo Marín, Pilar Ortega, Carmen Montiel, Pepa Coral, der Familie Galván und in Jerez bei Juan Parra, Ángelita Gómez, Mercedes Ruiz, An-drés Peña, Ana Maria López und Maria del Mar Moreno. Sie erhielt Engagements bei der COMPANIA DE ANDRÉS MARIN, beim BALLET DE ANDALUCIA unter der Leitung von Christina Hoyos, und arbeitete zusammen mit Künstlern wie Ángeles Gabaldón, Joaquín Grilo, Alejandro Granados, Rafael Campallo, Antonio Canales, Javier Barón, Dornates, u.a. Es folgten Auszeichnungen als herausragende Tän-zerin beim CERTÁMEN CHOREOGRÁFICO DE DANZA ESPAÑOLA Y FLAMENCO, Madrid, und beim FESTIVAL DE JEREZ.

Im Anschluss: Künstlergespräch

Einlass: 19:30 Uhr

Vier langjährige Freunde haben mit RUN TO YOU ein Projekt erarbeitet, welches die Begeisterung zu den unvergesslichen Hits von Bryan Adams zum Ausdruck bringt. Lassen auch Sie sich durch rockige Gitarrensounds, ergreifende Pianoklänge, epische Refrains und vier aufgestellte Musiker verzaubern.

Einlass: 19:00 Uhr

Stummfilm von HANS WERCKMEISTER mit Live-Musik von CLAUS BOESSER-FERRARI (Uraufführung)

Der bekannte Jazz-/Rock-/Theater-Musiker Claus Boesser-Ferrari hat bereits mit Joan Baez, Marc Ribot, Ralph Towner uva. bedeutenden Jazz- und Rockmusikern gespielt. „Claus Boesser-Ferrari ist ein stilprägender deutscher Gitarrist, Kom-ponist und Dozent mit internationaler Reputation. Er hat die Klangästhetik der Akustischen Gitarre um klangmalerische Verfremdungen und raffinierte rhyth-misch-perkussive Techniken erweitert.” (Wikipedia). Seine Avantegarde-Jazz-Musik hatte er schon für die großen Theaterbühnen in Berlin (Schaubühne), Hamburg, Hannover, Mannheim, Basel, Zürich produziert..

Der Science Fiction Film von Hans Werckmeister aus dem Jahre 1920 wird von Claus Boesser-Ferrari neu vertont und live begleitet. Hans Werkmeister arbeitete bei Algol mit dem Architekten Walter Reimann zusammen, der ein Jahr zuvor die Bauten für Robert Wienes Stummfilmklassiker “Das Cabinet des Dr. Caligari” ent-worfen hatte. Werkmeister geht in seinem Film dem gerade heute sehr aktuellen Wunsch nach unerschöpflichen Energiequellen nach und entwirft dabei ein in-tensives Szenario zwischen Macht und Liebe. Der Protagonist Robert Herne, ein Arbeiter einer Kohlegrube stößt während der Arbeit in der Grube auf einen Außerirdischen vom Planeten Algol. Dieser gibt ihm das Geheimnis der Algol-Wellen und eine Maschine, die diese vom Algol-Stern ausgehenden Wellen in Energie verwandelt. Herne hat nun eine unerschöpfliche Energiequelle in der Hand. Er nutzt die Maschine und versorgt die ganze Welt mit Energie. Er gewinnt überall an Macht und Einfluss. Doch seine Freundin Maria verlässt ihn und flieht in ein agrarisch geprägtes Nachbarland, das Hernes Machtstreben noch widersteht. Herne heiratet die reiche Grubenbesitzerin Leonore Nissen, mit der er zwei Kinder hat. Zwanzig Jahre später kommt Marias Sohn Peter Hell zu Herne, um ihn zu bitten, die Energie der Algol-Strahlen der ganzen Menschheit zugu-tekommen zu lassen. Herne lehnt ab. Seine Tochter Magda folgt Peter Hell in das idyllische Nachbarland, das aber unter dem Einfluss von Hernes Machtpolitik un-ter zunehmenden Druck gerät. Hernes Frau Leonore kommt bei einem Unfall mit den Algolstrahlen ums Leben und sein Sohn Reginald trachtet seinem Vater nach dem Leben, um die Weltherrschaft an sich reißen zu können. Herne erkennt, wie sehr ihn die Macht der Algolmaschine korrumpiert hat, und zerstört diese.

Im Anschluss: Künstlergespräch

Einlass: 16:30 Uhr

KONZERT
THE NEW YORK SCHOOL – Musik von Morton Feldman, Earle Brown, Christian Wolf and John Cage
ENSEMBLE AVANTGARDE
Ralf Mielke – Flöte
Stefan Stopora – Schlagzeug
Steffen Schleiermacher – Klavier, Moderation

Es ist viel gestritten worden darüber, ob es eine „New York School“ gegeben hat, welche Künstler dazu gehörten und worin die Gemeinsamkeiten bestanden ha-ben könnten. Unbestritten dabei jedoch ist, dass in den 50er Jahren Maler wie Willem De Kooning, Mark Rothko, Philip Guston, Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Alexander Calder oder Jackson Pollock neue Wege und Mittel des kün-stlerischen Ausdrucks suchten und fanden. Unbestritten ist auch, dass sich viele dieser Künstler persönlich kannten und (mehr oder weniger) schätzten. Und un-bestritten ist auch, dass sich viele von ihnen in der Cedar-Bar in New York des öfteren trafen. Geteilter Meinung ist die Fachwelt jedoch, ob man den Begriff der „New York School“ auch auf eine Gruppe von Komponisten ausdehnen kann, die zweifelsfrei im Umfeld der Maler immer wieder auftauchten und zuweilen auch in der Cedar-Bar verkehrten. Doch ebenso schwer, grundlegende Gemeinsamkeit-en bei den Malern der „New York School“ zu finden, gestaltet sich das Ansinnen, Parallelen im kompositorischen Schaffen von John Cage (1912-1992), Morton Feldman (1926-1987), Earle Brown (1926-2002) und Christian Wolff (geb. 1934) aufzuzeigen. Alle vier Komponisten lebten damals in oder zumindest bei New York. Sie traten in Konzertprogrammen durchaus als Gruppe auf und pflegten einen intensiven künstlerischen Austausch, wobei es aber nur im Falle Cage/Wolff zu einer Lehrer-Schüler-Beziehung im weitesten Sinne kam. In den 50er Jahren arbeiteten alle vier an Konzepten von musikalischer Grafik. Sie erstellten also nicht genau determinierte Kompositionen, die zuweilen eher Zeichnungen denn traditioneller Notenschrift glichen. Doch glichen sich (bis auf wenige Ausnahmen aus der allerersten experimentellen Phase) die Komposi-tionen in keiner Weise. Zu unterschiedlich waren die individuellen Interessen, Handschriften und auch künstlerischen Absichten

Im Anschluss: Künstlergespräch

Einlass: 19:30 Uhr

LATE NIGHT FILM
STEP ACROSSS THE BORDER – „ A Celluloid Improvisation“
(Kinofilm 90 Minuten von Nicolas Humbert und Werner Penzel)

Step Across the Border ist ein experimenteller Dokumentarfilm von Nicolas Hum-bert und Werner Penzel aus dem Jahr 1990 über die Musik des britischen Multi-Instrumentalisten, Improvisators und Komponisten Fred Frith. Der Film verfolgt einen experimentellen Ansatz, um sich seinem Thema zu nähern. Tatsächlich erfährt man nur in kurzen Interviews ein wenig über Fred Frith, sein Leben und seine Auffassung von Musik; die weiteren, teils renommierten Protagonisten – Musiker und Interviewpartner – werden im Film selbst nicht vorgestellt, Orte und Musik nicht benannt. Es gibt keine nachvollziehbare Handlungsabfolge, die etwa einer Reiseroute oder einer erkennbaren Chronologie folgen würde. Der Film baut stattdessen auf einer assoziativen Bildmontage auf, die Frith als Teil eines globalen Netzwerkes aus Gleichgesinnten und Freunden zeigt, die in ihrer oft improvisierten Musik seine Offenheit gegenüber fremden musikalischen Einflü-ssen und oft auch aussermusikalischen Klängen und Geräuschen teilen. Hum-bert und Wenzel bezeichnen ihren Film im Untertitel als „Celluloid Improvisation“, sie beschreiben ihre Arbeitsweise so: „In Step Across the Border werden zwei künstlerische Ausdrucksformen, improvisierte Musik und Direct Cinema, miteinander verbunden. In beiden Formen zählt der Moment, das intuitive Gespür für das Geschehen im Raum. Musik und Film entstehen aus einer inten-siven Wahrnehmung des Moments, nicht aus der Umsetzung eines vorgeg-ebenen Plans. In der Improvisation offenbart sich der Plan erst am Ende. Man findet ihn.“ Das Filmteam versteht sich als (visuelle) „Band“, die auf die musikalis-chen Improvisationen reagiert und dazu spontane Bildideen entwickelt. Daraus werden in der Montage assoziative Räume zur Musik geschaffen, die durch den Ton zusammengehalten werden. Das Verhältnis von Bild und Ton ist ein flies-sendes: der Ton der gezeigten musikalischen Performances beginnt oft schon als zunächst eigenständiger Filmton über den rahmenden Bildern, bevor er zum konkreten Ton der gezeigten musikalischen Handlung wird; umgekehrt werden auch die Klänge der Bildebene mit der Musik verschränkt.

Im Anschluss: Künstlergespräch mit dem Regisseur Nicolas Humbert

Einlass: 21:30 Uhr

Tagesticket für alle Veranstaltungen am Samstag, den 18. Mai 2024
Ankersaal Burghausen

Einlass: 16:30 Uhr

Stephan Micus ist ECM-Künstler seit 1976 und einer der wichtigsten Vertreter der improvisierten Musik, die sich in der Schnittmenge von historischen Instrumenten verschiedener Kulturen und Jazz bewegen.

Stephan Micus ist Sänger, Multiinstrumentalist und Komponist, der seine Musik mit verschiedenen traditionellen Instrumenten aus allen Teilen der Welt kreiert. Insbesondere widmet er sich der Sitar, Shakuhachi, Steelpan, der 10- und 14- saitigen Gitarre, der Nay, Kalimba Zither oder der Sho. Micus reiste viel um die Welt auf der Suche nach besonderen Instrumenten. Er eignet sich die Spielweise der Instrumente zumeist selbst an, um eigene Spieltechniken darauf zu entwickeln. Es geht ihm darum, die Instrumente aus ihrem ursprünglichen Kontext zu lösen und eine ganz neue Klangwelt zu erschaffen. Er passt die Instrumente, mit unorthodoxen Techniken, seinen Klangvorstellungen an. Mit dieser Philosophie geht er auch mit behauenen Steinblöcken und modernen In-strumenten wie dem Hang um. Er versucht die unterschiedlichsten Klangwelten miteinander zu kombinieren um so ein ganz neues Klangspektrum zu erschaffen.

Fred Frith - Improvisator, Komponist und Multi-Instrumentalist war Gründer der Artrock-Band Henry Cow. Nach Auflösung der Band 1979 schloss er sich den Art Bears an, spielte aber auch mit so unterschiedlichen Musiker-Persönlichkeiten wie John Zorn, Bill Laswell, Brian Eno, Mike Oldfield, Aki Takase, Ikue Mori, Louis Sclavis, Bob Ostertag, den Free-Jazz-Musikern Peter Kowald, Sonny Sharrock und Peter Brötzmann oder dem Folkrockgitarristen Richard Thompson.

Im Anschluss: Künstlergespräch
Vorher Gelegenheit zur gemütlichen Tea/Coffeetime im Gartenstöckl

Einlass: 17:00 Uhr mit coffeetime

KONZERT
NEW YOUNG SOUNDS – Musik von Joachim F. W. Schneider, Damian Scholl, John Corigliano, Henrik Ajax, Dai Fujikura
SAMIRA SPIEGEL – Violine, Klavier, Loop

Die junge Musikerin Samira Spiegel beeindruckt bereits in jungen Jahren die Zuhörer mit ihrer Doppelbegabung: als fabelhafte Pianistin aber auch als herausragende Geigerin, die auf beiden Instrumenten internationale Wettbew-erbe gewinnen und ihre Studien mit Auszeichnungen absolvieren konnte. Ihre Konzerttätigkeit führt sie durch ganz Deutschland und quer durch Europa. Auf-nahmen von und über Samira Spiegel sendeten BR Klassik, der Saarländische Rundfunk, Bayern 2, Österreich 1, SWR2, rbb-Kultur und das Bayerische Fernseh-en. Ihren Einsatz für die Musik unserer Zeit spiegeln viele Ur- und Erstauffüh-rungen zeitgenössischer Werke wider. Der Komponist Henrik Ajax komponierte für Samira das Werk „Spukhafte Fernwirkung für Violine, Klavier und Loop Station“, in dem die Künstlerin beide Instrumente gleichzeitig spielt.

Im Anschluss: Künstlergespräch

Einlass: 10:30 Uhr

De Scho Wieda: Mit dem einzigartigen Mix aus Mundart Pop und Volksmusik bringen die sympathischen Vertreter der bayrischen Welle Menschen zusammen und sichern sich mindestens Platz 1 im musikalischen Herzen von Jung und Alt.

Fättes Blech: Die 8-köpfige Brass-Band hat der bodenständigen Blasmusik, aus der sie kommen, eine gehörige Verjüngungskur verpasst und fusioniert Hip-Hop, Pop & Jazz mit Blasinstrumenten, Drums, Rap und Gesang zu einem eigenen, energiegeladenen Sound.

Anja Bavaria: Die Newcomerin Anja Bavaria eröffnet eine völlig neue Sparte in der bayerischen Musiklandschaft: Urban Dance Music mit Mundarttexten. Moderne Club-Beats gepaart mit eingängigen Melodien und oft scharfzüngigen, ironischen Texten im oberbayerischen Dialekt bringen frischen Wind in die Musikszene.

Einlass: 17:00 Uhr

Einlass 16:30 Uhr