Stefanie Sylla – Viola d'Amore & Gesang
Djelifily Sako – Kora & Gesang
Yogendra – Sitar

Die Königinnen der Saiteninstrumente aus Asien, Europa und Afrika begegnen sich in einem außergewöhnlichen musikalischen Trialog. Kora, Sitar und Viola d'Amore schaffen einen sanften und zugleich kraftvollen Klangraum. Das Ensemble spielt ausschließlich eigene Stücke, in denen sich Inspirationen aus den verschiedenen Traditionen verbinden und etwas ganz lebendiges Neues daraus entsteht.

Konzert im Rahmen der Veranstaltungsreihe „NachtKlänge – Hören mit dem Herzen“.
Die NachtKlänge sind eine Konzertreihe mit einem Fokus auf transkulturelle akustische Musik in stimmungsvoller Atmosphäre und finden hauptsächlich in der kalten Jahreszeit statt. Die Musik kann dank Fußbodenheizung und Matten dabei auch im Liegen genossen werden.

VVK: 16,20 €, AK: 23 €, Kinder bis 16 Jahre: Eintritt frei

Der längst zum Mythos gewordene Dichter William Shakespeare tritt an diesem Abend mit den berühmtesten seiner erschaffenen Figuren ins Rampenlicht. Dabei dringt er mit seiner glanzvollen und bildreichen Sprache und seinen ewig wahren Erkenntnissen um Liebe, Schönheit, Macht und Tod tief in unsere menschliche Seele.

Texte von William Shakespeare
Lieder von John Dowland
Idee, Buch, szenische Musik: Cora Chilcott

Dave Davis ist wieder da – mit einem Knall der komödiantischen Extraklasse: »Konfetti für alle!«

Sein brandneues, abendfüllendes Humorwerk ist das Live-Rezept gegen eine Welt, die zunehmend fahl wirkt und nur noch Trübsal bläst. Der zweifache Prix-Pantheon-Preisträger und Träger des Deutschen Comedypreises sagt:

„Man kann den Wahnsinn der Welt nicht immer ändern, aber man kann ihn mit Konfetti bewerfen. Konfetti ist wie ein vom Leben gelochtes Manifest: Es erinnert uns daran, dass selbst im größten Durcheinander Leichtigkeit möglich ist.“

Recht hat er. Mit »Konfetti für alle!« defibrilliert Davis jedes Jammerflimmern und beweist einmal mehr, warum er der Ristretto des Kabaretts ist: kurzweilig, stark, schwarz.

Er jongliert mit herrlich absurden Geschichten, pointierten Liedern und der Freude am Schrägen – und beherrscht diese Register wie ein olympischer Clown mit Doktortitel. Die Realität wird so lange verbogen, bis selbst der letzte

Pessimist im Saal sein Grinsen nicht mehr verstecken kann. Kommen Sie zu »Konfetti für alle!« – denn: „Lachen braucht keine Rechtfertigung – nicht einmal Zähne.“

Foto: PROMO

Kassenöffnung um 19:00 Uhr

Es ist eine Geschichte wie im Blockbuster: Der strahlende Held Siegfried hat für König Gunther die mächtige Königin Brunhild unterworfen, um dessen Herrschaft zu sichern. Als die Sache droht ans Licht zu kommen, wird er heimtückisch ermordet. Seine Frau, Gunthers Schwester, löscht daraufhin in einem Vergeltungsschlag die gesamte Familie aus. Auf Blut fließt Blut und was einmal Recht ist, muss solches bleiben, selbst wenn es die ganze Welt kostet. Im eigentlichen Zentrum aber stehen zwei Frauen, deren Schicksal untrennbar miteinander verwoben ist: Kriemhild, die Siegfried liebt, und Brunhild, die von diesem im Kampf und im Bett bezwungen wird. Beider Geschichte zeugt von Gewalt und Unterwerfung – und von einem tiefen Schweigen darüber, das in den Zeiten und Generationen widerhallt.
Mit seiner Dramatisierung des Nibelungenlieds gelang Hebbel eine psychologische Annäherung an die mythischen Figuren, die den Boden bereitete für deren spätere nationalistische Aufladung. Regisseurin Alice Buddeberg nutzt den Text als Material für eine theatrale Suchbewegung, die nach dem Unerzählten forscht: Warum beschwören wir immer wieder diesen Mythos? Was erzählt er uns über Schuld und Schweigen? Sie nimmt die Perspektive der Frauenfiguren in den Blick – und mit ihnen das Kontinuum der männlichen Gewalt, das von der faschistischen Rezeption als „deutsches Nationalepos“ bis ins Heute reicht.

Regie: Alice Buddeberg
Bühne: Cora Saller
Kostüme: Philipp Basener
Musik: Mirjam Beierle

/ 19:00 Vorspiel

The West Ain’t What It Used to Be

Thanksgiving with country music, Jell-o salad and Dolly Parton

A lot of folks are worried about the state of democracy in the United States. Is it teetering on the brink? Is a civil war looming? Are the tech billionaires supporting its downfall?

Thanksgiving in Berlin. Fred and his US-American wife Rhonda have invited guests from her motherland over for a turkey dinner. Inevitably, the conversation drifts from the American Dream, via Karl May and Western movies, to the topic of all topics: What is going on in the US? Strangely enough, Dolly Parton seems to be in the room, too. And a country & western band magically appears. The evening escalates...

In the fourth installment of its "Conversations with Cultural Icons" series, coproducing with ETB/IPAC The Waltraud Experience tackles one of the most pressing issues of our time: Where are the United States headed? The right and the left stand in completely irreconcilable opposition; a stalemate has been reached.

Country music icon Dolly Parton – who sadly passed away on August 25th – was often looked to as a unifying figure; someone both the right and the left can agree on. Yet, a closer look reveals that Dolly prefered to stay out of it … she sang, she cracked jokes, and she championed “positive thinking”… but politics? No thanks.

Foyer opens at 7pm

Im Rahmen von MONO:MONO

Deutsch, englische Übertitel

Was glaubt ihr, in welchem Land ihr lebt? Karl-Konrad weiß die Antwort und die ist anders als erwartet: Der Schlüssel ist Angela Merkel. Denn ihre großen Momente in den letzten 35 Jahren waren auch unsere großen Momente. Im Osten, wie im Westen. Doch wie zum Herrgott ist sie als protestantische Pfarrerstochter, als Frau aus dem Osten zur mächtigsten Politikerin der Welt geworden? Und was hat sie aus uns gemacht?

Karl-Konrad ist gekommen, um über Angela Merkel zu sprechen. Es geht ihm um die Deutungshoheit. War er nicht einer der Fischer, die Angela Merkel in den 90er Jahren in Stralsund besuchte, kurz bevor diese ihre Arbeit aufgeben mussten? Hat er nicht den Artikel für die FAZ diktiert, der den Pfälzer Helmut Kohl und schließlich auch den Schwaben Schäuble stürzen sollte?

Vom gesellschaftlichen Rand aus, vom Osten aus, lässt Autorin Juliane Hendes ihren fiktiven Protagonisten den Weg „unseres Landes“ ins Jetzt und Hier beschreiben. Sie wirft dabei zugleich die Frage auf, wie Identität und politischer Alltag sich so verweben, dass sie nicht mehr voneinander zu trennen sind. Für uns alle bleibt nach dem großen Zapfenstreich und der Enthüllung ihres Gemäldes fürs Kanzleramt eine letzte Frage: Und was machen wir jetzt?


MIT Jaëla Probst TEXT / REGIE Juliane Hendes BÜHNE / KOSTÜM Romy Rexheuser FOTOKÜNSTLER Tim Hillemacher OUTSIDE EYE Janette Mickan PRODUKTIONSLEITUNG Hannah Winkler KOPRODUKTION Monologfestival 2025 / TD Berlin GEFÖRDERT DURCH Heinz und Heide Dürr Stiftung

Juliane Hendes und Romy Rexheuser sind in der Transformationszeit der 90er/00er Jahre im geografischen Osten dieses Landes aufgewachsen. Sie verbindet eine andauernde Auseinandersetzung über Herkunft und (ostdeutsche) Heimat und daraus resultierende Fragestellungen bezüglich der eigenen politischen Haltung. Tim Hillemacher ist ein Fotokünstler aus Düsseldorf. Seine Kamera fängt vor allem Menschen in bewegter Umgebung ein und wirft dadurch Fragen nach der Beeinflussung des Menschen durch seine Umwelt auf.

„Ich war eindeutig nur ein Weichei, ein trauriges und unbedeutendes Weichei, das obendrein noch alt wurde“, so die lapidare Bestandsaufnahme von Florent, einem mittelalten, weißen Mann in der Krise. Von seiner Tätigkeit im Landwirtschaftsministerium und der gefühlskalten Paar-Beziehung mit einer jüngeren Frau ist er nur noch angewidert.
Tief unglücklich sieht er einen letzten Ausweg darin, sein Verschwinden zu inszenieren. Er kündigt Job und Wohnung, um sich in seinem Geländewagen auf eine Winterreise durch das ländliche Frankreich zu begeben und nach den Ursprüngen seines Scheiterns zu suchen. Die entscheidende Rolle dabei kommt der Erinnerung an die Liebe seines Lebens zu, die er durch ein kurzes Sexabenteuer selbst zerstört hat. Und auch die Wiederbegegnung mit einem alten Freund, einem Landwirt, dessen Hof durch die internationalen Welthandelsströme ruiniert wurde, lässt Florent erkennen: Die Glücks- und Freiheitsverheißungen des entfesselten Individualismus sind nichts als Schimären, die uns Menschen nur in Einsamkeit und Verlorenheit treiben.

Michel Houellebecq, der als der wichtigste wie umstrittenste Schriftsteller Frankreichs gilt, erzählt gewohnt provokativ, mit entlarvend komischer Selbstironie und großer Traurigkeit von einer tiefgreifenden Krise der westlichen Zivilisation, die an dem Verlust von Liebe zugrunde geht.

Regie führt Sebastian Hartmann, der für seine maßgeblichen, entschiedenen ästhetischen Zugriffe u.a. mit vier Einladungen zum Berliner Theatertreffen ausgezeichnet wurde.

Regie & Bühne: Sebastian Hartmann
Licht: Lothar Baumgarte

Nachgeholtes Konzert aus 2025

Die international renommierte Allotria Jazz Band aus München wurde 1969 gegründet und ist seit vielen Jahren eine der profiliertesten Gruppen der traditionellen Jazzszene in Deutschland. In den Stilrichtungen Swing und swingender Dixieland spielen sieben exzellente Solisten Kompositionen der ersten Jahrzehnte des vergangenen Jahrhunderts auf höchstem Niveau unter dem Markenzeichen "The Fine Notes Of Classic Jazz".

Neben den ausgefeilten musikalischen Persönlichkeiten der Musiker sorgen eigene Arrangements des Orchesters und der 4-stimmige Bläsersatz mit zwei Trompeten für den unverwechselbaren Sound einer kleinen Big-Band.

21 LP- und CD-Produktionen in mehr als fünf Jahrzehnten zeugen von einer vielseitigen Bandhistorie. Die Allotria Jazz Band ist mit ungezählten internationalen Auftritten, darunter mehr als 30 Tourneen in die USA und Kanada, in Sachen „klassischer Jazz“ Deutschlands Exportartikel Nr. 1..

Besetzung:
Rainer Sander, Klarinette/Altsaxophon, Bandleader
Colin T. Dawson, Trompete/Gesang/Co-Bandleader
Andrey Lobanov, Trompete
Markus Krämer, Posaune
Thilo Wagner, Piano
Peter Cischeck, Bass
Gregor Beck, Schlagzeug

Einlass ab 19:30 Uhr

Haben Sie schon mal gesehen wie die Realität auf den Kopf gestellt wird? Nein?

Dann wird es Zeit für einen Besuch in Ben Blu’s Illusionstheater! Kommen Sie mit Ihrer Familie vorbei und lassen Sie sich in die Welt der Magie entführen. Kinder ab 4 Jahren beobachten mit staunenden Augen und offenen Mündern wie sich Gegenstände verwandeln oder schweben. Auch die Erwachsenen staunen und lachen, wenn Ben das Publikum verzaubert.

Ben Blu’s einzigartiges Illusionstheatater hat sich auf die Zauberkunst spezialisiert. In einem intimen Rahmen erleben Sie und Ihre Familie eine interaktive und unterhaltsame Show. Teilweise entstehen Effekte mitten im Publikum. Egal, ob Sie in Berlin wohnen oder zu Besuch in der Stadt sind: Diese Show wird sie begeistern! Einige Kunststücke gibt es weltweit nur hier zu sehen.

Der Sympathische Zauberkünstler Ben Blu führt Sie und die anderen Gäste ca. 60 Minuten lang ohne Pause durchs Programm. Dieses passt er dem jeweiligen Publikum leicht an, zum Beispiel in Bezug auf die Altersgruppen.

Einlass 30 min vor der Show

Was haben Sie damals gemacht, 1968? Gelacht, geweint, getanzt, gesungen… Drei Alt-68er treffen sich im Heute wieder und erinnern sich an ihre verrückte Zeit 1968: Mit ihren Gesangskünsten kämpfen Eddy und Rollin um die Gunst von Susi, die durch ihren stetigen Sinneswandel immer wieder frischen Wind in den alten Probekeller bringt, während die übermächtige Mutter kochlöffelschwingend zum Lernen drängt.

Ein Hommage an eine wilde Zeit, die bestimmt war von der Sehnsucht nach Liebe, Freiheit und Gerechtigkeit.

Es spielen: Marion Martinez, Rainer Eckhardt und Roman Walkowiak

Ein Zirkus schlägt seine Zelte auf – und bleibt. Was zunächst wie ein flüchtiges Gastspiel erscheint, entwickelt sich zu einer Welt eigener Regeln, in der sich Wirklichkeit und Inszenierung immer stärker vermischen. Abend für Abend wiederholen sich die Attraktionen: Eine singende Maus, ein Affe auf der Suche nach dem Menschsein und ein Publikum, das auf das Außergewöhnliche wartet. Doch mit jeder Vorstellung verschwimmen die Grenzen zwischen Bühne und Zuschauerraum. Alle werden Teil eines Systems, das zugleich faszinierend, komisch und verstörend wirkt.

Inspiriert von Erzählungen Franz Kafkas verbindet Zirkus Kafka absurden Humor mit poetischen Bildern und leiser Melancholie. Die Wanderbühne lädt dazu ein, über Verwandlung, Anpassung und die Macht der Gewohnheit nachzudenken – und darüber, wie unmerklich das Absurde zum Alltag werden kann.

Was ist Fakt und was ist Fake? Laut "Bild" wurde jetzt eine KI
im Fitnessstudio gesehen, sie trainierte ihre Algorithmen.
Was versteht man unter "Gelegenheitsverkehr"? Hat es mit Sex
zu tun, oder mit Taxis und Mietwagen? Fragen über Fragen
denen sich BELLA LIERE und ANDREAS ZIEGER in ihrem neuen
Programm des Potsdamer Kabaretts stellen. Und sie kommen
zu folgender Erkenntnis: Würden Fakes, Halbwahrheiten und
Politikerlügen leuchten, wäre die Erde heller als die Sonne.
Positiv gesehen, wäre damit das Energieproblem gelöst!
Kommen Sie und denken Sie mit, in der Zweier WG von
Liere und Zieger ist auch noch ein Platz für Sie frei!

DER THEATERREINIGER
Wo Theater gespielt wird, entsteht zwangsläufig Energie. Existentielle Emotionen werden durch die Schauspieler*innen in den Bühnenraum geblasen; die Zuschauenden nehmen diese energetische Veränderung wahr und honorieren die Darbietung mit Applaus. Anschließend verlassen alle Beteiligten den Saal, aber welche Energie verharrt im Bühnenraum! Der humoristische Kurzfilm gibt Einblick in den Arbeitsalltag von Volker Schnabel. Er hat sich vor kurzem selbständig gemacht und betreibt bodenständige energetische Reinigung von Bühnenräumen.

VON & MIT David Simon DANK AN Monologfestival / TD Berlin

DAVID SIMON, geboren in Flensburg, studierte in Leipzig an der Hochschule für Musik und Theater Schauspiel. Es folgten Engagements am Schauspiel Leipzig (ehemals Centraltheater), Schauspiel Essen, Thalia Theater Hamburg, Theaterhaus Jena, Staatstheater Braunschweig, Theater Oberhausen, Staatsschauspiel Hannover, so wie am Ballhaus Ost und am HAU Berlin. 2026 erscheint die ZDF-Serie DAS MANKO, die er mit dem gleichnamigen Kollektiv entwickelt, geschrieben und gedreht hat.


FEMALE GAZE NEUTRAL DENSITY FILTER
Frauen über 40 werden angeblich weniger wahrgenommen: strukturell, politisch, sexuell. Um sich auf diesen nahenden Lebensabschnitt vorzubereiten, trifft hannsjana eine Gruppe von Frauen, die ihre Unsichtbarkeit geschickt zum eigenen Vorteil nutzt – egoistisch, enthemmt oder einfach nur kriminell. Für den Kurzfilm im Mockumentary Stil wenden die Dokumentarfilmerinnen einen female gaze neutral density filter an, um diese Frauen zu porträtieren und das subversive Potenzial der Unsichtbarkeit zu erkunden.

TRIGGER Sexismus, Altersdiskriminierung, Nacktheit, sexualisierte Gewalt

VON hannsjana MIT Gisella Besch / Lara Rodriguez Cruz / Elke Janning / Niki Lippok / Eva Löbau / Eliane Lopes do Nascimento / Regina Markwirth / Ruth Offermann / Jana Respondek / Marion Siemann / Kerstin Wilde / Elke Braun / Laura Chelebet / Nikolin Chelebet / Alice Dürkop / Henrike Faltermaier / Joel Friedrich / Lukas Fuchsgruber/ Till Geschke / Heidi Hasper / Ingrid Meinow / Andreas Nerone / Renate Nerone / Stefan Offermann / Gagik Sarkisjan / Helga Scheib-Port / Rotraud Schreiber / Britt Schlünz / Leni Malu Schnerch / Sönke Toni Schnerch / Katharina Siemann / Uwe Siemann / David Wagner / Marie Weich / Elke Weidemann / Hanno Weineck / Henning Weineck / Jana Weineck / Paul Weineck / Leticia Lopes Sass / Helga Woch / Eric Wolf KOPRODUKTION Monologfestival 2025 / TD Berlin

HANNSJANA ist ein Künstlerinnenkollektiv und produziert seit 2011 gemeinsam Performances, Audio-Touren und Videoarbeiten. Dabei setzen sie sich stets humorvoll, feministisch und wissenschaftlich mit komplexen Themen und vielschichtigen Orten auseinander. Ihre Arbeiten waren zuletzt beim Impulse Festival, auf dem steirischen herbst, im Theater Thikwa und auf dem Festival OSTEN zu sehen.

DAUER Doppel-Kurzfilm-Special ca. 30 Minuten

Der Klassiker des deutschen Kabaretts

Kein anderes Volk der Welt hat wie wir Deutschen eine derartige Fülle an Gesetzen und Paragrafen hervorgebracht. Wir regeln einfach alles: die Eheschließung bei Bewusstlosigkeit (§1314 BGB) und das vorschriftsmäßige Anbringen von Warndreiecken bei Trauer-Prozessionen (§27 StVO). Und das packt der Gesetzgeber dann in eine Sprache, die selbst Juristen kaum noch verstehen. Dagegen gibt es nur eine Notwehr: Lachen!Das Programm setzt in der Pointendichte neue Maßstäbe, ist grandios schwarzhumorig, intelligent und dabei höchst unterhaltsam.

"Am achten Tag..." bedeutet: zwei Stunden erfrischender Humor.

Buch: Werner Koczwara
Foto: Dirk Dehmel / Foto Urbschat

Hier keine Tickets verfügbar

Ist Wissen wichtiger als die Bewahrung der Welt? Was ist mit der Bewahrung des Wissens vor dem Zugriff der Macht?
In einem Sanatorium, welches von der exzentrischen Dr. Mathilde von Zahnd geleitet wird, ereignen sich mysteriöse Morde an zwei Krankenschwestern. Die Täter sind schnell gefunden: Die Patienten Herbert G. Beutler – genannt Newton – und Ernst H. Ernesti – genannt Einstein – beides ehemalige Physiker.
Aufgrund ihres Geisteszustands können sie nicht zur Rechenschaft gezogen werden. Doch nichts ist, wie es scheint. Die beiden Insassen, genau wie ihr Mitpatient Johann W. Möbius, ebenfalls Physiker, geben nur vor, verrückt zu sein. Möbius, weil er seine bahnbrechenden Entdeckungen um jeden Preis vor dem Missbrauch durch die Mächtigen schützen möchte. Newton und Einstein sind Geheimagenten, die auf Möbius angesetzt wurden.
Die Männer eint der Versuch, die zerstörerische Macht der Wissenschaft zu kontrollieren. Jedoch haben sie nicht mit der Skrupellosigkeit der Klinikleiterin gerechnet. Diese entpuppt sich als die eigentliche Drahtzieherin, der jedes Mittel Recht ist, die eigenen Machtfantasien zu verwirklichen.

Dürrenmatt erzählt unterhaltsam von den moralischen Dilemmata der Wissenschaft und von der Ohnmacht des Einzelnen gegenüber einer machtgierigen Gesellschaft – ein packender Stoff, aktueller denn je.

Regie: Andreas Merz
Bühne & Kostüme: Galya Solodovnikova
Video: Oleg Mikhailov

/ 19 Uhr Vorspiel

Was trennt uns, was verbindet uns? Gibt es ein universelles Prinzip der Vernetzung?

Nach vielen Film- und Videoproduktionen zeigt BERLIN MOVES einen Live-Tanz-Doppelabend. Auf der Bühne des Studio 1 der Uferstudios erforschen junge Tänzer*innen in zwei eigenständigen, einander ergänzenden Choreografien das Spannungsfeld von Trennung und Verbundenheit.

TOMORROW NEVER KNOWS ist eine interdisziplinäre Tanzproduktion über die Suche nach connectedness. Zwischen Clubkultur und Meditation treffen äußere Lebensrealität und innere Wahrnehmung aufeinander. Hip-Hop und Breaking begegnen meditativen, tranceartigen Bewegungen und Yoga-Asanas. Zu hämmernden Chicago-House-Beats, zeitgenössischen elektronischen Klängen und sphärisch-meditativen Kompositionen von Meredith Monk entstehen tänzerische Rituale zwischen Vereinzelung und gemeinsamer Erfahrung.

Trennende und verbindende Netzwerke sind das zentrale choreografische und visuelle Prinzip. Die Bühne erinnert an Nervensysteme, organische Strukturen und das kosmische Geflecht unsichtbarer Beziehungen. Gemeinsam mit dem Tape-Art-Kollektiv Tape That und dem Videokünstler Miguel Canal entsteht eine begehbare Installation, eine Landkarte innerer und äußerer Erfahrungen, die sich auf die Körper der Tänzer*innen ausweitet.

Unter der künstlerischen Leitung von Lior Shneior entwickelt das BERLIN MOVERS Ensemble die Produktion in einem kollaborativen Prozess. Tanz, Medienkunst und Tape Art verschmelzen in TOMORROW NEVER KNOWS zu einer immersiven Performance, die fragt, wie wir in einer digitalisierten Gegenwart eine Verbindung finden – zu uns selbst, zueinander und zur Welt.

Den Abend eröffnet BOBBY, eine Collage aus mehreren Kurzchoreografien von jungen Tänzer*innen aus verschiedenen Berliner Crews.

In BOBBY entstehen kraftvolle Tanzbilder, inspiriert von der Musik Bobby McFerrins. Sein Werk verbindet Jazz, Klassik, Gospel und Pop zu einer Klangsprache, die Brücken schlägt zwischen afro-diasporischen und europäischen Musiktraditionen. Weltberühmt wurde McFerrin mit Don't Worry, Be Happy – einem Song, dessen Titel von einem Ausspruch des spirituellen Lehrers Meher Baba inspiriert ist und der für Zuversicht und Offenheit steht. BOBBY ist eine Einladung, die eigenen Wurzeln zu entdecken, Unterschiede als Stärke zu begreifen und gemeinsam neue Verbindungen wachsen zu lassen.

Dauer: ca. 70 Minuten, exklusive einer Pause

ENGLISCH:
What separates us, what connects us? Is there a universal principle of connection?

Following numerous film and video productions, BERLIN MOVES presents a live dance double bill. On the swimming pool stage at Uferstudios, young dancers explore the tension between separation and connection in two distinct yet complementary choreographies.

TOMORROW NEVER KNOWS is an interdisciplinary dance production about the search for connectedness. Between club culture and meditation, external realities meet inner perception. Hip-hop and breaking encounter meditative, trance-like movements and yoga asanas. Driven by Chicago house beats, contemporary electronic sounds and the atmospheric, meditative compositions of Meredith Monk, dance rituals emerge between isolation and collective experience.

Separating and connecting networks form the central choreographic and visual principle. The stage evokes nervous systems, organic structures and a cosmic web of invisible relationships. Together with the tape art collective Tape That and video artist Miguel Canal, an installation emerges – a map of inner and outer experiences that extends onto the dancers’ bodies.

Under the artistic direction of Lior Shneior, the BERLIN MOVERS Ensemble develops the production through a collaborative process. Dance, media art and tape art merge in TOMORROW NEVER KNOWS to create an immersive performance that asks how we can find connection in a digitalised present – with ourselves, with each other and with the world.

The evening opens with BOBBY, a collage of short choreographies by young dancers from different Berlin crews.

In BOBBY, powerful dance images emerge, inspired by the music of Bobby McFerrin. His work brings together jazz, classical music, gospel and pop, creating a musical language that builds bridges between Afro-diasporic and European musical traditions. McFerrin became world-famous with Don't Worry, Be Happy – a song whose title was inspired by a mantra of the spiritual teacher Meher Baba and which stands for optimism and openness. BOBBY is an invitation to discover one’s own roots, to embrace differences as a strength and to allow new connections to grow together.

Duration: approx. 70 mins, a short break exluded


BERLIN MOVES in Kooperation mit TAPE THAT, Code Of Member Crew, Commotion Crew.

Seit 2016 bringt das Berliner Projekt BERLIN MOVES junge Mover*innen aus der urbanen Tanzszene mit Medienkünstler*innen, Modedesigner*innen und Musiker*innen zusammen. Dabei entstehen Brücken zwischen Popkultur und Streetdance, klassischer Musik und Tanz, Hochkultur und Underground.

Mit Tanz im öffentlichen Raum und Musikvideoclips hat BERLIN MOVES die Stadt von Marzahn bis Spandau vermessen und mit so unterschiedlichen Berliner Orten und Institutionen wie dem Berliner Ensemble, der Staatsoper Unter den Linden, der Alten Münze, Jonny Knüppel und der Floating University zusammengearbeitet.

Gefördert durch den Berliner Projekfonds Kulturelle Bildung.

Im Sommer 1927 schreibt Elsa von Freytag-Loringhoven – dadaistische Dichterin, Aktmodell und Proto-Punk – einen Brief an die Mäzenin Peggy Guggenheim. In prophetischer Euphorie und apokalyptischer Dringlichkeit beschwört sie darin ihr jüngstes Projekt: ein Studio für experimentelles Modeling, das ihr künstlerisches Comeback und damit einen Ausweg aus ihrer existenziellen Misere bedeuten soll. Peggy Guggenheim zeigt Interesse, zahlt jedoch nicht. Kurz darauf nimmt sich Elsa von Freytag-Loringhoven das Leben. Fast ein Jahrhundert später greift Spirit Plastic diese vergessene Episode in der Geschichte der Performancekunst auf und reimaginiert das Pariser Studio der Baroness Elsa als Resonanzraum für heutige Dilemmata künstlerischer Arbeit. Ausgehend von autofiktionalen Texten aus ihrem Spätwerk entwickelt das Stück choreographische Welten und erkundet Modelle von Kunst und Leben im Angesicht einer ökonomisch, politisch und spirituell prekären Gegenwart.

,Bruch‘- ist ein kollaborativer Rahmen für künstlerische Forschung und Produktion zwischen Theater, Tanz und bildender Kunst.