Unkraut ist eigenwilliger Wildwuchs – das darf bleiben und kommt dann erst so richtig mit den Jahren zur Voll-Blüte !?
Selbstverständlich. Wenn ein Comedian seit 25 Jahre erfolgreich auf Tour ist, dann ist der Spaßfaktor hoch.
Und das kann Ausbilder Schmidt (Holger Müller) am besten: Sein Publikum 2 Stunden zum Lachen bringen. Einfach mal wieder abschalten und Spaß haben. Gönn Dir das!
Das Beste aus 25 Jahren und viele neue Nummern. Ausbilder Schmidt, du musst es erlebt haben.
Oder willst du immer eine Lusche bleiben…?

Einlass: 18:30 Uhr

Seit dem Erscheinen von « On the Move » , der bereits 3. CD von „Dirik Schilgen JazzGrooves“, war die Band regelmäßig auf Konzert-Tour in In- und Ausland. In 2022 erschien die neue CD « Out Into New»

Die Musik des Heidelberger Schlagzeugers Dirik Schilgen setzt das bisherige Konzept konsequent fort. Vielseitigkeit und Vielfarbigkeit ziehen sich wie ein roter Faden durch die Kompositionen des Bandleaders und vereinen auf wunderbar leichte Weise die vielen Facetten von Jazz, Soul, Brasilianischer und Latin - Musik.

Auf der Bühne lebt die Musik durch die sprühende Freude an der musikalischen Kommunikation aller Akteure. Kompositionen und Arrangements des national wie international agierenden Bandleaders sind komplexer geworden, behalten dabei aber ihre Klarheit und zeugen von einem sehr feinen Gespür für Rhythmus und Melodie. Zwischen den eingängigen, oft 2-stimmig gesetzten Riff-artigen Themen entsteht viel Platz für spannende Improvisationen. Hierbei besticht Schilgen durch seine individuelle Technik, Drumset und Brasilianische Percussion in einem Setup zu bedienen und prägt so seine ganz individuelle Rhythmussprache.

Copyright: Dirik Schilgen

Einlass: 17:30 Uhr

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Lynne Ramsays aufsehenerregendes Debüt über einen Arbeiterjungen und seine soziale Ausweglosigkeit. Hart und warm zugleich.

Müllarbeiterstreik 1973 in Glasgow: Im Arbeiterviertel liegen Abfallbeutel herum, Ratten sind überall. Hier lebt der zwölfjährige James. Gehänselt von seinen Geschwistern und anderen Kindern, der Vater ein zu Gewalt neigender Alkoholiker. Außerdem hat er Schuldgefühle, weil er mitverantwortlich ist für das Ertrinken eines anderen Jungen. Doch er hat einen Traum. - Detailaufnahmen, Leitmotivtechnik, Flashbacks, der prominente Einsatz von Musik: Vieles von dem, was Lynne Ramsays Stil bestimmen wird, ist hier schon angelegt. Und bei aller Nähe zu ihren Figuren erlaubt sie uns nie ganz, in deren Welt heimisch zu werden. Denn sie selbst sind es auch nicht.

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Musterschülerin Mira entdeckt die Liebe und sich selbst, doch die Mutter will ihr keine Freiheiten zugestehen. Sensibles, großartig gespieltes Entwicklungsdrama mit feministischem Touch.

Die erste Liebe ist etwas Wunderbares und zugleich Hochriskantes. Denn nie mehr empfinden wir so intensiv, nie mehr sind wir allerdings auch so verletzlich. Das zeigt dieses einfühlsame Drama auf beeindruckend authentische Weise. - Die 16-jährige Mira besucht ein Elite-Internat und wird als erstes Mädchen überhaupt zur Oberschülerin ernannt. Zu ihren Pflichten gehört es, ihre Kamerad*innen auf Moral- und Regelverstöße hinzuweisen. Eines Tages erscheint ein äußerst charmanter neuer Schüler, dem Mira schon bald näher kommt. Für sie ist es das Erblühen ihrer Sexualität. Aber ihre überbehütende Mutter wacht mit Argusaugen über die Tochter. Je mehr die beginnende Romanze zudem mit den strengen Regeln des Internats in Konflikt gerät, desto mehr entdeckt Mira auch ihre rebellische Seite. Fragt sich nur, ob die junge
Liebe so echt ist, wie sie scheint.

Shuchi Talati stammt aus Indien, lebt in New Yorck und hat am American Filminstitute graduiert. Ihre Werke fordern gängige Narrative über weibliche Sexualität, Genderrollen und südasiatische Identität heraus. Nach zwei Kurzfilmen ist ›Girls will be Girls‹ ihr Langfilmdebüt.

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Das Aramis Orchester ist ein eigeninitiatives Jugendorchester für Filmmusik und Neoklassik mit über
30 jungen Menschen, die ihre Musik eigenständig arrangieren und präsentieren. Anlass zur Gründung des Aramis Orchesters war der Gedanke, dass es durch Musik möglich ist, die kreative Zusammenarbeit junger Menschen zu fördern und den Zusammenhalt in der Gesellschaft zu stärken. Denn: „Musik ist die gemeinsame Sprache der Menschheit.“

Eintritt: frei, Zutritt nur mit gebuchtem 0 €-Ticket

Sensibel, anrührend und immer wieder auch von doppelbödigem Witz: Eine Frau ringt mit ihrer Demenz und dem Übergang zum betreuten Wohnen.

Manchmal fühlt sich die 80-jährige Ruth noch jung und beschwingt wie ein Teenager, bereit für die große Liebe. Zu akzeptieren, dass sie ihren Alltag nicht mehr allein bewältigen kann, ist bereits schwer für sie. Noch schwerer ist es für die demente Frau, den eigenen kognitiven Niedergang anzuerkennen. Die Rollen, die ihr zugeschrieben werden, ob Mutter, Patientin oder alte Dame, verleugnet sie. Konflikte mit den Pflegekräften des Wohnheims, in das sie gerade eingezogen ist, sind unausweichlich. Und Identitätskonflikte ohnehin: Wer bin ich? Und wer bin ich noch? - Regisseurin Sarah Friedland hat kurz nach dem Tod ihrer demenzkranken Großmutter damit begonnen, ›Familiar Touch‹ zu schreiben. Mit viel Witz, aber ohne vor
unbequemen Wahrheiten zurückzuschrecken, ist ihr ein Coming-of-Age-Drama des hohen Alters gelungen, das berührt und bis zuletzt überrascht.

Sarah Friedland ist Filmemacherin und Choreografin, deren Arbeiten auf Festivals wie dem New York Film Festival und im MoMA gezeigt wurden. Sie arbeitete als Assistentin an der Seite von Steve McQueen und Kelly Reichardt. ›Familiar Touch‹ ist ihr Spielfilmdebüt, mit dem sie in Venedig in der Sektion ›Orizzonti‹ den Preis für die beste Regie gewann.

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Zwei queere Menschen auf der Suche nach einem Platz für sich in einer Welt, die sie verachtet. Berührender Film über Gemeinschaft als wahren Sinn des Lebens vom ersten offen schwulen arabischen Autor.
Voller Hoffnung kommen der schwule Jafaar und seine lesbische Freundin Soundouss ins marokkanische Cabo Negro. Sie freuen sich auf einen sorgenfreien Sommer in der luxuriösen Ferienunterkunft von Jafaars Liebhaber Jonathan. Nach außen müssen sie sich als dessen Mitarbeiter ausgeben. Obwohl Jonathan nicht erscheint, wollen die beiden bleiben. Aber nach und nach rückt ihnen der Verwalter der Ferienvilla auf den Leib. Er droht damit, Jafaar und Soundouss aus dem Haus zu werfen. Und da ihnen sogar das Geld zum Essen ausgeht, sehen sie nur noch eine Möglichkeit, sich durchzuschlagen. Auch in dieser prekären Lage vergessen Jafaar und Soundouss nicht, dass es Menschen gibt, die ihre Hilfe und Unterstützung brauchen.
Davon erzählt ›Cabo Negro‹ in herrlich klaren Bildern mit wunderbar zärtlicher Selbstverständlichkeit. Das ist so beeindruckend wie berührend.
Abdellah Taïa ist ein marokkanischer Autor und Filmemacher, der in Paris lebt. Mit seinem 2006 erschienenen autobiographischen Roman “L’armée du Salut” war er der erste arabische Autor, der sich als schwul outete. 2014 adaptierte er das Buch für sein Spielfilmdebüt. ›Cabo Negro‹ ist sein zweiter Film.

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Ein SWAT-Team muss sich in Jakarta durch ein Gebäude kämpfen. Perfektes Martial-Arts-Action-Kino, das einen sprichwörtlich atemlos zurücklässt.

Der Drogenbaron Tama hat sich in einem Hochhaus verschanzt und einige der gefährlichsten Killer Jakartas um sich versammelt. Als ein Spezialkommando der Polizei beginnt, das Gebäude zu stürmen, setzt Tama ein Kopfgeld auf die Polizisten aus. Angeführt von ihrem Kommandanten Wahyu müssen sie sich Stockwerk um Stockwerk nach oben kämpfen. - Bei seinem Erscheinen ein Überraschungserfolg, gilt Gareth Evans’ ›The Raid‹ heute als einer der besten Action-Filme der letzten zwei Jahrzehnte. Alles dreht sich hier um perfekt choreografierte Martial-Arts-Szenen, in denen die kämpfenden Körper der Darsteller einen wahrhaften filmischen Rausch erzeugen.

Gareth Evans, Jahrgang 1980, studierte an der Universität in Glamorgan in Wales Drehbuch. Nach zwei Low-Budget-Produktionen drehte er 2011 ›The Raid‹. Zu seinen weiteren Filmen gehören die kongeniale Fortsetzung ›The Raid 2‹ (2014), ›Apostle‹ (2018) sowie einige Folgen der Serie ›Gangs of London‹ (2020).

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Im Kampf gegen Gewalt und Unterdrückung in der eigenen Familie ist eine junge Frau bereit, bis zum Äußersten zu gehen. Ein erschütternder, wichtiger und mutiger Film über weibliche Selbstbehauptung.

Brasilien, am Ufer des Amazonas. Die jugendliche Marcielle lebt hier mit ihren Eltern und drei Geschwistern. Trotz vordergründiger Zuneigung herrscht zu Hause eine angespannte und beengende Atmosphäre. Um der zu entkommen und es der von ihr vergötterten älteren Schwester gleichzutun, begibt sich Tielle zunächst auf einen der Lastkähne, die regelmäßig auf dem Fluss vorbeiziehen. Doch auch der führt sie nicht von der Insel fort. Also entscheidet sich die mutige junge Frau schließlich dazu, der Unterdrückung die Stirn zu bieten. Und sie ist bereit, dafür bis zum Äußersten zu gehen. Regisseurin Marianna Brennand dokumentiert mit diesem aufrüttelnden und souverän inszenierten Drama das furchtbare Unrecht, das vielen jungen Frauen in ihrem Heimatland widerfährt. Ein harter und wohltuend unnachsichtiger Film.

Regisseurin Marianna Brennand studierte Film in Santa Barbara und kehrte anschließend nach Brasilien zurück. Nach mehreren Dokumentarfilmen gibt sie nun mit ›Manas‹ ihr Spielfilmdebüt. Es ist das Ergebnis einer zehnjährigen Recherche über das Amazonasgebiet.

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Vom Abschiednehmen und Nicht-loslassen-Können, von Gemeinschaft und der hohen Kunst der Weltflucht. Ein warmherziger Film voller Empathie.

Ein Tag, der nie zu Ende gehen soll: zwei Amateurteams treffen sich zum finalen Match auf ihrem geliebten Baseball-Platz. Es wird gelacht, getrunken, Alltägliches und manchmal sogar Existenzielles besprochen. Und je näher das Ende des Spiels rückt, umso kreativer werden die Männer, um es in die Länge zu ziehen. Wer gewinnt, spielt schon bald keine Rolle mehr. - ›Eephus‹ überträgt den Teamgedanken auf die Leinwand: niemand steht im Vordergrund, das Ensemble ist der Star. Mit Figuren wie aus dem Leben gegriffen. Auf magische Weise treten manche ab und andere erscheinen. Ein Film zum Verlieben, auch und gerade wenn man von Baseball keine Ahnung hat.

Carson Lund hat als Kameramann und Produzent umfangreiche Erfahrungen im amerikanischen Indie-Kino gesammelt, u. a. bei den Filmen ›Ham on Rye‹ und ›Christmas Eve in Miller’s Point‹. Zudem ist er als Musiker und Filmkritiker tätig. Mit ›Eephus‹ gibt der in Los Angeles lebende Filmemacher sein Regiedebüt. Er spielt immer noch regelmäßig Baseball.

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Ein Film rot wie Blut über die Folgen einer schrecklichen Tat. Tilda Swinton als Mutter, die verzweifelt versucht, eine Bindung zu ihrem Kind aufzubauen - und scheitert.

Von Geburt an ist Kevin ein Quälgeist. Als Baby ein Schreikind, scheint er es mit allem, was er fortan tut, darauf abgesehen zu haben, seiner Mutter das Leben zur Hölle zu machen. Dem Vater (John C. Reilly), der die problematische Entwicklung seines Sprösslings nicht sehen will, spielt er hingegen den stets lieben Sohn vor. - Lynne Ramsays dritter Film ist nicht nur eine eindringliche, filmisch herausragende Komposition über das Verhältnis einer Mutter zu ihrem soziopathischen Kind. Vielmehr illustriert er auch die Unfähigkeit einer Familie, ja einer ganzen Gesellschaft, über dieses Phänomen zu sprechen. Mit verheerenden Folgen.

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Einlass: 19:00 Uhr

Sensibel, anrührend und immer wieder auch von doppelbödigem Witz: Eine Frau ringt mit ihrer Demenz und dem Übergang zum betreuten Wohnen.

Manchmal fühlt sich die 80-jährige Ruth noch jung und beschwingt wie ein Teenager, bereit für die große Liebe. Zu akzeptieren, dass sie ihren Alltag nicht mehr allein bewältigen kann, ist bereits schwer für sie. Noch schwerer ist es für die demente Frau, den eigenen kognitiven Niedergang anzuerkennen. Die Rollen, die ihr zugeschrieben werden, ob Mutter, Patientin oder alte Dame, verleugnet sie. Konflikte mit den Pflegekräften des Wohnheims, in das sie gerade eingezogen ist, sind unausweichlich. Und Identitätskonflikte ohnehin: Wer bin ich? Und wer bin ich noch? - Regisseurin Sarah Friedland hat kurz nach dem Tod ihrer demenzkranken Großmutter damit begonnen, ›Familiar Touch‹ zu schreiben. Mit viel Witz, aber ohne vor
unbequemen Wahrheiten zurückzuschrecken, ist ihr ein Coming-of-Age-Drama des hohen Alters gelungen, das berührt und bis zuletzt überrascht.

Sarah Friedland ist Filmemacherin und Choreografin, deren Arbeiten auf Festivals wie dem New York Film Festival und im MoMA gezeigt wurden. Sie arbeitete als Assistentin an der Seite von Steve McQueen und Kelly Reichardt. ›Familiar Touch‹ ist ihr Spielfilmdebüt, mit dem sie in Venedig in der Sektion ›Orizzonti‹ den Preis für die beste Regie gewann.

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Geschlechtsverkehr gegen Bezahlung als Weg zur sexuellen Befreiung? Sook-Yin Lees urkomische Adaption von Chester Browns autobiographischer Graphic Novel. Als ihm seine Freundin eine offene Beziehung nahelegt, verfällt Chester Brown kurzerhand auf die Idee, eine Sexarbeiterin aufzusuchen. Einmal damit begonnen, findet er Gefallen daran und sucht in stetem Wechsel neue bezahlte Gespielinnen auf. Zum Befremden seiner Freunde feiert er das als Befreiung von emotionalem Ballast und falschen romantischen Liebesvorstellungen. - Nur Regisseurin Sook-Yin Lee konnte diese Geschichte so schreiend komisch erzählen, wie es hier geschieht. Denn es ist auch ihre eigene. Vergangenheit und Gegenwart, Realität und Fiktion, Literatur und Film verschmelzen zu einem lustvollen Ganzen.
Sook Yin-Lee lässt sich nicht festlegen: Sie ist Musikerin, Multimediakünstlerin, Regisseurin, Drehbuchautorin und Schauspielerin. Ihre bekannteste Hauptrolle hatte sie 2006 in John Cameron Mitchells Kultfilm ›Shortbus‹. ›Paying For It‹ ist ihr fünfter Film als Regisseurin. Und bereits ihr zweiter in einem Jahr!

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In der Tradition von David Finchers ›Zodiac‹ ist ›Maldoror‹ mitreißendes, investigatives Krimidrama und düster-verstörender Psychothriller zugleich. Belgien, 1995. Zwei junge Mädchen verschwinden. Begleitet von einem medialen Inferno verstrickt sich die Polizei in haarsträubende juristische und bürokratische Blockaden. Der frustrierte junge Gendarm Paul Chartier (Anthony Bajon) beschließt, die Sache selbst in die Hand zu nehmen. „Die Gesänge des Maldoror“ ist vielleicht das schwärzeste Buch des französischen 19. Jahrhunderts. Seine Titelfigur, eine Verkörperung des Ur-Bösen, leiht ihren Namen hier einer fiktiven Spezialeinheit der Polizei. Von deren Ermittlungen erzählt dieser nervenaufreibende Thriller über den Skandal um Marc Dutroux, der in Belgien vom Kriminalfall zum nationalen Trauma wurde. Die Krimis, Thriller und Horrorfilme von Fabrice Du Welz sind Versuchsanordnungen über das Böse. Nach einem Studium in Lüttich und Brüssel begann er 1990 Kurzfilme zu drehen. Mit Filmen wie ›Calvaire‹ (2004), ›Vinyan‹ (2008) oder ›Adoration‹ war er regelmäßig auf den großen Festivals zu Gast und wurde dort ausgezeichnet.

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Zwei queere Menschen auf der Suche nach einem Platz für sich in einer Welt, die sie verachtet. Berührender Film über Gemeinschaft als wahren Sinn des Lebens vom ersten offen schwulen arabischen Autor.
Voller Hoffnung kommen der schwule Jafaar und seine lesbische Freundin Soundouss ins marokkanische Cabo Negro. Sie freuen sich auf einen sorgenfreien Sommer in der luxuriösen Ferienunterkunft von Jafaars Liebhaber Jonathan. Nach außen müssen sie sich als dessen Mitarbeiter ausgeben. Obwohl Jonathan nicht erscheint, wollen die beiden bleiben. Aber nach und nach rückt ihnen der Verwalter der Ferienvilla auf den Leib. Er droht damit, Jafaar und Soundouss aus dem Haus zu werfen. Und da ihnen sogar das Geld zum Essen ausgeht, sehen sie nur noch eine Möglichkeit, sich durchzuschlagen. Auch in dieser prekären Lage vergessen Jafaar und Soundouss nicht, dass es Menschen gibt, die ihre Hilfe und Unterstützung brauchen.
Davon erzählt ›Cabo Negro‹ in herrlich klaren Bildern mit wunderbar zärtlicher Selbstverständlichkeit. Das ist so beeindruckend wie berührend.
Abdellah Taïa ist ein marokkanischer Autor und Filmemacher, der in Paris lebt. Mit seinem 2006 erschienenen autobiographischen Roman “L’armée du Salut” war er der erste arabische Autor, der sich als schwul outete. 2014 adaptierte er das Buch für sein Spielfilmdebüt. ›Cabo Negro‹ ist sein zweiter Film.

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David Cronenbergs Meisterwerk mit James Woods und Debbie Harry. Bis heute hat es nichts von seiner düsteren Faszination eingebüßt.

Fernsehproduzent Max Renn stößt per Zufall auf einen Piratensender, dessen einziges Programm aus einer extrem gewalttätigen Foltershow namens “Videodrome” besteht. Stets auf der Suche nach einem neuen Kick, ist Max augenblicklich fasziniert. Mit allen Mitteln versucht er, die Quelle dieser Sendung ausfindig zu machen. Doch dabei wird er immer stärker in einen halluzinierenden Strudel gezogen, bei dem sich sogar sein eigener Körper zu verändern scheint. Niemand zeigt körperliche Transformationen und Adaptionen so verführerisch und zugleich verstörend wie David Cronenberg.
Und dies ist sein unbestrittenes Meisterwerk: “Long live the new flesh!”

Der Kanadier David Cronenberg, geboren 1943, ist einer der wichtigsten Regisseure der Gegenwart. Mit seinen frühen Filmen begründete er das Genre des Body Horrors. Zu seinen stilbildenden Werken gehören ›Scanners‹ (1981), ›Die Fliege‹ (1986), ›Naked Lunch‹ (1991) und ›A History of Violence‹ (2005).

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›Harold and Maude‹ im 21. Jahrhundert! Eine vollkommen unerwartete Verbindung gibt zwei Menschen neuen Halt im Leben. Hinreißend komisch und warmherzig. Nach dem Tod seiner Frau lebt Kantor Ben (Jason Schwartzman) wieder bei seinen beiden Müttern. Er hat seine Gesangsstimme verloren und zweifelt am Glauben. Deshalb fürchtet er seinen Chef, Rabbi Bruce, zu enttäuschen. Da begegnet ihm seine mittlerweile siebzigjährige Grundschullehrerin Carla (Carol Kane). Die entscheidet sich spontan, mit Bens Hilfe ihre Bat Mizwa nachzuholen. Es ist der Anfang einer ganz ungewöhnlichen Beziehung. Allerdings ist da noch Carlas Sohn, der die plötzliche Religiosität seiner Mutter und ihre neue Bekanntschaft argwöhnisch beäugt. Außerdem möchte Rabbi Bruce seinen Schützling Ben nur zu gern mit der eigenen Tochter verkuppeln. Es wird turbulent!
Regisseur und Drehbuchautor Nathan Silver hat neun Lang- und zahlreiche Kurzfilme realisiert. Seine Werke wurden weltweit auf renommierten Festivals in New York, Venedig, Tribeca, Locarno oder Rotterdam, aber auch im MoMa oder der Cinémathèque Française gezeigt. Laut New Yorker ist er ein “modernistischer Meister des Melodramas".

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