Es ist der 01. November, Geburtstag der Protagonistin in White Passing und algerischer Tag der Revolution. Eine Dopplung, die sie immer etwas triggert. Und so sitzt sie, wie so oft, allein im Einsteincafé am Savignyplatz und fühlt sich stärker als sonst mit ihrer geheimen, zweiten Seite verbunden: ihrem Migrationshintergrund, den man bei ihr nicht sieht und niemand am Namen vermutet. Als sie nach Hause kommt und vor der Haustür den geleasten Plug-in-Hybrid-SUV von Jule und Thomas sowie Max´ Rennrad entdeckt, flieht sie vor der Überraschungsparty in die Badstraße im Wedding und in ihre Vergangenheit.
WHITE PASSING beschäftigt sich humorvoll und mit großer Selbstironie mit Zuschreibungen und der Frage nach Identität. Dabei schlägt Autorin Sarah Kilter geschickt einen Bogen von der konkreten Geschichte einer jungen Frau, hin zu gesellschaftskritischen Beobachtungen über Deutschland und die Deutschen.

Spielen, lachen, laut sein, toben, nichts tun – und das in einem Ausstellungshaus! Ab dem 4. September 2024 lädt BAUBAU genau dazu ein. In dem von der Künstlerin Kerstin Brätsch gestalteten Spielort für Kinder ist mehr erlaubt als verboten. Bunte Wandtapeten, Strukturen, Objekte und eine Reihe von „Loose Parts“ (losen Materialien) formen im Erdgeschoss des Gropius Bau Räume, die keine festen Vorgaben machen, sondern durch die Aktivitäten der Kinder bestimmt werden. Sie geben die Richtung und die Form vor für das, was hier passiert. So wird dieser Ort zum Möglichkeitsraum, der sich Tag für Tag verändern kann.

BAUBAU startet im September 2024 in einer Prototypversion und wird sich über die kommenden Jahre hinweg innerhalb wie außerhalb des Gropius Bau weiterentwickeln und wachsen – in engem Austausch mit den Kindern und ihren Wünschen, denn dies ist ihr Ort.

 Das Spiel
Alle Kinder haben den Drang zu spielen. So lernen sie, sich und die Welt zu begreifen. Gerade das offene, selbstbestimmte Spiel ist für die emotionale und soziale Entwicklung von großer Bedeutung. Das pädagogische Konzept für BAUBAU basiert deshalb auf den Grundlagen des freien Spiels: Hier gibt es die Zeit, den Raum und die Erlaubnis für Kinder, ihren eigenen Bedürfnissen und Interessen zu folgen. Begleitet werden sie dabei von Playworker*innen – geschulten Mitarbeiter*innen, die eine sichere und unterstützende Umgebung schaffen, in der Kinder frei spielen können.

 
Die Kunst
BAUBAU stellt spielerisch infrage, was ein Museum oder eine Kunstinstitution sein soll. Die umfassende Raumgestaltung, die Kerstin Brätsch entwickelt hat, ist voller Bezüge und Anregungen: Elemente aus ihren früheren Werken, wie Marmorierungen, Malereien oder Stuckmarmorarbeiten, tauchen hier in veränderter Gestalt und Materialität wieder auf. Die Tapeten, Vorhänge, Stoffe, Sitzmöbel und Klettergerüste sind bewohnt von Dinosauriern, fantastischen Wesen, Termitenhügeln und abstrakten Elementen. Mit ihren komischen, lustigen, vielleicht auch etwas unheimlichen Formen schaffen sie einen offenen Rahmen für das freie Spiel.

Kerstin Brätschs Praxis ist darauf ausgelegt, Einflüsse von außen zuzulassen und aufzunehmen. Hat sie bisher mit Künstler*innen oder Kunsthandwerker*innen zusammengearbeitet, so tut sie dies nun auf ganz andere Weise mit Kindern: Sie lädt die Kinder dazu ein, den Raum nach ihren eigenen Ideen und Vorstellungen und ohne das Einwirken der Künstlerin auf unvorhersehbare Weise umzugestalten und weiterzuentwickeln.

Montag 11:00–19:00 Uhr Dienstag geschlossen Mittwoch 11:00–19:00 Uhr Donnerstag 11:00–19:00 Uhr Freitag 11:00–19:00 Uhr Samstag 10:00–19:00 Uhr Sonntag 10:00–19:00 Uhr

IM EXIL
Eine Literatur-Performance von und mit Ben Becker


Warum Joseph Roth?
Nicht nur die Erfahrung künstlerischer Isolation während der Pandemie, sondern auch das bedrohliche politische Klima im Europa unserer Tage sind für Ben Becker Anlass genug, den genialen Schriftsteller Joseph Roth in den Blickpunkt zu rücken. Nach seinem Programm BEN BECKER – APOKALYPSE, in dem er anhand von Joseph Conrads „Herz der Finsternis“ die Isolation des Einzelnen im Angesicht des menschlichen Abgrunds auslotet, widmet sich Ben Becker nun dem legendären Exilautor Joseph Roth, der so viele Widersprüche in sich vereint: heiliger Trinker und hoffnungsloser Schnorrer, österreichischer Jude und Boheme-Gestalt des Berliner Nachtlebens, abgebrannter Exilant und einer der größten Erzähler des 20. Jahrhunderts. Im Zentrum steht dabei nicht nur der einzigartige Autor, sondern vor allem auch der Mensch Joseph Roth, der sich den politischen Katastrophen seiner Zeit schutzlos ausgeliefert sieht.


Die Legende vom heiligen Trinker
Im ersten Teil des Abends liest Ben Becker Joseph Roth im Originalton und gibt der unvergesslichen Schlüsselerzählung „Die Legende vom heiligen Trinker“ seine Stimme, einer abgründigen wie berührenden Geschichte aus Roths letzten Jahren im Pariser Exil.


Der heilige Trinker
In der zweiten Hälfte nähert er sich ihm über den freundschaftlichen Bericht des Zeitgenossen: Géza von Cziffra zeichnet in seinem Erinnerungsbuch „Der heilige Trinker“ ein lebensechtes Portrait Joseph Roths sowohl vor dem Hintergrund der gemeinsamen trunkenen Berliner Nächte als auch im reißenden Strom des Exils. Beide Teile ergeben in der Zusammenführung ihrer Fluchtlinien ein verblüffendes, vielschichtiges und lebendiges Porträt des Künstlers im Exil, das auf überraschende und erschreckende Weise auch die heutige Zeit widerspiegelt.

Schauspieler mit dem Sujet des Textes und dessen Autor verschmilzt. Nach Joseph Conrads „Herz der Finsternis“ hat sich Ben Becker für Texte von und zu dem Exilautor Joseph Roth entschieden. Roth gehört mit seinen mehrfach verfilmten Romanen „Das Spinnennetz“, „Radetzkymarsch“ und „Hiob“ nicht nur zu den bedeutendsten deutschsprachigen Erzählern des 20. Jahrhunderts, er ist selber eine der schillerndsten Figuren seiner Zeit und eine Geschichte für sich. Als österreichischer Jude geboren, als Journalist chronisch pleite, gehört er zu den unvergesslichen Szenegestalten im Nachtleben von Wien und Berlin. Nach der Machtergreifung der Nazis ist er einer der ersten Autoren, deren Bücher verbrannt werden. Er flieht bereits 1933 und wird eine maßgebliche Stimme der Exilliteratur; gleichzeitig ist und bleibt er, immer Trinker, immer hart am Rande des Wahnsinns. Gerade diese Verschmelzung von Literatur und Leben, Biographie und Fiktion, Mensch und Mythos ist es, was Ben Becker an Joseph Roth fasziniert und was er wie kein anderer mit seiner Stimme und seiner Art zu lesen auf der Bühne lebendig werden lässt.

IM EXIL
Eine Literatur-Performance von und mit Ben Becker


Warum Joseph Roth?
Nicht nur die Erfahrung künstlerischer Isolation während der Pandemie, sondern auch das bedrohliche politische Klima im Europa unserer Tage sind für Ben Becker Anlass genug, den genialen Schriftsteller Joseph Roth in den Blickpunkt zu rücken. Nach seinem Programm BEN BECKER – APOKALYPSE, in dem er anhand von Joseph Conrads „Herz der Finsternis“ die Isolation des Einzelnen im Angesicht des menschlichen Abgrunds auslotet, widmet sich Ben Becker nun dem legendären Exilautor Joseph Roth, der so viele Widersprüche in sich vereint: heiliger Trinker und hoffnungsloser Schnorrer, österreichischer Jude und Boheme-Gestalt des Berliner Nachtlebens, abgebrannter Exilant und einer der größten Erzähler des 20. Jahrhunderts. Im Zentrum steht dabei nicht nur der einzigartige Autor, sondern vor allem auch der Mensch Joseph Roth, der sich den politischen Katastrophen seiner Zeit schutzlos ausgeliefert sieht.


Die Legende vom heiligen Trinker
Im ersten Teil des Abends liest Ben Becker Joseph Roth im Originalton und gibt der unvergesslichen Schlüsselerzählung „Die Legende vom heiligen Trinker“ seine Stimme, einer abgründigen wie berührenden Geschichte aus Roths letzten Jahren im Pariser Exil.


Der heilige Trinker
In der zweiten Hälfte nähert er sich ihm über den freundschaftlichen Bericht des Zeitgenossen: Géza von Cziffra zeichnet in seinem Erinnerungsbuch „Der heilige Trinker“ ein lebensechtes Portrait Joseph Roths sowohl vor dem Hintergrund der gemeinsamen trunkenen Berliner Nächte als auch im reißenden Strom des Exils. Beide Teile ergeben in der Zusammenführung ihrer Fluchtlinien ein verblüffendes, vielschichtiges und lebendiges Porträt des Künstlers im Exil, das auf überraschende und erschreckende Weise auch die heutige Zeit widerspiegelt.

Schauspieler mit dem Sujet des Textes und dessen Autor verschmilzt. Nach Joseph Conrads „Herz der Finsternis“ hat sich Ben Becker für Texte von und zu dem Exilautor Joseph Roth entschieden. Roth gehört mit seinen mehrfach verfilmten Romanen „Das Spinnennetz“, „Radetzkymarsch“ und „Hiob“ nicht nur zu den bedeutendsten deutschsprachigen Erzählern des 20. Jahrhunderts, er ist selber eine der schillerndsten Figuren seiner Zeit und eine Geschichte für sich. Als österreichischer Jude geboren, als Journalist chronisch pleite, gehört er zu den unvergesslichen Szenegestalten im Nachtleben von Wien und Berlin. Nach der Machtergreifung der Nazis ist er einer der ersten Autoren, deren Bücher verbrannt werden. Er flieht bereits 1933 und wird eine maßgebliche Stimme der Exilliteratur; gleichzeitig ist und bleibt er, immer Trinker, immer hart am Rande des Wahnsinns. Gerade diese Verschmelzung von Literatur und Leben, Biographie und Fiktion, Mensch und Mythos ist es, was Ben Becker an Joseph Roth fasziniert und was er wie kein anderer mit seiner Stimme und seiner Art zu lesen auf der Bühne lebendig werden lässt.

Als Schmalzfleisch das Wohnzimmer der Boulingrins betritt, meint er für sich das Paradies gefunden zu haben. Im Schoße bürgerlicher Vollkommenheit will er kostenlos überwintern. Doch hinter der heilen Fassade des Heimes eröffnet sich ihm die Hölle. Das inklusive RambaZamba Ensmeble entdeckt in Courtlines Komödie von 1898 das schöpferische Potential der Zerstörung und verhandelt mit Wortwitz und Slapstick bitterböse Kleinigkeiten, die jedoch auf die tiefen Abgründe zwischenmenschlicher Beziehungen verweisen. Müssen ultimativ alle Konstrukte zerstört werden, damit etwas Neues beginnen kann?

Yasmina Rezas Erfolgs-Theaterstück über die Frage: Was ist Kunst? Bitterböse und komisch zugleich.

Weiße Streifen auf einem weißen Untergrund: An diesem Bild entzündet sich ein erbitterter Streit dreier Freunde; ein Streit, der ihr Leben und ihre Beziehung zueinander grundlegend verändern wird. Kann sich der eine für das monochrome Gemälde begeistern, bekämpft es der zweite auf das Heftigste. Der dritte will lieber keine Stellung beziehen… Ein abstraktes Kunstwerk dient der Autorin Yasmina Reza als Katalysator, mit dessen Hilfe sie eine psychologisch fein gezeichnete Situation analysiert, die drei Männer, ihre Gefühle, ihre Befindlichkeit, ihre Freundschaft, ja ihr gesamtes bisheriges Dasein auf den Prüfstand stellt. »Kunst« war Yasmina Rezas erster Welterfolg und wurde in über 40 Sprachen übersetzt. Die deutschsprachige Erstaufführung der Komödie fand 1995 in der Schaubühne am Lehniner Platz statt.

mit Johannes Hallervorden, Steffen Melies und Daniel Wobetzky
Regie: Irene Christ

19.00 Uhr

**Ein epischer Kampf der Poesie: 4 Spoken Word Stars duellieren sich in der Philharmonie**

Ballernde Meister:innen-Power beim Champions Slam zum Jahresbeginn.
Poetry Slam, das schlecht erzogene Stiefkind der sogenannten Hochliteratur, kommt zum Champions Slam mit Anzug und glitzerndem Abendkleid.
Denn Sektempfang ist das neue Flaschenbier!
Vier der besten Spoken Word Artists des Landes präsentieren Bühnenliteratur, die bestenfalls zum Lachen, Weinen, Nachdenken und Staunen gleichzeitig einlädt.
Das Besondere: zum Champions Slam in der Philharmonie werden ausschließlich Poets eingeladen, die bereits einen Meistertitel gewinnen konnten.
Oder verdammt knapp dran waren.
Bühne frei für die POETRY SLAM STARS!

ANNA BARTLING
Anna Bartling ist das Schweizer Taschenmesser der Kleinkunst: sie ist Stand Up Comedian,
Poetry Slammerin und Moderatorin.
Die studierte Psychologin hat ihre wissenschaftliche Karriere vorerst an den
Nagel gehängt, weil sie lieber Menschen zum Lachen bringt, als tatsächlich wichtige Dinge zu
tun.
Als Hamburger Landesmeisterin repräsentiert sie in der Philharmonie die Slamszene der Hansestadt.

JULIAN HEUN
Julian Heun ist Poetry Slammer, Radiomoderator und Autor.
Aktuell produziert er für Radio Fritz (RBB) die multimediale Comedyreihe „Herrn Mangold“ sowie seine Radiosendung „Heunchens Eckkneipe“ und schreibt an seinem zweiten Roman. 
Der erste „Strawberry Fields Berlin“ erschien 2013 bei Rowohlt Berlin. 
Als dreifacher deutschsprachiger Meister (U20 & Team) sowie dreifacher Berliner Meister steht er beim Champions Slam für die Slamszene der Hauptstadt.

LOTTA EMILIA
Lotta Emilia ist Vizemeisterin der Deutschsprachigen Meisterschaften im Poetry Slam. 
Mit ihren Texten rund um Emotionen, soziale Konflikte und unbequeme Themen kreierte sie 2023 einen kleinen Hype auf der Plattform Tiktok.
Als Münchener Resident repräsentiert sie beim Champions Slam die bayerische Szene.

ULI HÖHMANN
Uli Höhmann wurde 2023 hessischer Landesmeister im Poetry Slam. 
Mit seinen satirischen, zeitkritischen und manchmal auch ziemlich bösen Texten und
Geschichten steht er seit 2021 regelmäßig auf Slam-Bühnen, schreibt fürs Radio und arbeitet als Journalist.
Mit seinem zweiten Solo-Programm „Gab´s Tote?“ begründete er das Genre Pressekabarett.

YUNUS (Musikalisches Feature)
Geboren in einer Millionenmetropole, aufgewachsen in der pomadigen Provinz: YUNUS ist schon immer zwischen den Polen Zuhause. 
Einerseits die gutbürgerliche Herkunft und das Bratschen Studium in Hannover, andererseits das exzessive Künstlerleben Berlins. 
Mit natürlicher Leichtigkeit und melancholischem Galgenhumor erzählt er bildhaft Geschichten auf zeitgemäßen Indie-/Hip-Hop-Beats.

ORTWIN BADER-ISKRAUT (Moderation)
Ortwin Bader-Iskraut hat seit 2015 einige der wichtigsten Kiezpoeten-Reihen aufgebaut und die Berliner Szene als Veranstalter geprägt.
Als Moderator hostet er die großen Best Of Shows in der Columbiahalle, der Philharmonie Berlin oder dem Freiluftkino Friedrichshain.
Abseits von Poetry Slam Bühnen ist Ortwin Bader Iskraut für radioeins als Reporter und Konzertkritiker tätig.

Einlass ab 19:00 Uhr

Spielen, lachen, laut sein, toben, nichts tun – und das in einem Ausstellungshaus! Ab dem 4. September 2024 lädt BAUBAU genau dazu ein. In dem von der Künstlerin Kerstin Brätsch gestalteten Spielort für Kinder ist mehr erlaubt als verboten. Bunte Wandtapeten, Strukturen, Objekte und eine Reihe von „Loose Parts“ (losen Materialien) formen im Erdgeschoss des Gropius Bau Räume, die keine festen Vorgaben machen, sondern durch die Aktivitäten der Kinder bestimmt werden. Sie geben die Richtung und die Form vor für das, was hier passiert. So wird dieser Ort zum Möglichkeitsraum, der sich Tag für Tag verändern kann.

BAUBAU startet im September 2024 in einer Prototypversion und wird sich über die kommenden Jahre hinweg innerhalb wie außerhalb des Gropius Bau weiterentwickeln und wachsen – in engem Austausch mit den Kindern und ihren Wünschen, denn dies ist ihr Ort.

 Das Spiel
Alle Kinder haben den Drang zu spielen. So lernen sie, sich und die Welt zu begreifen. Gerade das offene, selbstbestimmte Spiel ist für die emotionale und soziale Entwicklung von großer Bedeutung. Das pädagogische Konzept für BAUBAU basiert deshalb auf den Grundlagen des freien Spiels: Hier gibt es die Zeit, den Raum und die Erlaubnis für Kinder, ihren eigenen Bedürfnissen und Interessen zu folgen. Begleitet werden sie dabei von Playworker*innen – geschulten Mitarbeiter*innen, die eine sichere und unterstützende Umgebung schaffen, in der Kinder frei spielen können.

 
Die Kunst
BAUBAU stellt spielerisch infrage, was ein Museum oder eine Kunstinstitution sein soll. Die umfassende Raumgestaltung, die Kerstin Brätsch entwickelt hat, ist voller Bezüge und Anregungen: Elemente aus ihren früheren Werken, wie Marmorierungen, Malereien oder Stuckmarmorarbeiten, tauchen hier in veränderter Gestalt und Materialität wieder auf. Die Tapeten, Vorhänge, Stoffe, Sitzmöbel und Klettergerüste sind bewohnt von Dinosauriern, fantastischen Wesen, Termitenhügeln und abstrakten Elementen. Mit ihren komischen, lustigen, vielleicht auch etwas unheimlichen Formen schaffen sie einen offenen Rahmen für das freie Spiel.

Kerstin Brätschs Praxis ist darauf ausgelegt, Einflüsse von außen zuzulassen und aufzunehmen. Hat sie bisher mit Künstler*innen oder Kunsthandwerker*innen zusammengearbeitet, so tut sie dies nun auf ganz andere Weise mit Kindern: Sie lädt die Kinder dazu ein, den Raum nach ihren eigenen Ideen und Vorstellungen und ohne das Einwirken der Künstlerin auf unvorhersehbare Weise umzugestalten und weiterzuentwickeln.

Montag 11:00–19:00 Uhr Dienstag geschlossen Mittwoch 11:00–19:00 Uhr Donnerstag 11:00–19:00 Uhr Freitag 11:00–19:00 Uhr Samstag 10:00–19:00 Uhr Sonntag 10:00–19:00 Uhr

Das Projekt erforscht die Metamorphose vor dem Hintergrund des ökologischen Zusammenbruchs und konfrontiert ein fest verwurzeltes anthropozentrisches Ethos des Extraktivismus. Die Vision einer symbiotischen Koexistenz – verkörpert durch ein organisches Skulpturenkostüm und Bewegungsstrukturen, die anthropozentrische Beschränkungen in einer imaginären interaktiven Landschaft transzendieren – überwindet den Nihilismus in einer posthumanen Ära und schafft Raum für eine hoffnungsvolle Erzählung.

Dauer: 60 Minuten

ENGLISCH:
The project explores metamorphosis amidst the backdrop of ecological collapse, confronting an entrenched anthropocentric ethos of extractivism. Envisioning symbiotic co­existence - incorpora­ted in an organic sculpture -costume and movement structures that transcend anthropocentric constraints within an imagined inter­active landscape - in a post-human era, it surpasses nihilism through a hope­ful narrative.

Duration: 60 minutes

Künstlerische Leitung & Konzept: Claude Johann Cerny
Choreografie & Performance: Eduard Adam Orszulik
Kreation & Performance: Nicola Mascia, Helén Tamaskó
Skulptur/Objekt/Kostümdesign: Moran Sanderovich
Video, VJ und technische Leitung: Ondřej Konrád
Musik: Barbora Tomášková
Produktion: Natálie Matysková, Simulakrum
Koproduktion: Tantehorse
Dramaturgische Leitung: Miřenka Čechová, Markéta Vacovská, Kristýna Boháčová
Text in der Performance: Ruta Putramentaite
Besonderen Dank: Veronika Hladká, Elena Tripaldi, Klára Peloušková

Unterstützt durch den Deutsch-Tschechischen Zukunftsfonds, den Staatlichen Kulturfonds der Tschechischen Republik, IDU, PerformCzech, das Kulturministerium der Tschechischen Republik, den Nationalen Konjunkturplan, die Europäische Union / Next generationEU, Dance Context, Tantehorse, Palac Akropolis.

GASTSPIEL

ALEXANDER ESTIS TRIFT AUF KURT TUCHOLSKY
Zum 135. Geburtstag des großen Satirikers
Mit: Alexander Estis, Frank-Burkhard Habel und Günter Rüdiger (Gesang, Gitarre)

Dauer: ca. 1h 55 Min. (inkl. Pause nach ca. 45 Min.)

Ob sich Kurt Tucholsky zu seinem 135. Geburtstag über pointierte Texte zur aktuellen politischen Lage freuen würde?
Alexander Estis präsentiert eine ganze Reihe von unveröffentlichten Epigrammen aus eigener Feder, die dem berühmten Publizisten der Weimarer Republik zumindest sicher nicht ganz unsympathisch wären.

Gefolgt von einem Gespräch mit dem Vorsitzenden der Kurt-Tucholsky-Gesellschaft Frank-Burkhard Habel und eingebettet in ein musikalisches Rahmenprogramm mit Tucholskys Liedern.

Abendkasse / Einlass ab 60 Minuten vor Vorstellungsbeginn

Die demo station von Rirkrit Tiravanija ist eine bühnenähnliche Skulptur und lädt Menschen dazu ein, etwas zu „demonstrieren“. Tiravanija versteht den Begriff dabei im doppelten Sinn – als politischen Protest oder als Vorführung von etwas, das jemand besonders gut kann oder gerne mag. Über die Laufzeit der Ausstellung bietet die demo station täglich Raum für öffentliche Auftritte.

Bei der Veranstaltung werden ggfs. Foto- und Videoaufnahmen entstehen, auf denen Sie zu erkennen sein könnten. Mit Ihrem Besuch willigen Sie ein, dass diese Aufnahmen zur Kommunikation der Veranstaltung bzw. Ausstellung verwendet werden.

Josefine Fischrüb, die sich selbst den Künstlernamen „Belladonna“ gibt, will Schauspielerin werden.
Gegen den Willen ihrer Mutter absolviert sie das Fernstudium „Act at home“, und anstatt im Haushalt zu helfen, übt sie lieber für ihre Schauspielkarriere. Doch Belladonna gerät in Stress, da sie — wie das Fernstudium dringend empfiehlt — an ihrer Weiblichkeit arbeiten muss. Schnell entdeckt sie, welch großes Repertoire an Rollen, auch abseits der Bühne, von einer Frau verlangt wird.
In einem facettenreichen Verwandlungsspiel versucht Belladonna zu einer Frau zu werden, die gemäß des Märchens Rumpelstilzchen „Stroh zu Gold spinnen kann“…

Komödiantisches vermischt sich in diesem Spiel mit dem Tiefsinn, der entsteht, wenn man der Frage

„DREI LÜGEN ZU VIEL“
Wir schreiben das Jahr 2025. Corona ist überwunden. Doch
schon droht eine neue Gefahr! Drei Menschen in einem
Geheimbunker am Potsdamer Platz, tief unter der Erde,
ausgewählt von Annalena Baerbock selbst, sollen die Welt
retten. Und es muss schnell gehen. Denn das Desaster scheint
unaufhaltsam. Ehen sind bereits tausendfach zerbrochen,
Weltkonzernen droht die Pleite, die „Tagesschau“ muss
abgeschaltet werden und Markus Söder will Bayern in die
Unabhängigkeit führen. Denn eine neue gefährliche Krankheit
breitet sich aus: Das Wahrheitsvirus. Die Opfer verlernen alles,
was zivilisierte Menschen im Leben benötigen: Schummeln,
Schwindeln, Flunkern, Lügen und Verschweigen. Sie müssen
das Gefährlichste überhaupt tun: Allem und jedem die Wahrheit
sagen. Unsere Helden arbeiten fieberhaft an einer Lösung. Ein
Vier-Sterne-General, eine Medizinnobelpreisträgerin, der CEO
eines Weltkonzerns - waren leider verhindert. Aber es gibt
kompetenten Ersatz: Eine Neuköllner Streifenpolizistin, ein
Psychiater aus Mecklenburg-Vorpommern und die
Gleichstellungsbeauftragte für Britz-Buckow-Rudow. Sie haben
keine Ahnung und nur 24 Stunden, ehe das Virus Moskau,
Washington und Pjöngjang erreicht. Sie können sich nicht
ausstehen, die Geheimdienste sind hinter ihnen her, Olaf
Scholz streicht ihr Budget auf 56,50 Euro plus
Verpflegungspauschale zusammen, und dann fällt auch noch
das GratisWLAN aus...
Das Ensemble der Stachelschweine spielt die Neufassung des
Erfolgsstücks „Gelogene Wahrheiten“ von Frank Lüdecke und Sören Sieg.


Buch: Frank Lüdecke und Sören Sieg.
Regie und Bühne: Frank Lüdecke
Text: Frank Lüdecke/Sören Sieg
Musik: Sören Sieg
Fotograf: Dirk Dehmel

Anfang September 2024 eröffnet im Gropius Bau die Ausstellung DAS GLÜCK IST NICHT IMMER LUSTIG des Künstlers Rirkrit Tiravanija, der mit seiner Praxis den konventionellen Kunstbegriff erweitert hat und Situationen schafft, in denen soziale Interaktionen und sinnliche Erfahrungen verhandelt werden. Seit den frühen 1990er Jahren lebt Tiravanija teilweise in Deutschland und hat immer wieder künstlerische Arbeiten entwickelt, die sich mit kulturellen Eigentümlichkeiten, Migration und der politischen Gegenwart des Landes beschäftigen. DAS GLÜCK IST NICHT IMMER LUSTIG versammelt erstmals diese Werke, die auch die Bedeutung von Berlin und Deutschland als Ort künstlerischer Produktion für Tiravanija zeigen. Der Titel der Ausstellung ist dem Vorspann von Rainer Werner Fassbinders Film Angst essen Seele auf von 1974 entliehen, dessen Schilderung von anti-arabischem Rassismus gegen den sogenannten Gastarbeiter Ali heute, 50 Jahre später, erschreckend aktuell ist. Die umfangreiche Ausstellung umfasst Arbeiten auf Papier, Skulpturen, Fotografien, Multiples und eine Auswahl selten gezeigter Super-8-Filme sowie regelmäßige Aktivierungen zentraler ephemerer und partizipatorischer Arbeiten des Künstlers von den 1980er Jahren bis heute. Dabei steht die Sprengkraft seiner Praxis immer im Mittelpunkt: Institutionelle Grenzen und Kategorien werden ausgetestet; es wird laut, es wird gekocht, gegessen und gespielt.

Kuratiert von Jenny Schlenzka, Yasmil Raymond und Christopher Wierling

Montag 12:00–18:00 Uhr Dienstag geschlossen Mittwoch 12:00–18:00 Uhr Donnerstag 12:00–18:00 Uhr Freitag 12:00–18:00 Uhr Samstag 12:00–18:00 Uhr Sonntag 12:00–18:00 Uhr

Was haben Sie damals gemacht, 1968? Gelacht, geweint, getanzt, gesungen… Drei Alt-68er treffen sich im Heute wieder und erinnern sich an ihre verrückte Zeit 1968: Mit ihren Gesangskünsten kämpfen Eddy und Rollin um die Gunst von Susi, die durch ihren stetigen Sinneswandel immer wieder frischen Wind in den alten Probekeller bringt, während die übermächtige Mutter kochlöffelschwingend zum Lernen drängt.

Ein Hommage an eine wilde Zeit, die bestimmt war von der Sehnsucht nach Liebe, Freiheit und Gerechtigkeit.

Es spielen: Marion Martinez, Rainer Eckhardt und Roman Walkowiak

Das Projekt erforscht die Metamorphose vor dem Hintergrund des ökologischen Zusammenbruchs und konfrontiert ein fest verwurzeltes anthropozentrisches Ethos des Extraktivismus. Die Vision einer symbiotischen Koexistenz – verkörpert durch ein organisches Skulpturenkostüm und Bewegungsstrukturen, die anthropozentrische Beschränkungen in einer imaginären interaktiven Landschaft transzendieren – überwindet den Nihilismus in einer posthumanen Ära und schafft Raum für eine hoffnungsvolle Erzählung.

Dauer: 60 Minuten

ENGLISCH:
The project explores metamorphosis amidst the backdrop of ecological collapse, confronting an entrenched anthropocentric ethos of extractivism. Envisioning symbiotic co­existence - incorpora­ted in an organic sculpture -costume and movement structures that transcend anthropocentric constraints within an imagined inter­active landscape - in a post-human era, it surpasses nihilism through a hope­ful narrative.

Duration: 60 minutes

Künstlerische Leitung & Konzept: Claude Johann Cerny
Choreografie & Performance: Eduard Adam Orszulik
Kreation & Performance: Nicola Mascia, Helén Tamaskó
Skulptur/Objekt/Kostümdesign: Moran Sanderovich
Video, VJ und technische Leitung: Ondřej Konrád
Musik: Barbora Tomášková
Produktion: Natálie Matysková, Simulakrum
Koproduktion: Tantehorse
Dramaturgische Leitung: Miřenka Čechová, Markéta Vacovská, Kristýna Boháčová
Text in der Performance: Ruta Putramentaite
Besonderen Dank: Veronika Hladká, Elena Tripaldi, Klára Peloušková

Unterstützt durch den Deutsch-Tschechischen Zukunftsfonds, den Staatlichen Kulturfonds der Tschechischen Republik, IDU, PerformCzech, das Kulturministerium der Tschechischen Republik, den Nationalen Konjunkturplan, die Europäische Union / Next generationEU, Dance Context, Tantehorse, Palac Akropolis.

„DREI LÜGEN ZU VIEL“
Wir schreiben das Jahr 2025. Corona ist überwunden. Doch
schon droht eine neue Gefahr! Drei Menschen in einem
Geheimbunker am Potsdamer Platz, tief unter der Erde,
ausgewählt von Annalena Baerbock selbst, sollen die Welt
retten. Und es muss schnell gehen. Denn das Desaster scheint
unaufhaltsam. Ehen sind bereits tausendfach zerbrochen,
Weltkonzernen droht die Pleite, die „Tagesschau“ muss
abgeschaltet werden und Markus Söder will Bayern in die
Unabhängigkeit führen. Denn eine neue gefährliche Krankheit
breitet sich aus: Das Wahrheitsvirus. Die Opfer verlernen alles,
was zivilisierte Menschen im Leben benötigen: Schummeln,
Schwindeln, Flunkern, Lügen und Verschweigen. Sie müssen
das Gefährlichste überhaupt tun: Allem und jedem die Wahrheit
sagen. Unsere Helden arbeiten fieberhaft an einer Lösung. Ein
Vier-Sterne-General, eine Medizinnobelpreisträgerin, der CEO
eines Weltkonzerns - waren leider verhindert. Aber es gibt
kompetenten Ersatz: Eine Neuköllner Streifenpolizistin, ein
Psychiater aus Mecklenburg-Vorpommern und die
Gleichstellungsbeauftragte für Britz-Buckow-Rudow. Sie haben
keine Ahnung und nur 24 Stunden, ehe das Virus Moskau,
Washington und Pjöngjang erreicht. Sie können sich nicht
ausstehen, die Geheimdienste sind hinter ihnen her, Olaf
Scholz streicht ihr Budget auf 56,50 Euro plus
Verpflegungspauschale zusammen, und dann fällt auch noch
das GratisWLAN aus...
Das Ensemble der Stachelschweine spielt die Neufassung des
Erfolgsstücks „Gelogene Wahrheiten“ von Frank Lüdecke und Sören Sieg.


Buch: Frank Lüdecke und Sören Sieg.
Regie und Bühne: Frank Lüdecke
Text: Frank Lüdecke/Sören Sieg
Musik: Sören Sieg
Fotograf: Dirk Dehmel

Ein alter Esel, ein müder Hund, eine verbitterte Katze und ein zäher Hahn leisten für den Menschen nicht mehr genug und werden von ihren Herren fortgejagt. Aber die verjagten Tiere treffen sich rein zufällig und beschließen, zusammen zu bleiben. Ihr Wahlspruch lautet: "Was besseres als den Tod finden wir überall". Sie fassen einen Plan und wollen Stadtmusikanten in Bremen werden. Aber es kommt alles anders als geplant, und nachdem sie sehr geschickt die Räuber aus einem Waldhaus vertrieben haben, ziehen sie selbst dort ein. Als ein Räuber zurückkehrt, um die Lage zu erforschen, verpassen die Tiere dem Räuber in genialer Zusammenarbeit einen ordentlichen Denkzettel und keiner der Räuber traut sich jemals mehr zurück. Die Tiere aber leben nun in froher Eintracht und singen für ihr Leben gern.

Das Mitspieltheater ist eine besondere Form des Theaterspielens, bei dem eine erfahrene Schauspielerin ein Märchen erzählt und dabei in die verschiedenen Märchencharaktere und Rollen schlüpft.
Die Kinder erleben beim Mitspieltheater die große Kunst des Schauspielens hautnah mit, nämlich den Rollenwechsel – den der Spieler vor ihren Augen auf der Bühne vollzieht. Dabei dürfen sie dem Märchen nicht nur gespannt zuhören, sondern aktiv mitwirken. Sie können ihre Gedanken und Ideen der Schauspielerin auf der Bühne zurufen, die diese Impulse spontan mit in die Geschichte integriert.


Es spielt: Tommy Matuszewski