Es geht ums Alter, ums Älterwerden und auch ums Sterben. Wir leben, bis es so weit ist. Manche sind allerdings schon vorher tot. Also: überlegen, ob es Dinge gibt, die man gerne tun würde und einfach machen. Ein Thema, das ihr am Herzen liegt – und eines, das nicht einfach daherkommt, gerade wenn man daraus ein zum Nachdenken anregendes „Gute-Laune-
Programm“ machen möchte. Mit viel Humoreske, Spitzzüngigkeit und schlüpfrig-kecker Wortakrobatik kommen die Lachmuskeln dennoch nicht zu kurz. Als „Hilde Becker“ aus der ARD-Kultserie „Familie Heinz Becker“ wurde Alice Hoffmann bundesweit bekannt in ihrer Paraderolle der naiven, lieben aber einfältigen Hausfrau. Alle Jahre wieder bringt sie Millionen von Zuschauern vor dem Fernsehen zum Lachen.
In „Torschlusspanik“ gelangt Alice Hoffmann in ihrem Leben als Hausfrau an einen Punkt, an dem sie sich fragt, ob sie wirklich schon alles gemacht hat, was sie eigentlich machen wollte: Senioren-Führerschein, Ayurveda-Kuren, eine neue Sprache lernen oder sich noch einmal unsterblich verlieben. Natürlich kommt es aber anders. Wieder einmal wird deutlich, dass das Leben kein Wunschkonzert ist. Ob es ein Tattoo sein soll und es heißt: „Besser angemalt, als vom Leben gezeichnet“, der Coffee to-go, der zum Fortlaufen ist, oder die „Weisheit“, dass man im Alter „die Sünden bereut, die man nicht begangen hat“ – all dies sind Gedanken, die sie mit der Figur der saarländischen Hausfrau humoresk durchleuchtet. Mittels Tinder, der App für Partnersuche im Internet, trifft sie auf „Jesus“, der von ihr 25 000 Euro haben möchte und
aus Lissabon kommt. Am Ende aber gewinnt der 80-jährige Biologiestudent... Frauenthemen und Emanzipation baut sie auf „entwaffnende Art“ ein und geht dabei stets mit der Zeit. So kommt es, dass auch Facebook und Co. einen Platz haben.

Mit Bewirtung vor der Veranstaltung und in der Pause.

Einlass ab 18.30 Uhr, freie Platzwahl! Bereits gekaufte Tickets werden nicht zurückgenommen.

Operette von Ralph Benatzky

Operette in 3 Akten
Libretto und Textbearbeitung: Eric Charell, Robert Gilbert und Kurt Feltz
Spieldauer: 130 Minuten inklusive Pause

+In deutscher Sprache · Mit Übertiteln in deutscher und englischer Sprache.

PRODUKTIONSTEAM
Puppenbau: Bernhard Leismüller
Puppenköpfe: Kathrin Klimke / Bernhard Leismüller / Sebastian Demmel
Kostümschneiderei:Bernhard Leismüller/ Amand Pérez/ Fabienne Haspel
Bühnenbild: Bettina Hummitzsch
Kulissenbau: Ralf Böhringer
Produktionshilfe: Patrick Vonmoos
Regie, Dramaturgie: Bernhard Leismüller

INSZENIERUNG
"Im weissen Rössl" stellt für eine Marionettenbühne eine große Herausforderung dar. Nicht zuletzt die zahlreichen Requisiten, die von den Marionetten benutzt werden, stellen höchste Anforderungen an die Puppenspieler. Briefchen, Gläser und Koffer, ja sogar Musikinstrumente und Tiere gilt es zu beherrschen.

BÜHNENGESCHICHTE
Die Premiere von "im weissen Rössl" war am 8.November 1930 im Berliner Schauspielhaus. Ort der Handlung ist das Hotel Weißes Rössl in Sankt Wolfgang im Salzkammergut in Österreich.In London brachte es das Stück 1931 in einer Erik Charell-Produktion auf 651 en suite gezeigte Vorstellungen, ja auch In New York wurde The White Horse Inn 1936, wiederum in einer musikalisch neu zusammengesetzten Charell-Produktion 223 mal am Broadway im Center Theatre gespielt.
Das Werk war im nationalsozialistischen Deutschland wegen seiner jüdischen Mitautoren verboten. Besonders auch die als skandalös empfundene Badeszene erregte den Ärger der Nationalsozialisten.
Am 19. Juni 2009 wurde "im weissen Rössl" wieder neu Aufgeführt.
Das wiedergefundene Rößl ist greller und jazziger als das bis heute gespielte 1950er-Jahre-Arrangement. Selbst die historischen Aufnahmen einzelner Musiknummern konnten nur eine ungefähre Vorstellung davon vermitteln.

Kunterbunt, gut gelaunt und voller Energie. Die Musik von Larifari macht Spaß - lustig, lebhaft und immer überraschend. Mit 2 Alben, über 100 Konzerten in ganz Deutschland und als vielfache Preisträger sind Larifari längst kein Geheimtipp mehr. Seit 10 Jahren spielen die beiden Schulfreunde Jan und Henri Konzerte für Kinder und Familien. Zusammen standen sie in Feriendörfern und Kindergärten, namenhaften Festivals und Clubs oder direkt vor den Balkonen ihrer Fans. Inzwischen sind viele Freunde der beiden Teil der Band, die sie während ihres Musik-Studiums kennen gelernt haben. Mit Carla, Hannah und Konstantin spielt die Band auch 2026 Konzerte für Klein und Groß. Das erste Album wurde 2024 mit dem Leopold-Preis prämiert. Die Songs von Larifari laufen regelmäßig im KiKA oder im Kinder- und Erwachsenenradio.

Einlass: 14:00 Uhr

Eröffnungskonzert des 39. Bodenseefestivals 2027

Martin Fröst, Klarinette und Leitung
Artist in Residence Bodenseefestival 2027

Jacob Mühlrad: Helix
DNA suite by Hans Ek:
u. a. Rameau: Gigue („Vivement“) aus der Tragédie lyrique Dardanus, 5. Akt
Händel: „De torrente in via bibet“ (Nr. 8) aus Dixit Dominus HWV 232
Göran Fröst & Martin Fröst: Nomadic Dances
Ludwig van Beethoven: Sinfonie Nr. 7 A-Dur op. 92

Er gilt als einer der innovativsten Klarinettisten unserer Zeit; die Presse feiert ihn gar als „Weltspitzenklarinettist“. Martin Fröst ist ohne Frage mit außerordentlichem Talent gesegnet. Mehr noch: Ständig sucht er nach neuen Wegen, um die klassische Musik herauszufordern und neu zu gestalten. Sein Repertoire ist breit gefächert, seine Konzertkonzepte sind überraschend. Nun ist der schwedische Ausnahmemusiker als Artist in Residence des Bodenseefestivals 2027 zu Gast am See. In diesem Konzert agiert er in einer Doppelrolle: als Chefdirigent des Swedish Chamber Orchestra sowie als Solist – ein Abend im sogenannten „play and conduct“.
Im Mittelpunkt des Programms steht eine eigens zusammengestellte Tanzsuite des schwedischen Komponisten Hans Ek. Darin begegnen barocke Klangwelten von Rameau bis Bach neuen Perspektiven. Auch Fröst tritt als Komponist hervor – unter anderem mit den „Nomadic Dances“, die er gemeinsam mit seinem Bruder Göran geschrieben hat. Ergänzt wird das Programm durch Jacob Mühlrads zeitgenössisches Stück „Helix“. Den großen symphonischen Abschluss bildet Beethovens Siebte Sinfonie.

Karten: 76 / 64 / 50 / 34 €
Abonnement: Meisterkonzerte

Verkauf der Tickets ab dem 14.09.2026

SO 25.04.2027 19.30 Uhr
Kultur- und Kongresszentrum
19 Uhr / Einführung Rainer Hepp

MARTIN FRÖST & Swedish Chamber Orchestra

LUDWIG VAN BEETHOVEN Coriolan-Ouvertüre
WOLFGANG AMADEUS MOZART Klarinettenkonzert A-Dur
LUDWIG VAN BEETHOVEN 8. Sinfonie F-Dur

MARTIN FRÖST Klarinette und Leitung & Artist in Residence

Der international erfolgreiche Klarinettist Martin Fröst und das Swedish Chamber Orchestra kommen mit einem Meisterkonzert nach Weingarten, das ganz im Zeichen der Klassik steht.
Zu den bedeutendsten Bläserkonzerten überhaupt zählt zweifellos das Klarinettenkonzert A-Dur von Wolfgang Amadeus Mozart. Es ist zugleich sein letztes Solokonzert und insofern ein würdiger Höhepunkt der Gattung. Mozart hegte eine besondere Vorliebe für die Klarinette. In diesem dreisätzigen Werk befinden sich alle Ansprüche an ein Solokonzert in perfekter Balance: Der Solist darf immer wieder brillieren und sein Instrument vorführen, ohne dass dies zum Selbstzweck verkommt.

Einen spannenden Kontrast dazu bildet die Sinfonie Nr. 8 F-Dur von Ludwig van Beethoven. Auf den ersten Blick scheint sie sich noch einmal der klassischen Tradition Mozarts anzunähern. Doch Beethovens Verhältnis zur Tradition ist ein reflektiertes: Er orientiert sich nicht einfach an ihr, sondern setzt sich kreativ mit ihr auseinander. Normverstöße, Parodieverfahren, Übertreibung und derbe Späße kennzeichnen dieses Werk. Charakteristisch für die Achte sind Witz, Komik und Humor auf vielen Ebenen. Also ein für Beethoven außergewöhnliches Werk, verbindet man mit ihm doch eher künstlerischen Ernst, wofür die Coriolan-Ouvertüre ein gutes Beispiel liefert.

Mit Martin Fröst und dem Swedish Chamber Orchestra ist ein Ensemble zu erleben, das mit genau diesem Repertoire weltweit große Erfolge feiert – und damit einen besonderen Höhepunkt im Konzertleben der Region setzt.


Foto: Mats Bäcker, Sony Music Entertainment

Piotr Iljitsch Tschaikowski

Ballett
Spieldauer: 130 Min. inklusive Pause

PRODUKTIONSTEAM
Puppenbau: Bernhard Leismüller / Bernhard Morgenstern
Puppenköpfe: Sebastian Demmel
Kostümschneiderei: Bernhard Leismüller / Amand Pérez
Bühnenbild: Bettina Hummitzsch
Choreografie & Einstudierung: Jutta Mähr

CHOREOGRAFIE
Anknüpfend an die Choreografie von Petipa entwickelte das Ensemble der Marionettenoper unter der Leitung der Münchner Choreografin Jutta Mähr eine ganz eigene Interpretation des Ballettklassikers. Doch auch wenn eine Marionette scheinbar mühelos jede körperliche Herausforderung meistern kann, galt es, die Anstrengungen dennoch sichtbar zu machen. Die Illusion, dass sich die Muskulatur bis zur äußersten Schmerzgrenze anspannt, dass die Tänzer wirklich schwitzen, dass sie um ihr Gleichgewicht immer wieder ringen müssen, war das große Ziel dieser Produktion.

BÜHNENGESCHICHTE
"Schwanensee" ist wohl das berühmteste Ballett überhaupt - alle klassischen Kompanien haben es in ihrem Repertoire. Piotr Iljitsch Tschaikovsky benötigte ein halbes Jahr (August 1875 bis April 1876), um sein erstes Ballett fertig zu stellen, das am 20. Februar 1877 im Moskauer Bolschoi-Theater uraufgeführt wurde. Die erste russische Gastspielaufführung im Westen erfolgte 1969 durch das Kirow-Ballett. Unter den neueren Interpretationen wurden neben der Choreographie des Startänzers Rudolf Nurejev vor allem jene von George Balanchine (New York 1951), Vladimir Bourmeister (Moskau 1956), John Cranko (Stuttgart 1963), John Neumeier (Hamburg 2002) und die rein männlich besetzte Neufassung "Matthew Bourne´s Swan Lake" (London 1995) populär.

Mo., 26.04.2027, 10:15 – 11:15, Kiesel im k42
Der Workshop findet im Anschluss an die Vorstellung TRASHEDY (26.04., 09:00) statt.

performing:group, Leitung

Wie erzählt man ein Stück über Nachhaltigkeit und ökologische Verantwortung, das nachdenklich stimmt, aber einen dennoch nicht frustriert zurücklässt? Und darüber hinaus leicht zugänglich ist?
Im Workshop zum vorangegangenen Stück laden die Performer und Performerinnen des Ensembles dazu ein, sich mit Improvisation und Bewegung an das Thema ökologische Verantwortung heranzutasten. So wie es das künstlerische Ensemble selbst zu Beginn seiner Stückentwicklung getan hat!
Dabei können Schülerinnen und Schüler nicht nur erfahren, wie man sich künstlerisch ein Thema erarbeitet, sondern dürfen zudem ihre eigene Version des Stücks in einer choreografischen Sequenz entwickeln.

Der Workshop ist für bis zu 2 Klassen buchbar.

Dauer: 60 Minuten
Kosten: zusätzlich 4 € p. P. zum Eintritt, Begleitpersonen frei

Anmeldung bitte schriftlich über kulturbuero@friedrichshafen.de ab dem 14.09.2026

Eine Performance über Nachhaltigkeit, Klimawandel und selbstbestimmtes Handeln
Für Jugendliche ab 11 Jahren

Spiel: Marcela Ruiz Quintero und Daniel Mathéus
Leandro Kees, Idee und Regie

Produziert von performing:group und tanzhaus nrw

Wie viele Plastikbecher verbraucht man im Laufe eines Lebens? Zwei Darsteller gehen der Geschichte unserer merkwürdigen Evolution nach und wühlen sich durch die Komplexität des Themas „ökologische Intelligenz“. Auf ihrem Weg stoßen sie auf immer neue Fragen und einen stets wachsenden Müllberg.

Mit Hilfe von animierten Zeichnungen, Tanz und Klangcollagen wirft TRASHedy einen unverstellten, humorvollen Blick auf unsere Entscheidungsfreiheit und das eigene Konsumverhalten. Denn alles, was wir tun, hat eine Auswirkung. Irgendwo.

Ausgezeichnet mit dem Fachjurypreis und dem Jugendjury-Publikumspreis beim Westwind Festival 2013. Ausgewählt für das Augenblick mal! Festival 2015.

Dauer: 50 Minuten
Schulklassen: 4 € p. P. (mit Workshop: 8 € p. P.)
Empfehlung: Unter- und Mittelstufe

Anmeldung bitte über das Kulturbüro Friedrichshafen: kulturbuero@friedrichshafen.de ab dem 14.09.2026

Virginie Brunelle, Choreografie
Molinari Quartet: Musik von Philip Glass, Henryk Górecki, Max Richter, Samuel Barber & Dmitri Schostakowitsch

Was bleibt von Nähe, wenn sie brüchig wird? „Les corps avalés“ stellt sich dieser Frage – nicht theoretisch, sondern körperlich. Sieben Tänzerinnen und Tänzer geraten in Situationen, die kippen: Umarmungen werden hart, Begegnungen prallen ab, Nähe schlägt in Distanz um. Und doch ist da immer wieder der Versuch, Verbindung herzustellen. Denn was wären wir Menschen ohne sie?
Die kanadische Choreografin Virginie Brunelle beklagt in dieser Choreografie den Verlust von Bindung und Empathie in der Gesellschaft. „Die Menschheit wird zerbrechlich“, sagt sie und zeigt in ihrer nuancierten Sprache aus Rhythmus, Blicken, Gesten und Atmung die Dynamik der Macht – im Privaten, wie in der Gesellschaft. Getragen wird das Stück von live gespielter Musik des Molinari Quartett. Die Musik erfüllt hier nicht nur eine begleitende Funktion. Vielmehr greift sie in die Bewegung ein und treibt sie voran.
Für Virginie Brunelle wohnt in aller klassischen Musik eine dramatische Spannung; zehn Jahre lang lernte die Choreografin Geige, bis die Musik gewissermaßen auf ihren Körper überging und sie Tanz studierte. Nun fragt sie zu Streicher-Musik wie unsere Körper mittels Tanz der sich ausbreitenden Gleichgültigkeit mit Werten wie Solidarität oder Liebe entgegentreten können.

Dauer: 65 Minuten ohne Pause
Karten: 76 / 64 / 50 / 34 €
Abonnement: Ballett

Diese Veranstaltung findet im Rahmen des Bodenseefestivals statt.

Verkauf der Tickets ab dem 14.09.2026

Johann Strauss

Operette in drei Akten
Libretto: Richard Genée
Übersetzung: Kurt Honolka
Spieldauer: 140 Min. inklusive Pause

+In deutscher Sprache · Mit Übertiteln in deutscher und englischer Sprache.

PRODUKTIONSTEAM
Puppenbau: Bernhard Leismüller
Puppenköpfe: Sebastian Demmel
Kostümschneiderei: Bernhard Leismüller & Katrin Keuthmann
Bühnenbild: Hans Wünsch
Regie, Dramaturgie: Bernhard Leismüller

INSZENIERUNG
Wie bei allen Inszenierungen der Marionettenoper wurde auch bei der "Fledermaus" größter Wert auf die Umsetzung von Musik in choreographierte Bewegung gelegt. Man kann vielleicht sogar sagen, dass dieses Prinzip hier auf die Spitze getrieben wurde. Wann eine Figur sich setzt, wieder aufsteht, einen Schritt macht, wird durch die Musik bestimmt. Otto Schenk, der die Fledermaus auf der ganzen Welt inszeniert hat und wahrscheinlich einer der größten Kenner dieses musikalischen Geniestreiches ist, sagte: "Keine Note ist zufällig." Und dies gilt nicht nur für Strauss. Bei allen großen Opernkomponisten kann man diesen Zusammenhang entdecken.

BÜHNENGESCHICHTE
Die "Fledermaus" entstand zwischen September 1873 und März 1874. Das Libretto schrieb Richard Genée nach einem Bühnenstück des überaus erfolgreichen Autorenduos Henri Meilhac und Ludovic Halévy, die zwei Jahre zuvor die Vorlage für "Carmen", die bis heute meistgespielte Oper der Welt, schufen. Genée lieferte übrigens nicht nur die Textvorlage. Er hat auch an der musikalischen Umsetzung großen Anteil. Nach neuesten Forschungsergebnissen stammt sogar der größte Teil des Notenmaterials aus seiner Feder. An den Tantiemen, welche "Die Fledermaus" einspielte, war er ungerechterweise nicht beteiligt. "Die Fledermaus" gilt als die Königin der Operette und eroberte sich nach der Wiener Uraufführung die Welt. Sie gehört zu den wenigen Operetten, die auch an den bedeutenden Opernhäusern wie der Metropolian Opera, der Mailänder Scala, der Wiener Staatsoper und auch am Royal Opera House Convent Garden in London regelmäßig gespielt werden.

Angriff der Frühblüher
Comedy für Allergiker. Und alle, die es werden wollen.
Wenn die ersten Sonnenstrahlen den Winter vertreiben, blühen nicht nur die Pflanzen auf – sondern auch die Allergien. Während andere voller Lebensfreude in die Biergärten stürmen, kämpft Michael Krebs mit tränenden Augen, triefender Nase, Atemnot und einem inneren Juckreiz, der ihn an den Rand der Gesellschaft katapultiert. Doch statt sich im dunklen Schlafzimmer zu verkriechen, stellt er sich der gnadenlosen Wirklichkeit: mit Humor, Musik – und einer Nasendusche Backstage.
„Angriff der Frühblüher“ ist Comedy für alle, die wissen, dass der Frühling nicht nur Glitzer und Schmetterlinge bedeutet, sondern auch Antihistaminika und das Gefühl, von einer Pollenapokalypse überrollt zu werden.
Michael Krebs, mehrfach preisgekrönter Musikkabarettist, liefert ein allergisches Feuerwerk aus Wortwitz, Live-Musik und messerscharfer Beobachtungsgabe. In seinem unverwechselbaren Stil zerlegt er den ganz normalen Wahnsinn des Alltags – von Heuschnupfen-Symptomen über
Apotheken-Smalltalk bis hin zu absurden Ratschlägen von Leuten, die raten „das mit dem Immunsystem als Chance zu sehen“.

Einlass: 19:30 Uhr

Einlass: 19:00 Uhr

Das Leichte ist am schwersten – Geige, Steirische Harmonika, Gitarre und Tuba – vier
virtuose Musiker weben ein dynamisches, kammermusikalisches Geflecht, das in einer
Eleganz und Leichtigkeit aufblüht, die man im Zusammenhang mit Volksmusik so nicht
erwartet hätte.


In den Improvisationen schimmert der Jazz, im makellosen Zusammenspiel die klassische
Schulung und in den mannigfaltigen Anklängen der weite Horizont von vier Weltbürgern, die
gleichzeitig ganz natürlich in ihrer Heimat verwurzelt sind. Diese Musik verweigert sich jeder
einfachen Zuordnung und stiftet eine beglückende Hörverwirrung.

Maxjosephs Musik ist nicht nur eine Synthese von E- und U-Musik, von alt und neu, von
Volksmusik und Klassik – sie ist eine Einladung in einen Dialog, in dem Grenzen
verschwimmen und dennoch bleibt man stets geerdet, verwurzelt in der Heimat.

„Lagom“ heißt das neue Album und Programm von Maxjoseph – Musik, die Tradition und
Gegenwart mit feinem Gespür für Balance verbindet. Inspiriert vom schwedischen Begriff für
das genau richtige Maß entsteht ein unverwechselbarer Klang zwischen Festhalten und
Loslassen: leichtfüßig, elegant und voller Charakter. Jazzige Offenheit, klassische Präzision
und ein weiter musikalischer Horizont verbinden sich mit tiefer Verwurzelung in der Heimat
zu einer zeitgenössischen Volksmusik jenseits aller Schubladen.

Maxjoseph sind:
Georg Unterholzner - Gitarre
Andreas Winkler - Steirische Harmonika
Nathanael Turban - Geige
Florian Mayrhofer - Tuba

BIld: Jessica Elsner

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Einlass und Öffnung der Abendkasse ab 19 Uhr. Abendkassenpreis: 24€

Einlass ab 19 Uhr. Verkaufte Karten können nicht zurückgenommen werden.

Pink Floyd – Giganten des Progressive- und Art-Rock, Architekten gewaltiger magischer
Klanggebäude mit einzigartiger musikalischer Ästhetik, Zeremonienmeister bombastischer Live-
Shows - ein Monolith im Strom der Rockgeschichte, stilprägend für Generationen von Musikern
und Bands. Pink Floyd sind eine der größten Bands aller Zeiten und haben längst ihren Platz im
Rock-Olymp.
Die Geschichte der Originale ist allerdings mit dem letzten Album "The Endless River" von 2014
auserzählt. Es war der würdige Abschluss eines gigantischen musikalischen Gesamtwerks, welches ein
Erbe für Generationen darstellt.
Die Pink Floyd-Tributeband echoes trägt dieses legendäre Erbe weiter. Ab 2024 zudem in einer neuen,
frischen Besetzung - der inzwischen vierten seit der Bandgründung 1993. Für Konstanz und höchstes
Niveau garantieren weiterhin die beiden Bandgründer Paul Ahrens und Steffen Maier, die das Pink Floyd
Tribute-Flaggschiff echoes seit inzwischen drei Jahrzehnten (!) und über 500 Konzerten in zwölf Ländern
erfolgreich auf Kurs halten. Europaweit einzigartig.
Besonders spannend: Für den Gitarrenpart von David Gilmour konnte man keinen Geringeren als den
deutschen Ausnahme-Gitarristen Dennis Hormes gewinnen. Fans von echoes durften in den letzten
Jahren schon Kostproben seines fantastischen Könnens erleben, wenn er als Gastmusiker bei echoes
dabei war. Es ist absolut faszinierend, wie er sich das Werk von David Gilmour auf neue und höchst
virtuose Art zu eigen macht - ab sofort allerdings nicht mehr als Gast, sondern als neues Zentralgestirn in
den floydianischen Klangwelten von echoes. Dabei bringt Dennis Hormes Fähigkeiten mit ein, die Pink
Floyd ursprünglich ausgezeichnet haben und am Ende vielleicht etwas verloren gegangen bzw. zu kurz
gekommen sind: Einen offenen Geist, Kreativität und Improvisationsfreude - ohne dabei Komplexität,
Erhabenheit und Geist von Pink Floyd zu vernachlässigen.
echoes nehmen ihr Publikum mit auf eine höchst emotionale Reise zur dunklen Seite des Mondes, von
"Ummagumma" über "Meddle", "Dark Side of the Moon", "Wish You Were Here", "Animals" und "The
Wall", bis hin zur Post-Waters-Ära. Neben einem umfassenden "Best of Pink Floyd" kommen dabei auch
so manche fast schon in Vergessenheit geratene Werke wieder zu Gehör.
Und dennoch ist ein echoes-Konzert kein Nostalgie-Trip. Vielmehr zeigt die Band mit immenser
Spielfreude, Liebe zum Detail, druckvollem Sound und viel Respekt vor dem Original, dass die
komplexen Pink Floyd-Epen heute noch genauso faszinierend und aktuell sind wie zur Zeit ihrer
Entstehung - zeitlos eben.
echoes präsentieren ein eigens für sie entworfenes, knapp dreistündiges Spektakel, das auch dem
audiovisuellen Aspekt der gigantischen Konzerte von Pink Floyd gerecht wird. Perfekter, druckvoller und
transparenter Livesound, eine aufwändige Lightshow mit zahlreichen intelligenten Scheinwerfern,
computergesteuerte Videoprojektionen und zahlreiche weitere Elemente der Original-Shows von Pink
Floyd unterstützen die epische Musik und garantieren ein absolut außergewöhnliches und einzigartiges
Live-Erlebnis.
Die Presse-Echo(e)s fielen in den letzten Jahren dementsprechend aus: "Es ist ein Spektakel" schreibt
die Süddeutsche Zeitung. Ein "Monumentales Konzert" bescheinigt der Hanauer Anzeiger, "Einfach zu
schön" findet es die WAZ und sogar "Fast unheimlich" die Allgäuer Zeitung. "Echoes bewiesen, dass sie
auserwählt sind" bilanziert die GNZ, das Main Echo feiert "Die Kopie als Gesamtkunstwerk". Und
geradezu euphorisch fällt das Fazit der Rheinpfalz aus: "Das kann man kaum besser machen. Echoes
haben alle Erwartungen erfüllt und zollten ihren Helden einen Tribut, der nicht abwechslungsreicher,
wagemutiger und perfekter hätte sein können."
Ein Anspruch, den auch die neue Besetzung von echoes erfüllen wird. Das Publikum darf sich also auf
ein - im wahrsten Sinne des Wortes - stimmungsvolles und spektakuläres Konzertereignis in
floydianischer Atmosphäre freuen!

Einlass ab 19:00