Ein traumhaft schönes Märchen über die wunderschöne Prinzessin, die tief eingeschlafen ist hinter einer Dornenhecke. Viele Prinzen versuchen, sie zu erlösen, aber nur der Prinz, der zur richtigen Zeit kommt, kann die Dornenhecke durchdringen und erlöst Dornröschen.


Das Mitspieltheater ist eine besondere Form des Theaterspielens, bei dem eine erfahrene Schauspielerin ein Märchen erzählt und dabei in die verschiedenen Märchencharaktere und Rollen schlüpft.

Die Kinder erleben beim Mitspieltheater die große Kunst des Schauspielens hautnah mit, nämlich den Rollenwechsel – den der Spieler vor ihren Augen auf der Bühne vollzieht. Dabei dürfen sie dem Märchen nicht nur gespannt zuhören, sondern aktiv mitwirken. Sie können ihre Gedanken und Ideen der Schauspielerin auf der Bühne zurufen, die diese Impulse spontan mit in die Geschichte integriert.

Es spielt Sina Haarmann

Psychothriller des Bestsellerautors Sebastian Fitzek

Drei Frauen – alle jung, schön und lebenslustig – verschwinden spurlos. Nur eine Woche in den Fängen des Psychopathen, den die Presse den „Seelenbrecher“ nennt, genügt: Als man die Frauen wieder aufgreift, sind sie verwahrlost, psychisch gebrochen – wie lebendig in ihrem eigenen Körper begraben. Kurz vor Weihnachten wird der Seelenbrecher wieder aktiv, ausgerechnet in einer psychiatrischen Klinik in Berlin-Wannsee. Ärzte und Patienten müssen entsetzt feststellen, dass man den Täter unerkannt eingeliefert hat, kurz bevor die Klinik durch einen Schneesturm völlig von der Außenwelt abgeschnitten wurde. Verzweifelt versuchen die Eingeschlossenen einander zu schützen – doch in der Nacht des Grauens zeigt der Seelenbrecher, dass es kein Entkommen gibt...

Nach einer alten koreanischen Sage bilden einmal im Jahr die hochfliegenden Krähen und Elstern eine Brücke, die sogenannte OJakGyo, um den an beiden Enden der Milchstraße getrennt lebendem Paar Jik-Nyeo (Wega-Stern) und Gyeon-U (Altair-Stern) zu ermöglichen, sich auf ihr zu treffen.

Unter diesem Motto treffen Tänzer*innen der EulSukdo Maru Tanzcompany aus Busan, Südkorea ihre Kolleg*innen des deutsch-koreanischen Ensembles MuAk zum zweiten Mal in diesem Jahr auf einer Bühne. Im März diesen Jahres haben beide Teams bereits in Busan unter dem gleichen Motto einem koreanischen Publikum ihre jeweiligen Interpretationen von traditionellen koreanischen Tänzen gezeigt und präsentieren nun in der ufaFabrik Berlin eine erweiterte Fassung dieses Tanz”wettbewerbs”.

Ein erlebnisreicher Abend nicht nur für Tanzliebhaber*innen: Traditionell überlieferte Ästhetik trifft auf Neu-Interpretationen, die aufgrund der kulturellen Unterschiede in Südkorea und Deutschland verschiedene Darbietungsformen und anderen Umgang zur Folge haben.

Mit koreanischen Speisen ist auch in der .Pause für Hochgenuss gesorgt.

Foto: Victor Thom

Kassenöffnung um 18:00 Uhr

Spielen, lachen, laut sein, toben, nichts tun – und das in einem Ausstellungshaus! Ab dem 4. September 2024 lädt BAUBAU genau dazu ein. In dem von der Künstlerin Kerstin Brätsch gestalteten Spielort für Kinder ist mehr erlaubt als verboten. Bunte Wandtapeten, Strukturen, Objekte und eine Reihe von „Loose Parts“ (losen Materialien) formen im Erdgeschoss des Gropius Bau Räume, die keine festen Vorgaben machen, sondern durch die Aktivitäten der Kinder bestimmt werden. Sie geben die Richtung und die Form vor für das, was hier passiert. So wird dieser Ort zum Möglichkeitsraum, der sich Tag für Tag verändern kann.

BAUBAU startet im September 2024 in einer Prototypversion und wird sich über die kommenden Jahre hinweg innerhalb wie außerhalb des Gropius Bau weiterentwickeln und wachsen – in engem Austausch mit den Kindern und ihren Wünschen, denn dies ist ihr Ort.

 Das Spiel
Alle Kinder haben den Drang zu spielen. So lernen sie, sich und die Welt zu begreifen. Gerade das offene, selbstbestimmte Spiel ist für die emotionale und soziale Entwicklung von großer Bedeutung. Das pädagogische Konzept für BAUBAU basiert deshalb auf den Grundlagen des freien Spiels: Hier gibt es die Zeit, den Raum und die Erlaubnis für Kinder, ihren eigenen Bedürfnissen und Interessen zu folgen. Begleitet werden sie dabei von Playworker*innen – geschulten Mitarbeiter*innen, die eine sichere und unterstützende Umgebung schaffen, in der Kinder frei spielen können.

 
Die Kunst
BAUBAU stellt spielerisch infrage, was ein Museum oder eine Kunstinstitution sein soll. Die umfassende Raumgestaltung, die Kerstin Brätsch entwickelt hat, ist voller Bezüge und Anregungen: Elemente aus ihren früheren Werken, wie Marmorierungen, Malereien oder Stuckmarmorarbeiten, tauchen hier in veränderter Gestalt und Materialität wieder auf. Die Tapeten, Vorhänge, Stoffe, Sitzmöbel und Klettergerüste sind bewohnt von Dinosauriern, fantastischen Wesen, Termitenhügeln und abstrakten Elementen. Mit ihren komischen, lustigen, vielleicht auch etwas unheimlichen Formen schaffen sie einen offenen Rahmen für das freie Spiel.

Kerstin Brätschs Praxis ist darauf ausgelegt, Einflüsse von außen zuzulassen und aufzunehmen. Hat sie bisher mit Künstler*innen oder Kunsthandwerker*innen zusammengearbeitet, so tut sie dies nun auf ganz andere Weise mit Kindern: Sie lädt die Kinder dazu ein, den Raum nach ihren eigenen Ideen und Vorstellungen und ohne das Einwirken der Künstlerin auf unvorhersehbare Weise umzugestalten und weiterzuentwickeln.

Montag 11:00–19:00 Uhr Dienstag geschlossen Mittwoch 11:00–19:00 Uhr Donnerstag 11:00–19:00 Uhr Freitag 11:00–19:00 Uhr Samstag 10:00–19:00 Uhr Sonntag 10:00–19:00 Uhr

Anfang September 2024 eröffnet im Gropius Bau die Ausstellung DAS GLÜCK IST NICHT IMMER LUSTIG des Künstlers Rirkrit Tiravanija, der mit seiner Praxis den konventionellen Kunstbegriff erweitert hat und Situationen schafft, in denen soziale Interaktionen und sinnliche Erfahrungen verhandelt werden. Seit den frühen 1990er Jahren lebt Tiravanija teilweise in Deutschland und hat immer wieder künstlerische Arbeiten entwickelt, die sich mit kulturellen Eigentümlichkeiten, Migration und der politischen Gegenwart des Landes beschäftigen. DAS GLÜCK IST NICHT IMMER LUSTIG versammelt erstmals diese Werke, die auch die Bedeutung von Berlin und Deutschland als Ort künstlerischer Produktion für Tiravanija zeigen. Der Titel der Ausstellung ist dem Vorspann von Rainer Werner Fassbinders Film Angst essen Seele auf von 1974 entliehen, dessen Schilderung von anti-arabischem Rassismus gegen den sogenannten Gastarbeiter Ali heute, 50 Jahre später, erschreckend aktuell ist. Die umfangreiche Ausstellung umfasst Arbeiten auf Papier, Skulpturen, Fotografien, Multiples und eine Auswahl selten gezeigter Super-8-Filme sowie regelmäßige Aktivierungen zentraler ephemerer und partizipatorischer Arbeiten des Künstlers von den 1980er Jahren bis heute. Dabei steht die Sprengkraft seiner Praxis immer im Mittelpunkt: Institutionelle Grenzen und Kategorien werden ausgetestet; es wird laut, es wird gekocht, gegessen und gespielt.

Kuratiert von Jenny Schlenzka, Yasmil Raymond und Christopher Wierling

Montag 12:00–18:00 Uhr Dienstag geschlossen Mittwoch 12:00–18:00 Uhr Donnerstag 12:00–18:00 Uhr Freitag 12:00–18:00 Uhr Samstag 12:00–18:00 Uhr Sonntag 12:00–18:00 Uhr

„Sterben heißt besser zu leben.“

STARDUST ist eine partizipative Installation mit Performances. Sterben wird als einen Akt der Ermächtigung, Selbsttransformation und radikalen Fürsorge betrachtet, um mit den sozialen, politischen und ökologischen Krisen umzugehen, mit denen wir derzeit konfrontiert sind. STARDUST ist eine künstlerische Meditation über das Sterben und das Leben. Es möchte einen Einblick geben, wie eng Menschen miteinander und der ganzen Natur verbunden sind. Indem wir sterben, lassen wir auch die uns eingeschriebenen Machtstrukturen sterben. Dies könnte den Raum für eine Zukunft, die fürsorglicher, sowie sozial und ökologisch gerechter ist, öffnen.

Über einen Zeitraum von 8 Tagen entfaltet sich STARDUST als eine interaktive, sensorische und lebendige Installation. Die Besucher*innen sind eingeladen, Trauerreden über sich selbst zu schreiben, einem Audioguide („Instructions for Dying“) anzuhören oder sich an einem intimen Gespräch über das Sterben zu beteiligen. Die übergreifende Erzählung folgt den 8 Stadien der Transformation des Todes im tibetischen Buddhismus: Erde, Wasser, Feuer, Luft, weißes Licht, rotes Licht, schwarzes Licht und klares Licht. Als Teil der Installation werden 7 Performer*innen (zwischen 30 - 64 Jahre alt) ihre individuellen Sterberituale vorführen. Ihre Themen reichen von kollektiver Bestattung, Loslassen und Verschwinden bis hin zu Heilung, Erinnerung und Verbundenheit. Am letzten Tag führen sie ein Gruppenritual durch, bei dem alle entstandenen Trauerreden zu Staub werden - eine Erinnerung daran, dass wir alle aus Sternenstaub gemacht sind.

Dauer:
30 Minuten

ENGLISCH:
“To die means to live better.”

STARDUST is a participatory installation-cum-performance. It looks at dying as an act of empowerment, self-transformation and radical care to address the social, political and ecological crises that we are currently facing. STARDUST is as much an artistic meditation on dying as it is on living. It hopes to give a glimpse of how closely interconnected we are to each other, as well as to the natural world. By dying, we also let the power structures inscribed in us die, opening up the space for a future that is more caring and socially and ecologically just.

Over a period of 8 days, STARDUST unfolds as an interactive, sensorial and living installation. Visitors are invited to write their own eulogies, listen to an audio guide (“Instructions for Dying”) or join in an intimate conversation about dying. The overarching narrative follows the 8 stages of death transformation in Tibetan Buddhism: Earth, Water, Fire, Air, White Light, Red Light, Black Light and Clear Light. As part of the installation, 7 performers (30 - 64 years old) will perform their individual dying rituals. Their themes range from collective burial, letting go and disappearance to healing, remembering and connectedness. On the final day, they perform a group ritual, in which all the eulogies created are turned into dust – a reminder that we are all made of stardust.

Duration:
30 mins


Künstlerische Leitung & Choreografie: Ming Poon
Performance: Veronika Heisig, Lee Mun Wai, Birte Opitz, Vera Shchelkina, Hilla Steinert, Lisa Stertz, hugo-huga x tibiriçá
Choreographische Assistenz: Nora Tormann
Bühnenbild: Sichi Li
Bühnenbildassistenz: Sangyeon Lee
Kostüme: Tin Wang
Lichtdesign: Raquel Rosildete
Lichtdesign-Assistenz: Alexandra Úhlarová
Video & Projektiondesign: Harshini J. KarunaratneSounddesign: Haesoo Jung
Stimme (Audioguide): AngieM (EN), Sandra Hetzl (DE)
Technische Leitung: Frieder Miller
Betreuungsperson & Sterbegefährtin: Alessa Rhode
Audiodeskription: Irene Baumann
Audiodeskription Co-Autorin: Johanna Krins
Relaxed Performance: Agnieszka Habraschka
Grafikdesign: Hung Kieu
Videodokumentation: Isabelle Schmitz
Fotodokumentation: Olivia Kwok
Öffentlichkeitsarbeit: Marcelo Vilela da Silva
Pressearbeit: Tom Müller-Heuser
Produktionsleitung: MIFRUSH Production (Micaela Trigo & Urszula Heuwinkel)
Produktionsassistenz: Nur Bildik

Produktion: Ming Poon
Koproduktion: MIFRUSH Production
Gefördert durch: Hauptstadtkulturfonds

Der Audioguide „Instructions for Dying“ wurde von Tanz im August / HAU Hebbel am Ufer (2023) beauftragt.

Besonderen Dank an Dandan Liu und SOEX Textil-Verwertungsgesellschaft m.b.H. für die großzügige Unterstützung.

Ticket gültig für Installation + Performance

Heiße Fragen werden bearbeitet: Wie kann Frau ihren Mann halten? Wie kann eine in die Jahre gekommene Ehe rundum erneuert werden? Wie kehren in den Beziehungswinter die Frühlingsgefühle zurück? Und über allen Antworten liegt ein Augenzwinkern.

„Die Männerfalle“ ist die Fortsetzung des Theaterstücks „Männerschlussverkauf“ und der Vorgänger des dritten Teils „Mein Mann- und tschüss!“.

Es spielen Marion Martinez und Sina Haarmann



Und dann: viel Spaß beim Schauen! :-)

1/2 Std. vorher Einlass

Der edle Saal des Ballhaus Wedding verwandelt sich in einen Maskenball venezianischen Flairs. Die Poetry Slammer und Slammerinnen auf der Bühne sind explizit von der Kostüm-Regel befreit: Masken, Ballkleider, ungewöhnliche Verkleidungen - alles ist erlaubt! Seid dabei, wenn unsere Best Of Poet:innen die Grenzen ihrer Kunst aufbrechen, und in märchenhafter Manier euren Sonntagabend verzaubern.
Und was ist mit euch? Keine Pflicht, natürlich. Aber: Wer kostümiert erscheint, bekommt das Ticket vergünstigt!
Wo findet der Wedding Slam Royale statt?
Die Stammlocation des Wedding Slam Royale ist das Ballhaus Wedding - ein todesschicker Saal für etwa 150 Gäste, nahe der Osloer Straße. Das Ballhaus Wedding holt diese außergewöhnliche Show in einen Saal, der nicht angemessener sein könnte: Zwischen Kronleuchter und blätterndem Putz, goldverziertem Entrée und, nun ja, dem Wedding halt.
Aßergewöhnliche Poetry Slams: Jeden Monat überraschen wir euch mit einer anderen Kunst, die den Abend bereichert: Geplant sind Kunstlied, Schauspiel, Impro-Theater, Stand-Up, Piano und Jazz... Und keine Sorge: Wen euch ein Format besonders gut gefällt, werden wir es natürlich wiederholen!
Als ultimativer Premium Poetry Slam ist das die Show für alle, die ein kleines bisschen mehr wollen.

Einlass ab 18:45 Uhr

Die schönsten Aufführungen und Erlebnisse mit der Köpenicker Künstlerin,
Helga Hahnemann, Vorstellung mit dem Darsteller Jürgen Witt, er spielt
den Portier Regie Klaus Gendries, Autorin Angela Gentzmer.
Technik Till von Thiele
Die Autorin, Angela Gentzmer, Texterin und Vertraute von "Big Helga" , hat Helga
Hahnemann während ihrer künstlerischen Arbeit ständig begleitet.

Einlass ab 18.00 Uhr

Zwei Clowns, der Musiker Tui und der Zauberer Rata treffen sich und warten auf den Zirkusdirektor, der aber nicht kommt. Da beschließen sie, das Programm selbst zu gestalten. Ein unseliger Streit bricht aus, denn jeder will besser sein als der andere. In einem rührenden Schluss finden die beiden als Freunde wieder zusammen.

Es spielen: Roman Walkowiak, Rainer Eckhardt

Die Ausstellung KÖRPERWELTEN in Berlin widmet sich dem Thema „Facetten des Lebens“.

Dr. Gunther von Hagens öffnet in seinen Körperwelten-Ausstellungen den menschlichen Körper und macht die fragilen, schützenswerten Strukturen des Lebens für medizinische Laien sichtbar. Gemeinsam mit Kuratorin Dr. Angelina Whalley zeigt er in der Ausstellung in Berlin-Mitte die Facetten des Lebens – zwischen Glück und Unglück, Druck und Ausgleich, Zufall und Fügung, Körperversessenheit und Körpervergessen sowie Maßlosigkeit und Bescheidenheit.

Das Museum öffnete 2015 seine Pforten in Berlin. Es ist am Alexanderplatz direkt vor dem Berliner Fernsehturm beheimatet. Seitdem haben die Besucherinnen und Besucher die Möglichkeit eine Vielzahl einzigartiger Plastinate zu bestaunen. Diese geben einen tiefen Einblick in das hochkomplexe Innere des menschlichen Körpers. So erhalten Interessierte ein detailliertes Wissen über Organfunktionen und häufige Krankheiten, all das leicht verständlich vermittelt. Durch die lebensnahen Posen wird ein unmittelbarer Bezug zu den Betrachtenden hergestellt.

Was verbindet uns, was hält uns aufrecht und in Bewegung, was lässt uns lachen und lieben? Bei den KÖRPERWELTEN erhalten Sie Antworten auf diese und viele weitere Fragen. Machen Sie sich auf eine tief berührende und inspirierende Begegnung mit dem Leben bereit. Lassen Sie sich einen Besuch nicht entgehen und erleben Sie die Faszination der Plastination.
---------------------------------------------------------------------------------------------------------------------

The first BODY WORLDS museum presents unique plastinates that show the function of individual organs as well as common diseases. It gives insights into the highly complex and structures of the human bod and shows what connects us, keeps us upright and in motion and what makes us laugh and love.

Moreover, the Museum opens the visitors´ eyes to various facets that determine our existence: Gluttony & Restraint | Excess & Moderation | Chance & Fate | Pressure & Balance | Happiness & Unhappiness

Letzter Einlass 18:00 Uhr

Wer bist du, wenn alle mitreden? Die Geschichte der jüdischen Familie Rothschild wird seit Jahrhunderten von Verschwörungsmythen und Hetzpropaganda überschrieben. Basierend auf Recherchen und Autobiografien wird nun eine andere Facette auf die Bühne gebracht: Fiktiv aber nah an den Fakten erzählt der choreografierte Theaterabend von Verantwortung, Zerwürfnissen und Solidarität über Generationen hinweg: eine europäische Familiensaga.

Im Mittelpunkt stehen vier Geschwister, die sich alle auf ihre Weise nach einem Ausbruch aus den Erzählungen sehnen, die man sich von ihnen und ihrer Familie macht. Sie flüchten in die Natur, in die Kunst oder in den Jazz, betreiben Politik, leisten Widerstand und versuchen, eine innerlich zerrissene Familie zusammenzuhalten. Vergangenheit und Gegenwart werden in ihren Familiengeschichten verknüpft: von der Emanzipation aus dem Frankfurter Ghetto zu prosperierendem Wohlstand bis zum Überlebenskampf gegen den Vernichtungswillen von außen.

Als Spiel im Spiel greift der Abend in einer Art jüdischen Buddenbrooks-Variante die letzten 200 Jahre der Familie auf, reflektiert Verantwortung, Zerwürfnisse und Solidarität über Generationen hinweg, seziert aber auch den Blick einer Außenwelt, die sich ihre Meinung längst gebildet hat und hinter dem Namen Rothschild keine Individuen, sondern die eigenen Erklärungsmuster bestätigt sehen will.

MIT Mariann Yar / Lisa Heinrici / Mareike Hein / Markus Bernhard Börger REGIE/TEXT Carolin Millner KOSTÜM/BÜHNE/LICHT Maylin Habig / Nils Wildegans DRAMATURGIE Theresa Selter MUSIK Florian Hein FOTO/TEASER Arda Funda TRANSKRIPTION Jette Büshel KOPRODUKTION TD Berlin / Studio NAXOS Frankfurt am Main GEFÖRDERT VON Fonds Darstellende Künste aus Mitteln der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien / Kulturfonds Frankfurt RheinMain / Kulturamt Frankfurt am Main / Hessisches Ministerium für Wissenschaft und Forschung, Kunst und Kultur / Ottilie Roederstein Hauptstipendium

ELEGANZ AUS REFLEX setzt sich in ihren Stückentwicklungen mit historisch-politischen Themenkomplexen deutsch-deutscher Geschichte und Erinnerungskultur auseinander. Die TD-Koproduktion MACHT ENDICH DAS LICHT AN! ist die sechste Arbeit der Künstler*innengruppe, in der sie sich mit jüdischem Leben im deutschsprachigen Raum auseinandersetzt. Im Modus des Rückerinnerns kombiniert Carolin Millner als schreibende Regisseurin fundierte Sachrecherchen mit sprachgenauen Fiktionalisierungen, die neue Blickwinkel und Perspektiven öffnen. Bislang entstanden 16 Produktionen, die überregional tourten. ELEGANZ AUS REFLEX wird mehrjährig vom Kulturamt der Stadt Frankfurt am Main gefördert und erhalten dreijährige Konzeptionsförderung des Fonds Darstellende Künste

Interaktive Performance, Deutsch/teilweise Englisch, Festsaal, Ca. 1 h 40 Min.

Turbo Pascal eröffnet ein Labor für zeitgenössischen Glauben – zwischen Technoclub und Tempel, religiösem Erbe, transkulturellen Einflüssen und spiritueller Science-Fiction. In Interviews, die mittels Lautsprecherboxen durch das Publikum wandern, sprechen Menschen aus Berlin über ererbten Glauben oder Nicht-Glauben, Abgrenzungen, alte Glaubensreste und neue Suchbewegungen im Religiösen. Die interaktive Performance lädt ein, Gottes- oder Todesvorstellungen, spirituelle Praktiken und Rituale neu zusammenzusetzen und zu hinterfragen.

Eine Produktion von Turbo Pascal in Kooperation mit Sophiensæle. Gefördert aus Mitteln des Hauptstadtkulturfonds. Medienpartner: Berlin Art Link, Missy Magazine, Siegessäule, taz.

---

Interactive performance, German/partly in English, Festsaal, ca. 1 h 40 min.

Turbo Pascal opens a laboratory for contemporary faith – between techno club and temple, religious heritage, transcultural influences and spiritual science fiction. In interviews that wander through the audience via loudspeakers, people from Berlin talk about inherited faith or non-faith, demarcations, old remnants of faith and new search movements in religion. The interactive performance invites the audience to reassemble and question ideas of God or death, spiritual practices and rituals.

A production by Turbo Pascal in cooperation with Sophiensæle. Funded by the Hauptstadtkulturfonds. Media partners: Berlin Art Link, Missy Magazine, Siegessäule, taz.

Bild/Photo: © Janina Janke

Yasmina Rezas Erfolgs-Theaterstück über die Frage: Was ist Kunst? Bitterböse und komisch zugleich.

Weiße Streifen auf einem weißen Untergrund: An diesem Bild entzündet sich ein erbitterter Streit dreier Freunde; ein Streit, der ihr Leben und ihre Beziehung zueinander grundlegend verändern wird. Kann sich der eine für das monochrome Gemälde begeistern, bekämpft es der zweite auf das Heftigste. Der dritte will lieber keine Stellung beziehen… Ein abstraktes Kunstwerk dient der Autorin Yasmina Reza als Katalysator, mit dessen Hilfe sie eine psychologisch fein gezeichnete Situation analysiert, die drei Männer, ihre Gefühle, ihre Befindlichkeit, ihre Freundschaft, ja ihr gesamtes bisheriges Dasein auf den Prüfstand stellt. »Kunst« war Yasmina Rezas erster Welterfolg und wurde in über 40 Sprachen übersetzt. Die deutschsprachige Erstaufführung der Komödie fand 1995 in der Schaubühne am Lehniner Platz statt.

mit Johannes Hallervorden, Steffen Melies und Daniel Wobetzky
Regie: Irene Christ

19.00 Uhr

Hans-Quack-Dance-Company

Willkommen in Charlies Theaterbar! Mit viel Herz, Musik und mitreißenden Tanzeinlagen folgt das aktuelle Musiktheaterstück der Hans-Quack-Dance-Company einem verirrten Gast auf der Suche nach dem Sinn des Lebens.

Alexandra Rosewill findet sich nach Stunden des Herumirrens in einer Spelunke am Rande von Berlin wieder und möchte dort nur nach dem Weg fragen. Doch stattdessen wird sie von der rätselhaften Kellnerin Melinda mit drei Fragen konfrontiert: „Warum bist du hier? Hast du Angst vor dem Alter? Führst du ein glückliches Leben?“ Auf einmal hat Alexandra nicht nur das Gefühl sich in Berlin verlaufen, sondern allgemein ihren Weg verloren zu haben und sieht sich dadurch einem größeren Problem gegenübergestellt: „Was ist der Sinn ihres Daseins?“

Inspiriert von dem Besteller „Das Café am Rande der Welt – eine Erzählung über den Sinn des Lebens“ von John Strelecky (Original: „The Why Café“), spielt die Geschichte in einer bunten Theaterbar, dessen Besitzer Charlie es sich zur Aufgabe gemacht hat, einen Ort zu schaffen, an dem sein Publikum unterhalten und zum Nachdenken angeregt wird. Durch mitreißende Tanzeinlagen und bedeutungsvolle Musik wird nicht nur Alexandra aufgefordert über ihr Leben nachzudenken.

---
Die Hans-Quack-Dance-Company ist eine seit Herbst 2022 bestehende semi-professionelle Tanz- und Performance-Company. Unter der Leitung der zwei Gründungsmitglieder Christian Quack und Sandra Hans, bringt die Company immer wieder verschiedene Kunstsparten und Menschen zusammen.
Dadurch treffen professionell ausgebildete Künstler:innen auf kunstinteressierte Personen und es entsteht ein großartiger Austausch, der auch Hobby-Performer:innen ermöglicht auf einer Bühne zu stehen.

Einlass: 18:30 Uhr

Erleben Sie die Hits der unvergleichlichen schwedischen Kultband ABBA,
mit rund 400 Millionen verkauften Tonträgern eine der erfolgreichsten Bands aller Zeiten!

Begleitet von einem exquisiten Mehr Gang Menü entführen wie Sie in die Zeit der
Schlaghosen und Plateauschuhe.

In stilechten Kostümen lassen unsere Künstler die Disco-Ära mit Hits wie “Dancing Queen”
und “Mamma Mia” u.v.a. wieder aufleben.

Werden Sie Teil eines unvergesslichen Abends, hautnah mit Anni-Frid, Björn, Benni und Agnetha
und begeben Sie sich auf eine Reise in die musikalische Welt von ABBA.

Einlass:16:30 Uhr

Interaktive Performance, Deutsch/teilweise Englisch, Festsaal, Ca. 1 h 40 Min.

Turbo Pascal eröffnet ein Labor für zeitgenössischen Glauben – zwischen Technoclub und Tempel, religiösem Erbe, transkulturellen Einflüssen und spiritueller Science-Fiction. In Interviews, die mittels Lautsprecherboxen durch das Publikum wandern, sprechen Menschen aus Berlin über ererbten Glauben oder Nicht-Glauben, Abgrenzungen, alte Glaubensreste und neue Suchbewegungen im Religiösen. Die interaktive Performance lädt ein, Gottes- oder Todesvorstellungen, spirituelle Praktiken und Rituale neu zusammenzusetzen und zu hinterfragen.

Eine Produktion von Turbo Pascal in Kooperation mit Sophiensæle. Gefördert aus Mitteln des Hauptstadtkulturfonds. Medienpartner: Berlin Art Link, Missy Magazine, Siegessäule, taz.

---

Interactive performance, German/partly in English, Festsaal, ca. 1 h 40 min.

Turbo Pascal opens a laboratory for contemporary faith – between techno club and temple, religious heritage, transcultural influences and spiritual science fiction. In interviews that wander through the audience via loudspeakers, people from Berlin talk about inherited faith or non-faith, demarcations, old remnants of faith and new search movements in religion. The interactive performance invites the audience to reassemble and question ideas of God or death, spiritual practices and rituals.

A production by Turbo Pascal in cooperation with Sophiensæle. Funded by the Hauptstadtkulturfonds. Media partners: Berlin Art Link, Missy Magazine, Siegessäule, taz.

Bild/Photo: © Janina Janke

GASTSPIEL

HEINRICH HEINE - BISSIGER HUMOR ZWISCHEN LIEBE UND ZORN
Sein Leben in Liedern und Gedichten

Mit: Jens-Uwe Bogadtke (Spiel, Gesang) und Jürgen Beyer (Klavier)

Dauer: ca. 1h 45 Min. (inkl. Pause nach ca. 45 Min.)

Wie viele Gesichter hat ein Mensch? Welche davon sind Masken und was ist echt?

In dieser Produktion lernt man eines mit Gewissheit: Heinrich Heine ist immer alles und gleichzeitig. Er heult Rotz und Wasser aus Liebesleid und lacht sich nebenbei über die eigene Dummheit kaputt; er plant Revolutionen und sieht sich und die anderen Esel schon wieder im Joch gehen.

Erleben Sie einen modernen, ironischen und sentimentalen Heine mit seiner einzigartigen Sprache!

Abendkasse / Einlass ab 60 Minuten vor Vorstellungsbeginn

Der Klassiker des deutschen Kabaretts

Kein anderes Volk der Welt hat wie wir Deutschen eine derartige Fülle an Gesetzen und Paragrafen hervorgebracht. Wir regeln einfach alles: die Eheschließung bei Bewusstlosigkeit (§1314 BGB) und das vorschriftsmäßige Anbringen von Warndreiecken bei Trauer-Prozessionen (§27 StVO). Und das packt der Gesetzgeber dann in eine Sprache, die selbst Juristen kaum noch verstehen. Dagegen gibt es nur eine Notwehr: Lachen!Das Programm setzt in der Pointendichte neue Maßstäbe, ist grandios schwarzhumorig, intelligent und dabei höchst unterhaltsam.

"Am achten Tag..." bedeutet: zwei Stunden erfrischender Humor.

Buch: Werner Koczwara
Foto: Dirk Dehmel / Foto Urbschat

19.00 Uhr