Performance Tanz 5.-8.10.2024
STRICKEN
von Magda Korsinsky

Auf Deutsch mit englischen Übertiteln

Wenn wir uns erinnern ‒ zugedeckt werden * Schaumtiere formen, viel Seife = Sauberkeit * abgetrocknet werden * dick Butter aufs Brot * wenn wir wegfahren mit Tränen in den Augen * Unkraut jäten * Oh Gott, zwei verschiedene Socken * Nicht in ihre Haare fassen! Die Haare in Unordnung bringen! Und meine Haare? * Grüß die Nachbarn ordentlich! * Sie kann enttäuscht werden ‒ oder war es damals anders?

Ein Mädchen und ihre Großmutter, Begegnung zwischen verwandten Körpern, zwischen Generationen, Epochen. Schwerwiegender Abstand, Frauenrollen, Körperbilder, Wertvorstellungen; und doch die unleugbare Verbindung. Die Beziehung zu unseren Großeltern ist komplex ‒ und vermutlich unterschätzt. Vor allem wenn die Großmutter in der NS-Zeit aufwuchs.

In STRICKEN begegnen sich ein Schwarzes Mädchen und seine weiße Großmutter. Was lernen wir nicht alles von unseren Omas! Konkrete Akte, wie Wäsche zusammenlegen; und damit eine ganze Weltvorstellung von Ordnung, Gekleidetsein, Genderrollen. Bei den Eltern ziehen wir eines Tages aus; aber die Omas? Ist die Emanzipation von der eigenen Mutter die ungeprüfte Bejahung der Großmutter? Welche Schrittfolgen werden vererbt und wann laufen wir selbst?

Die bildende Künstlerin und Choreografin Magda Korsinsky ließ ihrer Choreografie STRICKEN eine Recherche vorausgehen, in der sechs Schwarze Frauen zu ihren weißen Großmüttern und ihren Verhältnissen befragt wurden. Die hier entstandenen Videointerviews bilden eine einmalige Perspektive auf die deutsche, Schwarze Geschichte.

Foto: Zé de Paiva

Eine Produktion von Kultursprünge im Ballhaus Naunynstraße gemeinnützige GmbH. Die Erstproduktion entstand im Rahmen des Festivals Postcolonial Poly Perspectives, gefördert durch den Hauptstadtkulturfonds.

Die demo station von Rirkrit Tiravanija ist eine bühnenähnliche Skulptur und lädt Menschen dazu ein, etwas zu „demonstrieren“. Tiravanija versteht den Begriff dabei im doppelten Sinn – als politischen Protest oder als Vorführung von etwas, das jemand besonders gut kann oder gerne mag. Über die Laufzeit der Ausstellung bietet die demo station täglich Raum für öffentliche Auftritte.

Bei der Veranstaltung werden ggfs. Foto- und Videoaufnahmen entstehen, auf denen Sie zu erkennen sein könnten. Mit Ihrem Besuch willigen Sie ein, dass diese Aufnahmen zur Kommunikation der Veranstaltung bzw. Ausstellung verwendet werden.

Ein Bilderreigen mit Kartons, 100% biologisch abbaubar
Spiel und Idee: Ulrike Kley
Regie: Kristina Feix
Musik: Taichi Kanayama

Dauer: 35 min + 15 min Spielaktion mit Kartons
Spielform: Materialtheater

Mit gemeinsamer Spielaktion im Anschluss an die Vorstellung!
Für Kinder ab 3 Jahren

Papp, Papp, Pappe…. Pappelapapp. Ein Karton ist ein Karton ist ein Karton, oder etwa nicht?
Mit ein klein wenig Phantasie kann sich die braune Transportkiste aber auch in Papptiger, Pappdrachen, Pappmenschlein und Pappbehausungen verwandeln oder in ein nimmersattes Krabbeltier mit Appetit auf Luftschlangen.
Die braune Transportkiste ist der Schlüssel zu einem Universum voller Abenteuer und lustiger Figuren. Ein schlichtes Stück, das mit dem Prinzip der imaginären Verwandlung spielt und ganz im Sinne der kindlichen Phantasie aus einem Alltagsgegenstand ein Zauberreich wachen lässt. Garantiert ohne langweilige Zusatzstoffe!

Fotocredit: Sandra Setzkorn

Kassenöffnung um 09:00 Uhr

Über Transformation wird zumeist mit großer Geste und noch größerer Betroffenheit gesprochen. Ob es um die Bekämpfung des Klimawandels, den Umbau von Staat und Wirtschaft oder die Frage nach der Beendigung von Kriegen geht: Von der Dringlichkeit wird auf die Möglichkeit und Zustimmungsfähigkeit geschlossen, oft mit mahnendem Blick. In Vergessenheit gerät dabei, dass alle Transformation in einer Welt stattfinden muss, die bereits da ist und mit ihren eigenen Mitteln darauf reagiert, unter anderem mit populistischen Gefährdungen der Demokratie. In seinem Buch "Kritik der großen Geste" (C.H.Beck) zeigt Nassehi, dass man nicht gegen die Gesellschaft transformieren kann, sondern nur in ihr und mit ihr – und nur mit ihren eigenen Mitteln.

Armin Nassehi spricht mit Johanna Sprondel darüber, was jenseits der großen Geste zu finden ist: eine Gesellschaft, die anders über Transformation nachdenken muss und am Ende von der Logik kleiner Schritte profitieren wird.

Foto: Raimond Spekking, Wikimedia Commons

Die Rickenbackers Pro Jam Session findet jeden 2. & 4. Dienstag bei uns im ART Stalker statt. Geleitet wird sie von Jürgen Bailey.

Schaulustige, Könner, Newcomer und Musikliebhaber sind herzlich willkommen. Musikalisch sind keine Grenzen gesetzt, es wird gespielt, was Spaß macht.

ART Stalker - Kunst+Bar+Events - Kaiser - Friedrich - Str. 67, 10627 Berlin / art-stalker.de / mail@art-stalker.de / Büro 10 - 16 Uhr: 0163 7374 229 / Office (EN)10AM - 4PM: 0152 2644 2625 / Bar ab 19 Uhr: 030 - 220 529 60 / aktuelle Öffnungszeiten der Bar: MI - DO 19 - 24 Uhr / FR + SA 19 - OPEN END

18:30

Neben einer Autowerkstatt, hinter einer ehemaligen Tankstelle findet man den unscheinbaren Eingang zum CLUB GRETCHEN.

Hier, in einer der schönsten Tanzvergnügungsstätten der Hauptstadt, ist POETRY SLAM wieder so wie er war, als man ihn noch erklären musste. Bevor er als schicke Best-Of-Variante in die Theater und Kulturhäuser des Landes eingezogen ist. Rauh, edgy, in Clubatmosphäre und immer mit dem gewissen Freakfaktor!

Beim Gretchen Slam treten die besten Poetry Slammer*innen des Landes gegen die Offene Liste an.
Und Offene Liste heißt hier noch etwas: für einen 6-Minuten-Slot kannst du dich nämlich ausschließlich an der Abendkasse anmelden.
Bei mehr als 3 Anmeldungen wird gelost - egal, ob du super famous bist und neues Material ausprobieren möchtest oder vorher noch nie auf der Bühne standest.

Hier ist Platz für leise Lyrik, laute Unterhaltung, wütende Gesellschaftskritik & ballernde Comedy. Egal ob du der Weirdo-Texter von nebenan bist oder das nächste große Ding. Oder einfach nur mal etwas loswerden willst.

Bühne frei für den Gretchen Slam!
Präsentiert von den Kiezpoeten.

Achtung: die Veranstaltung ist ggf. teilbestuhlt. Keine Sitzplatzgarantie!

Einlass: 19:30 Uhr

The U.S. Embassy Literature Series
A reading and discussion with Ayana Mathis, moderated by Sharmaine Lovegrove

Two bold, utopic communities are at the heart of Ayana Mathis’s searing follow-up to her bestselling debut, The Twelve Tribes of Hattie.

Bonaparte, Alabama – once 10,000 glorious Black-owned acres – is now a ghost town vanishing to depopulation, crooked developers, and an eerie mist closing in on its shoreline. Dutchess Carson, Bonaparte’s fiery, tough-talking protector, fights to keep its remaining one thousand acres in the hands of the last five residents. Meanwhile, in Philadelphia, her estranged daughter Ava is drawn into Ark – a seductive, radical group with a commitment to Black self-determination in the spirit of the Black Panthers and MOVE, with a dash of the Weather Underground’s violent zeal. Ava’s eleven-year-old son Toussaint wants out – his future awaits him on his grandmother’s land, where the sounds of cicada and frog song might save him if only he can make it there.

In Mathis’s electrifying novel, Bonaparte is both mythic landscape and spiritual inheritance, and 1980s Philadelphia is its raw, darkly glittering counterpoint. The Unsettled is a spellbinding portrait of two fierce women reckoning with the steep cost of resistance: What legacy will we leave our children? Where can we be free?



For free admission for school groups, please register with USEmbassyCultureRSVP @ state.gov

Drei Frauen aus zwei Ländern. Wir. Wir singen manchmal. Wir stellen Fragen. Über Politik. About destiny. Und Ängste. About personal issues and priorities. Über Spinat zwischen den Zähnen. Über Sex und Frustration. In 14 different languages. Ymmärrätkö mitä sanon? Question: Is that an interesting question? Instruction. Break. Der Text stimmt nicht.

Was kann eine ungarische Regisseurin einem deutschen Publikum erzählen? Welche Rolle spielt ihre eigene Diversität als gebürtige Ungarin und nun Wahlberlinerin in den Inszenierungen? Und was ist ein deutsches Publikum?

Drei Performerinnen springen zwischen Zeiten und Orten, greifen brennende politische Themen sowie personal fears auf. Im schnellen Sprachenwechsel kommentieren sie die Unterschiede in Ost- und West-Europa, gesellschaftliche Muster in der zeitgenössischen Politik und die Rolle von Sprache bei der kulturellen Integration und der eigenen Diversität.

„Der TD [...] bewährt sich als Plattform für Entdeckungen.“
Der Tagesspiegel

„In 90 Minuten kann man die Tiefen und Höhen der ungarischen Seele kennenlernen. Und die einer Ausländerin in ihrer Wahlheimat Berlin."
der Freitag

„Besonders beeindruckend ist der Rhythmus des Abends, der wie ein mitreißender Fluss anmutet (…); eine feinfühlige Bewegung, die bei den Darstellerinnen beginnt und sich frontal auf den Zuschauer*innen zubewegt.“
Sylvana Mammone, literaturundfeuilleton

VON/MIT Julia Bihl / Eszter Demecs / Panni Néder TEXT/INSZENIERUNG Panni Néder KOSTÜM Emőke Samu / Rózsa Sebő / Kriszta Remete LICHT/TON Nele Eichmann / Stephan Mäusel GEFÖRDERT DURCH DIE Einstiegsförderung des Berliner Senats

2015 entstand WANN HAST DU DAS LETZTE MAL AUF DER SPITZE EINES BERGES SEX GEHABT? aus einem studentischen Projekt in Kooperation mit der Hochschule für Schauspielkunst Ernst Busch als szenische Lesung und wurde auf mehrere internationale Festivals eingeladen. 2018 premierte die Produktion als abendfüllendes Bühnenstück am TD und gewann im selben Jahr bei den Heidelberger Theatertagen doppelt: den 2.Preis der Jury und den Preis der Studierendenjury. Seitdem erfolgreich auf Festivals u.a. bei Theaterszene Europa in Köln, Queer Festival Heidelberg, OUTNOW! Festival Bremen, PAF Berlin, asphalt auf See Düsseldorf, Budapest Autumn Festival und ACT Festival Sofia.

Mirna Funk spricht mit ihrem Gast Dor Aloni über den Begriff für einen guten Partner. Der Eser Kenegdo soll zwei Bedürfnisse erfüllen. Er soll sozialer Resonanzboden und Schlüssel zur Ewigkeit sein. Eser Kenegdo bedeutet wörtlich übersetzt „Hilfe gegen ihn“ – indem wir dem anderen Raum geben, selbstständig zu denken. Sind die Versprechungen von Dating-Apps auf der Suche nach dem Seelenverwandten und das Ja-Sagen in der Ehe etwa nur Nonsens? Welche Idee von Liebe hat das Judentum?

Der Regisseur und Schauspieler Dor Aloni wurde in Israel geboren. 2011 schloss er sein Schauspielstudium an der Schauspielschule „Nissan Nativ Acting Studio“ in Tel Aviv ab und spielte dort in Filmproduktionen, an staatlichen Institutionen sowie in der freien Theaterszene Israels. Er studierte Regie an der Theaterakademie Hamburg und als erster Regieauftrag inszenierte und entwickelte für das Schauspielhaus Hamburg das Theaterstück „about;blank”. Mit seinen folgenden Arbeiten gastierte er an Theaterhäusern wie der Volksbühne Berlin, dem Schauspiel Frankfurt und dem Düsseldorfer Schauspielhaus. Dor Aloni initiierte und kuratierte das Festival „Juden, Juden, Juden“ am Lichthoftheater Hamburg und führte in dessen Rahmen Regie beim Bürger- und Bürgerinnenbühnenstück. Als Schauspieler war Aloni unter anderem am Volkstheater München zu sehen und als Sprecher an zahlreichen Radiosendern tätig. Für seine Hauptrolle im Film „Südsee“,bei dem er Co-Autor war, gewann er den Preis „Neues Deutsches Kino“ beim Filmfest München 2023.

Foto: Sebastian Dudey

Rabenschwarze Kriminalkomödie von Wolfgang Kohlhaase
mit Uta Schorn u.a
Tatort: Ein märkisches Landhaus vor langer Zeit. Jahr für Jahr verbringen die Brauerei-Erbinnen Charlotte, Cäcilie und Clementine zusammen mit ihrem Diener Rudolf dort den Sommer. Fast 30 Jahre ist Rudolf den Schwestern stets zu Diensten. Mit jeder von ihnen hat er zärtliche Stunden verbracht - freilich ohne das Wissen der jeweils anderen - und jede von ihnen hatte versprochen, ihn im Testament zu bedenken. Als er nun vorzeitig um Auszahlung bittet, will keine der Schwestern mehr von ihrem Versprechen wissen, was Rudolf zur Drohung veranlasst, sein Geheimnis auszuplaudern. Keine gute Idee, finden die Schwestern und bringen Arsen und andere todbringende Mittel ins Spiel...

Das Prager Theaterensemble Das Thema - To téma inszeniert Kafka hundert Jahre nach seinem Tod unvoreingenommen und eigenwillig. Kafka has left the building - er ist weg und sein Prag gibt es auch nicht mehr.

Im Labyrinth aller Jubiläumsfeiern und Klischees stellt das Prager Ensemble die Frage, was heute noch von ihm übrig ist. Es untersucht Überschneidungen von Leben und Werk, dessen Kommerzialisierung und der geheimnisvollen Welt Kafkas. Das Thema - To téma führt das Publikum so zur Reflektion seines eigenen „Kafkablicks”. Lasst uns feiern!

Kafka lebte und schrieb in einem zweisprachigen Prag. Deshalb ist dieses Stück durchgehend zweisprachig. Die Berliner Aufführung ist eine gemeinsame Veranstaltung des Tschechischen Zentrums Berlin und der ufaFabrik Berlin.

Spiel: Roman Horák, Markéta Richterová, Philipp Schenker, Halka Jeřábek Třešňáková
Regie: Emil Rothermel
Dramaturgie, Bühne und Kostüme: Karolína Kotrbová
Produktion: Dranc z.s., Roman Horák, Philipp Schenker

Partner: Adalbert Stifter Verein, Theater Na zábradlí

Gefördert durch: Deutsch-tschechischer Zukunftsfonds, die Beauftragte der deutschen Bundesregierung für Kultur und Medien, Hauptstadt Prag, Richard Stury Stiftung, Brougier-Seisser-Cleve-Werhahn-Stiftung, Schweizerische Botschaft in der Tschechischen Republik

In Zusammenarbeit mit dem Tschechischen Zentrum Berlin

Fotograf: Vojtech Polák
Copyright: Das Thema - To téma

Kassenöffnung um 19:00 Uhr

Das Elvis Musical in Berlin ist eine spektakuläre Show, die Elvis Presleys unglaubliche Karriere und sein musikalisches Vermächtnis zelebriert. Das Elvis Musical bietet den Zuschauern eine unglaubliche Reise durch das Leben und die Musik des "King of Rock ´n´ Roll". Von seinen Anfängen in Memphis bis hin zu seinen legendären Auftritten in Las Vegas und der ganzen Welt, wird die Show mit Elvis´ ikonischen Songs wie "Heartbreak Hotel", "Hound Dog", "Jailhouse Rock", "Suspicious Minds" und vielen anderen begeistern. Die Live-Band und Grahame Patrick - der zu den weltweit besten Elvis-Darstellern zählt - bringen die Energie und den Sound von Elvis´ Musik auf die Bühne. Die Bühneneffekte und das Lichtdesign sind atemberaubend und schaffen eine magische Atmosphäre, die das Publikum in eine andere Zeit und Ära versetzt. Als Highlight ist das legendäre "The Stamps Quartet" mit von der Partie. Musiklegende Ed Enoch ist als Original-Mitglied auch dabei. In mehr als 1.000 Konzerten stand der mittlerweile 81-Jährige damals mit Elvis Presley auf der Bühne. Auch sang er auf dessen Beerdigung im Sommer 1977. In ELVIS - Das Musical singt Enoch zusammen mit Grahame Patrick. Dazu laufen auf den Leinwänden die legendären Aufnahmen aus dem Leben des Originalstars.

Einlass: 19:00 Uhr

Paul van Dyk
Opening: Chris Bekker

Tickets: 45,-€ (Einheitspreis, freie Platzwahl)
Einlass ab 19.00 Uhr

In dieser Weltpremiere wird Paul van Dyk Höhepunkte seiner außergewöhnlichen Karriere in einem exklusiven ambient Live Set neu interpretieren. Die Zuhörer können sich auf eine beeindruckende Licht- und Videoinstallation im Altarraum des imposanten Berliner Doms freuen, die die musikalische Reise perfekt in Szene setzt. Klassiker wie For An Angel, Time Of Our Lives und Home werden in einer atemberaubenden audiovisuellen Inszenierung zu einem einmaligen Erlebnis verschmelzen.

Termine im Berliner Dom:
Dienstag, 8. Oktober 2024 - 21.00 Uhr
Mittwoch, 9. Oktober 2024 - 19.30 & 21.30 Uhr
Dauer jeweils etwa eine Stunde.

Über Paul van Dyk
Paul van Dyk ist ein weltweit bekannter DJ, Produzent und Pionier der elektronischen Musik. Seine Karriere begann in den frühen 1990er Jahren, als er mit Tracks wie "For an Angel" internationale Bekanntheit erlangte. Van Dyk gilt als einer der ersten Superstars der elektronischen Musik und wurde mehrfach als "World's No. 1 DJ" ausgezeichnet, für einen GRAMMY nominiert und erhielt den Landesverdienstorden der Stadt Berlin. Mit zahlreichen Alben, darunter " Out There and Back ", "In Between," und „Guiding Light“ prägte er die globale Dance-Szene und ist bis heute eine einflussreiche Figur in der elektronischen Musik.

Spielen, lachen, laut sein, toben, nichts tun – und das in einem Ausstellungshaus! Ab dem 4. September 2024 lädt BAUBAU genau dazu ein. In dem von der Künstlerin Kerstin Brätsch gestalteten Spielort für Kinder ist mehr erlaubt als verboten. Bunte Wandtapeten, Strukturen, Objekte und eine Reihe von „Loose Parts“ (losen Materialien) formen im Erdgeschoss des Gropius Bau Räume, die keine festen Vorgaben machen, sondern durch die Aktivitäten der Kinder bestimmt werden. Sie geben die Richtung und die Form vor für das, was hier passiert. So wird dieser Ort zum Möglichkeitsraum, der sich Tag für Tag verändern kann.

BAUBAU startet im September 2024 in einer Prototypversion und wird sich über die kommenden Jahre hinweg innerhalb wie außerhalb des Gropius Bau weiterentwickeln und wachsen – in engem Austausch mit den Kindern und ihren Wünschen, denn dies ist ihr Ort.

 Das Spiel
Alle Kinder haben den Drang zu spielen. So lernen sie, sich und die Welt zu begreifen. Gerade das offene, selbstbestimmte Spiel ist für die emotionale und soziale Entwicklung von großer Bedeutung. Das pädagogische Konzept für BAUBAU basiert deshalb auf den Grundlagen des freien Spiels: Hier gibt es die Zeit, den Raum und die Erlaubnis für Kinder, ihren eigenen Bedürfnissen und Interessen zu folgen. Begleitet werden sie dabei von Playworker*innen – geschulten Mitarbeiter*innen, die eine sichere und unterstützende Umgebung schaffen, in der Kinder frei spielen können.

 
Die Kunst
BAUBAU stellt spielerisch infrage, was ein Museum oder eine Kunstinstitution sein soll. Die umfassende Raumgestaltung, die Kerstin Brätsch entwickelt hat, ist voller Bezüge und Anregungen: Elemente aus ihren früheren Werken, wie Marmorierungen, Malereien oder Stuckmarmorarbeiten, tauchen hier in veränderter Gestalt und Materialität wieder auf. Die Tapeten, Vorhänge, Stoffe, Sitzmöbel und Klettergerüste sind bewohnt von Dinosauriern, fantastischen Wesen, Termitenhügeln und abstrakten Elementen. Mit ihren komischen, lustigen, vielleicht auch etwas unheimlichen Formen schaffen sie einen offenen Rahmen für das freie Spiel.

Kerstin Brätschs Praxis ist darauf ausgelegt, Einflüsse von außen zuzulassen und aufzunehmen. Hat sie bisher mit Künstler*innen oder Kunsthandwerker*innen zusammengearbeitet, so tut sie dies nun auf ganz andere Weise mit Kindern: Sie lädt die Kinder dazu ein, den Raum nach ihren eigenen Ideen und Vorstellungen und ohne das Einwirken der Künstlerin auf unvorhersehbare Weise umzugestalten und weiterzuentwickeln.

Montag 11:00–19:00 Uhr Dienstag geschlossen Mittwoch 11:00–19:00 Uhr Donnerstag 11:00–19:00 Uhr Freitag 11:00–19:00 Uhr Samstag 10:00–19:00 Uhr Sonntag 10:00–19:00 Uhr

Paul van Dyk
Opening: Chris Bekker

Tickets: 45,-€ (Einheitspreis, freie Platzwahl)
Einlass ab 21.00 Uhr

In dieser Weltpremiere wird Paul van Dyk Höhepunkte seiner außergewöhnlichen Karriere in einem exklusiven ambient Live Set neu interpretieren. Die Zuhörer können sich auf eine beeindruckende Licht- und Videoinstallation im Altarraum des imposanten Berliner Doms freuen, die die musikalische Reise perfekt in Szene setzt. Klassiker wie For An Angel, Time Of Our Lives und Home werden in einer atemberaubenden audiovisuellen Inszenierung zu einem einmaligen Erlebnis verschmelzen.

Termine im Berliner Dom:
Dienstag, 8. Oktober 2024 - 21.00 Uhr
Mittwoch, 9. Oktober 2024 - 19.30 & 21.30 Uhr
Dauer jeweils etwa eine Stunde.

Über Paul van Dyk
Paul van Dyk ist ein weltweit bekannter DJ, Produzent und Pionier der elektronischen Musik. Seine Karriere begann in den frühen 1990er Jahren, als er mit Tracks wie "For an Angel" internationale Bekanntheit erlangte. Van Dyk gilt als einer der ersten Superstars der elektronischen Musik und wurde mehrfach als "World's No. 1 DJ" ausgezeichnet, für einen GRAMMY nominiert und erhielt den Landesverdienstorden der Stadt Berlin. Mit zahlreichen Alben, darunter " Out There and Back ", "In Between," und „Guiding Light“ prägte er die globale Dance-Szene und ist bis heute eine einflussreiche Figur in der elektronischen Musik.

Anfang September 2024 eröffnet im Gropius Bau die Ausstellung DAS GLÜCK IST NICHT IMMER LUSTIG des Künstlers Rirkrit Tiravanija, der mit seiner Praxis den konventionellen Kunstbegriff erweitert hat und Situationen schafft, in denen soziale Interaktionen und sinnliche Erfahrungen verhandelt werden. Seit den frühen 1990er Jahren lebt Tiravanija teilweise in Deutschland und hat immer wieder künstlerische Arbeiten entwickelt, die sich mit kulturellen Eigentümlichkeiten, Migration und der politischen Gegenwart des Landes beschäftigen. DAS GLÜCK IST NICHT IMMER LUSTIG versammelt erstmals diese Werke, die auch die Bedeutung von Berlin und Deutschland als Ort künstlerischer Produktion für Tiravanija zeigen. Der Titel der Ausstellung ist dem Vorspann von Rainer Werner Fassbinders Film Angst essen Seele auf von 1974 entliehen, dessen Schilderung von anti-arabischem Rassismus gegen den sogenannten Gastarbeiter Ali heute, 50 Jahre später, erschreckend aktuell ist. Die umfangreiche Ausstellung umfasst Arbeiten auf Papier, Skulpturen, Fotografien, Multiples und eine Auswahl selten gezeigter Super-8-Filme sowie regelmäßige Aktivierungen zentraler ephemerer und partizipatorischer Arbeiten des Künstlers von den 1980er Jahren bis heute. Dabei steht die Sprengkraft seiner Praxis immer im Mittelpunkt: Institutionelle Grenzen und Kategorien werden ausgetestet; es wird laut, es wird gekocht, gegessen und gespielt.

Kuratiert von Jenny Schlenzka, Yasmil Raymond und Christopher Wierling

Montag 12:00–18:00 Uhr Dienstag geschlossen Mittwoch 12:00–18:00 Uhr Donnerstag 12:00–18:00 Uhr Freitag 12:00–18:00 Uhr Samstag 12:00–18:00 Uhr Sonntag 12:00–18:00 Uhr

Eventuell Restkarten a.d. Abendkasse