„Sterben heißt besser zu leben.“

STARDUST ist eine partizipative Installation mit Performances. Sterben wird als einen Akt der Ermächtigung, Selbsttransformation und radikalen Fürsorge betrachtet, um mit den sozialen, politischen und ökologischen Krisen umzugehen, mit denen wir derzeit konfrontiert sind. STARDUST ist eine künstlerische Meditation über das Sterben und das Leben. Es möchte einen Einblick geben, wie eng Menschen miteinander und der ganzen Natur verbunden sind. Indem wir sterben, lassen wir auch die uns eingeschriebenen Machtstrukturen sterben. Dies könnte den Raum für eine Zukunft, die fürsorglicher, sowie sozial und ökologisch gerechter ist, öffnen.

Über einen Zeitraum von 8 Tagen entfaltet sich STARDUST als eine interaktive, sensorische und lebendige Installation. Die Besucher*innen sind eingeladen, Trauerreden über sich selbst zu schreiben, einem Audioguide („Instructions for Dying“) anzuhören oder sich an einem intimen Gespräch über das Sterben zu beteiligen. Die übergreifende Erzählung folgt den 8 Stadien der Transformation des Todes im tibetischen Buddhismus: Erde, Wasser, Feuer, Luft, weißes Licht, rotes Licht, schwarzes Licht und klares Licht. Als Teil der Installation werden 7 Performer*innen (zwischen 30 - 64 Jahre alt) ihre individuellen Sterberituale vorführen. Ihre Themen reichen von kollektiver Bestattung, Loslassen und Verschwinden bis hin zu Heilung, Erinnerung und Verbundenheit. Am letzten Tag führen sie ein Gruppenritual durch, bei dem alle entstandenen Trauerreden zu Staub werden - eine Erinnerung daran, dass wir alle aus Sternenstaub gemacht sind.

Dauer:
30 Minuten

ENGLISCH:
“To die means to live better.”

STARDUST is a participatory installation-cum-performance. It looks at dying as an act of empowerment, self-transformation and radical care to address the social, political and ecological crises that we are currently facing. STARDUST is as much an artistic meditation on dying as it is on living. It hopes to give a glimpse of how closely interconnected we are to each other, as well as to the natural world. By dying, we also let the power structures inscribed in us die, opening up the space for a future that is more caring and socially and ecologically just.

Over a period of 8 days, STARDUST unfolds as an interactive, sensorial and living installation. Visitors are invited to write their own eulogies, listen to an audio guide (“Instructions for Dying”) or join in an intimate conversation about dying. The overarching narrative follows the 8 stages of death transformation in Tibetan Buddhism: Earth, Water, Fire, Air, White Light, Red Light, Black Light and Clear Light. As part of the installation, 7 performers (30 - 64 years old) will perform their individual dying rituals. Their themes range from collective burial, letting go and disappearance to healing, remembering and connectedness. On the final day, they perform a group ritual, in which all the eulogies created are turned into dust – a reminder that we are all made of stardust.

Duration:
30 mins


Künstlerische Leitung & Choreografie: Ming Poon
Performance: Veronika Heisig, Lee Mun Wai, Birte Opitz, Vera Shchelkina, Hilla Steinert, Lisa Stertz, hugo-huga x tibiriçá
Choreographische Assistenz: Nora Tormann
Bühnenbild: Sichi Li
Bühnenbildassistenz: Sangyeon Lee
Kostüme: Tin Wang
Lichtdesign: Raquel Rosildete
Lichtdesign-Assistenz: Alexandra Úhlarová
Video & Projektiondesign: Harshini J. KarunaratneSounddesign: Haesoo Jung
Stimme (Audioguide): AngieM (EN), Sandra Hetzl (DE)
Technische Leitung: Frieder Miller
Betreuungsperson & Sterbegefährtin: Alessa Rhode
Audiodeskription: Irene Baumann
Audiodeskription Co-Autorin: Johanna Krins
Relaxed Performance: Agnieszka Habraschka
Grafikdesign: Hung Kieu
Videodokumentation: Isabelle Schmitz
Fotodokumentation: Olivia Kwok
Öffentlichkeitsarbeit: Marcelo Vilela da Silva
Pressearbeit: Tom Müller-Heuser
Produktionsleitung: MIFRUSH Production (Micaela Trigo & Urszula Heuwinkel)
Produktionsassistenz: Nur Bildik

Produktion: Ming Poon
Koproduktion: MIFRUSH Production
Gefördert durch: Hauptstadtkulturfonds

Der Audioguide „Instructions for Dying“ wurde von Tanz im August / HAU Hebbel am Ufer (2023) beauftragt.

Besonderen Dank an Dandan Liu und SOEX Textil-Verwertungsgesellschaft m.b.H. für die großzügige Unterstützung.

Ticket gültig für Installation + Performance

Ein Psychothriller von Sebastian Fitzek
Regie: Thomas Wingrich

23 sind es jedes Jahr weltweit, die während einer Reise mit einem Kreuzfahrtschiff verschwinden. 23, bei denen man nie erfährt, was passiert ist. Noch nie ist jemand zurückgekommen. Bis jetzt, bis auf Anouk, einem Mädchen, das vor einem halben Jahr mit seiner Mutter verschwand. Anouk, die wieder auftaucht. In ihrem Arm hält sie einen Teddybär. Und es ist nicht ihr eigener. Der mysteriöse Anruf kommt mitten während eines Einsatzes. Der Polizeipsychologe Martin Schwartz muss sofort nach England reisen und an Bord des Kreuzfahrtschiffs „Sultan of the Seas” kommen. Nie wieder wollte er ein Schiff betreten, nie wieder seine zerstörte Seele den Qualen der Erinnerung aussetzen. Vor fünf Jahren ist sein Sohn mit seiner Frau auf eben diesem Kreuzfahrtschiff verschwunden, niemand hat etwas gesehen, die Polizei ging von Selbstmord aus. Doch nun soll es Hinweise darauf geben, was seiner Familie zugestoßen ist: Kein Zweifel, es ist der Teddy seines Sohnes. Für ihn bricht erneut eine Welt zusammen, der Alptraum, von dem er dachte, er könnte nicht schlimmer werden, fängt erst an. Das Schiff legt ab, begibt sich auf den Weg nach New York. 3.000 Passagiere, ein traumatisiertes Mädchen, ein zutiefst verstörter Polizeipsychologe – und ein Mörder auf der Jagd.

Eine Party für jedermann gibt es nicht? Gibt es doch! Auf unseren Partybooten treffen sich Jung und Alt und feiern gemeinsam. Tanzen bis zum Abwinken zu aktuellen Hits, Disco-Klassikern und beliebten Schlagern – unsere DJs sorgen dafür, dass für jeden etwas dabei ist. Was gibt es Schöneres, als ausgiebig zu feiern und dabei die beste Aussicht auf das Nachtleben vom Wasser aus zu genießen?

inkl. Schifffahrt, Welcome Drink, DJ + Tanz

Einlass: 18:30 Uhr

Wenn ABBA mit Boney M. auf der Bühne stehen, dann sind die 70er-Jahre zum Greifen nah! Die Party-Show nimmt das Publikum mit auf eine Zeitreise in das schrillste Jahrzehnt – in die Zeit der psychedelischen Tapeten, der Bonanza-Räder und mitreißenden Hits. Im ersten Teil werden die Hits von ABBA wie "Waterloo", "Mamma Mia", "Fernando" und "Take a Chance On Me" präsentiert – von einer Formation, die den Schweden nicht nur ähnlich sieht, sondern auch vom Gesang her mit ihren Vorbildern übereinstimmt. Im Anschluss präsentieren vier erstklassige Künstler die Hit-Gruppe "Boney M." mit einer ausgelassenen Bühnenshow. Erfolgshits wie "Rivers of Babylon" und "Daddy Cool“ garantieren beste Stimmung.

Einlass: 19:00 Uhr

Anfang September 2024 eröffnet im Gropius Bau die Ausstellung DAS GLÜCK IST NICHT IMMER LUSTIG des Künstlers Rirkrit Tiravanija, der mit seiner Praxis den konventionellen Kunstbegriff erweitert hat und Situationen schafft, in denen soziale Interaktionen und sinnliche Erfahrungen verhandelt werden. Seit den frühen 1990er Jahren lebt Tiravanija teilweise in Deutschland und hat immer wieder künstlerische Arbeiten entwickelt, die sich mit kulturellen Eigentümlichkeiten, Migration und der politischen Gegenwart des Landes beschäftigen. DAS GLÜCK IST NICHT IMMER LUSTIG versammelt erstmals diese Werke, die auch die Bedeutung von Berlin und Deutschland als Ort künstlerischer Produktion für Tiravanija zeigen. Der Titel der Ausstellung ist dem Vorspann von Rainer Werner Fassbinders Film Angst essen Seele auf von 1974 entliehen, dessen Schilderung von anti-arabischem Rassismus gegen den sogenannten Gastarbeiter Ali heute, 50 Jahre später, erschreckend aktuell ist. Die umfangreiche Ausstellung umfasst Arbeiten auf Papier, Skulpturen, Fotografien, Multiples und eine Auswahl selten gezeigter Super-8-Filme sowie regelmäßige Aktivierungen zentraler ephemerer und partizipatorischer Arbeiten des Künstlers von den 1980er Jahren bis heute. Dabei steht die Sprengkraft seiner Praxis immer im Mittelpunkt: Institutionelle Grenzen und Kategorien werden ausgetestet; es wird laut, es wird gekocht, gegessen und gespielt.

Kuratiert von Jenny Schlenzka, Yasmil Raymond und Christopher Wierling

Montag 12:00–18:00 Uhr Dienstag geschlossen Mittwoch 12:00–18:00 Uhr Donnerstag 12:00–18:00 Uhr Freitag 12:00–18:00 Uhr Samstag 12:00–18:00 Uhr Sonntag 12:00–18:00 Uhr

Im Jubiläumsprogramm 75 Jahre Stachelschweine „Ich hab´ noch einen Tesla in Berlin“ von Frank Lüdecke und Sören Sieg wird eine Zukunftsvision des Jahres 2029 erzählt.
Die neue Bundeskanzlerin Sahra Wagenknecht gerät zunehmend unter Druck, weil die Staatsverschuldung unaufhaltsam voranschreitet.
Das Käsebrötchen kostet 14 Euro, BASF und Bayer sind nach Asien ausgewandert, VW und BMW gehören zu Tesla. Die Kreditwürdigkeit der Bundesrepublik wurde auf BB heruntergestuft, die Steuern gehen zur Hälfte für Zinszahlungen drauf.
Da hat die Bundeskanzlerin eine Idee. Mit einer einzigen Maßnahme, so rechnet sie vor, können alle ihre Wahlversprechen finanziert werden: Rente ab 55, kostenloser öffentlicher Verkehr und Mietendeckel auf dem Stand von 1989. Es ist der „Geheimplan Berlin“. Die Hauptstadt soll als Tafelsilber Deutschlands verkauft werden. Ein Elektroautohersteller, Betreiber von Sprachnachrichten-diensten, Mars-Raketen und Gehirnimplantaten schlägt sofort zu…

Zum 75. Jubiläum legen DIE STACHELSCHWEINE ein Programm vor, das schwarzen Humor elegant mit Berliner Gelassenheit verknüpft. Wenn alles in Panik gerät, wissen wir: Niemand hat die Absicht, Berlin zu verkaufen!

Mit Santina Maria Schrader, Mirja Henking, Sebastian Stert.

Feiern Sie das 25-jährige Jubiläum von "One Piece" mit einem besonderen Orchesterkonzert - der ONE PIECE Musiksinfonie! Das meisteOrchesterkonzert - die ONE PIECE Musiksinfonie! Die schönsten Momente der beliebten Fernsehserie werden auf eine Riesenleinwand zu den Klängen eines Orchesters mit 50 Musikern projiziert!

Es ist an der Zeit, "One Piece" und sein 25-jähriges Jubiläum sowohl mit Action als auch mit Emotionen zu feiern, mit einem kompletten Orchester, das die Musik von "One Piece" live auf der Bühne spielt, während die besten Momente aus dem Anime in perfekter Synchronisation auf eine riesige Leinwand projiziert! Erlebe die besten Momente der Strohhut-Crew zusammen mit dem Sound der lebendigsten Musik der Serie!

Die Welttournee zum 25-jährigen Jubiläum von One Piece" der ONE PIECE Music Symphony präsentiert ein neues Programm mit den denkwürdigsten Momenten aus den vergangenen 25 Jahren der TV-Serie - vom Jahren - vom Zusammentreffen aller Mitglieder der Strohhut-Crew bis hin zu den jüngsten Episoden - in einem Filmkonzert Filmkonzert mit Projektion auf eine Riesenleinwand! Das Musikprogramm enthält die Lieblingssongs der Fans, wie "We Are!", "Sai sai saikyo!!!", "Oitsumerareta" und "Binks no Sake", sowie einige neue Stücke die speziell für diesen Anlass aufgenommen wurden.

Zum 25. Jubiläum des ikonischen Anime "One Piece" bietet sich Liebhabern der Serie die einmalige Gelegenheit, die Magie und das Abenteuer in einem außergewöhnlichen Format zu erleben. Begeisterte Anhänger dürfen sich auf ein spektakuläres Orchesterkonzert freuen, das die unvergesslichsten Momente von "One Piece" auf einer riesigen Leinwand zum Leben erweckt, begleitet von den leidenschaftlichen Klängen eines 50-köpfigen Orchesters, der ONE PIECE Music Symphony. Diese besondere Aufführung findet in Berlin am Samstag, den 26. Oktober 2024, statt und verspricht, ein unvergleichliches Erlebnis zu werden.

Das Konzert in Berlin ist Teil einer weltweiten Tournee, die das 25-jährige Bestehen von "One Piece" zelebriert und ein neues Programm präsentiert, das die Highlights und die Entwicklung der Serie über die letzten zwei Jahrzehnte umfasst. Mit beliebten Songs wie „We Are!“, „Sai sai saikyo!!!“, „Oitsumerareta“ und „Binks no Sake“, ergänzt um einige neu komponierte Stücke für dieses Jubiläum, wird das Event ein Fest für die Sinne und ein Muss für jeden Fan der Serie sein.

Die ONE PIECE Music Symphony, das einzige offizielle "One Piece" Konzert, entstand in direkter Zusammenarbeit mit dem ursprünglichen Komponisten Kohei Tanaka und steht unter Lizenz von TOEI ANIMATION. Seit dem Beginn der Konzertreihe sorgte diese weltweit für ausverkaufte Säle und wurde von renommierten nationalen Orchestern aufgeführt. Mit einer perfekten Synchronisation von Bild und Ton transportiert die Show die Zuschauer direkt in die Welt von Monkey D. Luffy und seiner Strohhutbande, um ihre abenteuerlichen Reisen und Kämpfe auf hoher See neu zu erleben.

Das Event bietet eine einzigartige Gelegenheit, die lebendige Welt von "One Piece" durch die majestätische Kraft eines Symphonieorchesters zu erleben, und markiert einen Höhepunkt in der Geschichte des Animes. Fans und Neulinge gleichermaßen sind eingeladen, Teil dieser Feier zu sein und die Abenteuer der Strohhutbande auf eine Weise zu erfahren, wie sie noch nie zuvor präsentiert wurde.

One Piece", das epische Anime-Abenteuer um den Piraten Monkey D. Luffy und seine bunte Crew auf der Suche nach dem legendären Schatz "One Piece", begeistert seit über zwei Jahrzehnten Fans weltweit. Zum 25. Jubiläum dieser ikonischen Serie wird die ONE PIECE Music Symphony vorgestellt, ein außergewöhnliches Orchesterkonzert, das die unvergesslichen Geschichten und Charaktere von "One Piece" musikalisch zum Leben erweckt. Auf einer riesigen Leinwand werden die denkwürdigsten Szenen der Serie gezeigt, während ein 50-köpfiges Orchester die herzergreifende Musik spielt, die die Fans so lieben. Dieses Konzert bietet eine einzigartige Gelegenheit, die Welt von "One Piece" auf eine ganz neue, musikalisch eindrucksvolle Weise zu erleben.

Der Verkauf wird in Kürze fortgesetzt.

DA STEHT EIN SCHOLZ AUF´M FLUR (immer noch)
Nur noch Stress! Und die Bundestagswahlen rücken näher.
Aber wen dann wählen. Einen von den Einsilbigen? Scholz?
Merz? Krenz? Nee, hatten wir schon. LUTZ ANDRES und
ANDREAS ZIEGER vom Potsdamer Kabarett haben dazu
für Sie das richtige Programm, a little bit Politik,
a little bit Nonsens.
Aber ist das nicht das gleiche?
Kommen Sie und probieren Sie das mal aus!

Tanz, Keine Sprache, Festsaal, Ca. 50 Min.

Thibault Lac wagt sich in einer campy Träumerei mit Hang zum Sentimentalen in ein sumpfiges Gebiet, das zugleich abstoßend und verführerisch ist. Eine Reihe von Geistern, altmodischen Archetypen und zeitgenössischen Mythologien kreuzen sich an der Schwelle verschiedener Zeitlichkeiten. Es entfaltet sich ein subjektives Pantheon hybrider Phantasien, in dem persönliche und kollektive Erinnerungen verwoben sind. Blue Roses ist wie eine Gedichtsammlung, ein Herbarium oder ein Blumenstrauß konzipiert und wird in einem Tanz zwischen Groteske und Melancholie komponiert, zersetzt und neu zusammengefügt.

Eine Produktion von Thibault Lac und Rocinante in Koproduktion mit Belluard Bollwerk, Ménagerie de verre und CND Centre national de la danse – Pantin. Medienpartner: Berlin Art Link, Missy Magazine, Siegessäule, taz.

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Dance, No language, Festsaal, ca. 50 min.

In a camp reverie that embraces its sentimental edge, Thibault Lac ventures into swampy territory, at once repulsive and seductive. An array of ghosts, old-fashioned archetypes and contemporary mythologies intersect on the threshold of different temporalities. A subjective pantheon of hybrid fantasies unfolds, navigating personal and collective memories. Conceived as a poem collection, a herbarium or a flower bouquet, Blue Roses is composed, decomposed and recomposed in a dance that brings together grotesque and melancholy.

A production by Thibault Lac and Rocinante in co-production with Belluard Bollwerk, Ménagerie de verre and CND Centre national de la danse – Pantin. Media partners: Berlin Art Link, Missy Magazine, Siegessäule, taz.

Bild/Photo: © Camille Leprince

Individuen sind eingebunden in komplexe gesellschaftliche Entwicklungen und suchen darin nach Sinn, Orientierung, konkretem Verhalten und Handeln. Polarisierung und Empathie sind dabei mögliche Umgangsweisen gesellschaftliche Wirklichkeit zu verarbeiten.

In beiden Begriffen stecken positive und negative Seiten. Polarisierung entfaltet eine negative Kraft, wenn sie dazu führt, dass kein Dialog, kein Diskurs mehr möglich ist. Polarisierung kann aber auch als kreatives Mittel dafür eingesetzt werden, eine offene Auseinandersetzung zu führen, um neue Lösungen zu finden.

Die Fähigkeit zur Empathie ist sehr wahrscheinlich eine natürliche Anlage des Menschen und bildet die Grundlage, auf der Wissen über sich selbst und andere erzeugt wird. Empathie kann allerdings auch für Menschen gehegt werden, die reaktionäre, intolerante oder sehr egoistische Ziele verfolgen. Exponierte Beispiele wären Jair Bolsonaro oder Donald Trump.

Beide Begriffe handeln von Beziehungen zwischen Menschen und gesellschaftlichen Gruppen. Wahrnehmung, Bewegung und aktives Handeln sind Essenziel für die Entstehung von Empathie. Gesellschaftliche Polarisierung wird über Körper ausgetragen, die selbst in ihren Körpersystemen aus polaren Strukturen bestehen. Über den Körper, die Interaktion der Tänzer*innen, die Choreografie und über die Livemusik entstehen mit dieser Performance Bilder, Atmosphären, Energien, in denen sowohl Polarisierung als auch Empathie als vielschichtiges Spannungsfeld thematisiert wird, das Nützliches und Gefährliches, Utopisches und Rückwärtsgewandtes in sich trägt.

Dauer:
70 min ohne Pause


ENGLISCH
Individuals are involved in complex social developments and search for meaning, orientation, concrete behavior and action. Polarization and empathy are possible ways of dealing with social reality. There are positive and negative sides to both terms.

Polarization develops a negative force when it leads to dialogue and discourse no longer being possible. But polarization can also be used as a creative means of conducting an open debate in order to find new solutions.

The ability to empathize is very likely a natural human trait and forms the basis on which knowledge about oneself and others is generated. However, empathy can also be nurtured for people who pursue reactionary, intolerant or very selfish goals. Prominent examples would be Jair Bolsonaro or Donald Trump.

Both terms deal with relationships between people and social groups. Perception, movement and active action are essential for the development of empathy. Social polarization is carried out through bodies, which themselves consist of polar structures in their body systems. Through the body, the interaction of the dancers, the choreography and the live music, images, atmospheres and energies are created in which both polarization and empathy are addressed as a complex field of tension that contains both useful and dangerous, utopian and backward-looking elements.

Duration:
70 mins without break


Konzept und Raum: Dieter Baumann, Jutta Hell
Choreografie, Inszenierung: Jutta Hell
Tanz, Kreation: Zoé Alibert, Liza Alpizar Aguilar, Dieter Baumann, Carlos Osatinsky, Fernando Pelliccioli, Anja Sielaff, Xuan Shi,
Komposition und Live Musik: Alexander Nickmann
Licht: Fabian Bleisch
Kostüm: Jutta Hell
Kommunikation: k3 Heike Diehm


Produktion: Tanzcompagnie Rubato, gefördert vom Hauptstadtkulturfonds, in Kooperation mit den Uferstudios Berlin. Projektrecherchegefördert durch die Beauftragte der Bundesregierung für Kultur und Medien im Programm NEUSTART KULTUR.

Die Geschichte ist nicht zu Ende, die Geschichte geht weiter. An meine Tochter. Glück und Wahnsinn gehen weiter. Meine Mutter ist weiß, Deine Schwarz. Ich bin am Westpol aufgewachsen, Du in einer Weltstadt. Meinst Du, die Geschichte ist damit vorbei? Berlin ist so groß, so frei, so provinziell gewaltsam.

Die halbe Stadt war der Kosmos meiner Kindheit; mit Brathähnchen-Ausflug in die andere Galaxie. Sind Privilegien von kurzer Dauer? Öffnen sie den Horizont oder verblenden sie? Wem gehört die ganze Stadt? Für wen ist sie gemacht? Für Dich, für uns? Schwarze Berlinerin. Ich möchte, dass Dir ein paar Erfahrungen erspart bleiben. Aber wie?

Auf meinen Schultern ist eine Soloperformance des Tänzers und Choreografen Raphael Moussa Hillebrand, seine erste am Ballhaus Naunynstraße. Ausgehend von seiner Erfahrung, im Berlin der 1980er und 90er Jahre aufgewachsen zu sein, unternimmt er den Versuch, die eigene Lebenserfahrung in eine Form zu bringen, so dass die nächste Generation und das eigene Kind daran anknüpfen können – eine getanzte, gebreakte, gesprochene und performte Weitergabe, musikalisch begleitet von dem Cellisten Eurico Ferreira Mathias.

Foto: Zé de Paiva

Eine Produktion von Kultursprünge im Ballhaus Naunynstraße gemeinnützige GmbH. Die Erstproduktion wurde aus Mitteln der Senatsverwaltung für Kultur und Gesellschaftlichen Zusammenhalt des Landes Berlin sowie durch den Fonds Darstellende Künste aus Mitteln der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien gefördert.

Rubin de la Ana y compañia 
Baile: Lorena Caballero Cazalla, Jerez/Cádiz
Flamenco puro arte: flamenco fusión II
Projekt La tierra mía, sus voces y ecos

La tierra mía, sus voces y ecos ist eine Hommage an die einfachen und reinen Gesangsformen früher Flamenco-Kunst, die eine Vielzahl von Variationen und Stilrichtungen im Flamenco (Palos) hervorbrachten und ihn bis heute prägen. Es ist ein Bekenntnis de la Anas zu seinen andalusischen Wurzeln, um dem Erbe zu huldigen, dass das heutige hohe Maß an Virtuosität im Gesang (cante), Gitarrenspiel (toque) und im Tanz (baile) erst ermöglichte.

Das Projekt zielt darauf ab, die hohe Interpretationskunst einzelner Palos del flamenco in seiner Vielfalt, auch im Tanz zu zeigen. Mit Lorena Caballero Cazalla präsentiert Rubin de la Ana nach Fernando Galán, Juan Mateos und Ana Maria Galan Galvez eine weitere Meistertänzerin aus Jerez/ Cádiz. 

Mit La tierra mía, sus voces y ecos porträtiert Rubin de la Ana ein eindrückliches Bild über die jahrhundertealte Tradition der Flamenco-Kunst von ihren Anfängen bis in die Gegenwart. De la Ana vervollkommnet traditionelle Flamenco-Klänge (Gitarre, Palmas, cajón) durch das Verschmelzen mit den Klangfarben von Saxophon, Cello, Violine und Klavier und erschafft damit einzigartige Klangwelten. Das Ergebnis überzeugt mit großartigen Harmonien: ¡Flamenco puro arte!

Dass Rubin de la Ana Quintett ist inspirierend, vielseitig und voller Kreativität und Wagemut. Ihr Sound ist frisch, kompakt, wild und vor allem Flamenco auf höchstem Niveau.


Gasttänzer:
Lorena Caballero Cazalla  baile
N.N.  baile

Ensemble:
Chiharu Bley  violonchelo
Sibylle Ricarda Bormann  violín
Tom Auffarth  cajón, percusión, piano
Robin Danaher  saxofón
Rubin de la Ana, Jerez  guitarra flamenca, cante, Director artístico

Foto: Regina Gumz

Kassenöffnung um 19:00 Uhr

Es ist ein wirklich „tierischer“ Fall, in dem das leitende Polizeipferd Vollblut ermittelt: Bei gewalttätigen Ausschreitungen auf einem Hochschulcampus wurde eine unbezahlbare Elefantenstatue aus
Elfenbein zertrümmert, und der Polizeianwärter und Junghengst Remonte gilt seitdem als vermisst.
Alle Verdächtigen zeigen ihre Zähne und Krallen. So Rektor Niedlich, ein alter Kater, der um den Bestand seines Bildungsgeheges bemüht ist, das aus prekärem Lebensraum stammende Eichhörnchen Zweihorn, dem das Stipendium gestrichen wurde, oder die selbstbewusste Elefantin Esra, die für die Belange diskriminierter Tiere kämpft. Aber sauber sind Fell und Gefieder auch nicht bei der hochgelobten Künstler Spitzmaus Steinbeiß und der versierten Politikerin Ursula Greif, die alles mit Adleraugen beobachtet...
Lassen sich Täter*innen und deren Motive ausfindig machen?

Intelligent, spannend und mit Biss erzählt das Stück des 1991 geborenen Peter Thiers als moderne Parabel von Herkunft und Benachteiligung, aber auch von Möglichkeiten des Widerstands und der Selbstermächtigung.

The very first presentation of new work-in-progress by Noémi Ola Berkowitz, followed by a post-performance discussion.

The sky has long been a place of comfort, spirituality, looking upward, and fantasy. But the colonization that marks the rise of empires and nations on land now threatens our atmosphere. The unique combination of technology and ancient stories in the skies above prompted Noémi (who presented new work-in-progress in our 2017 Expo Festival) to gaze upward for this next theatrical project.


THE LAB is the artist and audience development series at ETB | IPAC. Founded by Daniel Brunet in 2003, it offers Berlin-based artists an opportunity to share their work-in-progress with an audience and receive feedback in the form of a post-performance discussion.

THE LAB accepts submissions of new work year-round. The only formal requirements are that the work is comprehensible to an English-speaking audience, the submitting artist is based in Berlin and that it has not previously been presented in public. If accepted, we can provide a brief rehearsal period in the auditorium as well as professional technical support.

To submit your work, please send an email describing your work, your collaborators and your CV to brunet @ etberlin. de

Zwei Clowns, der Musiker Tui und der Zauberer Rata treffen sich und warten auf den Zirkusdirektor, der aber nicht kommt. Da beschließen sie, das Programm selbst zu gestalten. Ein unseliger Streit bricht aus, denn jeder will besser sein als der andere. In einem rührenden Schluss finden die beiden als Freunde wieder zusammen.

Es spielen: Roman Walkowiak, Rainer Eckhardt

Ein alter Esel, ein müder Hund, eine verbitterte Katze und ein zäher Hahn leisten für den Menschen nicht mehr genug und werden von ihren Herren fortgejagt. Aber die verjagten Tiere treffen sich rein zufällig und beschließen, zusammen zu bleiben. Ihr Wahlspruch lautet: "Was besseres als den Tod finden wir überall". Sie fassen einen Plan und wollen Stadtmusikanten in Bremen werden. Aber es kommt alles anders als geplant, und nachdem sie sehr geschickt die Räuber aus einem Waldhaus vertrieben haben, ziehen sie selbst dort ein. Als ein Räuber zurückkehrt, um die Lage zu erforschen, verpassen die Tiere dem Räuber in genialer Zusammenarbeit einen ordentlichen Denkzettel und keiner der Räuber traut sich jemals mehr zurück. Die Tiere aber leben nun in froher Eintracht und singen für ihr Leben gern.

Das Mitspieltheater ist eine besondere Form des Theaterspielens, bei dem eine erfahrene Schauspielerin ein Märchen erzählt und dabei in die verschiedenen Märchencharaktere und Rollen schlüpft.
Die Kinder erleben beim Mitspieltheater die große Kunst des Schauspielens hautnah mit, nämlich den Rollenwechsel – den der Spieler vor ihren Augen auf der Bühne vollzieht. Dabei dürfen sie dem Märchen nicht nur gespannt zuhören, sondern aktiv mitwirken. Sie können ihre Gedanken und Ideen der Schauspielerin auf der Bühne zurufen, die diese Impulse spontan mit in die Geschichte integriert.


Es spielt: Tommy Matuszewski

Poetry Slam Schreibwerkstatt - Workshop

Immer samstags können alle – egal ob Neuling oder alter Hase auf der Bühne – bei einem offenen Workshop mitmachen. Das Ziel ist es miteinander ins Schreiben zu kommen, kreativ zu werden, an Texten und / oder Performance zu feilen, Ängste abzubauen und die Liebe zur Sprache zu teilen.

Alle können vorbeikommen, die Kiezpoeten freuen sich darauf!

Bitte sei 10:45 vor Ort.