„Auf nach Paris!“ heißt es beim Konzert der Klassischen Philharmonie Bonn im Februar. Dieses Mal blickt das Orchester in das Nachbarland Frankreich und gestaltet das Programm in diesem Sinne: Den Anfang macht es mit Haydns Sinfonie Nr. 83 mit dem schönen Beinamen „La Poule“ („Das Huhn“). Das Werk entstand 1785 für die Konzertreihe „Le Concert de la Loge Olympique“ und bestätigte Haydns Ruhm in Frankreich. Ein großer Schritt in das 19. Jahrhundert wird mit Saint-Saens‘ erstem Cellokonzert gemacht. Es gehört zu den wohl wichtigsten Werken der Celloliteratur und wird von Aleksey Shadrin interpretiert, einem jungen ukrainischen Cellisten, der bereits große Erfolge u.a. in der Kronberg Academy verzeichnen konnte. Den Abschluss des Programms stellt die Sinfonie C-Dur von Georges Bizet dar. Diese schrieb er als Student im zarten Alter von einmal gerade 17 Jahren, wurde aber erst posthum aufgeführt. Seitdem erfreut sich dieses Werk, das sein einziges abgeschlossenes in der dieser Gattung bleiben sollte, größter Beliebtheit.

Joseph Haydn: Sinfonie Nr. 83 g-Moll Hob. I:83 „La Poule“
Camille Saint-Saëns: Cellokonzert Nr. 1 a-Moll op. 33
Georges Bizet: Sinfonie C-Dur

Aleksey Shadrin, Violoncello
Vladimir Fanshil, Leitung

"Der Kölner Kabarettist, Schauspieler, Regisseur, Vater, zweifacher Wirtschaftsstudienabbrecher und stolzer DAV-Mitglied Aydin Isik war lange der Meinung "Auch Wiesbaden braucht einen anständigen Mix-Kabarettabend!".

Mit dem Ithalhaus Theater fand Isik das passende Haus dazu.

Nun treten neben Isik renommierte, vom Fernsehen bekannte Kabarettist*innen auf.

Zudem nimmt Isik jeden Monat die Geschehnisse der letzten Wochen frech und politisch vollkommen unkorrekt unter die Lupe.
An seiner Seite hat er als "SideKick" Kadir Zeyrek, den Kölschen Jung, der immer da ist, wenn man ihn nicht braucht.

Freuen Sie sich auf einen tollen Kabarettabend mit den besten Kabarettist*innen des Landes.“

Drei Paare – ein Abend. Das eine Paar ist frisch verliebt, das zweite hadert mit dem Alltag und das dritte mit sich als Paar. Kein Wunder, dass man da zum Pärchenabend lädt. Wie schön! Doch bekanntlich ist nichts so schön, als dass es nicht noch schöner werden könnte. So heizen nicht nur die Paardynamiken die Vorbereitungen herrlich an. Auch die gemeinsame Vergangenheit sorgt dafür, dass der Abend unweigerlich auf ein Desaster zusteuert. Aber mit gutem Rioja, versteht sich. Pärchenabend eben!

Stefani Kunkel und Julian W. König spielen wandlungsfähig alle drei Paare und legen die verschiedenen Stationen des Paarseins schonungslos-komisch offen.

Anne: Was machst du hier?
Georg: Wohnen.
Anne: Jetzt schon?
Georg: Ich konnte heute früher gehen.
Anne: Aha.

Langeweile kommt jedenfalls keine Sekunde auf mit Schauspielern, die so überzeugend als überforderte Paare agieren, dass sich eingefleischte Singles fragen: Wie kann man sich so etwas antun?" Claudia Schülke, FAZ

"Ein kleines Kunststück für sich mit Blick auf das ausgeweidete Thema" Stefan Michalzik, FR

Einlass 19 Uhr

Szenenprogramm mit Gabriele Meyer, Effi B. Rolfs und Jan-Markus Dieckmann.
hart aber fake - fragen Sie ihren Algorythmus oder gehen Sie einfach in die Schmiere.
20 Fakes und Fakten, Szenen und Momente.
Ganz aktuell wieder mit Live-Bundestags-Wahl in der Pause ... und Auswertung.

Ich hatte mich jünger in Erinnerung
Ein Best Ager in der Blüte des Verfalls

Hans Gerzlich ist entsetzt, als er plötzlich feststellt, dass er im gleichen Jahr geboren ist wie... alte Leute. Wenn er im Internet sein Geburtsjahr eingeben soll, kriegt er Krämpfe im Finger, weil er bis in die Steinzeit runter scrollen muss.

Eben noch hat er beim Metzger ein Stück Fleischwurst bekommen, jetzt sind Taschentücher in der Apotheke. Er kann sich noch gut an sein "erstes Mal" erinnern, aber nicht mehr ans letzte, und in den Werbepausen seiner Lieblingssendung werden keine verführerischen Aftershaves und rasante Sportwagen mehr angeboten, sondern Granufink, Voltaren und Wärmepflaster. Ist man so alt, wie man sich fühlt – oder wie man von der Werbung gemacht wird?

Außen 50, innen 20, fragt er sich "Wann fängt das Leben endlich an?" - da schneit aber auch schon wieder die "Persönliche Renteninformation" ins Haus. Der frischgebackene Best Ager hat ausgerechnet: Wenn er mit 67 in Rente geht, kann er davon recht komfortabel leben - für zwei Wochen. Deshalb hofft er auf Erhöhung des Flaschenpfands.

Bei diesem Kabarettprogramm werden Sie sich kringelig lachen, wenn sie 50 sind, mal 50 waren - oder vorhaben, irgendwann 50 zu werden. Aber Achtung: Sie werden anschließend schon wieder zwei Stunden älter sein und etliche Lachfalten mehr haben.

Foyer und Bar ab 18:00 Uhr geöffnet. Einlass in den Saal ab 18:30 Uhr.

Ein Körper als fleischgewordene Erinnerung: Santiago Mariño zeigt in diesem persönlichen Tanzsolo was es bedeutet, in einem Land zu leben, in dem er nicht geboren wurde. Als kolumbianischer Tänzer, der sich zwischen Südamerika und Europa bewegt, beschäftigt ihn das koloniales Erbe, das ihn als „mestizaje” mit indigenen und europäischen Vorfahren, prägt und in seinem Körper fort wirkt. Für seine Abschlussarbeit im Masterstudiengang Choreografie und Performance der Universität Gießen verwebt er südamerikanische Kosmologien, verschwundenes Wissen und westliche Ideen von Tanz als Kunstform in einem von Nebel durchfluteten Raum. Dabei manövriert sich Mariño zwischen Zuständen des Verschwindens und Bleibens und gibt sich dem (eigenen) Vergessen hin, das jeder Erinnerung innewohnt. „The flickering flame of our memory“ ist ein Dialog mit den eigenen Vorfahren und den Narben der Kolonialisierung, die bis heute schmerzen.

Foto: Nargess Behrouzian

Stand-up-Comedian Peter Kunz ist ein alter Hase am Mikrofon. Er ist alt, aber jung, achtet im Leben auf Kleinigkeiten, aber kann sie nicht mehr lesen und ist in einer Zeit aufgewachsen, als ein Cold Case noch ein kalter Käse war. Kurzum: Der ehemalige Stadionsprecher vom SV Darmstadt 98 hat schon einiges erlebt und steht mit beiden Beinen fest auf dem Schlauch. Auf Social Media haben sich über 2 Mio. Menschen seine Serie “Hessisch für Anfänger” angeschaut. Auf der Bühne entführt er das Publikum in die 80er, die 90er und den Alltag von heute. Immer nach dem Motto Akzeptanz durch Penetranz. Zuletzt war er drei Mal hintereinander Gewinner beim Hot Shot-Wettbewerb des Quatsch Comedy Club.

Diese Vorstellung ist leider ausverkauft! Wir haben viele andere tolle Veranstaltungen!

Wie verhält sich unsere Gesellschaft, wenn alles den Bach runtergeht? Soyfers Stück macht die Probe aufs Exempel und man glaubt, Der Weltuntergang, 1936 in Wien uraufgeführt, sei heute geschrieben. Dabei zieht der 24jährige Autor alle Register: Revue, absurdes Theater, Kabarett, Slapstick, Chanson, Mundart und Volkstheater – der Untergang ist Schwank und Alptraum, voller Verzweiflung, aber vor allem voller Witz und anarchischem Humor und am Ende gibt es eine faustdicke Überraschung.

Es spielen Pirkko Cremer, Uli Kinbach, Sam Michelson, Michael Quast, Randi Rettel
Regie und Bühne Michael Quast
Kompositionen Markus Neumeyer
Kostüme Sarah Groß
Maskenbild Katja Reich

Gefördert von der Georg und Franziska Speyer´schen Hochschulstiftung und der Stiftung Giersch.

Foto Soyfer © Dokumentationsarchiv des Österreichischen Widerstandes

Einlass ab 18:30 Uhr

Contrast gives art dimension. The juxtaposition of two seemingly disparate elements sparks friction, bringing life to any canvas. The Devil Wears Prada rely on contrast as they nimbly balance metallic turbulence, hardcore spirit, provocatively eloquent lyricism, and melodic exorcism. In between these opposing extremes, the band—Mike Hranica [vocals], Jeremy DePoyster [guitar, vocals], Kyle Sipress [guitar], Jonathan Gering [keys, synths, programming, production], Giuseppe Capolupo [drums], and Mason Nagy [bass]—have fashioned an ever-evolving signature style buttressed by layers of sonic hues. Such dynamic divergence defines the group’s eighth full-length offering, Color Decay [Solid State].
“It’s about contrast,” observes Mike. “We’ve really tried to create individualism within the songs and make them distinct. The title references the disintegration and discoloration we experience from daily struggles. Those feelings come with mental health, getting older, and dealing with it. We confront these fights over a lengthy period of time. This record goes up and down, which I’ve always liked for an LP. You will want to listen to it from front-to-back.”
“It’s a transparent look inward at what it’s like to be a mid-30-year-old trying to find a balance," Jeremy adds. “You have to work, hang out with your family, pay attention to your friendships, and still take care of yourself. The music is the moment you can be your total self though. It’s a safe place to release those emotions that are hard to open up about.”
They’ve harbored this space since forming in 2005. Speaking to the band’s growing influence, fans voted 2009’s With Roots Above and Branches Below one of the “5 Greatest Metalcore Albums” in a Revolver poll as the outlet christened it “a true metalcore landmark.” The group have notched six consecutive Top 5 debuts on the Billboard Top Hard Rock Albums Chart, including Dead Throne [2011], 8:18 [2013], Space EP [2015], Transit Blues [2016], The Act [2019], and ZII EP [2021]. The latter served as a sequel to one of their most beloved projects 2010’s Zombie EP. Upon arrival, mxdwn applauded ZII as “phenomenal,” and Metal Injection went as far as to claim, “This mini-concept has outlived the zombie revival.” In the wake of the EP, the group exceeded a-quarter-of-a-billion cumulative streams and views.
During 2021, the musicians decamped to remote hideaways together in Wisconsin and Desert Hot Springs, California. This time around, Jon took the reins as producer, collaborating closely to assemble a rich sonic architecture for what would become Color Decay.
“We feel very comfortable in the process we’ve established by working with a producer who’s literally in our band,” smiles Jeremy. “Mike and I have been doing this for 17 years now. Jon took on the role of project leader and figured out how to extract the best parts from everyone and put them into a unified piece. He excelled on ZII and pulled an amazing story out of Mike. It turned into a super collaborative project. We articulated these dark themes and melodies and connected them musically.”
“We created a lot of momentum with ZII and felt very rewarded by the positive experience,” Mike adds. “It steamrolled into these new songs. I tried to paint with a broad brush and did my best to color the vision.”
They initially teased out the record with “Watchtower” and “Sacrifice,” generating excitement and anticipation. Setting the stage for Color Decay, a driving riff uplifted by luminous keys gives way to a subdued verse on the single “Salt.” Melodic vocals hover above an otherworldly soundscape before snapping back into a hypnotic hook, “Pour the salt into the wounds, let the rain wash over you.”
“It’s a resignation to suffering,” Mike notes. “It essentially says, ‘I’m already beaten down, so keep pouring salt into the wound. Why not?’ It’s a realistic reaction. Go ahead. Push me off the edge now.”
Then, there’s “Time.” An airy intro bleeds into a pummeling groove punctuated by vicious vocals before eventually spiraling towards what Mike describes as “the goth dance party.”
“As much as the songs look inward, there are some bigger narratives,” the frontman goes on. “I wanted to blow the ceiling off what I view as the cliches within heavy music. Sonically, ‘Time’ goes to some awesome places. In real life, time itself moves incredibly fast, but it moves incredibly slow. The song addresses that.”
“Broken” translates tense emotions into a cathartic chorus, “I know I’ve got my problems.”
“Jon struggles with anxiety, and most of the guys in the band do to a certain degree,” Jeremy states. “A lot of the lyrics detail a very personal experience with anxiety. The content is relatable, but it’s in another lane for us.”
Warbling vocals groan between menacing synths and crunching distortion on the head-bashing “Hallucinate.” Mike screams, “I’d do anything for some kind of relief.”
“I was reading The Morning Star,” Mike reveals. “It switches between these different perspectives. One of them belongs to a nurse who’s taking care of a patient struggling with a brain tumor. As the tumor expands in your brain, it can cause pain and hallucinations. The track is essentially about a person hallucinating alone in a hospital bed and seeing these horrific images. It’s a narrative song, and its industrial nature really spoke to me. I don’t think it’s like anything we’ve ever done before.”
Color Decay concludes with the heart-wrenching finale “Cancer.” Guitar marches underneath a searing refrain, “I hope that it’s cancer and not something else, because I don’t need anymore things I don’t want to talk about.”
“One of Jon’s heroes passed away and the first thing he thought was, ‘I hope he died peacefully rather than from suicide or a drug overdose’,” says Mike. “It’s an introspective look at how difficult it can be to watch your heroes pass away from all of these terrible ways and the guilt of this immediate thought about how this person died.”
Due to such openhearted honesty, Color Decay reacted in a big way, piling up over 50 million streams. Hysteria rated it “8-out-of-10,” and Metal Hammer attested, “Color Decay might just be their finest hour” in a “4-out-of-5” star review. The band carried this excitement into a very special Deluxe Edition in 2023. They stripped down “Broken,” “Salt,” “Sacrifice,” and “Cancer” with emotionally charged and arresting acoustic renditions, added two live tracks, and remixes by Fairlane and Ray Volpe. However, they deepened the vision further with a pair of originals. Tallying 2.1 million Spotify streams, “Reaching” storms out of the gate with a trudging riff and screams from Mike, steamrolling towards another disarmingly hummable chant. “Ignorance” quickly reeled in 1.2 million Spotify streams. The vocal melody echoes with raw feeling as Jeremy pleads, “Help me I need to get past this.”
By contrasting these extremes, The Devil Wears Prada achieve balance like never before.
“There’s a focus to the album we haven’t had in a very long time,” Jeremy leaves off. “Coming out of the last 2 years, we’ve reflected on what is important to us—playing in this group and performing live. This record proves we’re not going anywhere. In our minds, we’re very focused on continuing to deliver the best possible music we can.”
“We fought so hard for this, and this album represents where we’re at now,” Mike concludes. “We’ll die on the hill of being The Devil Wears Prada. I believe you can define our band by Color Decay.”

Einlass: 18:30 Uhr

Helga feiert ihren 46. Geburtstag und alles kommt anders als ausgedacht. Ihre ganze Familie erscheint plötzlich in einer anderen Wirklichkeit. So geht Helga durch ein Wechselbad der Gefühle und entdeckt am Ende, wie großzügig das Leben den belohnt, der sich sein Scheitern eingesteht.

Einlass ab 19.30 Uhr

Der von Warner gesignte Newcomer TIM BALDUS etabliert sich derzeit als einer der interessantesten Deutschpop-Acts – mit einer Stimme, die in den Magen fährt, mit Authentizität, Verletzlichkeit und Zeitgeist. Charismatisch-poetische Texte mit Tiefgang: Hier ist ein kluger Kopf am Werk, der Emotionen in beeindruckende Songs übersetzt. Die Stimme von TIM BALDUS, die kraftvoll und manchmal fast zerrissen vor Emotion klingt, brachte dem jungen Musiker Vergleiche mit Größen wie Casper, Trettmann, Kontra K oder
Henning May ein. Seine Einflüsse oszillieren zwischen Indie-Pop, Straßenrap und epischem Songwriting in intimem Setting: TIM BALDUS zeichnet Bilder, die eigentlich hart realistisch sind - aber durch seinen einzigartigen Sprachrhythmus zu einer Komposition voller Farben, Eleganz und Leben werden. Kein Wunder: Seine zweite Leidenschaft ist das Malen. Die Kunst bringt ihm Erdung, wo er sich sonst im freien Fall fühlt – irgendwo zwischen Euphorie und Overthinking widmet sich der Mitte 20-Jährige dem alltäglichen mentalen
Struggle und seinem Umgang damit. Und damit fährt er richtig und findet früh in seiner Karriere amtliche Anerkennung - so wurde er bei den New Music Awards 2023 als Newcomer des Jahres nominiert. Sein eigenständiger Sound holt ständig neue Fans an Bord und seine Weiterentwicklung ist beachtlich: Sein Debüt-Track „Blüten“ schuf mit düster angezerrten Bässen die Atmosphäre für einen der poetischsten deutschen Songtexte des Jahres 2023: „Die Sterne fallen vom Himmel, die Sonne explodiert und ich atme Blüte ein, bis ich nicht mehr funktionier.“ Seine Poesie liegt auf einer epischen Produktion, die die Messlatte gleich mal beachtlich hoch anlegte – für TIM BALDUS kein Problem. Er steigert sein eigenes Game von Single zu Single. Seine Songs verhandeln Coming Of Age mit bitterem Beigeschmack, malen lyrisch immer wieder eine cinematische Leinwand aus mit einem melancholischen Blick auf Exzesse und Liebe inmitten einer klaustrophobisch-mächtigen Soundlandschaft. Die streetsmarte Poesie des Künstlers aus Saarbrücken findet vollendeten Ausdruck in der Single „Winter in Paris“: „Bernstein in den Straßen und die Kehlen parfümiert Sehen, wie Reklamen vor den Sternen hell flimmern.“ Den intensiven Track performt er unter anderem im ZDF Moma.
„Bernstein“ ist auch der Name von TIM BALDUS` lang erwartete Debüt-EP, die im Mai 2024 erscheint. Den Feature-Song „Bordsteinkante“ hat der Musiker zusammen mit Marie
Bothmer über das Gefühl geschrieben, in einer verhängnisvollen Schleife gefangen zu sein:
„Drücke Reset im Rückwärtsgang mit Angstschweiß, ich glaub, ich bin gefang‘ in einer
Halfpipe“. Vordergründig ist der Track eine druckvolle Pop-Produktion, hintergründig ein
gefühlvolles Zusammenspiel von Gitarre und Klavier mit lyrisch verschachtelt
Bedeutungsebenen.
Wie in einem Stream of Consciousness verpackt der 26-jährige Saarländer seine
Sehnsüchte und Ängste in vieldeutige Metaphern, die Bildsprache ist mindestens so
kraftvoll wie seine raue, grenzenlos gefühlvolle Stimme, die Produktionen zwischen
handgemacht-unpoliert und druckvoll-rauschend, die Stimmung im Grenzgebiet zwischen
tiefer Melancholie und trotzigem Existenzialismus.
Der große Pop-Appeal seiner Kompositionen holt ihn zudem schnell in den Mainstream-
Fokus der Musikszene: Neben James Blunt und Alle Farben performt er bei der
diesjährigen Warner Radio Reception. Mit Supports für CCOSMO, Michael Schulte, Joya
Marleen und Jack Curley klinkt sich TIM BALDUS in deutschen Live-Kanon ein und wird für
Festivals wie Wein am Stein, das Cheesecake Festival oder für das Lahneck Live bestätigt.
Live wie auf Kopfhörer: Bei TIM BALDUS lohnt es sich, genau hinzuhören. Er ist kein Künstler,
den man einfach so nebenbei laufen lässt. „An den meisten Texten habe ich monatelang
geschrieben, bis ich glücklich war. Ich hoffe, das hört man“, sagt er über seine Debüt-EP.
Zur Titelwahl sagt TIM BALDUS: „Ich verbinde Musik, die ich höre, oft mit einer Farbe. Und
die sieben Songs auf der EP haben gemeinsam, dass ich sie mit der Farbe Bernstein
verbinde.“
Die Farbe, die für ihn das Leit-Thema festlegte, verschafft auch seiner ersten Headlinertour
das Setting: „Bernstein auf den Straßen 2025“ ist das Motto für die Shows im Februar 2025,
die TIM BALDUS einmal quer durch Deutschland führt.

Einlass: 19:00Uhr

Einlass: 17:33 Uhr

Die Veranstaltung ist ausverkauft.

Wenn El Flecha Negra die Bühne stürmen, ist pulsierende Lebensfreude garantiert! Mit
ihrem zeitlosen Stilmix aus lateinamerikanischen Rhythmen, Reggae, Ska und Rock
haben sich die fünf Ausnahme-Musiker europaweit eine enthusiastische Fangemeinde
erspielt. Jetzt feiern sie mit einer feurigen Fiesta voller Latin Roots und Karibischer
Leichtigkeit ein Jahrzehnt mitreißende Bandgeschichte. Grund genug für eine feurige
Fiesta voller Latin Roots und Karibischer Leichtigkeit: El Flecha Negra – auf großer
Jubiläumstour und bereit, jedes Herz zum Tanzen zu bringen!

Einlass: 19:30 Uhr

Enissa Amani, eine der unverwechselbarsten deutschen Comedians, ist 2025 endlich wieder auf Tour.
75 Minuten Comedy pur ohne Ende ohne dabei wichtige gesellschaftliche Aspekte zu vergessen.

Enissa ist seit 10 Jahren eine der beliebtesten deutschen Comedians aber auch eine der wichtigsten Stimmen für menschenrechtliche Themen.
Ihre Comedy ist nie banal sondern behandelt immer auf eine humorvolle Art und Weise wichtige Themen. Für ihre Arbeit wurde sie mit diversen Preisen ausgezeichnet, unter anderem dem Grimme Online Preis.
Bei dieser Tour zeigt sie den Humor den man an ihr liebt: klug, scharf und liebevoll. Nicht verpassen.

Einlass: 19:00 Uhr

Die Show am 13.02.2025 ist leider ersatzlos abgesagt. Die Show am 12.02.2025 findet statt, es gibt noch Restkarten

ALEGRIA FRIZZ SENSOR MERKURIST.DE JOURNAL LOKAL präsentieren KLIMTS KUSS:

Das immersive Kunsterlebnis „KLIMTS KUSS – Spiel mit dem Feuer“ zeigt eine berührende Multimedia-Show über das Leben und Werk des Jugendstilpioniers Gustav Klimt (1862–1918). Neben seinen Frauenporträts, weiblichen Allegorien und Landschaftsmalereien erlangte der Wiener Maler vor allem mit seinem Gemälde «Der Kuss» Weltruhm. KLIMTS KUSS erzählt den Lebensweg des Künstlergenies – ein Spiel mit dem Feuer - als immersive Show. Bevor die Show beginnt, wird der Besucher mit den wichtigsten Stationen im Leben des Malers vertraut gemacht. Man kann dank digitaler Effekte mit Klimts Kunst interagieren und sogar selbst Teil seiner meisterhaften Gemälde werden. Auch beim anschließenden Showerlebnis in drei Akten taucht der Besucher ganz in die Welt des Künstlers ein, Illusion verwandelt sich in Realität: Animationen und Projektionen erzeugen in Verbindung mit Musik und akustischen Effekten berauschende, ornamentale Farbwelten und lassen Klimt und sein Werk lebendig und spürbar werden.

Dabei lauscht man den Stimmen einer jungen Studentin von heute und Emilie Flöges (1874–1952), damals engste Vertraute und Muse Klimts. In einem fiktiven Dialog führen die Frauen durch die einzigartige Show und nehmen den Besucher mit auf eine bewegende Zeitreise in das Wien um die Jahrhundertwende. Sie erzählen und kommentieren Klimts Erfolge und Skandale, seine Tragödien und Liebschaften. Und sie werfen aus weiblicher Perspektive einen kritischen Blick auf den „Maler der Frauen“: Handelt es sich bei seinen Werken um zeitlose Darstellungen femininer Schönheit oder zeigt er die Frau als Objekt der Begierde?

Der Zeit ihre Kunst, der Kunst ihre Freiheit. (Klimt)
Den Einstieg in die multimediale Erzählung macht der Prolog. Ein imposantes Zusammenspiel aus Visualisierung und Sound transportiert den Besucher nach Schloss Immendorf, wo bei einem Brand gegen Ende des Zweiten Weltkriegs zehn Hauptwerke des Künstlers zerstört wurden. Feuer, das zentrale Element der Show, setzt hier den ganzen Raum visuell in Flammen und steht als Symbol für Ausbruch, Zerstörung, Transformation und Neuanfang. Hier werden auch die junge, von Klimts Werken begeisterte Studentin und seine Lebenspartnerin Emilie Flöge als Narrative der Show eingeführt. Der Besucher nimmt die Frauen als fiktive Stimmen aus dem Off wahr und taucht im ersten Akt mit ihnen gemeinsam in die ersten Schaffensphasen des Künstlers ein: Die fotografischen Porträts berühmter Zeitgenossen wie Wittgenstein und Freud sowie Aufnahmen des Wiens um die Jahrhundertwende bilden die Kulisse für die Zeitreise in eine

Gesellschaft im Wandel. Mit Visualisierungen von Ausstellungskatalogen und Magazinen der berühmten Wiener Secession wird die Epoche im Spannungsfeld zwischen Tradition und Moderne für den Besucher nahbar.

Alle Kunst ist erotisch. (Klimt)
Die Geschichte nimmt ihren Lauf und widmet sich im zweiten Akt den Schlüsselwerken des Künstlers, die der Besucher intensiv und aus ganz neuen Perspektiven erlebt. Kunstvoll animierte Slide-Shows zeigen auf hochauflösenden Displays mit den Fakultätsbildern, dem Beethovenfries, den weltberühmten Frauenporträts seiner „Goldenen Periode“ und erotischen Aktzeichnungen die vielen Facetten des Künstlergenies. Mittendrin entfacht auf den Projektionsflächen im Raum ein loderndes Feuer mit knisternden Soundeffekten, das den dramatischen Höhepunkt seiner Krise und den Wendepunkt seines künstlerischen Schaffens eindrucksvoll inszeniert: Klimt wird vom akademischen Maler zum Vordenker und Revolutionär.
Nun begibt sich der Zuschauer gemeinsam mit Emilie und der Studentin an den Attersee, eine Region, die für den Künstler Sehnsuchtsort und Quelle der Inspiration zugleich war. Es ist auch für die Modeschöpferin Emilie eine besondere Station auf der Reise, denn sie verbrachte hier jeden Sommer ungestörte Zeit mit Klimt. Natursounds untermalen die Projektionen von Schwarz-Weiß-Aufnahmen des kreativen Paares und seinen unverwechselbaren Landschaftsgemälden. Hier begegnet man auch den Arbeiten seiner letzten Schaffensphase: Die Wände erstrahlen in den leuchtenden Farben seiner Werke, Mythologie und Symbolismus treffen aufeinander. Ihren Höhepunkt findet die Erzählung dann im ergreifenden Finale der Show, die den „Der Kuss“ als Zeugnis einer außergewöhnlichen Liebesgeschichte inszeniert. Als Besucher wird man förmlich in das weltberühmte Gemälde gesogen, das sich sowohl im Ganzen als auch in unzähligen Details an den Wänden des Showrooms darstellt. Mit all seinen Feinheiten wird der Betrachter eingeladen, das Meisterwerk immer wieder neu zu entdecken. Die außergewöhnliche Komposition der beiden Liebenden in ewiger Umarmung ist als visuelles Spektakel ein emotional berührendes Erlebnis.
Mit dem Epilog, dem letzten Akt der Show, wird der Besucher wieder ins Jetzt zurückgeführt. Die beiden Frauen diskutieren über Klimts komplexe Auseinandersetzung mit Emanzipation, weiblicher Lust und einem sich wandelnden Frauenbild. Eindrucksvoll schlagen sie damit eine Brücke zwischen Vergangenheit und Gegenwart. Auch visuell wird das Werk des österreichischen Künstlers in die heutige Zeit transportiert: Die vom Feuer zerstörten Fakultätsbilder, die nur als Schwarz-Weiß-Überlieferungen erhalten sind, werden vor den Augen des Zuschauers in brillante Farben getaucht – und können so auf den Bildschirmen dank modernster Technik wieder aufleben.
Kunst trifft modernste Technik – Was bedeutet der Begriff „immersiv“?

„Immersiv“ beschreibt einen Effekt, bei dem der Betrachter in eine multimediale Illusion aus Bild und Ton eintaucht und diese als absolut real empfindet. Durch ein 3D-Mapping-Projektionssystem können Inhalte wie Grafiken, Animationen, Bilder oder Videos auf dreidimensionale Objekte projiziert werden, sodass eine einzigartige Atmosphäre entsteht.

In performativen Videoarbeiten, einige davon Gemeinschaftsproduktionen mit Tiago Mata Machado, isoliert die brasilianische Künstlerin Cinthia Marcelle alltägliche, routinierte Bewegungs- und Arbeitsprozesse aus ihrem funktions- und produktionsorientierten Kontext. Die meist kollaborativ-partizipativ angelegten Situationen verwandelt sie in poetische, metaphorische Bilder, die eingespielte Routinen des gesellschaftlichen Miteinanders und eine leistungsorientierte Logik moderner Gesellschaften zur Disposition stellen.

Die Ausstellung Bodies in Motion – Form in the Making kontextualisiert die performativen, zumeist auf einfachen Handlungsanweisungen beruhenden performancebasierten Videoarbeiten von Cinthia Marcelle erstmals mit Ikonen der US-amerikanischen postminimalistischen Tanz- und Performancepraxis der 1960er/70er Jahre wie Yvonne Rainer, Bruce Nauman, Suzanne Harris und dem performativ-partizipativen Gestaltungsansatz der minimalistischen Skulpturen der deutschen Künstlerin Charlotte Posenenske.

Die Ausstellung wird von Anna Roberta Goetz kuratiert.