Steve McQueen war bereits ein gefeierter Videokünstler. Dann gelang ihm mit ›Hunger‹ einer der eindrücklichsten Debütfilme der vergangenen 20 Jahre. IRA-Mitglied Bobby Sands (Michael Fassbender) ist im berüchtigten nordirischen Maze Gefängnis inhaftiert. Dort ist er mit menschenunwürdigen Haftbegindungen und Misshandlungen seitens der Wärter konfrontiert. Als die Behörden sich weigern, den IRA- Mitgliedern den Status als politische Häftlinge zuzugestehen, treten diese in einen

Hungerstreik. - ›Hunger‹ ist ein schonungsloser Blick auf ein düsteres Stück Zeitgeschichte.

Neben McQueens unnachahmlicher Schilderung des Horrors sticht vor allem Michael Fassbenders Schauspielleistung und die Inszenierung seines Körpers hervor. Um den Hungerstreik realistisch darzustellen, nahm der spätere Star 20kg ab. Steve McQueen, Jahrgang 1969, ist britischer Künstler und Filmemacher. Zu seinen bekanntesten Filmen gehören ›Hunger‹, ›Shame‹ (2011) und die Filmreihe ›Small Axe‹ (2020). ›12 Years a Slave‹ (2013) wurde mit dem Oscar als Bester Film ausgezeichnet.

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David Cronenbergs Meisterwerk mit James Woods und Debbie Harry. Bis heute hat es nichts von seiner düsteren Faszination eingebüßt.

Fernsehproduzent Max Renn stößt per Zufall auf einen Piratensender, dessen einziges Programm aus einer extrem gewalttätigen Foltershow namens “Videodrome” besteht. Stets auf der Suche nach einem neuen Kick, ist Max augenblicklich fasziniert. Mit allen Mitteln versucht er, die Quelle dieser Sendung ausfindig zu machen. Doch dabei wird er immer stärker in einen halluzinierenden Strudel gezogen, bei dem sich sogar sein eigener Körper zu verändern scheint. Niemand zeigt körperliche Transformationen und Adaptionen so verführerisch und zugleich verstörend wie David Cronenberg.
Und dies ist sein unbestrittenes Meisterwerk: “Long live the new flesh!”

Der Kanadier David Cronenberg, geboren 1943, ist einer der wichtigsten Regisseure der Gegenwart. Mit seinen frühen Filmen begründete er das Genre des Body Horrors. Zu seinen stilbildenden Werken gehören ›Scanners‹ (1981), ›Die Fliege‹ (1986), ›Naked Lunch‹ (1991) und ›A History of Violence‹ (2005).

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Bewegende Einwanderergeschichte. Von Freundschaft, Liebe und dem schweren Weg, ein Leben hinter sich zu lassen und in einem neuen anzukommen. Episch, gefühlvoll und reich an stiller Menschlichkeit. Anfang der 1990er-Jahre. Der 27-jährige Nour kommt aus Marokko und lebt als illegaler Einwanderer in Frankreich. Gemeinsam mit ein paar Freunden schlägt er sich als Kleinkrimineller durch. Trotz aller Entbehrungen lassen sie sich nicht unterkriegen und genießen ihr Leben voller Rausch und Partys. Aber es kommt, wie es kommen muss, und eines Tages werden die Freunde von der Polizei festgesetzt. Durch Hilfe von gänzlich unerwarteter Seite erhält Nour jedoch eine zweite Chance. ›Across the Sea‹ begleitet seinen Hauptcharakter über rund zehn Jahre und zeichnet so das Bild einer ganzen Epoche. Dabei erzählt der Film unglaublich facettenreich von Liebe und Lust in all ihren Formen sowie von der ungeheuren persönlichen Last der Migration. Für Nour wird sie gar zur existenziellen Bedrohung. Doch am Ende bleibt uns die Hoffnung, dass die Liebe ihn zu retten vermag. Ein Film von großer Menschlichkeit. Saïd Hamich Benlarbi ist Absolvent der berühmten Pariser Filmschule La Femis. Als Produzent zahlreicher französisch-marokkanischer Filme war er bereits auf vielen internationalen Festivals vertreten. Schon sein Regie-Debüt ›Retour á Bollène‹ wurde mehrfach ausgezeichnet. ›Across the Sea‹ ist sein zweiter Spielfilm.

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Vom Abschiednehmen und Nicht-loslassen-Können, von Gemeinschaft und der hohen Kunst der Weltflucht. Ein warmherziger Film voller Empathie.

Ein Tag, der nie zu Ende gehen soll: zwei Amateurteams treffen sich zum finalen Match auf ihrem geliebten Baseball-Platz. Es wird gelacht, getrunken, Alltägliches und manchmal sogar Existenzielles besprochen. Und je näher das Ende des Spiels rückt, umso kreativer werden die Männer, um es in die Länge zu ziehen. Wer gewinnt, spielt schon bald keine Rolle mehr. - ›Eephus‹ überträgt den Teamgedanken auf die Leinwand: niemand steht im Vordergrund, das Ensemble ist der Star. Mit Figuren wie aus dem Leben gegriffen. Auf magische Weise treten manche ab und andere erscheinen. Ein Film zum Verlieben, auch und gerade wenn man von Baseball keine Ahnung hat.

Carson Lund hat als Kameramann und Produzent umfangreiche Erfahrungen im amerikanischen Indie-Kino gesammelt, u. a. bei den Filmen ›Ham on Rye‹ und ›Christmas Eve in Miller’s Point‹. Zudem ist er als Musiker und Filmkritiker tätig. Mit ›Eephus‹ gibt der in Los Angeles lebende Filmemacher sein Regiedebüt. Er spielt immer noch regelmäßig Baseball.

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Das Aramis Orchester ist ein eigeninitiatives Jugendorchester für Filmmusik und Neoklassik mit über
30 jungen Menschen, die ihre Musik eigenständig arrangieren und präsentieren. Anlass zur Gründung des Aramis Orchesters war der Gedanke, dass es durch Musik möglich ist, die kreative Zusammenarbeit junger Menschen zu fördern und den Zusammenhalt in der Gesellschaft zu stärken. Denn: „Musik ist die gemeinsame Sprache der Menschheit.“

Eintritt: frei, Zutritt nur mit gebuchtem 0 €-Ticket

Im Kampf gegen Gewalt und Unterdrückung in der eigenen Familie ist eine junge Frau bereit, bis zum Äußersten zu gehen. Ein erschütternder, wichtiger und mutiger Film über weibliche Selbstbehauptung.

Brasilien, am Ufer des Amazonas. Die jugendliche Marcielle lebt hier mit ihren Eltern und drei Geschwistern. Trotz vordergründiger Zuneigung herrscht zu Hause eine angespannte und beengende Atmosphäre. Um der zu entkommen und es der von ihr vergötterten älteren Schwester gleichzutun, begibt sich Tielle zunächst auf einen der Lastkähne, die regelmäßig auf dem Fluss vorbeiziehen. Doch auch der führt sie nicht von der Insel fort. Also entscheidet sich die mutige junge Frau schließlich dazu, der Unterdrückung die Stirn zu bieten. Und sie ist bereit, dafür bis zum Äußersten zu gehen. Regisseurin Marianna Brennand dokumentiert mit diesem aufrüttelnden und souverän inszenierten Drama das furchtbare Unrecht, das vielen jungen Frauen in ihrem Heimatland widerfährt. Ein harter und wohltuend unnachsichtiger Film.

Regisseurin Marianna Brennand studierte Film in Santa Barbara und kehrte anschließend nach Brasilien zurück. Nach mehreren Dokumentarfilmen gibt sie nun mit ›Manas‹ ihr Spielfilmdebüt. Es ist das Ergebnis einer zehnjährigen Recherche über das Amazonasgebiet.

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Die Ausstellung KOFFERKIND beschäftigt sich künstlerisch mit dem Schicksal zurückgelassener Kinder, deren Eltern als Gastarbeiter*innen in den 1960er- und 1970er-Jahren nach Deutschland kamen. Die Kinder blieben im Heimatland und wuchsen mehrere Jahre ohne Eltern auf. Allein in der Türkei gab es schätzungsweise 700.000 sogenannte Kofferkinder. Fatma Biber-Born hat Fotografien aus deren Kindheit gesammelt und sie malerisch in Aquarell und Tusche in Bildern festgehalten. Mit Zitaten aus Interviews gestaltet sie eine
Rauminstallation, die uns die Biographien näherbringt.

Geschlechtsverkehr gegen Bezahlung als Weg zur sexuellen Befreiung? Sook-Yin Lees urkomische Adaption von Chester Browns autobiographischer Graphic Novel. Als ihm seine Freundin eine offene Beziehung nahelegt, verfällt Chester Brown kurzerhand auf die Idee, eine Sexarbeiterin aufzusuchen. Einmal damit begonnen, findet er Gefallen daran und sucht in stetem Wechsel neue bezahlte Gespielinnen auf. Zum Befremden seiner Freunde feiert er das als Befreiung von emotionalem Ballast und falschen romantischen Liebesvorstellungen. - Nur Regisseurin Sook-Yin Lee konnte diese Geschichte so schreiend komisch erzählen, wie es hier geschieht. Denn es ist auch ihre eigene. Vergangenheit und Gegenwart, Realität und Fiktion, Literatur und Film verschmelzen zu einem lustvollen Ganzen.
Sook Yin-Lee lässt sich nicht festlegen: Sie ist Musikerin, Multimediakünstlerin, Regisseurin, Drehbuchautorin und Schauspielerin. Ihre bekannteste Hauptrolle hatte sie 2006 in John Cameron Mitchells Kultfilm ›Shortbus‹. ›Paying For It‹ ist ihr fünfter Film als Regisseurin. Und bereits ihr zweiter in einem Jahr!

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Sensibel, anrührend und immer wieder auch von doppelbödigem Witz: Eine Frau ringt mit ihrer Demenz und dem Übergang zum betreuten Wohnen.

Manchmal fühlt sich die 80-jährige Ruth noch jung und beschwingt wie ein Teenager, bereit für die große Liebe. Zu akzeptieren, dass sie ihren Alltag nicht mehr allein bewältigen kann, ist bereits schwer für sie. Noch schwerer ist es für die demente Frau, den eigenen kognitiven Niedergang anzuerkennen. Die Rollen, die ihr zugeschrieben werden, ob Mutter, Patientin oder alte Dame, verleugnet sie. Konflikte mit den Pflegekräften des Wohnheims, in das sie gerade eingezogen ist, sind unausweichlich. Und Identitätskonflikte ohnehin: Wer bin ich? Und wer bin ich noch? - Regisseurin Sarah Friedland hat kurz nach dem Tod ihrer demenzkranken Großmutter damit begonnen, ›Familiar Touch‹ zu schreiben. Mit viel Witz, aber ohne vor
unbequemen Wahrheiten zurückzuschrecken, ist ihr ein Coming-of-Age-Drama des hohen Alters gelungen, das berührt und bis zuletzt überrascht.

Sarah Friedland ist Filmemacherin und Choreografin, deren Arbeiten auf Festivals wie dem New York Film Festival und im MoMA gezeigt wurden. Sie arbeitete als Assistentin an der Seite von Steve McQueen und Kelly Reichardt. ›Familiar Touch‹ ist ihr Spielfilmdebüt, mit dem sie in Venedig in der Sektion ›Orizzonti‹ den Preis für die beste Regie gewann.

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Ein Film rot wie Blut über die Folgen einer schrecklichen Tat. Tilda Swinton als Mutter, die verzweifelt versucht, eine Bindung zu ihrem Kind aufzubauen - und scheitert.

Von Geburt an ist Kevin ein Quälgeist. Als Baby ein Schreikind, scheint er es mit allem, was er fortan tut, darauf abgesehen zu haben, seiner Mutter das Leben zur Hölle zu machen. Dem Vater (John C. Reilly), der die problematische Entwicklung seines Sprösslings nicht sehen will, spielt er hingegen den stets lieben Sohn vor. - Lynne Ramsays dritter Film ist nicht nur eine eindringliche, filmisch herausragende Komposition über das Verhältnis einer Mutter zu ihrem soziopathischen Kind. Vielmehr illustriert er auch die Unfähigkeit einer Familie, ja einer ganzen Gesellschaft, über dieses Phänomen zu sprechen. Mit verheerenden Folgen.

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Zwei queere Menschen auf der Suche nach einem Platz für sich in einer Welt, die sie verachtet. Berührender Film über Gemeinschaft als wahren Sinn des Lebens vom ersten offen schwulen arabischen Autor.
Voller Hoffnung kommen der schwule Jafaar und seine lesbische Freundin Soundouss ins marokkanische Cabo Negro. Sie freuen sich auf einen sorgenfreien Sommer in der luxuriösen Ferienunterkunft von Jafaars Liebhaber Jonathan. Nach außen müssen sie sich als dessen Mitarbeiter ausgeben. Obwohl Jonathan nicht erscheint, wollen die beiden bleiben. Aber nach und nach rückt ihnen der Verwalter der Ferienvilla auf den Leib. Er droht damit, Jafaar und Soundouss aus dem Haus zu werfen. Und da ihnen sogar das Geld zum Essen ausgeht, sehen sie nur noch eine Möglichkeit, sich durchzuschlagen. Auch in dieser prekären Lage vergessen Jafaar und Soundouss nicht, dass es Menschen gibt, die ihre Hilfe und Unterstützung brauchen.
Davon erzählt ›Cabo Negro‹ in herrlich klaren Bildern mit wunderbar zärtlicher Selbstverständlichkeit. Das ist so beeindruckend wie berührend.
Abdellah Taïa ist ein marokkanischer Autor und Filmemacher, der in Paris lebt. Mit seinem 2006 erschienenen autobiographischen Roman “L’armée du Salut” war er der erste arabische Autor, der sich als schwul outete. 2014 adaptierte er das Buch für sein Spielfilmdebüt. ›Cabo Negro‹ ist sein zweiter Film.

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Ein SWAT-Team muss sich in Jakarta durch ein Gebäude kämpfen. Perfektes Martial-Arts-Action-Kino, das einen sprichwörtlich atemlos zurücklässt.

Der Drogenbaron Tama hat sich in einem Hochhaus verschanzt und einige der gefährlichsten Killer Jakartas um sich versammelt. Als ein Spezialkommando der Polizei beginnt, das Gebäude zu stürmen, setzt Tama ein Kopfgeld auf die Polizisten aus. Angeführt von ihrem Kommandanten Wahyu müssen sie sich Stockwerk um Stockwerk nach oben kämpfen. - Bei seinem Erscheinen ein Überraschungserfolg, gilt Gareth Evans’ ›The Raid‹ heute als einer der besten Action-Filme der letzten zwei Jahrzehnte. Alles dreht sich hier um perfekt choreografierte Martial-Arts-Szenen, in denen die kämpfenden Körper der Darsteller einen wahrhaften filmischen Rausch erzeugen.

Gareth Evans, Jahrgang 1980, studierte an der Universität in Glamorgan in Wales Drehbuch. Nach zwei Low-Budget-Produktionen drehte er 2011 ›The Raid‹. Zu seinen weiteren Filmen gehören die kongeniale Fortsetzung ›The Raid 2‹ (2014), ›Apostle‹ (2018) sowie einige Folgen der Serie ›Gangs of London‹ (2020).

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In der Tradition von David Finchers ›Zodiac‹ ist ›Maldoror‹ mitreißendes, investigatives Krimidrama und düster-verstörender Psychothriller zugleich. Belgien, 1995. Zwei junge Mädchen verschwinden. Begleitet von einem medialen Inferno verstrickt sich die Polizei in haarsträubende juristische und bürokratische Blockaden. Der frustrierte junge Gendarm Paul Chartier (Anthony Bajon) beschließt, die Sache selbst in die Hand zu nehmen. „Die Gesänge des Maldoror“ ist vielleicht das schwärzeste Buch des französischen 19. Jahrhunderts. Seine Titelfigur, eine Verkörperung des Ur-Bösen, leiht ihren Namen hier einer fiktiven Spezialeinheit der Polizei. Von deren Ermittlungen erzählt dieser nervenaufreibende Thriller über den Skandal um Marc Dutroux, der in Belgien vom Kriminalfall zum nationalen Trauma wurde. Die Krimis, Thriller und Horrorfilme von Fabrice Du Welz sind Versuchsanordnungen über das Böse. Nach einem Studium in Lüttich und Brüssel begann er 1990 Kurzfilme zu drehen. Mit Filmen wie ›Calvaire‹ (2004), ›Vinyan‹ (2008) oder ›Adoration‹ war er regelmäßig auf den großen Festivals zu Gast und wurde dort ausgezeichnet.

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Eintauchen in die “Anatomie des Glücks“

Das Glück des Menschen ist eng mit dem Körper verbunden. Wie eng, das zeigt die KÖRPERWELTEN Dauerausstellung in Heidelberg. Hier entwickelte der Anatom Gunther von Hagens an der Universität Heidelberg das Verfahren der Plastination, einer bahnbrechenden Methode zur Konservierung von Körpern.

Heute gehören die KÖRPERWELTEN zu den beliebtesten Ausstellungen der Welt. Rund um den Globus erkunden Wissbegierige die Geheimnisse des menschlichen Seins. Doch nicht nur die Anatomie des Körpers steht im Mittelpunkt – vielmehr geht es um eine Sensibilisierung und ein Verständnis für Bedeutung des Körpers in Bezug auf das eigene Glück. Die ausgestellten Plastinate schaffen ein neues Bewusstsein für einen verantwortungsvollen Umgang mit dem eigenen Körper und eine gesunde Lebensweise. Was bewegt uns? Was treibt uns an? Und wie funktioniert Glück überhaupt? All diese Fragen und noch viele mehr werden in der „Anatomie des Glücks“ beantwortet und ebenso viele wieder aufgeworfen. Der menschliche Körper hört nie auf, uns zu erstaunen und zu begeistern.

Lassen auch Sie sich entführen in eine faszinierende Welt, die unter die Haut geht.

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Immerse yourself in the "Anatomy of Happiness"

Human happiness is closely linked to the body. The permanent exhibition BODY WORLDS in Heidelberg shows just how closely. It was here, at the University of Heidelberg, that anatomist Gunther von Hagens developed the process of plastination, a pioneering method of preserving bodies.

Today, BODY WORLDS is one of the most popular exhibitions in the world. Around the globe, inquisitive minds explore the secrets of the human condition. But the focus is not only on the anatomy of the body - rather, it is on raising awareness and understanding the importance of the body in relation to one´s own happiness. The exhibited plastinates create a new awareness for a responsible approach to one´s own body and a healthy lifestyle. What moves us? What drives us? And how does happiness work at all? All these questions and many more are answered in the "Anatomy of Happiness" and just as many are raised again. The human body never ceases to amaze and inspire us.

Let yourself be carried away into a fascinating world that gets under your skin!

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Letzter Einlass 17:00 Uhr

Der neue Roman von Hengameh Yaghoobifarah

Freitagabend, ein Hochhaus, 15. Stock. Avas Date mit Robin läuft perfekt. Bis es klingelt und zwei unerwartete Gäste vor der Tür stehen: Delia hat das Handy in Avas Schlafzimmer liegen lassen und will es abholen kommen. Silvia möchte Ava zur Rede stellen, denn seit einer Weile wird sie geghostet. In Avas Flur begegnen sich die drei Liebhaber_innen nun zum ersten Mal. Überfordert flüchtet Ava auf das Dach des Hochhauses, die anderen laufen ihr hinterher. In der Eile bringt niemand den Schlüssel oder ein Handy mit. So wird aus einem Date zu zweit eine gemeinsame Mission zu viert. Das Ziel: runterkommen vom Dach. Doch der Weg dorthin birgt Konflikte und Enthüllungen. Robin, Delia und Silvia kämpfen auf ganz eigene Weise um Avas Nähe und Aufmerksamkeit... In »Schwindel« erzählt Hengameh Yaghoobifarah so fluide, echt und witzig über queeres Begehren, wie niemand sonst es vermag. Eine kompromisslos heutige Liebesgeschichte von radikaler Lebendigkeit und ein irres

Einlass: 19:00 Uhr

Die 10er Karte ist insgesamt zehn mal einlösbar.
Zum Buchen der einzelnen Vorführungen bitte den auf der 10er Karte abgedruckten Code im Bestellprozess angeben. Durch den Code wird eine kostenfreie Preisstufe freigeschaltet, die Ihr Euch dann buchen könnt.
Die 10er Karte ist nicht individualisiert und kann von mehreren Personen genutzt werden. Kommt also gern mit Euren Freund*innen!

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Geschlechtsverkehr gegen Bezahlung als Weg zur sexuellen Befreiung? Sook-Yin Lees urkomische Adaption von Chester Browns autobiographischer Graphic Novel. Als ihm seine Freundin eine offene Beziehung nahelegt, verfällt Chester Brown kurzerhand auf die Idee, eine Sexarbeiterin aufzusuchen. Einmal damit begonnen, findet er Gefallen daran und sucht in stetem Wechsel neue bezahlte Gespielinnen auf. Zum Befremden seiner Freunde feiert er das als Befreiung von emotionalem Ballast und falschen romantischen Liebesvorstellungen. - Nur Regisseurin Sook-Yin Lee konnte diese Geschichte so schreiend komisch erzählen, wie es hier geschieht. Denn es ist auch ihre eigene. Vergangenheit und Gegenwart, Realität und Fiktion, Literatur und Film verschmelzen zu einem lustvollen Ganzen.
Sook Yin-Lee lässt sich nicht festlegen: Sie ist Musikerin, Multimediakünstlerin, Regisseurin, Drehbuchautorin und Schauspielerin. Ihre bekannteste Hauptrolle hatte sie 2006 in John Cameron Mitchells Kultfilm ›Shortbus‹. ›Paying For It‹ ist ihr fünfter Film als Regisseurin. Und bereits ihr zweiter in einem Jahr!

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Kassenöffnung 15:45 Uhr/ Saaleinlass 16:30 Uhr

ausverkauft

Beziehungen, die auf vorgetäuschten Tatsachen beruhen, führen nie zum Happy End. Ein umwerfend-erbarmungsloses Schlüsselwerk des Body Horrors.

Um eine neue Ehefrau zu finden, ersinnt der einsame Witwer Shigeharu einen zweifelhaften Plan. Er beauftragt einen befreundeten Filmproduzenten, ein vorgetäuschtes Casting zu organisieren, bei dem er “Kandidatinnen” begutachten kann. Prompt lernt er dort die schüchterne Asami kennen und verliebt sich in sie. Doch die junge Frau hat andere Absichten und Shigeharu erkennt zu spät, was ihm blüht. Takashi Miikes Werk zeichnet sich durch eine große stilistische Bandbreite aus. ›Audition‹ überrascht als anfänglich täuschend ruhiges Drama, dass sich zu einem Albtraum auswächst, in dem sich eine Frau den Körper
ihres vermeintlichen Ehemanns vorknöpft.

Takashi Miike, Jahrgang 1960, drehte seit Anfang der 1990er-Jahre weit über 100 Filme, darunter neben ›Audition‹ ›The Bird People in China‹ (1998), ›Dead or Alive‹ (1999), ›Ichi the Killer‹ (2001) oder ›13 Assassins‹ (2010).

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Radikales Porträt einer faszinierenden jungen Frau im klaustrophobischen Tokio. Intensives Körperkino aus Japan über die Generation Z.
Nichts kann der 21jährigen Kana (Yūmi Kawai) dauerhaft Befriedigung oder auch nur Halt verschaffen. Weder ihr Job im Schönheitssalon, noch ihre Beziehung zu dem liebevollen Honda. Ihre ganze Existenz ist ein stiller, erstickter Schrei nach Nonkonformität. Erst eine Affäre mit dem freigeistigen Künstler Hayashi scheint endlich Bewegung in ihr tristes Leben zu bringen. Doch bald wird die Beziehung toxisch.
Zunächst tastendes, emotional immer eindringlicheres und frisches Selbstportrait der urbanen Gen Z. Voller visueller Fantasie führt es uns durch Tokio und zeichnet zugleich ein lebensecht-tiefes Bild seiner ungewöhnlichen Hauptfigur.

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