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Auf der Flucht kommen sich Vater und Tochter immer näher. Doch ein Happy End kann es für sie nicht geben. Welchen Preis ist das Mädchen bereit, zu zahlen?

Korsika 1995. Es ist Lesias (Ghjuvanna Benedetti) erster flirrender Sommer als Teenagerin. Plötzlich wird sie in ein abgelegenes Anwesen verschleppt - um ihren im Untergrund lebenden Vater zu treffen. Das Pulverfass der Insel aus organisiertem Verbrechen, Nationalisten und Politik droht zu explodieren. Das direkte Umfeld ihres Vaters, des Oberhaupts seiner Organisation, wird dezimiert. Zur Flucht gezwungen, rücken Vater und Tochter immer näher zusammen. Doch das Netz um sie herum zieht sich enger und enger zu. Bis ihnen glasklar wird, dass ihre gemeinsame Reise irgendwann unweigerlich ein Ende finden muss. - Das organisierte Verbrechen hat jeden Glamour verloren in diesem geradezu meisterhaft inszenierten Langfilmdebüt von Regisseur Julien Colonna. Vielmehr bietet das Genresetting hier eine Fassade für ein intimes Vater-Tochter-Porträt voller genau beobachteter zärtlicher Augenblicke.

Auf Korsika aufgewachsen, ließ Regisseur Julien Colonna persönliche Erinnerungen in seinen ersten Spielfilm ›The Kingdom‹ einfließen. Zuvor studierte er in Paris Sozialwissenschaften und Drehbuch und drehte neben Werbefilmen international ausgezeichnete Kurzfilme.

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Tödliches Aufeinandertreffen zweier Außenseiter. Nervenzerreißender und origineller Psychothriller im stylischen 80er-Jahre-Gewand. Gefesselt und von Todesangst gezeichnet, kriecht ein Mann aus einem Haus, hin zu einem Briefkasten an einer einsamen Landstraße, einen blutverschmierten Zettel in Händen. So beginnt dieser kinematographisch ungeheuer einfallsreiche Psychothriller in körnigen Bildern und 80er-Jahre-Gewand. Ein Synthesizer-Ingenieur und ein von der Technik begeisterter Musikfan, zwei Außenseiter, lassen sich auf eine Geschäftspartnerschaft miteinander ein. Nach vielversprechendem Beginn kommt es aber recht bald zu einer folgenschweren Enttäuschung. Und dann ist da noch jener Brief, der irgendwann im Büro für unzustellbare Post ankommt und so weitere Menschen in die gefährliche Dynamik hineinzieht. Als die Hoffnung auf einen Ausweg längst dahinschwindet, gibt die Hartnäckigkeit einer Frau der Geschichte eine neue Wendung.
›Dead Mail‹ ist der zweite Spielfilm des Regie- und Autorenduos Joe DeBoer und Kyle McConaghy aus Missouri. Beide haben auch Erfahrung als Kameramänner. Mit ihrem neuen Film waren sie dieses Jahr im “Midnight Madness”-Programm des Toronto International Film Festivals vertreten.

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Queerer Kultfilm. Selbstreflexiv und überraschend erzählt Cheryl Dunye darin von Identität und dem Bedürfnis nach Selbstermächtigung.

Die lesbische Schwarze Cheryl (Cheryl Dunye) arbeitet in einer Videothek in Philadelphia. In ihrer Freizeit recherchiert sie zu Schwarzen Schauspielerinnen, die im frühen Hollywoodkino meist namenlos blieben. Eine dieser Darstellerinnen, die rassistisch als Watermelon Woman bezeichnet wurde, fasziniert Cheryl besonders. Sie versucht, die wahre Identität der Frau herauszufinden und deren Geschichte zu erzählen. - Mit diesem Meilenstein des queeren US-Kinos wendet sich Cheryl Dunye gegen die Unsichtbarkeit und Abwesenheit Schwarzer und queerer Menschen in der amerikanischen Filmgeschichte. Eine der Entdeckungen der diesjährigen Retrospektive!

Cheryl Dunye, geboren 1966, ist eine US-amerikanische Filmemacherin und Produzentin, die in ihren Filmen immer wieder Race, Gender und Sexualität thematisiert. Als Regisseurin hat sie neben ihren Spielfilmen auch Serien wie ›Dear White People‹ (2019) und ›Lovecraft Country‹ (2020) realisiert.

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Ein Schrottplatz in Tiflis, zwei schräge Vögel und eine leuchtende Idee. Absurd komisch, hinreißend verliebt in die Menschen und herrlich authentisch ist diese georgische Komödie eine echte Entdeckung.

Gonga und Bart sind die Könige des Schrottplatzes, immer auf der Suche nach Dingen, die sie verkaufen können. Ein karger, aber unerlässlicher Broterwerb, denn Bart hat Schulden bei gemeingefährlichen Gangstern. Als er und Gonga Kisten mit Metallkreuzen finden, haben die beiden eine Idee: sie möbeln die Fundstücke mit farbigen Leuchtmitteln auf. Und tatsächlich: Das Haustürgeschäft mit den elektrifizierten Glaubensutensilien läuft recht gut und die Schulden scheinen bald so gut wie beglichen. Doch Bart verzockt die Einnahmen im Casino. - Ein wilder Trip im rostigen Opel mitten hinein ins Herz der georgischen Hauptstadt. Irgendwo zwischen Nostalgie und unbestechlicher Beobachtungsgabe verschmelzen Sowjet-Charme, plüschig-kitschige Wohnzimmer, zahnlos singende Alte und gelangweilte Jugendliche zu einem hinreißendem Gesellschaftsportrait - schräg und liebevoll zugleich.

Tato Kotetischwili, Jahrgang 1987, ist ein georgischer Filmemacher. Er lebt in Tiflis und arbeitet als Regisseur und Kameramann. ›Holy Electricity‹ ist sein erster Spielfilm, mit dem er in diesem Jahr gleich den großen Nachwuchspreis in Locarno gewann.

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Einlass 1 Stunde vor Beginn

Eintauchen in die “Anatomie des Glücks“

Das Glück des Menschen ist eng mit dem Körper verbunden. Wie eng, das zeigt die KÖRPERWELTEN Dauerausstellung in Heidelberg. Hier entwickelte der Anatom Gunther von Hagens an der Universität Heidelberg das Verfahren der Plastination, einer bahnbrechenden Methode zur Konservierung von Körpern.

Heute gehören die KÖRPERWELTEN zu den beliebtesten Ausstellungen der Welt. Rund um den Globus erkunden Wissbegierige die Geheimnisse des menschlichen Seins. Doch nicht nur die Anatomie des Körpers steht im Mittelpunkt – vielmehr geht es um eine Sensibilisierung und ein Verständnis für Bedeutung des Körpers in Bezug auf das eigene Glück. Die ausgestellten Plastinate schaffen ein neues Bewusstsein für einen verantwortungsvollen Umgang mit dem eigenen Körper und eine gesunde Lebensweise. Was bewegt uns? Was treibt uns an? Und wie funktioniert Glück überhaupt? All diese Fragen und noch viele mehr werden in der „Anatomie des Glücks“ beantwortet und ebenso viele wieder aufgeworfen. Der menschliche Körper hört nie auf, uns zu erstaunen und zu begeistern.

Lassen auch Sie sich entführen in eine faszinierende Welt, die unter die Haut geht.

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Immerse yourself in the "Anatomy of Happiness"

Human happiness is closely linked to the body. The permanent exhibition BODY WORLDS in Heidelberg shows just how closely. It was here, at the University of Heidelberg, that anatomist Gunther von Hagens developed the process of plastination, a pioneering method of preserving bodies.

Today, BODY WORLDS is one of the most popular exhibitions in the world. Around the globe, inquisitive minds explore the secrets of the human condition. But the focus is not only on the anatomy of the body - rather, it is on raising awareness and understanding the importance of the body in relation to one´s own happiness. The exhibited plastinates create a new awareness for a responsible approach to one´s own body and a healthy lifestyle. What moves us? What drives us? And how does happiness work at all? All these questions and many more are answered in the "Anatomy of Happiness" and just as many are raised again. The human body never ceases to amaze and inspire us.

Let yourself be carried away into a fascinating world that gets under your skin!

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Letzter Einlass 17:00 Uhr

Ihre ungewollte Schwangerschaft treibt eine junge Frau in der Dominikanischen Republik zum Kampf gegen die himmelschreiende Ungerechtigkeit. In einem Film von faszinierend eigenständiger Schönheit.

Zucker: viel mehr als das von uns allen geliebte Süßungsmittel. Es ist eine ganze Geschichte. Eine Geschichte von karibischen Inseln, von Kolonialisierung, Arbeiterrechten und – Menschen. Von all dem erzählt dieser beeindruckend eigenständige Film in einer faszinierenden Mischung aus dokumentarischen, fiktionalen und theatralen Elementen. Dabei findet er wunderschöne, geradezu emblematische Bilder, die dem Zuschauer riesige Assoziationsräume eröffnen. – Konkret erzählt wird hier die Geschichte der jungen Makenya, die mit ihrer Familie auf einer Zuckerrohrplantage lebt und ungewollt schwanger wird. Doch sie nimmt nicht nur dieses Schicksal an, sondern stemmt sich gemeinsam mit ihren Verwandten auch den Ungerechtigkeiten entgegen, die ihnen widerfahren. - Politisches, stilistisch beeindruckendes Kino, das vieles zusammenbringt, was wir allzu häufig nur getrennt voneinander betrachten.

Regisseurin Johanné Gómez Terrero ist eine afrodiasporische Künstlerin, die sich bereits als Dokumentarfilmerin einen Namen gemacht hat. Zudem arbeitet sie als Produzentin und lehrt an der Internationalen Filmschule in Kuba. ›Sugar Island‹ ist ihr Spielfilmdebüt.

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Eine komplett unwahrscheinliche Romanze gegen alle weltlichen Widerstände, eingefangen in Bildern von ungeheurer Kraft und Einfallsreichtum. Großes Gefühlskino.

Xia Yo ist eine wohlhabende, verlobte Geschäftsfrau, Xu Zitai ein Straßenverkäufer und Tagelöhner aus einfachsten Verhältnissen. Sie erschöpft und frustriert, er ernüchtert und zynisch. Und doch sehen beide gleich bei ihrem ersten Zusammentreffen etwas ineinander. Die Luft knistert. Es ist der Beginn einer großen Liebe gegen alle Widerstände, die die Welt für sie bereithält. Da ist zum einen ihr gewalttätiger Verlobter, der sie überallhin verfolgt. Zum anderen Xu Zitais unaufhaltsam vorrückende Krankheit - und seine Weigerung, sich behandeln zu lassen. - In Bildern von beeindruckender Schönheit und großem Einfallsreichtum erzählt ›Bound in Heaven‹ ungeheuer frisches und authentisches Kino der großen Gefühle. Und das ohne jeden Kitsch. Erst ganz zum Schluss lässt der Film völlig bewusst jede Bodenhaftung hinter sich.

Xin Huo, 1980 in Beijing geboren, blickt bereits auf eine lange Liste an verfassten Drehbüchern zurück, darunter das Buch zu ›Kung Fu Hustle‹, der 2004 in der Inszenierung von Stephen Chow zum internationalen Hit wurde. Mit ›Bound in Heaven‹ tritt sie zum ersten Mal als Regisseurin in Erscheinung.

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Ein Schrottplatz in Tiflis, zwei schräge Vögel und eine leuchtende Idee. Absurd komisch, hinreißend verliebt in die Menschen und herrlich authentisch ist diese georgische Komödie eine echte Entdeckung.

Gonga und Bart sind die Könige des Schrottplatzes, immer auf der Suche nach Dingen, die sie verkaufen können. Ein karger, aber unerlässlicher Broterwerb, denn Bart hat Schulden bei gemeingefährlichen Gangstern. Als er und Gonga Kisten mit Metallkreuzen finden, haben die beiden eine Idee: sie möbeln die Fundstücke mit farbigen Leuchtmitteln auf. Und tatsächlich: Das Haustürgeschäft mit den elektrifizierten Glaubensutensilien läuft recht gut und die Schulden scheinen bald so gut wie beglichen. Doch Bart verzockt die Einnahmen im Casino. - Ein wilder Trip im rostigen Opel mitten hinein ins Herz der georgischen Hauptstadt. Irgendwo zwischen Nostalgie und unbestechlicher Beobachtungsgabe verschmelzen Sowjet-Charme, plüschig-kitschige Wohnzimmer, zahnlos singende Alte und gelangweilte Jugendliche zu einem hinreißendem Gesellschaftsportrait - schräg und liebevoll zugleich.

Tato Kotetischwili, Jahrgang 1987, ist ein georgischer Filmemacher. Er lebt in Tiflis und arbeitet als Regisseur und Kameramann. ›Holy Electricity‹ ist sein erster Spielfilm, mit dem er in diesem Jahr gleich den großen Nachwuchspreis in Locarno gewann.

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Ousmane Sembènes legendärer Debütfilm ist eine dringend wiederzuentdeckende Offenbarung über Kolonialismus in einer vermeintlich postkolonialen Welt.

Ousmane Sembène war einer der wichtigsten Filmemacher und Schriftsteller Afrikas, dessen unermesslicher Einfluss weit über den Kontinent hinaus zu spüren war. Gleich mit seinem filmischen Debüt ›Black Girl‹ sorgte er für Furore: Eine junge Frau arbeitet in Dakar als Kindermädchen für eine französische Familie. Als diese beschließt, nach Frankreich zurückzukehren, fährt sie auch mit. Doch kaum angekommen, wird sie zur billigen Putz- und Kochkraft und ihr Körper zum exotischen Objekt degradiert. Angesichts dieses himmelschreienden Rassismus schwört sich die junge Frau, nie wieder eine Sklavin zu sein, und begeht einen radikalen Akt des Widerstandes.

Ousmane Sembène (1923-2007) war ein höchst einflussreicher senegalesischer Filmemacher und Schriftsteller und Pionier des afrikanischen Kinos. Zu seinen wichtigsten Filmen gehören auch ›Mandabi‹ (1968), ›Camp de Thiaroye‹ (1988) sowie ›Guelwaar‹ (1992).

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Ihre ungewollte Schwangerschaft treibt eine junge Frau in der Dominikanischen Republik zum Kampf gegen die himmelschreiende Ungerechtigkeit. In einem Film von faszinierend eigenständiger Schönheit.

Zucker: viel mehr als das von uns allen geliebte Süßungsmittel. Es ist eine ganze Geschichte. Eine Geschichte von karibischen Inseln, von Kolonialisierung, Arbeiterrechten und – Menschen. Von all dem erzählt dieser beeindruckend eigenständige Film in einer faszinierenden Mischung aus dokumentarischen, fiktionalen und theatralen Elementen. Dabei findet er wunderschöne, geradezu emblematische Bilder, die dem Zuschauer riesige Assoziationsräume eröffnen. – Konkret erzählt wird hier die Geschichte der jungen Makenya, die mit ihrer Familie auf einer Zuckerrohrplantage lebt und ungewollt schwanger wird. Doch sie nimmt nicht nur dieses Schicksal an, sondern stemmt sich gemeinsam mit ihren Verwandten auch den Ungerechtigkeiten entgegen, die ihnen widerfahren. - Politisches, stilistisch beeindruckendes Kino, das vieles zusammenbringt, was wir allzu häufig nur getrennt voneinander betrachten.

Regisseurin Johanné Gómez Terrero ist eine afrodiasporische Künstlerin, die sich bereits als Dokumentarfilmerin einen Namen gemacht hat. Zudem arbeitet sie als Produzentin und lehrt an der Internationalen Filmschule in Kuba. ›Sugar Island‹ ist ihr Spielfilmdebüt.

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Ein gemeiner Trick – Kriminalkomödie von David Foley mit Ulrike Frank in der Rolle der Camille

Camille Dargus genießt ihr Leben als unabhängige, wohlhabende Frau. Hin und wieder geht sie eine Nacht lang ihrer Leidenschaft für junge Kellner nach. Doch an diesem Morgen, nach einer Party in ihrem Sohoer Loft, laufen die Dinge anders als geplant, denn der junge Mann, Billy, lässt sich auch nicht mit Geld zu einem prompten Abgang bewegen. Und schon bald enthüllt er Camille, dass er sie mit einer Aufzeichnung ihrer nächtlichen Aktivitäten erpressen will.

Zu Billys Leidwesen lässt sich die abgebrühte Geschäftsfrau davon jedoch wenig beeindrucken. Aber Billy macht immer noch keine Anstalten zu gehen, und langsam dämmert es Camille, dass er noch andere Ziele verfolgt. Als sie endlich ihren Wachmann ruft, eskaliert die Situation jenseits ihrer schlimmsten Befürchtungen: Camille erkennt, dass sie die dunklen Geheimnisse ihrer Vergangenheit enthüllen muss. Aber sie ist auch eine Frau, mit der man nicht ungestraft spielt – es beginnt ein Kampf auf Leben und Tod.


Foto: Morris Mac Matzen

Einlass ab 19:30 Uhr

Die 10er Karte ist insgesamt zehn mal einlösbar.
Zum Buchen der einzelnen Vorführungen bitte den auf der 10er Karte abgedruckten Code im Bestellprozess angeben. Durch den Code wird eine kostenfreie Preisstufe freigeschaltet, die Ihr Euch dann buchen könnt.
Die 10er Karte ist nicht individualisiert und kann von mehreren Personen genutzt werden. Kommt also gern mit Euren Freund*innen!

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Kay ist schwer verknallt – und schwer erkrankt. Auf den Crush folgt jedes Mal ein Crash, auf starkes Herzklopfen Migräne, auf Knutschen Gliederschmerzen. Während Kay versucht, den Folgen von Long Covid zu entkommen, bringen nur die Sehnsucht nach Aron und der Wunsch nach einem starken, androgynen Körper Linderung. „Muskeln aus Plastik“ beschäftigt sich mit chronischer Erkrankung und Transness – und der Art und Weise, wie unsere Gesellschaft über „gesunde“ Körper nachdenkt und spricht. Gibt es überhaupt eine Sprache für Schmerz? Jenseits aller formalen und intellektuellen Traditionen untersucht Selma Kay Matter die dünne Linie zwischen Lust und Schmerz und erdenkt dabei neue Formen von Care, Intimität und queerem Widerstand – ein beeindruckendes, intuitives und bewegendes Debüt.

Selma Kay Matter, geboren in Zürich, studierte Szenisches Schreiben an der Universität der Künste Berlin und am Literaturinstitut Hildesheim. Matter ist Autor*in der Theaterstücke "Alice verschwindet", "Alias Anastasius" und "Grelle Tage". Letzteres erschien 2023 als Buch und wurde mit dem Hans-Gratzer-Preis 2022 und dem Nestroy-Preis 2023 ausgezeichnet. Muskeln aus Plastik ist Selma Kay Matters erstes Prosawerk.

Einlass: 19 Uhr

Die Grausamkeit des Märchens: Der kleine Olivier geht zu seiner Großmutter und kehrt nie zurück. Oder doch? Eine Wiederentdeckung!

Irgendwo im französischen Hinterland: Auf dem Weg zu seiner Großmutter verschwindet der neunjährige Olivier spurlos. Die Familie zerbricht an der Tragödie. Sechs Jahre später taucht ein Teenager (Grégoire Colin) in Paris auf und behauptet, Olivier zu sein. - Agnieszka Holland erzählt diese Fabel über Schuld und Identität als Hochspannungsachterbahnfahrt in warmen Bildern und klirrender emotionaler Kälte. Neben François Cluzet ( ›Ziemlich beste Freunde‹) brilliert der damals erst 17-jährige Colin (›Beau Travail‹, ›Across the Sea‹) in seiner ersten Rolle - prompt mit einer César-Nominierung als Bester Nachwuchsdarsteller) belohnt. Ein Meisterwerk!

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Eine Frau kann ihre Mutterschaft nicht annehmen. Mar Coll erzählt dieses Drama als Horror- und Psychothriller mit komödiantischen Elementen. Unmöglich? Doch! Und wie!

Soeben ist Schriftstellerin María Mutter geworden. Doch es will ihr einfach nicht gelingen, positive Gefühle für ihr Baby zu entwickeln. Beinahe befremdet beobachtet sie ihre Geschlechtsgenossinnen im Mutter-Kind-Kurs. Dann hört sie in den Nachrichten von dem verstörenden Fall einer Mutter, die ihre Zwillinge ertränkt hat, und ist wie gebannt. Es ist für sie der Beginn einer nervenaufreibenden Reise. Wie es dem Film dabei gelingt, seine vielfältigen Tonalitäten und Gefühlslagen zu balancieren, ist schlichtweg umwerfend. Zu verdanken ist das auch der bestechenden Leistung der jungen Hauptdarstellerin Laura Weissmahr.

Regisseurin Mar Coll stammt aus Barcelona und studierte dort Film. Ihr Debütfilm ›Drei Tage mit der Familie‹ (2010) brachte ihr den Goya und den Gaudí, Spaniens bedeutendste Filmpreise, für die beste Regie ein. Nach einem Abstecher ins Fernsehen markiert ›Salve Maria‹ ihre sehnlichst erwartete Rückkehr zum Kino.

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Ein zerrissenes Land unterm Brennglas: Vor dem Hintergrund des Israel-Palästina Konflikts entfaltet Scandar Copti ein bewegendes Familiendrama. Haifa. Ein Autounfall geht für die junge “Fifi” zunächst glimpflich aus. Doch das Ereignis setzt eine Dynamik aus Lügen und Intrigen in Gang, die zwei Familien - die eine jüdische-israelisch, die andere palästinensisch - in eine tiefe Krise stürzen. - Mit viel Empathie für alle Seiten zeichnet ›Happy Holidays‹ das Portrait einer jungen israelischen Generation zwischen konservativen Werten und eigener Orientierungslosigkeit. Erzählt in wechselnden Episoden, entsteht ein komplexes Kaleidoskop der Perspektiven. Und am Ende sind es vor allem junge Frauen, die in der angespannten Situation Stärke beweisen und Anlass zur Hoffnung geben. Ein wuchtiger Film. Ein wichtiger Film. Scandar Copti ist ein arabisch-israelischer Filmemacher, bekannt dafür, in seinen Filmen die sozialen Probleme der arabischen Gesellschaft in Israel zu beleuchten. Sein Debütfilm ›Ajami‹ (2009) wurde für einen Oscar nominiert. Für ›Happy Holidays‹ bekam er in diesem Jahr in Venedig den Orizzonti Award für das beste Drehbuch.

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Kanadas Oscar-Kandidat. Irgendwo zwischen Woody Allen, Wes Anderson und kanadischer Moderne lachen wir Tränen und entdecken die Schönheit des Kinos. Liegt Québec im Iran? Die Leute hier sprechen jedenfalls persisch. Und wie fährt man von dort nach Winnipeg und ist dann doch immer noch am selben Ort? Aber vor allem: Wie bekommt man eine Geldnote aus dem Eis eines zugefrorenen Sees? Mit viel Witz, großer formaler Strenge und noch viel größerer geistiger Freiheit dringt Regisseur Matthew Rankin zur universellen Sprache des Humors vor. Er nimmt uns mit auf eine urkomische Reise zu liegengebliebenen Koffern und abgeschalteten Springbrunnen. Und schließlich entdecken wir die verbindende Kraft und Schönheit des Kinos, jenseits von Zeit, Raum und Kultur. Genau das also, was wir im Moment brauchen.
Regisseur Matthew Rankin, geboren in Winnipeg, studierte Geschichte in Québec und Montreal. Er hat rund 40 Kurzfilme gedreht, die auf großen Festivals wie Sundance, der Berlinale und in Toronto gezeigt wurden. Sein Spielfilmdebüt ›The Twentieth Century‹ gewann 2020 den FIPRESCI-Preis in Berlin.

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Inzwischen sind sie Kult: die TRAUMKONZERTE IM SCHLOSS, in denen das Kurpfälzische Kammerorchester sein Publikum auf die Matte legt. In der Tat spielt das Momentum des Innehaltens und der Entschleunigung in diesem ungewöhnlichen Konzertformat die Hauptrolle, so dass für jeden Zuhörer ein kleiner Ruhebereich mit einer bequemen Matratze nebst Kissen, Decke und Betthupferl eingerichtet ist, auf dem er es sich bequem machen darf. Jenseits der manchmal steifen Konventionen eines klassischen Konzertbesuches kann man dann im Liegen tiefenentspannt dem ruhigen Fluss ausgewählter klassischer Musik folgen und träumend seinen Gedanken freien Lauf lassen.

Kein Einlass nach 20.15 Uhr.