Auf einer Expedition ins Eismeer treffen Captain Walton und seine Mannschaft auf einen geheimnisvollen Fremden, dessen Vergangenheit in atmosphärischen Rückblenden nach und nach ans Licht kommt:
Victor Frankenstein wächst sehr behütet in einer gebildeten Familie auf, umgeben von Freundschaft und Liebe zu seiner Gefährtin Elisabeth. Doch Victors rastloser Wissensdrang kann nur mit waghalsigen Experimenten gestillt werden. Trotz Bedenken seines Kameraden Henri gelingt ihm schließlich das Unglaubliche: Er erschafft neues Leben. Doch niemand hat mit den grausamen Folgen von Victors Handeln gerechnet und verzweifelt verfolgt er seine wilde Schöpfung bis in die Weiten des ewigen Eises...

In der Bühnenfassung von Bernd Klaus Jerofke, nach der weltberühmten Gruselgeschichte von Mary Shelley, werden die tragischen Hintergrundgeschichten der Charaktere noch greifbarer und die Inszenierung Jürgen von Bülows haucht der Welt des frühen 19. Jahrhunderts eindrucksvoll neues Leben ein. Ein Theaterstück so faszinierend und tödlich wie das Monster, das Victor Frankenstein erschuf.

Einlass:19:30

"König Ödipus" nach Sophokles von Bodo Wartke, Carmen Kalisch und Sven Schütze mit Musik voon Bodo Wartke.

Einlass: 18:30 Uhr

Das Eberdinger Sommertheater findet jedes Jahr im Juli auf dem Hof hinter dem Neuen Rathaus in Eberdingen statt.
Seit 2007 bringen wir Theaterstücke für Liebhaber und die ganze Familie auf die Bühne.

Einlass ab 19:30 Uhr

Reisen Sie mit Stuttgarts Comedian Harmonists zurück in die goldenen 20er Jahre!

Das Publikum erwartet ein musikalischer Hochgenuss, der ersten Boygroup der Welt!

Mit Florian Fries, Tobias Hagge, Lénárd Kókai, Michael Rapke, Tobias Rusnak, Loïc Damien Schlentz
Musikalische Leitung Florian Fries

Vorstellungen 11. bis 21. Juli 2024

Weit weg oder ganz nah? Die Ausstellung erzählt von den vielschichtigen Verbindungen zwischen Stuttgart, Deutschland und Afghanistan. Sie zeigt historische Objekte, vorislamische und islamische Kunstwerke ebenso wie alltägliche, doch bedeutsame Gegenstände.

Sie wurde vom Linden-Museum gemeinsam mit der Arbeitsgruppe Entangled: Stuttgart – Afghanistan entwickelt. Hier beteiligen sich seit 2019 Menschen aus der Region Stuttgart, viele davon mit internationaler, auch Afghanistan-bezogener Geschichte, dazu Partner*innen aus dem universitären und künstlerischen Bereich. Für die Ausstellung haben sie sich konzeptionell, inhaltlich und teilweise sehr persönlich mit Erinnerungen und Gedanken eingebracht. Durch die Ausstellung ziehen sich immer Bezüge zur Gegenwart – auch bei historischen Themen. Dies geschieht auch durch persönliche und kritische Kommentare oder künstlerische Positionen.

Die Ausstellung beginnt mit Jahrtausende zurückreichenden transkontinentalen Beziehungen zum Gebiet des heutigen Afghanistan und einem Einblick in die Anfänge der deutsch-afghanischen Geschichte vor etwas über 100 Jahren. Ausgehend von den Sammlungen des Linden-Museums zeigt sie Darstellungen des Buddha und großformatige Marmorpaneele aus der Zeit der Ghaznawiden (11./12. Jh.), in Verbindung mit neuen Forschungen und Informationen zur Provenienz. Über Augmented Reality werden sie für die Besucher*innen interaktiv erlebbar.

Einen Schwerpunkt der Ausstellung bildet die Stuttgarter Badakhshan-Expedition 1962/63, die größte und längste Forschungsreise des Linden-Museums. Sie wird durch Forschung und Beteiligung vieler Akteur*innen zwischen Stuttgart und Afghanistan neu erzählt. Die Ausstellung berichtet auch von Reisen nach Afghanistan und deutschen Familien in Kabul in den 1970er Jahren. In einem weiteren großen Bereich geht es um Dinge und vielfältige Bedeutungen – vor allem im 20. und 21. Jahrhundert – Textilien, Schmuck, Möbel und Geschirr. Die Exponate sind mit Geschichten vom Reisen, teilweise auch von Migration, Krieg und Flucht verbunden und werfen auch politische Fragen auf.

Ausgewählte Werke von Abdul Ghafur Brechna (1907 – 1974) begleiten die dargestellten Themen. Brechna war einer der bedeutendsten Künstler Afghanistans. Sein vielseitiges Schaffen als Maler, Komponist, Dichter und Regisseur beeinflusste die Entwicklung und Erneuerung der Kunst und Kultur Afghanistans im 20. Jahrhundert.

Bücher, Geschichten, Spiele, Musik: Zwei besondere Räume, die „Bibliothek“ und die „Teestube“, laden zum Verweilen, Nachdenken und Mitwirken ein. Ein umfangreiches Programm, das weitere Verbindungen zwischen Stuttgart und Afghanistan aufzeigt und vertieft, begleitet die Ausstellung.

In der Ausstellung sind zahlreiche Objekte aus der Sammlung des Linden-Museums zu sehen. Sie werden durch Exponate aus deutschen und europäischen Museen ergänzt, insbesondere aus Sammlungen, die auf der Grundlage von archäologischen Kooperationen mit Afghanistan nach Europa gelangten.

In ihrer Vielschichtigkeit eröffnet die Ausstellung neue Perspektiven auf die eng verwobenen Beziehungen zwischen Stuttgart, Deutschland und Afghanistan.

Kinderheft
Für Kinder gibt es an der Kasse das kostenfreie Begleitheft Ein Himmel voller Drachen.

Solidarisches Preismodell
Wir möchten möglichst vielen Menschen Zugang zu Kultur ermöglichen. Daher gibt es für die Ausstellung ein solidarisches Preismodell nach dem Motto „pay what you can“:
EUR 20,-/12,-/10,-/1,- (inkl. Mediaguide auf Deutsch, Englisch, Dari, Paschto)
Kinder bis einschl. 12 Jahre frei

Di 10 bis 17 Uhr, Mi 10 bis 20 Uhr, Do bis Sa 10 bis 17 Uhr, So und Feiertage 10 bis 18 Uhr

Das schwäbische Kriminal Dinner ‘Sherlock Holmes und die vergiftete Maultäschlesupp‘ – ein köstliches Gänge-Menü in stilvollem Ambiente umrahmt von einem spannenden Kriminalfall im Kulinarium an der Glems/Römerhof in Stuttgart.

‘Sherlock Holmes und die vergiftete Maultäschlesupp‘

Ja, Sie haben richtig gelesen, den berühmten Meisterdetektiv Sherlock Holmes und meine Wenigkeit, Dr. Watson, hat es ins schwäbische Ländle verschlagen. Zugegebenermaßen nicht ganz freiwillig. Doch konnte unser Genie die Einladung einer alten Bekannten, der Baronin von Zuckerberg, zu einem Galadinner nicht schon wieder abschlagen. Nun speisen wir also hier just zu der Zeit im Nebenraum des Restaurants, in dem Sie an diesem Abend ein köstliches 3-Gänge-Menü genießen.

Auf der Flucht vor seiner Tischnachbarin, der endlos plaudernden schwäbischen Baronin, verpasst der Detektiv nur knapp den vermeintlichen Mord am Gatten der Gastgeberin, dem Baron von Zuckerberg.

Gut, seine gesundheitliche Verfassung war nicht mehr die Beste. Aber so plötzlich vornüber in die Maultäschlesupp zu fallen ist auch im Schwabenland nicht die feine englische Art zu sterben. Für Sherlock Holmes jedoch ist der bis dahin tödlich langweilige Abend gerettet.

Ein Mundartkrimi steht an, ein äußerst kniffliger Fall zudem, denn die Untersuchungsergebnisse schließen scheinbar jegliche Einwirkung von Gift aus. Die Befragung der Zeugen, des Gerichtsmediziners und einiger der Dinnergäste lässt so manches Unschuldslämmle im Saal verdächtig erscheinen.
Eifrig und bester Laune kurbelt der berühmte Detektiv seine kleinen grauen Zellen an. Schon greift "Schwäbische Schläue" um sich, doch führt den Meister so schnell kein falscher Häuslebauer hinters Licht. Für ihn liegt die Lösung des Falls natürlich alsbald klar auf der Hand. Wie immer lässt er uns jedoch noch eine Weile im Dunkeln tappen bevor der Mörder virtuos überführt wird.

Möglicherweise haben aber auch Sie bald die Lösung parat, denn Sie haben an diesem Abend ja auch noch ein Wörtle mitzureden.

Das 3-Gänge-Menü wird serviert vom Gastroteam im Kulinarium an der Glems/Römerhof. Ab 19 Uhr wird das Krimi Dinner eröffnet, das Kitzel für Nerven und Gaumen garantieren wird. Einlass ist um 18:30 Uhr.

Einlass: 18:30 Uhr / Menü und Theaterstück sind im Preis inbegriffen / Tisch- und Sitzplätze werden vor Ort zugewiesen

Die Deutsche Ayşe
von Tuğsal Moğul

„Mama, mach mal die Kühlschranktür auf und jetzt die Tür vom Tiefkühlfach, nimm das ganze Fleisch und Eis da raus und stecke jetzt mal deinen Kopf da hinein und bleibe eine Minute in dieser Position: So kalt ist Deutschland. Keine Sonne, viel Regen, und alle Leute am Arbeiten.“

Drei türkische Frauen aus der ersten Einwanderergeneration. Sie kommen in ein fremdes Land, das so ganz anders ist, als ihre Vorstellungen davon waren. Sie wollen nicht lange bleiben, und stehen doch vor der Herausforderung, sich mit ihrer neuen Heimat anzufreunden. Wie schwer ist es, sich in ein anderes Land zu integrieren? Und was tut dieses Land dafür? „Die deutsche Ayşe“ ist ein szenischer Beitrag zur immer wieder aufflammenden Debatte um das Gelingen von Integration. Autor Tuğsal Moğul portraitiert in seinem Stück drei starke Frauen, deren Lebensläufe auf der Bühne für sich selbst sprechen.

Tuğsal Moğul wurde 1969 in Neubeckum geboren. In seinem am Theater Münster uraufgeführten und 2013 zum interkulturellen Festival „Made in Germany“ nach Stuttgart eingeladenen Stück montiert er eigene Erinnerungen und die von ihm mit Einwanderern geführten Interviews zu einer lebensfrohen Revue über die Anfänge der Migration in Deutschland.

„Ein zeitlos-aktuelles, sensibles Stück, das man nicht so schnell vergisst.“ – WDR

„Was das Stück so angenehm macht: Es bildet die Realität ab, fern von ideologischen, kulturellen oder religiösen Diskussionen. Es erzählt einfach von drei Menschen, die Gutes und Schlechtes hinter sich ließen um Schlechtes und Gutes anderswo zu erfahren“ – Ludwigsburger Kreiszeitung

Es spielen: Larissa Ivleva, Anne Osterloh, Katja Schmidt-Oehm und Yavuz Köroglu

Beim Buchen von fünf Veranstaltungen ihrer Wahl, erhalten sie einen Rabatt von 30 % auf den Ticketgesamtpreis

Musiktheater nach Mozart und Schikaneder
Ein Projekt des Eberhard-Ludwigs-Gymnasiums

Die Zauberflöten-Handlung kombiniert die zwei großen dramenfähigen, seit der griechischen Antike immer wieder variierten politischen Hauptthemen. Die Verteidigung der Demokratie gegen die Tyrannis und die Verteidigung des Patriarchats gegen das Matriarchat. Natürlich ist im Geschlechterkrieg-Motiv schon die versöhnliche Lösung angelegt. Denn Männer und Frauen müssen ja über alle Verschiedenheiten hinweg immer wieder zusammenfinden, um – rein biologisch – den Fortbestand der Gattung zu sichern. Auch kommen beiden Geschlechtern bei der gewünschten rationalen Begegnung mit dem jeweils anderen immer wieder Gefühle (wie z. B. Mitleid und Liebe) dazwischen. Tatsächlich werden durch Mozarts Musik die textlich irritierenden, sehr dogmatischen Positionen („Ein Weib tut wenig, plaudert viel, du Jüngling glaubst dem Zungenspiel?“) von Sarastros Männerbund vermenschlicht und in Frage gestellt. Die Sache ist eben komplex, jedenfalls komplexer als im Märchen: Es gibt weder Gut noch Böse, höchstens die Kombination von beidem: die Behauptung und die Vermarktung des Guten.

Nicht zuletzt ist die Zauberflöte aber auch eine Variante des Orpheus-Mythos über die Macht und die schier unbegrenzten Möglichkeiten der Musik. Wir erleben in der Zauberflöte, wie Musik speziell jungen Leuten helfen kann, sich humanistisch zu bilden, die eigenen Ziele zu erreichen und erwachsen zu werden: Welches Stück könnte besser zu einem humanistisch-musikalischen Gymnasium passen?

Die Schülerinnen und Schüler werden bei dieser Produktion nicht einfach ein bereits existierendes, in sich geschlossenes Werk reproduzieren, sondern sich kreativ mit Mozarts Zauberflöte auseinandersetzen.
Sie sorgen also nicht nur für Bühne und Kostüme, spielen im Orchester und übernehmen als Choristinnen und Choristen und Solistinnen und Solisten auf der Bühne sämtliche Partien, sondern entwerfen auch neue Dialogszenen in deutscher Sprache.
Diese montieren wir in das Zauberflöten-Szenarium ein, um Szenen zu verbinden oder sie aus heutiger Sicht neu zu beleuchten. So bauen wir letztlich eine eigene Zauberflöten-Fassung, die sich ausgehend vom Übergang vom Ancien Régime zu einer neuen, bürgerlichen Ordnung mit der heutigen Situation auseinandersetzt.

Es spielen und singen Chor, Orchester und Solistinnen und Solosten des Eberhard-Ludwigs-Gymnasiums.

Leitung: Andrea Amann, Simon Amend, Sandra Niehaves, Dirk Siegel u.v.a.

Tickets sind ab Juni 2024 sowohl online als auch im Theater erhältlich

Johann Sebastian Bach / Charles Gounod
Ave Maria (für Orgel bearbeitet von Anna Lapwood)

Claude Debussy
Clair de Lune (für Orgel bearbeitet von Anna Lapwood)

Maurice Duruflé  
Prélude et Fugue sur le nom d'Alain

Philip Glass  
Mad Rush

Alan Menken
The Bells of Notre Dame aus The Hunchback of Notre Dame (für Orgel bearbeitet von Anna Lapwood)

Hans Zimmer 
Chevaliers de Sangreal aus The Da Vinci Code · Cornfield Chase aus Interstellar · No Time for Caution aus Interstellar (alle Stücke bearbeitet für Orgel von Anna Lapwood)

Olivia Belli  
Limina Luminis 

anschließend KünstlerTreff auf der Orgelempore

Geht das? Eine halbe Million Follower bei Instagram mit Orgel-Storys? Anna Lapwood hat es geschafft, und noch ist kein Ende abzusehen beim rasanten Bekanntheits-Aufstieg der immer fröhlich strahlenden »Associate« Organistin der Royal Albert Hall und Musikdirektorin am Pembroke College. Ihr Publikum beglückt sie nicht nur im Konzertsaal, sondern fesselt es auch mit ihren Beiträgen als Broadcasterin und Fernsehmoderatorin. Mit ihrem Konzertrepertoire will sie auch ein orgelfernes Publikum begeistern. Dabei spielen Bearbeitungen von berühmten Soundtracks fürs Kino eine Rolle, und so werden wir beim Orgelsommer erstmals Melodien des genialen Hans Zimmer in Orgeladaptionen erleben.

Preise
10 Euro (Schüler:innen, Studierende, Schwerbehinderte 5 Euro) 
10er Karte 80 Euro (Schüler:innen, Studierende, Schwerbehinderte 40 Euro)  
10er Karte für »Freunde der Stiftsmusik e.V.« 70 Euro (Abendkasse & Infostand) 
Abendkasse ab 18.15 Uhr
Bonuscard+Kultur-Inhaber erhalten an der Abendkasse eine Freikarte.

Kartenvorverkauf
Infostand in der Stiftskirche, Mo-Sa 10-13 Uhr (nur Barzahlung möglich). 

Abendkasse (ab 18.15 Uhr)
Karten an der Abendkasse ausreichend vorhanden, freie Sitzplatzwahl

Jeweils eine Karte für "König Ödipus" und "Antigone". Auswahl der Abende nach Wunsch.

Bis in die Gegenwart gilt „Die weiße Rose" als bekanntestes und symbolgebendes Beispiel für den studentisch-bürgerlichen Widerstand gegen das NS-Regime innerhalb Deutschlands. Darüber hinaus steht sie für moralische Lauterkeit, Mut, Zivilcourage und Opferbereitschaft im Einsatz für humanistisch-demokratische Ideale vor dem Hintergrund einer totalitären Diktatur. „Die weiße Rose" ist untrennbar mit den Namen der Geschwister Scholl und weiteren Akteuren verbunden.
Das Vaihinger Theaterhaus hat in seiner Inszenierung bewusst die Zeitkomponente außer Acht gelassen, da es sich die Frage stellt, welchen Nährboden es für die Wiederholung der Geschichte braucht. Bedauerlicherweise gibt es bis in die Gegenwart politisch Verfolgte – länderunabhängig.
Das Theaterhaus sieht es unter anderem als seine Aufgabe an, Themen, welche die Gesellschaft bewegen, auf die Bühne zu bringen. Sie setzen sich für Demokratie, Freiheit und Vielfalt ein.

Vor jeder Vorstellung findet um 20 Uhr eine 15-minütige Werkeinführung durch Regisseur Nico Wasserbäch statt.

Bei schlechtem Wetter findet die Veranstaltung in der evangelischen Stadtkirche statt. Fest gebuchte Sitzplätze können wir bei Umzug in die Stadtkirche nicht gewährleisten, sodass dann freie Sitzplatzwahl ist.

Das Mitbringen von Regenschirmen ist nicht gestattet.

Dauer der Veranstaltung ca. 120 Minuten inkl. einer Pause.

Wir akzeptieren den KulturPass der Bundesregierung.

Einlass ab 19.30 Uhr

Von der Suche nach der idealen Welt - Beethoven, Schiller und die europäische Idee. In Fragmenten und Bildszenen nähern sich Komponist und Dichter der Vision von Freiheit und Gleichheit, die in der Musik Beethovens ihre Projektionsfläche für das Streben nach europäischer Identität findet. Eine visuelle Zeitreise durch die europäische Geschichte sowie Einblicke in die Biografien der beiden Künstler Ludwig van Beethoven und Friedrich von Schiller verbinden sich mit Auszügen aus Beethovens 9. Sinfonie zu einem theatralen Diorama.
Ein Solo für zwei. Es spielt Andreas Weiner.

Dauer der Aufführung: ca. 70 Minuten, keine Pause

24h Service, geschrieben und inszeniert von Lea Fiedler und Tobias Ruscher inspiriert durch Motive des Drehbuchs „The Apartment“ von Billy Wilder und I. A. L. Diamond.

C. C. Buddenheimer (Luis Müller), ein Angestellter einer Cyber-Security-Firma, ist auf dem Weg
nach oben - karrieremäßig. Um seinen beruflichen Werdegang zu beschleunigen, unterstützt er seine Vorgesetzten auf unübliche Weise: immer wieder überlässt er ihnen seine Wohnung, damit sie sich dort mit ihren Affären treffen können. Als dies zum Leiter der Personalabteilung Hendrick Stahl (Moritz Keller) durchdringt, macht er Buddenheimer flugs zu seinem Protegé und der Aufstieg gelingt im Turbogang. Jetzt muss Buddenheimer nur noch das Herz der Security-Dame Olivia Nowak (Maja Hojs) erobern, dann scheint der Traum komplett.

Die Situation ist jedoch nicht so optimal wie sie scheint und die Dinge laufen schnell aus dem Ruder. Zwischen den wachsenden Erwartungen der Chefs, der eigenen Gesundheit, und der Anderer bleibt nicht viel Zeit zum Nachdenken. Nicht zuletzt mithilfe der Nachbarin Doktor Bernhard (Kirra Tiefenbrunner) wird Buddenheimer mehr und mehr klar: Er muss für seine Taten, so klein sie auch sein mögen, Verantwortung ergreifen, denn sie begünstigen ein ausbeuterisches System. So muss er sich entscheiden, zwischen Karriere und Anstand, Opportunismus und Menschlichkeit.

„24h Service“ setzt sich humorvoll mit ernsten Themen wie sozialer Gerechtigkeit, der Dichotomie von Ökonomie und Ökologie, sowie den Rollen von Mann und Frau in einem leistungsorientierten System auseinander.

Inspiriert wurde das Stück durch die Motive des Filmklassikers „Das Appartment“ von Billy Wilder, mit Jack Lemmon und Shirley MacLaine in der Hauptrolle. Ein Film, der schon 1960 viele der erwähnten Themen in seinem Narrativ verankert hat und diese durch sympathische Darsteller und großem Wortwitz präsentiert, wodurch er noch heute als zeitloses Meisterwerk gilt.

Das Stück macht sich diese Zeitlosigkeit zum Konzept: die subversiven Themen werden zeitgemäß herausgearbeitet und weitergedacht. Die Inszenierung erzeugt dafür einen Kontrast zwischen minimalen Formen auf der Bühne und grandiöser Immersion durch Projektion und Ton, in dessen Spannungsfeld sich der Mensch befindet - ein moderner, gläserner Mensch. Ein Mensch, der in einer Wohnung ohne Türen lebt, auch wenn sie durch die Imitation des Tons vorgegeben werden, in die jedoch ständig von außen eingedrungen werden kann. Auch die bewusst mithilfe von KI generierten Projektionen, die den simplizistischen Bühnenraum aufbrechen, erzeugen lediglich die Illusion von Privatsphäre, durch die das Ziehen echter, für das soziale Miteinander notwendiger Grenzen, unheimlich erschwert wird.

In dieser dauerhaften Zerstreuung der Virtualität wird einzig die Live-Begleitung der Handlung durch ein Bar-Piano auf der Nebenbühne zum intimen Anker, der die tatsächlichen Gefühlswelten der Figuren, ihre Bedürfnisse und Motive erlebbar macht. Dass die gesellschaftlichen Dimensionen von Abhängigkeitsbeziehungen und Grenzüberschreitung sich auch auf sozialer Ebene in allen Figuren wiederspiegelt, unterstreicht die essentielle Fragestellung von „24h Service“: Wie lernt man in und zu einem System „Nein“ zu sagen, von dem man selbst nutznießt - und was sind die Folgen, wenn man dieses gesunde „Nein“ nicht erlernt - oder es andererseits gar noch nie gehört hat? Es entstünde die Maschine Mensch - rundum die Uhr im Dienst: 24 Stunden Service!

Regisseur Tobias Ruscher, 35 Jahre, blickt auf eine lange Liste von Projekten im Bereich Film, Musical und Theater zurück, oftmals unter dem gebürtigen bzw Künstlernamen Tobias Kerll bzw Toby Oliver und hat bei der Produktion der Rockoper „Die schwarze Mühle“, bei der er als Darsteller und Regieassistent mitwirkte, eine neue kreative Wirkstätte in der Jungen Bühne Sindelfingen gefunden. Schon bald entstand die Idee zu einem eigenen Theaterstück. In Jungregisseurin Lea Fiedler, 23 Jahre, ebenfalls theater- und filmerfahren, wurde die richtige Partnerin gefunden, um gemeinsam ein solch ambitioniertes Stück zu konzipierten, zu schreiben und zu inszenieren, wie es „24h Service“ geworden ist.

Es ist die erste Produktion der beiden für die Junge Bühne Sindelfingen und wurde, neben dem grundliegenden Überzeugung davon, dass dies die richtige Geschichte zur richtigen Zeit ist, ausgewählt, da es sowohl auf die Stärke der Darstellenden, als auch auf den technischen Erfindergeist der Jungen Bühne baut.

Einlass: 19:00 Uhr

Ein Heinz-Erhardt-Abend zusammengestellt von Uwe Hoppe

Heinz Erhardt - heiter-besinnlich, betrunken und gesungen.

Sein Leben in Liedern, Gedichten, Getränken und Geschichten

„Noch ‚n Gedicht“ war eines seiner Markenzeichen, neben des Unbeholfenen, Trotteligen und Biederen, das er verkörpern konnte wie kein Zweiter. Die Rede ist hierbei natürlich von Heinz Erhardt, der nicht nur zu seinen Lebzeiten, sondern über seinen Tod hinaus seinen Ruhm gehalten hat. Ein Jahr nach seinem 40. Todesjahr kommen seine Gedichte und Lieder wieder auf die Bühne - zusammengestellt von Uwe Hoppe.

Noch während er im großelterlichen Musikgeschäft lustlos arbeitete, galt Heinz Erhardt als Geheimtipp für private Feiern in Riga - wo er geboren und aufgewachsen war. Doch der Ruhm sollte sich erst einstellen, nachdem er die Liebe seines Lebens, Gilda Zanetti, geheiratet hatte und sie gemeinsam mit ihren vier Kindern den zweiten Weltkrieg überlebt hatten. Über das Radio bahnte sich Erhardt seinen weg auf die Filmleinwand und wurde somit unsterblich.

Sein Humor ist zeitlos und begeistert bis heute Menschen jedweden Alters. Das liegt wohl vor allem an seinen kreativen Wortspielen und klug verdrehten Redewendungen.

Kein Wunder, dass er den zweiten Platz der zehn nachhaltigsten Comedians belegt.

Regie und Bühne: Uwe Hoppe

Es spielen: Charis Hager, Lou Bertalan, Ambrogio Vinella

Auf Russisch
Ein hermetisch verschlossenes Stück, wo die Fragen nach dem Sinn des Lebens ohne Antwort bleiben,

Karte berechtigt zur Fahrt zur Veranstaltungsstätte mit VVS-Verkehrsmittel (2. Kl.) ab 3 Stunden vor Vorstellungsbeginn und zur Rückfahrt bis 5 Uhr des Folgetages. VVS-Ticket ist nicht übertragbar.

Einlass ab 17:30 Uhr

...heißt das bewährte Programm des schwäbischen Kabarettisten. Gezeigt werden Alltagssituationen, deren Helden jedermann vertraut sind: detailverliebte Fahrkartenkäufer, unbesiegbare Technikjünger, Helikoptereltern und überforderte Hausmänner.

Doch gelingt es Keuler, die alltägliche Szenerie in ein ziemlich schräges Licht zu tauchen und so dem Gewohnten überraschende Perspektiven abzugewinnen. Und dies ohne Requisiten, Kostüm oder Maske. Keulers Markenzeichen ist ein Sprachwitz, der teils derb-komisch, teils zielgenau entlarvend und teils verspielt daherkommt. Das Personal auf der Bühne ist unverkennbar im Schwäbischen angesiedelt, doch könnte sich das Geschehen auch in anderen Teilen der Republik abspielen.

Diese Veranstaltung ist bereits ausverkauft.

Ein sprühendes Programm, das die Zuhörer ansteckt und mitreißt, bringt die spielfreudige Folkband Colludie Stone auf die Bühne. Bereits seit über 10 Jahren ist die aktive und erfolgreiche Gruppe im süddeutschen Raum sowie darüber hinaus bekannt, und ihre ganz eigene musikalische Handschrift ist inzwischen unverkennbar. Sie bürgt für stilechten Irish-Celtic Folk mit traditioneller Instrumentierung.
Zum Einsatz kommt eine große Bandbreite an irischen Folkinstrumenten, denen die Musiker einen breit gefächerten Klangteppich entlocken. Mit spürbarer Liebe und großer Begeisterung tragen die vier Musiker eine Vielfalt von Songs, Tunes und Balladen vor. Dabei interpretieren sie traditionelle Stücke oftmals erfrischend neu durch eigene Arrangements, und in der Mischung mit modernen Songs wird das Programm zu einem musikalischen Leckerbissen.

Die Musiker sorgen für Augenblicke tiefer Verbundenheit mit der Lebenswelt und dem Rhythmus des Landes der kräftig grünen Wiesen. Damit haben die äußerst aktiven und kreativen Musiker mittlerweile Erfolg. Zwei bisher erschienene CDs – „Native Land“ (2015) und „Streetwise“ (2019) erhielten in der einschlägigen Presse beste Kritiken. So wird der Gruppe ein „nicht nur spieltechnisch, sondern auch vom Sound her ein sehr hohes Niveau“ bescheinigt.

Einlass 19:00 Uhr

Sommer der Künste.

Die Villa Massimo zu Gast in Stuttgart.

Oscar Bianchi: Pozzanghere I mezzo seccate

für Sopran, acht Instrumente und Elektronik (2023) DE

Ondřej Adámek: Let me tell you a story

für Sänger und Ensemble (2023) DE

Marko Nikodijević: grid/index [III]

für Ensemble (2015)

Katrina Felsberga, Sopran (Bianchi)

Shigeko Hata, Stimme (Adamek)

Ensemble Modern

Leitung Michael Wendeberg

Klangregie Felix Dreher

Live-Elektronik Johannes Regnier

Oscar Bianchi hat ein reiches Spektrum szenischer und konzertanter Musik erarbeitet. Mit Gespür für dramatische Gesten sind seine Werke von unerwarteten Kontrasten zwischen schwelgerischer Virtuosität und kontemplativem Stillstand geprägt. In pozzanghere | mezzo seccate (Wasserpfütze | halb vertrocknet) entfaltet er auf der Suche nach einem neuen Beziehungsparadigma zwischen der Stimme und dem Instrumentalensemble ein Klangkontinuum, in dem er erforscht, was man über die Stimme erzählen kann und wie sie jenseits des Semantischen oder Lyrischen das Hören für andere außermusikalische Wahrnehmungen öffnet.

Die Musik von Marko Nikodijevic ist geprägt von Gegensätzen (Computeralgorithmus und Subjektivität, geometrische Raster und historisches Material) und der Faszination für Minimal Techno („abstrakt, geometrisch, semantiklos, ästhetisch, zeitlos“). Sein Zyklus grid/index ist eine riesige Sammlung sämtlicher zweidimensionaler Gitter und Muster, die in zunehmender Komplexität angeordnet sind und deren flache Oberfläche bei längerer Betrachtung eine virtuelle Tiefe offenbart. grid/index ist inspiriert vom visuellen Kompendium des Künstlers Carsten Nicolai.

In seiner musikalischen Sprache bezieht Ondrej Adámek häufig Elemente entfernter Kulturen ein. Sein Werk Let me tell you a story ist inspiriert von Pansori, einem theatralisch-epischen Vokaltheater aus der koreanischen Volksmusik. Hier ist es die Geschichte eines jungen Kaufmanns, der an seiner Obsession für einen mystischen schwarzen Stein zugrunde geht, erzählt von Sjón, einem großen Geschichtenerzähler aus dem nordatlantischen Raum.

Das Festival ist eine Kooperation zwischen

architekturgalerie am weissenhof, Bund Deutscher Architekten und Architektinnen, BDA Baden-Württemberg, Deutsche Akademie Rom Villa Massimo, Kunstmuseum Stuttgart, Literaturhaus Stuttgart, Musik der Jahrhunderte, Staatsgalerie Stuttgart, Städtebau-Institut Universität Stuttgart, Ministerium für Wissenschaft, Forschung und Kunst Baden-Württemberg

STEVE HACKETT
2024 mit “Genesis Greats, Lamb Highlights & Solo” zurück in Deutschland!

Der legendäre Gitarrist Steve Hackett kommt mit seiner neuen Show „Genesis Greats, Lamb Highlights & Solo“ zurück nach Deutschland. Neben seinem Headlinerauftritt am 20.7. beim Night of the Prog Festivals kündigt er fünf weitere Auftritte an!

Seine neue Show feiert das 50-jährige Jubiläum von „The Lamb Lies Down On Braodway“ und Steve Hackett bietet eine Auswahl von Highlights aus diesem kultigen Genesis-Album.
Steve Hacketts zeitlose Gitarrenkunst zog sich wie ein roter Faden durch die klassischen 70er-Jahre-Alben von Genesis. In den letzten Jahren haben er und seine hervorragende Tournee-Besetzung, bestehend aus Roger King (Keyboards), Nad Sylvan (Gesang), Jonas Reingold (Bass, Backing Vocals), Rob Townsend (Saxophon, Flöten, zusätzliche Keyboards) und Craig Blundell (Schlagzeug), viele dieser Alben unter großem Beifall zurück in die Konzertsäle gebracht. Viele Fans haben sich weitere Titel von The Lamb gewünscht. Wie könnte man ein halbes Jahrhundert dieses bemerkenswerten Albums besser feiern als mit einer Auswahl von Lamb-Highlights neben einigen von Hacketts besten Soloarbeiten und unerlässlichen Genesis Klassikern.

"I am looking forward to present parts of my new concept album “The Circus And The Nightwhale”, which will come out in February, and also ´The Lamb Lies Down on Broadway´ favourites as well as other iconic Genesis numbers", so Steve Hackett.

Sein neues Konzeptalbum „The Circus And The Nightwhale“ wird am 16. Februar 2024 über InsideOut erscheinen und kann ab sofort vorbestellt werden.

Biergarten ab 17:00 Uhr / Einlass: 18.30 Uhr