Ein Grubenunglück stellt das entbehrungsreiche Leben von T.A. Diamond vor schier unüberwindliche Probleme. Er wird gerettet, seine Handverletzung bedeutet aber im Utah der 1930er Jahre die Arbeitsunfähigkeit. Mit dem kargen Wochenlohn wird er abgespeist und sieht sich der einzigen ihm vertrauten Rolle seines Lebens beraubt. Frau und Kind lässt er im Glauben, seine Verletzung sei nur ein kleiner Kratzer und am nächsten Tag geht er den Weg, den der immer geht. Nur ein heimlich mitgenommener Revolver macht diesen Tag anders als sonst. Es wird keiner gerader Weg zum Bergwerk und zurück zur Familie, eher ein Zickzack Kurs wie der des Hasen im Feld, dessen Ziel er selbst nicht kennt.

Mit Kameramann Corey C. Waters, der schon Kristen Stewarts Regiedebüt mit seiner einfühlsamen Fotografie zu einem visuellen Erlebnis gemacht hat, entwirft Jared Hogan einen Film, der die Zeit, die Menschen und die Landschaft in unvergessliches Licht taucht. Die Schönheit der Bilder machen den Schmerz von T.J., der eindrucksvoll von Frank Mosley portraitiert wird, noch intensiver.

Seine ersten Meriten verdiente sich Ned Crowley als Mitglied der Comedy Gruppe „White Noise“ in Chicago. Nun hat er seinen schwarzen Humor mit viel Verve dem klassischen Horrorkino injiziert. Mit „Dead Drop“ hat er sich des alten Genres „ein Fahrstuhl macht was er will und bringt Menschen um“ angenommen, und es mit so viel Humor und Augenzwinkern aufgefrischt, dass es eine wahre Freude ist, den Weg in die Hölle mitzuerleben.

Acht wildfremde Menschen, ein Frachtaufzug, der einfach nicht ankommt: Was als lästige Betriebsstörung beginnt, wird schnell zur Frage von Leben und Tod. Nach und nach dämmert allen an Bord des Fahrstuhls, dass sie nicht zufällig zusammen in dieser Kabine gelandet sind.

Mit seinem Horror-Western "Killing Faith" hat Crowley zuletzt Stephen King begeistert, für seinen neuen Wurf verwebt er den bissigen Witz einer Agatha-Christie-Räuberpistole mit der kompromisslosen Härte von "Squid Game". Darüber schwingt wie ferner Widerhall Dantes „Inferno“.

Ein dicht getaktetes Kammerspiel aus scharfem Dialogwitz und plötzlichen Schockmomenten, das zwischen den Angriffen auf die Nerven auch Raum für seine klar gezeichneten Figuren lässt.

Bryan Bruton hält sich und seine Familie als kleiner Drogendealer im Norden Floridas über Wasser. Eigentlich hat er sich mit seinem Leben arrangiert, denkt sogar darüber nach, bald mit ehrlicher Arbeit sein Geld zu verdienen, doch dann läuft ein Streit aus dem Ruder, ein Unfall passiert und zurück bleibt ein Toter. Zehn Jahre bekommt Bruton dafür. Zehn Jahre, in denen er kaum seine Frau und seine Tochter sehen wird. Zehn Jahre zwischen Schwerverbrechern und korrupten Wärtern im unmenschlichsten Justizsystem der Vereinigten Staaten. Doch Bruton arrangiert sich. Er findet Verbündete hinter Gittern und macht Geschäfte, schmuggelt Telefone in den Knast und betreibt einen beliebten Piratensender im Keller. Als sich die einsame Gefängniswärterin Maura in ihn verliebt, plant er schon bald die Flucht. Doch, wie immer, hat das Leben andere Pläne. Nach »Bang Bang« und dem letztjährigen Spirit of Cinema-Gewinner »Keep Quiet« gibt sich Vincent Grashaw mit dem filmischen Schelmenroman »Bruton« nun schon zum dritten Mal in Folge in Oldenburg die Ehre. Unter seiner inspirierten Regie wird sein auf einer wahren Geschichte beruhendes Gefängnisdrama zu einer tragikomischen Ode an Liebe, Freundschaft und das Leben.

Moskito, das neue Bühnenprogramm von die feisten

Das 2MannSongComedy-Duo erzählt Geschichten, die das Leben schreiben würde, hätte es einen Stift.

„Moskito“: Gute Vorsätze, vom Flügelschlag eines Kleinstinsekten verweht…
„Als ich begann zu rauchen“, der nächste gute Vorsatz. In die Tat umgesetzt durch Unterstützung, die man beim besten Willen nicht haben wollte…
In „Untätowiert“ profitieren C. und Rainer von der Gnade der frühen Geburt.
Als sogenannte Babyboomer haben sie es unterlassen, sich ein Tattoo zu verpassen. Gab es damals nämlich nur im Knast oder auf hoher See.

Ausgerüstet mit kleinen Saiteninstrumenten, Gitarren und viel Percussion schlagen die beiden Sänger einen geradlinigen Zickzackkurs durch ihre musikalischen Lieblingsgenres ein.
So wie die Flugbahn eines Moskitos.

Einlass: 19:30h

Können Filme eine Waffe im politischen Kampf gegen Unterdrückung und Ausbeutung sein? Sind sie vielleicht sogar mächtiger und effektiver als terroristische Aktionen, wie sie die Forças Populares 25 de Abril, kurz FP-25, in den 1980er Jahren in Portugal durchgeführt hat? Diese beiden Fragen stehen im Zentrum von Edgar Pêras anarchischem Film-Essay und Manifest »Asphalt Guerrilla«. Ausgehend von Manuel Ricardo de Sousas gleichnamigen Roman erzählt der portugiesische Punk-Auteur nicht nur von Banküberfällen und anderen Aktionen einer ziemlich amateurhaft agierenden Zelle der FP-25. Er blickt auch auf seine eigenen, mehr als 30 Jahre währenden Bemühungen zurück, diesen Roman zu verfilmen. Fiktion, Dokumentation und Autobiographie vermischen sich ebenso wie 16-mm-Aufnahmen, Nachrichtenbilder und KI-generierte Sequenzen zu einem wüsten und berauschenden Trip. Die Freiheit, die Pêra sich nimmt, sprengt nicht nur die Konventionen des Kinos. Seine teils schwindelerregenden Filmbilder und -Szenen werden tatsächlich zu einer Waffe. Sie zielen direkt auf unsere eingefahrenen und viel zu engen Vorstellungen von Kunst und Macht, Politik und Gesellschaft und bringen sie nachhaltig ins Wanken.

Es gibt sie diese unvergesslichen Filmszenen. Hat man sie einmal gesehen, begleiten sie
einen fortan für immer. Einer dieser ganz besonderen Filmmomente ist die große
Verfolgungsjagd in Quentin Tarantinos »Death Proof«. Die Stuntfrau Zoë Bell, die sich in
dieser Hommage an amerikanische Muscle Cars wie an Action- und Exploitation-Filme der
1960er und 70er Jahre selbst spielt, liegt auf der Motorhaube eines 1970er Dodge
Challengers, während der von Kurt Russell gespielte »Stuntman Mike« versucht, sie und ihre
Freundinnen von der Straße zu drängen. So verbeugt sich Tarantino vor allen legendären
›car chases‹ einer untergegangen Kinoepoche und setzt Zoë Bell und allen Stuntfrauen und
-Männern ein Denkmal. Bell ist ihr eigenes Double, während Metall auf Metall kracht, und mit
jedem weiteren Zusammenprall stockt einem der Atem etwas länger. Aber es ist nicht nur
diese Sequenz, die Tarantinos filmische Liebeserklärung an das wilde und dreckige Kino
vergangener Zeiten so außergewöhnlich macht. Die Umkehr der Machtverhältnisse zwischen
Kurt Russells Soziopathen und seinen vermeintlichen Opfern wirkt heute fast prophetisch,
ein früher vernichtender Kommentar zu den misogynen Fantasien der Manosphere.

Victoria, eine Autorin, die unter Zeitdruck ihren ersten Hollywood-Thriller fertigstellt, sucht Zuflucht in ihrem Zuhause – nur um festzustellen, dass ihr eigenes Leben zunehmend der Geschichte ähnelt, an der sie gerade schreibt. Als sie davon überzeugt ist, dass ihr Nachbar einen Mord an ihr plant, verschwimmen die Grenzen zwischen Paranoia, Fantasie und Realität. Oder sind die immer wiederkehrenden und immer obskurer werdenden Hollywood-Meetings zur Drehbuchbesprechung der eigentliche Alptraum in ihrem Leben? Neben so wunderbaren Darstellern wie Mena Suvari, Mario Van Peebles und Keith Carradine übernimmt die Autorin Jacqueline Singer die Hauptrolle in ihrer eigenen Story und gibt so dem neuesten Film der Indie-Ikone Michael Polish eine weitere Ebene zwischen Realität und Fantasie. Ein düster-verspielter Thriller über die Geschichten, die wir uns selbst erzählen – und darüber, was geschieht, wenn diese sich plötzlich gefährlich real anfühlen.

Es gibt sie diese unvergesslichen Filmszenen. Hat man sie einmal gesehen, begleiten sie
einen fortan für immer. Einer dieser ganz besonderen Filmmomente ist die große
Verfolgungsjagd in Quentin Tarantinos »Death Proof«. Die Stuntfrau Zoë Bell, die sich in
dieser Hommage an amerikanische Muscle Cars wie an Action- und Exploitation-Filme der
1960er und 70er Jahre selbst spielt, liegt auf der Motorhaube eines 1970er Dodge
Challengers, während der von Kurt Russell gespielte »Stuntman Mike« versucht, sie und ihre
Freundinnen von der Straße zu drängen. So verbeugt sich Tarantino vor allen legendären
›car chases‹ einer untergegangen Kinoepoche und setzt Zoë Bell und allen Stuntfrauen und
-Männern ein Denkmal. Bell ist ihr eigenes Double, während Metall auf Metall kracht, und mit
jedem weiteren Zusammenprall stockt einem der Atem etwas länger. Aber es ist nicht nur
diese Sequenz, die Tarantinos filmische Liebeserklärung an das wilde und dreckige Kino
vergangener Zeiten so außergewöhnlich macht. Die Umkehr der Machtverhältnisse zwischen
Kurt Russells Soziopathen und seinen vermeintlichen Opfern wirkt heute fast prophetisch,
ein früher vernichtender Kommentar zu den misogynen Fantasien der Manosphere.

Einlass & Öffnung der Spieltagskasse 75 Minuten vor Spielbeginn; Upgrades sind an der Spieltagskasse erhältlich

Einlass: 75 Minuten vor Spielbeginn

Nur wenige Minuten der Unachtsamkeit, und nichts ist mehr, wie es vorher war: Juan und Alma haben ihren Sohn Andrés durch einen Unfall verloren und die Trauer ist unermesslich. Vor allem Juan macht sich Vorwürfe, denn er war es, der in jener Nacht allein mit Andrés zu Hause war. Als die Schuldgefühle übermächtig werden, flieht er mit einem Boot auf den Ozean hinaus und findet dort seinen Sohn auf wundersame Weise wiederbelebt.

Geschickt verwebt Mauricio Chernovetzky Elemente aus aztekischer Mythologie und magischem Realismus in seiner Geschichte um einen Mann, der keinen Ausweg aus seiner Trauer finden kann und den nur der eine Wunsch antreibt, wieder mit seinem Sohn vereint zu sein. Juan versteckt sich mit seinem verlorenen Sohn auf einer verlassenen Insel. Doch Andrés hat sich verändert, ein unstillbarer Hunger treibt den Jungen an und es scheint, nur Juan kann diesen Hunger stillen. Bereit diese zweite Chance als göttliches Geschenk anzunehmen, muss er erkennen, dass manchen Träumern ein hoher Preis abverlangt wird, um nicht wieder aufzuwachen.

„Sacrificio“ nimmt den Zuschauer mit in eine hypnotisch schöne und beängstigende Welt aus Schmerz, Schuld und Sehnsucht. Rauschhaftes Genrekino aus Mexiko.

Meterlange Dreadlocks, handgeschriebene Notizen, kein Computer und eine Klientel, die mit Polizeigewalt und Mordanklagen zu ihr kommt: Diane Jobson, Jamaikas legendäre "Rasta-Anwältin", lässt sich mit ihren über 80 Jahren nichts mehr vorschreiben, schon gar nicht die Regeln einer Dokumentarfilmproduktion. Amanda Sans Pantling begleitet sie entsprechend entspannt durch ihren Alltag mit Telefonaten mit Mandanten, einem Schwimmausflug mit dem Hund, einen Joint mit ihrer besten Freundin Sally.

In den 1970ern wurde Jobson als enge Freundin und Anwältin von Bob Marley bekannt und konvertierte unter seinem Einfluss zum Rastafari-Glauben. Nach seinem Tod widmete sie ihr Leben dem Kampf für Jamaikas Ärmste – eine Haltung, die sie bis heute nicht aufgegeben hat. Der Film verzichtet auf große dramatische Zuspitzungen und findet seine Kraft stattdessen im Alltäglichen: im trockenen Humor, mit dem Jobson über sich selbst spricht, und in der Beiläufigkeit, mit der sie ein Leben in radikaler Selbstbestimmung vorlebt. Das inspirierende Porträt einer Frau, die sich nie irgendjemandes Regeln unterworfen hat – und genau deshalb zur Symbolfigur wurde. Rules are for dogs!

Ein Grubenunglück stellt das entbehrungsreiche Leben von T.A. Diamond vor schier unüberwindliche Probleme. Er wird gerettet, seine Handverletzung bedeutet aber im Utah der 1930er Jahre die Arbeitsunfähigkeit. Mit dem kargen Wochenlohn wird er abgespeist und sieht sich der einzigen ihm vertrauten Rolle seines Lebens beraubt. Frau und Kind lässt er im Glauben, seine Verletzung sei nur ein kleiner Kratzer und am nächsten Tag geht er den Weg, den der immer geht. Nur ein heimlich mitgenommener Revolver macht diesen Tag anders als sonst. Es wird keiner gerader Weg zum Bergwerk und zurück zur Familie, eher ein Zickzack Kurs wie der des Hasen im Feld, dessen Ziel er selbst nicht kennt.

Mit Kameramann Corey C. Waters, der schon Kristen Stewarts Regiedebüt mit seiner einfühlsamen Fotografie zu einem visuellen Erlebnis gemacht hat, entwirft Jared Hogan einen Film, der die Zeit, die Menschen und die Landschaft in unvergessliches Licht taucht. Die Schönheit der Bilder machen den Schmerz von T.J., der eindrucksvoll von Frank Mosley portraitiert wird, noch intensiver.

Arthur ist der fleischgewordene Albtraum eines jeden Pflegeheimes.
Der alte Mann will einfach seine jugendlich rebellische Seite nicht
ablegen und stört ein ums andere Mal den Betrieb mit Alkohol,
Drogen, Nacktsonnen, oder illegalen Hahnenkämpfen. Der
Rausschmiss war nur eine Frage der Zeit. Nun muss Kevin seinen
aufsässigen Großvater abholen und findet sich anders als gedacht,
bald auf einem Roadtrip Richtung Kanada. Und mit so einem
Beifahrer wird die Reise für Kevin schnell zu einer
Achterbahnfahrt, bei der Arthur seinen viel zu braven Enkel nicht
nur mit seinen alten Sünden konfrontiert, sondern ihn auch
überzeugen will, die Familientradition der Whiskeyherstellung
fortzuführen.
Regisseur William Scoular findet in Bruce Dern den idealen
Hauptdarsteller für diesen unverbesserlichen alten Haudegen:
schlitzohrig, sentimental, und immer für eine Überraschung gut.
Zwischen Situationskomik und überraschend melodramatischen
Wendungen bleibt »Northbound« ein umwerfend charmanter
Generationenausflug - getragen von Derns unwiderstehlicher
Altersweisheit und einer Geschichte, die weiß, dass es beim
Roadtrip nie wirklich ums Ankommen geht.

Ein mysteriöser Fremder taucht in den staubigen Straßen einer kleinen Grenzstadt auf, in der es nicht viel mehr gibt als ein Hotel, einen Saloon, einen korrupten Sheriff und einen Sargmacher. Natürlich spielt Alex Cox ganz bewusst mit unseren Erinnerungen an die Filme von Regisseuren wie Sergio Leone oder Clint Eastwood. Aber in „Dead Souls“, einer sehr freien und überaus aktuellen Adaption von Nikolai Gogols satirischem Roman »Tote Seelen«, ist nichts wirklich so, wie wir es erwarten. Der von Cox selbst gespielte Fremde ist kein Revolverheld und kein Rächer, er will nur die Namen von Mexikanern kaufen, die in diesem trostlosen Kaff in Arizona des Jahres 1890, dem Jahr der Volkszählung, verstorben sind. Warum, sagt er nie – mal gibt er sich als Zensusbeamter aus, mal als Regierungsvertreter. Erst nach und nach dämmert uns: Die Toten werden auf dem Papier als "erfolgreich entfernte" Personen gemeldet, ein bürokratischer Trick, mit dem sich Abschiebezahlen fälschen lassen. Der Tod zählt nur noch als Verwaltungsakt.

Die Anspielung auf gegenwärtige US-Migrationspolitik bleibt unübersehbar. Cox zementiert seinen Status als einer der subversivsten Filmemacher, die das Kino seit den frühen 1980er Jahren hervorgebracht hat.

Es gibt Komödien, bei denen plötzlich etwas kippt und einem das Lachen im Hals stecken
bleibt. Und dann gibt es Komödien, deren Humor ist derart schwarz und bitter, dass man gar
erst auf die Idee kommt, uberhaupt zu lachen. >>Your Friends & Neighbors« fallt ohne Frage
n diese zweite und uberaus seltene Kategorie. Neil LaBute bezeichnet seinen zweiten
Spielfilm selbst als "ein modernes unmoralisches Lehrstuck" und spielt damit direkt auf das
Genre der Moralitäten an. Seine Erzählung über drei College-Freunde, die in einer
seltsamen Hassfreundschaft miteinander verbunden sind, und drei Frauen in ihrem Leben
hat natürlich nichts von einem Lehrstück. Es gibt keine klare Trennung zwischen Gut und
Bose. Nichts weist dem Publikum den richtigen Weg. LaBute konfrontiert einen einfach nur
mit den zerstörerischen Seiten menschlicher Beziehungen. Keine der sechs Figuren ist
unschuldig. Sie alle sind für ihr Unglück und das der anderen verantwortlich und zugleich
doch auch Opfer der Situation. So gelingt LaBute und seinem Ensemble ein grandioses
Kunststück, man erkennt sich in diesen Figuren wieder und fühlt mit ihnen mit, obwohl ihr
Verhalten und ihre Entscheidungen einen entsetzen.

Die Wiederaufführung des Jahres. John Woos Klassiker des Hongkong Kinos ist das Nonplusultra des Actionkinos. Mit seinen kunstvoll choreografierten "Bullet Ballets" definierte der Film das moderne Actionkino und beeinflusste Regisseure wie Quentin Tarantino nachhaltig. „The Killer“ ist der Auftragskiller Jeff, der bei einem seiner Hits die Nachtclubsängerin Jennie verletzt. Um ihr zu helfen, lässt er sich auf einen riskanten Job ein und gerät dabei zwischen die Fronten der Triaden und den ihm auf den Fersen bleibenden, unbeugsamen Polizisten Li Ying. Aus anfänglichem Misstrauen entwickelt sich zwischen den Männern eine ungewöhnliche Freundschaft - aus Gegnern werden, zunächst widerwillig, Verbündete. Chow Yun-Fat und Danny Lee liefern sich als Killer und Cop ein Duell voller Respekt, Ehre und blutiger Konsequenz. Als die Bedrohung immer größer wird, bleibt ihnen schließlich nur eine Wahl: Gemeinsam stellen sie sich der Triade und nehmen den Kampf gegen die mächtige Unterweltorganisation auf.

In seiner nun aufwendig restaurierten Fassung, mit satten Farben und neu gewonnener Bildschärfe, entfaltet "The Killer" seine ikonischen Feuergefechte in bislang ungekannter Brillanz.

„Das Werk eines Filmemachers auf der Höhe seines künstlerischen Schaffens.“

Die bittersüße Komodie >Nurse Betty« nimmt eine Sonderstellung im Werk Neil LaButes ein.
Sie ist eine seiner seltenen Regiearbeiten, zu denen er nicht selbst das Drehbuch
geschrieben hat. Und doch fügt sie sich als eine Art hoffnungsvoller Gegenentwurf zu seinen
meist tiefschwarzen Erkundungen des menschlichen Seins perfekt in sein Œuvre ein. Dabei
gibt ihm auch diese Geschichte um eine von Renee Zellweger gespielte Hausfrau und
Kellnerin, die mitansieht, wie ihr Ehemann von zwei Profikillern ermordet wird, und daraufhin
in eine Traumwelt flüchtet, reichlich Gelegenheiten, toxische Beziehungen zu porträtieren.
Auch der sarkastische Humor, mit dem die Drehbuchautoren John C. Richards und James
Flamberg die Welt der fiktiven Daily Soap >>A Reason to Love

Für ein Kind, das seine Mutter nie kennengelernt hat, ist die Vorstellung von "vollständiger Familie" oft nur eine Frage der Hartnäckigkeit, mit der man sucht. Dieser Idee folgt jedenfalls Khudizaya, als sie gemeinsam mit ihrem liebevollen, aber dem Alkohol zugeneigten Vater durch die endlose Weite der Gobi zieht, um ihre Mutter zu finden. Am anderen Ende dieser Suche wartet eine gebrochene Frau, und eine Verpflichtung, der sie sich kaum gewachsen fühlt.

Im Zentrum von »Hello Mother« steht das mongolische Ritual Khuuslukh, mit dem gestresste Kamelstuten ihrem abgewiesenen Fohlen wieder zugeführt werden. Ein Musiker spielt mit der Laute, die wie eine Geige mit dem Bogen gestrichen wird, und singt eine Ballade, um das Kamel zu beruhigen und ihr Mutterherz zu berühren. Eine wunderbare Tradition und eine magisch anmutende Zeremonie, um die herum »Hello Mother« seine Geschichte wie eine Mahnung daran erzählt, dass wir Menschen im Strudel der Zivilisation diese Werte des Lebens und der Liebe nicht aus den Augen verlieren. Byambasuren Ganbat öffnet mit ihren Debütfilm einen Blick auf das emotionale und kulturelle Innenleben ihres Landes.