Wintergarten Berlin: Musik, Varieté, Show – unterhaltsam, charmant und abwechslungsreich. Ob Meret Becker oder die Tiger Lillies, ob Max Raabe oder Eckart von Hirschhausen, ob Newcomer oder internationale Stars der Varieté-Szene: Hier trifft sich die Welt in der einzigartigen Atmosphäre aus Spiegeln, Holz, dunkelrotem Samt und dem legendären Sternenhimmel.

Das „schönste Varieté Europas“, ein „Juwel des Varietés“, „Berlins wohl schönster Theaterraum“ – in diesen Superlativen spricht die Presse von der Schönheit des Hauses.

Lassen Sie sich auch kulinarisch verführen, vom Snack bis zum 3-Gang-Menü, und genießen Sie die Show bei einer guten Flasche Wein, einem Glas Champagner oder einem unserer raffinierten Cocktails.

Ob allein, zu zweit oder im Kreise von Freunden oder Verwandten, Kollegen oder Geschäftspartnern - Sie kommen als Gast und gehen als Freund.

The former airport`s main building is the largest listed monument in Europe. It`s far from being a museum, choosing rather to remain a lively venue and site of a wide array of different events throughout the year.

Changes in tour routes may occur as a result of events taking place on the site. Certain spaces can temporarily be closed to the public, which means that the thematic focus of the tours is subject to change.

In exceptional cases on certain days, the tours must be cancelled entirely. These days are marked in gray in the online ticket shop. Please note that tours will not take place if the number of participants is less than five people.

Unfortunately, as a result of the existing building structure, our tours cannot be adapted to the needs of the disabled.

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Wie fühlt es sich an, wenn mir jemand so nah kommt, dass ich den Atem spüren kann? Soll ich bleiben oder gehen? Was bedeutet es eigentlich, jemandem nahe zu sein?

Unsicherheit, Aufregung und Zweifel stehen manchmal dem Wunsch entgegen, andere Körper zu erkunden. Fernab von sexualisierten Bildern im Internet befragt xoxo, was es heißt, einen anderen Körper zu begehren und ermutigt dazu, selbstbestimmt Gefühle auszutauschen. Drei zeitgenössische Tänzer*innen und ein Musiker erkunden mit den Zuschauer*innen Körper-Räume, in denen Menschen miteinander kommunizieren, zueinanderfinden und dabei Berührungen, individuelle Schutzräume und unterschiedliche Formen von Intimität entdecken.

Diese Veranstaltung ist leider abgesagt.

Der alte Pettersson lebt mit seinem Kater Findus auf einem kleinen Hof, außerdem leben da einige Hühner, der Nachbar Gustavsson, hinterm Haus ein Stier und manchmal schleicht sich der Fuchs auf den Hof.
Kater Findus isst am liebsten Pfannkuchentorte, leider gibt es die immer nur zum Geburtstag. Aber Findus ist erfinderisch, er feiert einfach drei Mal im Jahr Geburtstag. Doch dieses Mal geht allerlei schief, bevor alle Zutaten zusammen sind und Pettersson die Torte backen kann.

Um dem Fuchs ein für alle Mal den Appetit auf Hühner zu verderben, lässt sich Pettersson einiges einfallen und Findus spielt dabei natürlich eine ganz große Rolle.

Die beliebten Kinderbuchgeschichten um den alten, schrulligen Pettersson und seinen quirligen, sprechenden Kater Findus - für die Bühne adaptiert und mit Musik versehen - werden zu einem vergnüglichen Theaternachmittag für die ganze Familie.

Schaut euch diesen Schneemann an – wie der Schneemann lachen kann! Runder Bauch, Knöpfe auch – und so liebe Augen! Die Kinder haben einen Schneemann gebaut. Und sie verraten euch ein Geheimnis: Wenn der Schneemann ganz alleine ist, dann kann er sogar sprechen! In der Weihnachtszeit passieren nämlich immer die verschiedensten Wunder. Gemeinsam mit dem alten Hund Bissig und dem Schneemann reisen die Kinder durch eine Geschichte voll Freundschaft, Herzlichkeit und erleben miteinander kleine wie große Wunder. Was bedeutet eigentlich Wärme? Was ist das, Herz? Und was funkelt dort so schön durch das Fenster? Ein herzerwärmendes Märchen nach Hans Christian Andersen zur Einstimmung auf die Weihnachtszeit.

Regie: Dmitry Borisov; Spiel: Niklas Luft, Alexander Matakas, Mirja Henking

Schwartzsche Villa, Zimmertheater

Veranstalter: Theater Rad

Eintritt: 6 € (5 € für Gruppen mit Voranmeldung)

Karten/Infos: theater.rad@email.de, 0176 38 29 07 91

Der Fokus der ausgestellten Werke von Gerhard Richter, der international als einer der bedeutendsten Künstler der Gegenwart gilt, liegt auf den Menschenbildern – seit den 1960er Jahren eines der zentralen Themen auch seiner Editionen. Sowohl Fotografien aus dem Familienalbum (Betty), als auch Pressebilder berühmter Persönlichkeiten (Mao, Elisabeth) dienen Richter als Vorlagen, um künstlerische Techniken auszuloten. Gleichermaßen greift er auf einige seiner gemalten Portraits und Bildnisse zurück (z.B. Ema (Akt auf einer Treppe) und Onkel Rudi), die er als Drucke oder Fotografien reproduziert. Ein prominentes Beispiel für diese Vorgehensweise sind die 48 Portraits, die im me Collectors Room als Edition gezeigt werden. Die malerischen Vorlagen wurden 1972 im deutschen Pavillon auf der Biennale in Venedig gezeigt.

Neben seinen Gemälden sind in den letzten Jahren auch seine Editionen immer mehr in den Fokus des Interesses gerückt. Die Olbricht Collection ist weltweit die einzige Institution, die das gesamte Editionswerk Richters umfasst und so sein Schaffen über fünf Jahrzehnte hinweg abbilden kann.

Die Bedeutung dieses Teils seines Oeuvres formulierte er 1998 selbst in einem Brief an das Museum of Modern Art New York: „Ich sah – und sehe immer noch – Editionen als einen willkommenen Ausgleich für die Produktion von Gemälden, die Unikate sind. Es ist eine großartige Möglichkeit, meine Arbeit einer größeren Öffentlichkeit zu vermitteln.“

Die Editionen bieten dem Künstler die Gelegenheit, auf besonders vielfältige und experimentelle Weise die Möglichkeiten des Bildnerischen auszuloten. Deshalb finden sich in den Auflagenwerken sehr viele unterschiedliche Medien und Gattungen, an die der Künstler mit verschiedenen grundlegenden Strategien herangeht: Figuration, Abstraktion, Monochromie, optische Täuschung, Spiegel, Raster, geometrische Konstruktion etc.

Gerhard Richters Portraits aus der Olbricht Collection sind noch bis zum 31.01.2020 zu sehen, anschließend werden bis Anfang Mai 2020 die abstrakten Werke Richters aus der Olbricht Collection in den Fokus gerückt.

Die Ausstellung Transverse Wave bringt Mary Bauermeister und Rashid Al Khalifa mit dem Sound Designer und Komponisten Simon Stockhausen ab dem 16. November 2019 im
me Collectors Room Berlin zusammen.

 

„Die Differenz der Kulturen, die Differenz der Künste und die der Sinne sind Bedingungen, nicht Begrenzungen der Erfahrung im Allgemeinen und ebenso verhält es sich mit der gegenseitigen Verschränkung dieser Differenzen.“ (Jean-Luc Nancy, Zum Gehör, Zürich, Berlin 2014 (2002), S. 23.)

Es sind diese „Bedingungen der Erfahrung“, die in der Ausstellung Transverse Wave hergestellt werden. Mit Mary Bauermeister (*1934, Deutschland) und Rashid Al Khalifa (*1952, Bahrain) konnten eine Künstlerin und ein Künstler für den me Collectors Room Berlin gewonnen werden, die nicht nur in verschiedenen Kulturräumen sozialisiert wurden, darüber hinaus setzen sie in ihrem künstlerischen Schaffen an gegensätzlichen Enden an.
Während die Werke von Mary Bauermeister aus gefundenen, zumeist organischen, jedoch grundsätzlich in zuvor Natur- oder Gesellschaftsprozessen eingebundenen Materialien bestehen, greift Rashid Al Khalifa auf künstliches, dem industriellen Kontext entspringendes Material zurück. Seine Objekte verweisen anhand ihrer regelmäßigen, gerasterten Struktur und den verwendeten Stoffen auf eine minimalistische Ästhetik mit strenger Serialität. Bei Mary Bauermeister sind ebenfalls konstruktive Prozesse zu verzeichnen, jedoch sind ihre Arbeiten Ordnungsversuche von natürlich Gewachsenem; oder, wie im Fall der ausgestellten „Lichttücher“, ist der Zufall für das Entstehen der Strukturen verantwortlich.

Eine weitere „Differenz der Künste“ und insbesondere eine „der Sinne“ ergibt sich mittels der Komposition von Simon Stockhausen (*1967, Deutschland). Der Komponist, Musiker und Sound Designer hat eine Auftragskomposition für den Ausstellungsraum entwickelt, die sich spezifisch auf den Ort, die Kunstwerke und deren Hängung bezieht. Aus insgesamt sechs Lautsprechern entsteht ein musikalisches Feld, welches nicht nur auf die Objekte im Raum reagiert, sondern auch deren Konstruktionsprinzipien reflektiert.

Dabei ist die gedachte „Diagonale“ im Ausstellungsraum von besonderer Bedeutung: Die AusstellungsbesucherInnen können den Raum von einer Ecke quer zur gegenüberliegenden Ecke imaginär unterteilen, wobei auf der einen Seite die Kunst von Mary Bauermeister und auf der anderen die Werke von Rashid Al Khalifa zu finden sind. Diese Aufteilung hat keinen separierenden Charakter, da sie innerhalb eines gemeinsamen Ausstellungsraums und darüber hinaus nur „gedacht“ stattfindet. Die direkte Konfrontation und damit visuelle Interaktion der Kunst im Blickfeld der Besucherin oder des Besuchers ist nicht die einzige Art der „Verschränkung“. Dadurch, dass die Komposition auf einer symbolischen Ebene die Konstruktionsprinzipien der Werke aufgreift und diese im Raum wandern lässt, entsteht auf einer zusätzlichen Ebene eine auditive Interaktion. Eine Diagonale in einem rechteckigen Raum bietet den Vorteil, dass ein striktes links und rechts der Raumaufteilung vermieden wird, es ist vielmehr eine „weiche“ Separierung die erst langsam hervortritt. Ein weiteres Mittel der „Verschränkung“ liefert das in der Ausstellung omnipräsente Thema Licht. Während mehrere Arbeiten von Rashid Al Khalifa die Qualitäten des Lichts thematisieren und benötigen, senden einige Werke von Mary Bauermeister ebenjenes aktiv aus: Die Emanationen ihres Lichttuchs Untitled (Light Sheet), die zur Ästhetik des Werks untrennbar gehören, wirken auf die Erscheinung von dem Hängeobjekt Pressure Wave (Mobile Column II) von Rashid Al Khalifa ein.

Der Titel Transverse Wave liefert eine poetische Metapher für die mit der Ausstellung angestrebten Effekte. Eine „Transversalwelle“ schwingt senkrecht zu ihrer Ausbreitungsrichtung; von einer Seite angestoßen, trifft sie mit einigem Zeitabstand auf die gegenüberliegende Seite, wodurch eine Verbindung entsteht, die auch wiederum gegenläufig gedacht werden kann. Das Prinzip der Welle und die damit einhergehende Verbindung tritt nicht nur als Licht- oder Soundwelle auf, sondern rekurriert ebenso auf die Hervorbringung des Materials für die Steinbilder, die Gestaltungsprinzipien der Kunstwerke sowie den hörbaren Ereignissen in der Komposition.  

 

Kuratiert von Karin Adrian von Roques und Hauke Ohls.

 

Veranstaltungen (in englischer Sprache)
16.11.2019, 15 Uhr: Talk mit den KuratorInnen Karin Adrian von Roques und Hauke Ohls
16.11.2019, 16 Uhr: Talk mit den KünstlerInnen Mary Bauermeister, Rashid Al Khalifa und Simon Stockhausen

 

Mi-Mo 12:00- 18:00

In der Einzelausstellung There is no nonviolent way to look at somebody werden Wu Tsangs Filme in einen Dialog mit ihrer skulpturalen Praxis gesetzt, die auf dem Zusammenspiel von Glas, Licht und Text aufbaut und eine speziell für den Gropius Bau konzipierte Farbglasarbeit umfasst.

Im Rahmen der Ausstellung zeigt der Gropius Bau Wu Tsangs neueste Filmarbeit One emerging from a point of view, die in einer hybriden Filmsprache Migrationserfahrungen in den Fokus rückt. Der auf der griechischen Insel Lesbos gedrehte Film thematisiert die aktuelle Situation, mit der Landschaft und Inselbewohner*innen gleichermaßen konfrontiert sind: das Trauma der Vertreibung. Allein im Jahr 2015 haben über 850.000 Geflüchtete Griechenland erreicht; viele von ihnen kamen an den Ufern der Insel Lesbos an, nachdem sie vor Krieg und untragbaren politischen Umständen über das Mittelmeer geflüchtet waren. Wu Tsang setzt magischen Realismus ein, um diese Realitäten zu dokumentieren, und lässt dabei die Grenzen zwischen Fakt, Fiktion und surrealer Erzählung bewusst verschwimmen. Was gemeinhin als „Flüchtlingskrise“ bezeichnet wird, wird im Film strukturell als Krise der Repräsentation erfahrbar.

Ihr Umgang mit bewegten Bildern, der von den Traditionen des Dokumentarfilms beeinflusst ist, stellt einen zentralen Aspekt der Ausstellung dar. One emerging from a point of view besteht aus zwei sich überlappenden Videoprojektionen, in denen sich Aufnahmen überschneiden und ineinander verlaufen – eine Technik, die auch im Film "We hold where study" (2017) zum Einsatz kommt. Beide Filme zeichnen sich durch eine rigorose Choreografie der Kamera aus; unterschiedliche Welten und psychologische Räume werden miteinander verwoben und lassen letztlich durch die sich überlappenden Projektionen einen unbestimmten „dritten“ Raum entstehen.

Auch in We hold where study wird ein filmischer Zwischenraum sichtbar; der Film zeigt choreografische Duette, in denen Körper sich aneinanderpressen, verfangen und wieder lösen. Wu Tsang entwickelt so ein visuelles Vokabular, das sich poetisch Praktiken der Blackness und Queerness annähert und reagiert damit auf den Essay Leave Our Mikes Alone von Stefano Harney und Fred Moten, einem ihrer langjährigen Kollaborationspartner*innen.

Künstlerische Kollaborationen sind ein wesentlicher Bestandteil der Arbeitsweise Wu Tsangs; sie werden von ihr strategisch zum Erreichen dessen eingesetzt, was sie als In-betweenness, als Dazwischensein, bezeichnet. In ihren Arbeiten überlagert sie bewusst die Gesten, Wörter und Stimmen anderer und lässt auf diese Weise vielfältige, sich verschränkende Perspektiven zur Geltung kommen.

Kuratiert von Stephanie Rosenthal mit Clare Molloy

MI bis MO 10:00-19:00

Benito Pérez Galdós gilt als einer der bedeutendsten Schriftsteller der spanischsprachigen Literatur. Im Jahr 1867 bereiste der von den Kanaren stammende Autor Kantabrien, eine Region an der Nordküste Spaniens. Die Ausstellung des Fotografen Ángel Luis Aldai zum 100. Todestag des Autors folgt den Spuren Galdós auf einer eindrucksvollen Bilderreise durch Landschaft, Architektur und Traditionen Kantabriens.

Eröffnung am 12. September 2019, 19 Uhr

Eintritt frei

13 09 19 – 10 01 20 mo – fr: 11.00 – 14.00

Ihre Konzerte sind wahre Klangerlebnisse und ein Muss für Musikbegeisterte: Die vier Sänger der New York Polyphony heben die Vokalmusik auf die nächste Ebene. In ihren Programmen bringen sie ein vielseitiges Repertoire zu Gehör, das mehrere Jahrhunderte und Epochen abdeckt. Da ist garantiert für jeden Geschmack etwas dabei!

Während Chöre nach Einklang streben, sind es bei der New York Polyphony die einzelnen Stimmen, die herausragen. Geoffrey Williams, Steven Caldicott Wilson, Christopher Dylan Herbert und Craig Phillips verstehen ihr Projekt als vokales Streichensemble: Bass, Bariton, Tenor und Countertenor ergänzen sich einander so wie Geige, Bratsche und Cello. Dieses Kunststück gelingt den vier Vollblutmusikern nicht nur bei Werken der Gregorianik, sondern auch bei modernen und zeitgenössischen Stücken. Kein Wunder also, dass die New York Polyphony bereits mit unzähligen namhaften Komponisten zusammengearbeitet und zahlreiche Auszeichnungen erhalten hat – darunter auch mehrere Grammys.

Lassen Sie sich die Konzerte der New York Polyphony auf keinen Fall entgehen. Hier wird Ihnen ein Hörgenuss geboten, den Sie mit Sicherheit so schnell nicht vergessen werden!

Einlass: 16:00 Uhr

Achtung, Ladies, es wird heiß! Durchtrainierte Männerkörper, sexy Dancemoves und verführerische Akrobatik – bei der SIXX PAXX Menstripshow Berlin werden eure heimlichsten Träume wahr. Es dreht sich alles um euch. Und natürlich um nackte Männerhaut!
Lust auf den hottesten Menstrip Europas? Dann seid ihr hier genau richtig. Im charmanten SIXX PAXX Theater in Berlin erwarten euch die Jungs mit einer atemberaubenden Show. Ein beschleunigter Puls ist da garantiert. Sichert euch jetzt die schnell vergriffenen Tickets.

Nach der Show geht die Party im LadiesClub weiter. Der Eintritt ist frei! Feiert mit den Jungs und kommt ihnen dabei richtig nah. Das Beste: Ihr seid unter euch, denn außer den SIXX PAXX haben Männer im LadiesClub nichts verloren. Euch ist sonst (fast) alles erlaubt ... Also keine falsche Scheu: Bucht einen privaten Stripper nur für euren Tisch und feiert mit euren Mädels richtig ab. Und keine Sorge, ihr werdet euren Männern am nächsten Tag noch unschuldig in die Augen schauen können

Der Einlass beginnt 45 min. vor Showbeginn

Hier keine Tickets verfügbar

Das weltweit erste Museum der KÖRPERWELTEN zeigt mehr als 200 einzigartige Plastinate, die dem Besucher leicht verständlich detailliertes Wissen über einzelne Organfunktionen sowie häufige Erkrankungen vermitteln. Es gewährt Einblicke in die höchst komplexen Strukturen des Körperinneren und veranschaulicht, was uns verbindet, uns aufrecht und in Bewegung hält, und was uns lachen und lieben lässt. Das Museum lädt Sie ein zu einer tief berührenden und inspirierenden Begegnung mit dem Leben und einer nachhaltigen Auseinandersetzung mit dem, was uns ausmacht.

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The first BODY WORLDS museum presents more than 200 unique plastinates that show the function of individual organs as well as common diseases. It gives insights into the highly complex and structures of the human bod and shows what connects us, keeps us upright and in motion and what makes us laugh and love.

Moreover, the Menschen Museum opens the visitors´ eyes to various facets that determine our existence: Gluttony & Restraint | Excess & Moderation | Chance & Fate | Pressure & Balance | Happiness & Unhappiness

Letzter Einlass 18:00 Uhr

Der alte Pettersson lebt mit seinem Kater Findus auf einem kleinen Hof, außerdem leben da einige Hühner, der Nachbar Gustavsson, hinterm Haus ein Stier und manchmal schleicht sich der Fuchs auf den Hof.
Kater Findus isst am liebsten Pfannkuchentorte, leider gibt es die immer nur zum Geburtstag. Aber Findus ist erfinderisch, er feiert einfach drei Mal im Jahr Geburtstag. Doch dieses Mal geht allerlei schief, bevor alle Zutaten zusammen sind und Pettersson die Torte backen kann.
Um dem Fuchs ein für alle Mal den Appetit auf Hühner zu verderben, lässt sich Pettersson einiges einfallen und Findus spielt dabei natürlich eine ganz große Rolle.

Die beliebten Kinderbuchgeschichten um den alten, schrulligen Pettersson und seinen quirligen, sprechenden Kater Findus - für die Bühne adaptiert und mit Musik versehen - werden zu einem vergnüglichen Theaternachmittag für die ganze Familie.

Karten an der Vorstellungskasse (ab 1 Stunde vor Beginn der Veranstaltung)

Zahlreiche Legenden ranken sich um die Geschichte und Architektur des berühmten Flughafens Tempelhof. Auf der neuen Tour erfahren Sie, was davon stimmt und was ins Reich der Phantasie gehört: Wie viele unterirdische Geschosse hat das Flughafengebäude? Gibt es tatsächlich kilometerlange Tunnel, die in die Berliner Innenstadt führen? Ist sogar das Flugfeld unterkellert? Warum gibt es so viele Legenden über Tempelhof?

Fachkundige Guides führen Sie in den Untergrund des Gebäudes, zu den verschiedenen Bunkern und Kellergewölben. Auch Teile des für die damalige Zeit einmaligen Tunnelsystems des Gebäudes aus den 1930er Jahren können sie erkunden. Im Tunnelsystem erfahren Sie mehr über die wechselvolle Geschichte des Gebäudes, insbesondere über die Nutzung während des Dritten Reiches.

Vorgestellt wird auch der so genannte Filmbunker, dessen Inhalt in den letzten Kriegstagen in Flammen aufging und der in seiner heutigen Form zahlreiche Rätsel hinterlassen hat.

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Resttickets ggf. an der Tageskasse vor Ort erhältlich

In »Parzelle 62« ist der Raum das Narrativ: abgedunkelte Fenster, Bildschirme von Überwachungskameras, kryptische Zeichnungen an den Wänden, überall verstreute Notizen. Alleine entdecken die Besucher*innen das detailliert ausgestaltete Mikrouniversum eines zurückgezogen Laubenbewohners. Seine Geschichte und Auseinandersetzung mit Verschwörungstheorien entfalten sich für jede*n Besucher*in neu.

Es entstehen multiple konstruierte Realitäten, bei denen jede*r Alltagsgegenstände zu einem anderen Bild eines Lebens zusammensetzt. Schleichend werden die Gäste zu Voyeur*innen, Kompliz*innen und Akteur*innen und können nach ihrem Besuch den Diskurs über die Theorien des Kleingärtners im Netz weiterführen.



Seit 2015 erforscht Barbara Lenartz das Potential von narrativen, immersiven Rauminstallationen als ästhetische Erkenntnisräume, in denen konkrete gesellschaftliche Realitäten zu künstlerischen, vielschichtigen Erfahrungen transformiert werden.

In deutscher Sprache.
Dauer: 45 Minuten pro Durchlauf.

Konzept, Szenografie, Narration: Barbara Lenartz
Künstlerische Mitarbeit: Antonia Bitter
Dramaturgie: Lea Langenfelder
Sounddesign: Christoph Wirth
Grafikdesign: Sara Cristina Moser
Technik: Sebastian Arndt

Eine Produktion von Barbara Lenartz in Kooperation mit dem Ballhaus Ost. Gefördert durch den Fonds Darstellende Künste aus Mitteln der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien, den Kofinanzierungsfonds der Berliner Senatsverwaltung für Kultur und Europa und die Mart Stam Stiftung. Mit freundlicher Unterstützung durch den Bezirksverband der Kleingärtner Berlin Weißensee e. V. und weißensee kunsthochschule berlin.

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Prinz Adrian hockt unglücklich vor dem Spiegel: Segelfliegerohren, ein Pickel mitten auf der Nase - so hässlich wie er ist niemand. Adrian möchte raus aus seiner Haut. Plötzlich strahlt der Vollmond in den Spiegel und verwandelt ihn in den Frosch, als den er sich schon immer empfand. Glitschig und grün hüpft er in die Welt hinaus und landet in einem Brunnen. Vergessen ist, wer er mal war. Sein Diener Heinrich aber ist so traurig über den Verlust seines geliebten Herrn, dass er sich drei eiserne Reifen um die Brust legen lässt, damit sein Herz vor Kummer nicht auseinanderspringt. Er macht sich auf die Suche nach dem Prinzen, doch vergeblich.
Erst als ihm ein Frosch den Weg zu einem Schloss weist, wo irgendwann alle Prinzen vorbeikommen müssen, um die schöne Prinzessin Charlotte zu freien, hegt er wieder Hoffnung. Aber Charlotte hat keine Lust auf stinknormale Prinzen, lieber spielt sie mit ihrer goldenen Kugel am Brunnenrand. Und so nimmt das Märchen seinen altbekannten Lauf.
Eine witzige Adaption des beliebten Märchenstoffes über den frechen Frosch, der hemmungslos die Versprechungen der Prinzessin einfordert, insbesondere auch für die Kinder, die Märchen gerade zu den Kindheitsakten legen.

Follow Us holen (nach wohlrecherchiertem Querlesen des Originaltextes) Henrik Ibsens bekannteste Frauen-Figur in die Gegenwart und versetzen sie – dem demografischen Wandel unserer Zeit entsprechend – ins Seniorenheim. Wie in Noras Puppenhaus mangelt es auch hier nicht an starren Strukturen und Bevormundung, mit dem Motto "nothing to lose – nothing to expect" tut sich jedoch auch ein Möglichkeitsraum auf: Kann man hier befreit von Normen und Verpflichtungen endlich ausleben, was man immer schon wollte? Dringt die eigentliche Realität des Individuums erst durch, wenn das Wort Zukunft aus dem Wortschatz verschwindet? Zwischen Kuchenduft und Kühlschrank, behaglichem Kaminfeuer und eisigem Schneegestöber wird das Publikum mit vielfältigen Fantasien über eine für uns alle mögliche Zukunft konfrontiert: das "Altenheim".

DEUTSCH + ENGLISCH

TEXT, REGIE, DRAMATURGIE, BÜHNE, PERFORMANCE Annina Machaz, Mira Kandathil PRODUKTIONSLEITUNG Miriam Walther Kohn, Laeticia Blättler KAMERA, SCHNITT Ari Zehnder, Nathalie Kamber, Janos Mehnberg LICHTDESIGN Benjamin Hauser TECHNIK Lukas Sander PYROEFFEKT Urs Bruderer SOUNDDESIGN Stefan Schneider SONGPRODUKTION Sebastian Pagel

Eine Produktion von Follow Us in Koproduktion mit Gessnerallee Zürich, Freischwimmen und SOPHIENSÆLE. Gefördert von Stadt Zürich Kultur. Das Festival Freischwimmer*innen. The Future is F*e*m*a*l*e* wird gefördert durch die Senatsverwaltung für Kultur und Europa / Spartenoffene Förderung für stadtrelevante Festivals und durch den Hauptstadtkulturfonds. Medienpartner: Ask Helmut, ExBerliner, Flux FM, Missy Magazine, taz. die tageszeitung, Zitty.

Foto © Annina Machaz, Mira Kandathil