Als sie ein Jahr alt war, habe sie Melodien behalten, mit zwei improvisieren, mit fünf komponieren können. Ihr erstes Klavierkonzert gab sie mit sieben, mit 16 trat sie mit der Boston Symphony als Solistin auf: die erste US-amerikanische Komponistin und Pianistin Amy Beach galt als Wunderkind. Doch mit einer Karriere als Pianistin war es vorbei, als sie mit 18 einen 25 Jahre älteren Chirurgen heiratete. Nach dessen Tod nahm sie – als Komponistin unterdessen erfolgreich – ihre Konzertkarriere wieder auf. Nach ihrem Tod wurde sie vergessen. Heute entdeckt man sie wieder. Ihr Opus 80 sind Variationen ihres Liedes „An Indian Lullaby“, das einen leichten Wind mit dem Duft der Tannennadeln herbeiruft, um ein Kind in den Schlaf zu wiegen. Ein lebhaftes, rätselhaftes Spiel zwischen Flöte und Streichquartett.

Im wunderkind-gläubigen, virtuosen-versessenen 18. und frühen 19. Jahrhundert hatten Anton und Bernhard Romberg sowie Anton Bernhard Fürstenau typische Virtuosen-Biografien. Herausragende Könner an ihren Instrumenten, machten sie zunächst – die Vettern Romberg im Duo und Fürstenau mit seinem Vater – als Kinderstars Karriere, später europaweit als „Virtuosen“: als führendes Mitglied eines angesehenen Orchesters, das daneben international als Solist und Kammermusiker gastiert und einen Großteil seines Repertoires selbst komponiert. Ein Gemeinschaftswerk, das beide Rombergs solistisch strahlen lässt, sind die konzertanten Duos Opus 2. Elegant das Quintett Andreas Rombergs, in dem Flöte und Violine die Melodiestimme haben. Unterhaltsam und anspruchsvoll Fürstenaus Divertissements.

Anna Komarova, die 2023 den ersten Fürstenau Flöten Wettbewerb in Münster und zuvor andere internationale Wettbewerbe gewann, und die anderen Musiker:innen des ROMBERG-FESTIVALS gehören zur Elite der jungen Klassikszene Europas. Sie alle wären im 19. Jahrhundert „Wunderkinder“ gewesen. Heute spricht man, im Bewusstsein der Komplexität solchen Talents, der Erfordernisse einer richtigen Ausbildung und der Gefährdung der jungen Leute, von Hochbegabung und Begabtenförderung.


Künstler:innen:
Anna Komarova, Flöte
Julia Smirnova Violine
Johannes Fleischmann, Violine
Sindy Mohamed, Viola
Miguel Mohamed, Viola
Konstantin Manaev, Cello

WUNDERKINDER – VIRTUOSEN
Bernhard Romberg (1767–1841) & Andreas Romberg (1767–1821): Trois Duos concertans für Violine und Cello, op. 2
Andreas Romberg: Quintett für Flöte und Streichquartett e-Moll op. 41, Nr. 1
Anton Bernhard Fürstenau (1792–1852): Aus: Divertissements für Flöte solo, op. 63
Amy Beach (1867–1944): Theme and Variations für Flöte und Streichquartett, op. 80

Fotos © Privat | Anna Firsova | Nikolaj Lund | Susanne Specjal | Ettore Causa | Susanne Specjal

Erleben Sie mit unserer einzigartigen Nachtwächter-Führung die besondere Atmosphäre im abendlichen Münster. Unsere Nachtwächter nehmen Sie mit auf eine unterhaltsame Tour durch die schönsten Ecken der Stadt.

Die Tour dauert 1,5 Stunden.

Unsere Touren finden bei jedem Wind und Wetter statt. Bitte tragen Sie dem Wetter angepasste Kleidung.

Was vor 500 Jahren als jiddische Hochzeits- und Festmusik in Osteuropa begann, ist heute eins der spannendsten, innovativsten Genres weltweit: der Klezmer. Einen neuen Sound bringen die Klezzfour ins Spiel, vier Stars der internationalen Wiener Weltmusikszene: der Oriental-Klezmer-Klarinettist Maciej Golebiowski aus Polen, die bulgarischen Wladigeroff Brothers an Trompete und Klavier, die sich mit ihrem Balkan-Jazz einen Namen machten, und der Sänger, Kontrabassist und Komponist Benjy Fox-Rosen. In Los Angeles aufgewachsen, ist der US-Amerikaner einer der Rising Star der Yiddish Music Scene weltweit.

Wien war immer ein Melting Pott der Kulturen. Deshalb leben die Viere seit Jahren dort. Und jeder Klezmer ist so weit und individuell wie die, die ihn machen – ohne Einflussangst, von ihrer Herkunft geprägt, aber offen für andre und Andres, frei. Fluide Musiker-Identitäten, jedoch mit Profil. So gibt es von Klezzfour jetzt Klezmer mit Wiener Schmäh.

Was das ist, kann man nicht erklären. Diese Musik muss man hören und erleben. Ist schon der Begriff „Schmäh“ undefinierbar, wie viel mehr jener Schmäh, den die Vier auf der Bühne miteinander führen, improvisatorisch, einfallsreich, höchst virtuos. Inspiriert von Jazz, Folk und der Volksmusik ihrer Herkunftsländer, von Klassik, Funk, Tango, Balkan oder orientalischen Klängen. Mit Tricks und Charme, feinem Witz, derb und liebenswert, zärtlich und zart. Ironisches Scherzen und Leidenschaft pur, tiefes Gefühl und das gekonnte Spiel damit. Ist das noch Klezzmer? Gewiss, denn die jiddische Tradition klingt überall durch. „Eigentlich“, so Alexander Wladigeroff, „sind wir ganz normale Menschen, aber sobald wir zu unseren Instrumenten greifen, verändern wir alle Menschen um uns herum, und das macht das ganze Leben so viel glücklicher und schöner.“

Künstler:
Klezzfour:
Maciej Golebiowski, Klarinette u. Moderation
Alexander Wladigeroff, Trompete
Konstantin Wladigeroff, Klavier
Benjy Fox-Rosen, Kontrabass u. Gesang

Foto: Stephan Mussil

„Aus der Seele muss man spielen und nicht wie ein abgerichteter Vogel.“ Der berühmte Satz C.P.E. Bachs markiert den Beginn der Moderne in der Musik. Komponisten und Interpreten stellen nicht mehr, wie im Barock, Affekte dar, indem sie Regeln ihrer Darstellung „wie abgerichtet“ befolgen. Nun drücken Individuen sich aus, bringen ihre Gefühle und Stimmungen zum Ausdruck, subjektiv, ungebunden, Komponisten wie Interpreten. Ziel ist, das Publikum emotional zu packen: „Indem ein Musikus nicht anders rühren kann, er sei denn selbst gerührt; so muss er notwendig sich selbst in alle Affekte setzen können, welche er bei seinen Zuhörern erregen will; er gibt ihnen seine Empfindungen zu verstehen und bewegt sie solchergestalt am besten zur Mit-Empfindung“ (C. P. E. Bach) – wie Anna Kamarova und Veronika Salikhova.

Schumanns Romanzen sind berückend in ihrer Schlichtheit und Beschaulichkeit, „zarte, duftende Blumen“, die, wie er meint, „keinen Triumphzug durch den Salon machen wollen, sondern im stillen Kreise das Gemüt erquicken“. Dopplers Fantasie ist ein Kernstück des Flötenrepertoires: emotional, elegisch, quasi improvisierte, rhythmisch freie Kadenzen, Tanzsaalpassagen. Virtuos auch Schuberts Arpeggione-Sonate, aber eher für die Seele geschrieben als für die Show, mit brillanten Passagen für beide Instrumente. Vielleicht noch mehr als im Original für Violine und Klavier kommt in der Fassung mit Flöte die Musik von Debussys Sonate aus einem großen „Schatten“: „Die Musik beginnt da,“ sagt der Komponist, „wo das Wort unfähig ist, auszudrücken. Musik wird für das Unaussprechliche geschrieben; ich möchte sie wirken lassen, als ob sie aus dem Schatten herausträte und von Zeit zu Zeit wieder dahin zurückkehrte“. Ein geheimnisvolles Thema zu Beginn in Dutilleux’s Sonate, lyrisch das Andante, eine schwierige Kadenz und am Schluss ein rasantes Accelerando, heftiger und heftiger, bis ins dreifache Forte.

Anna Komarova gewann, neben anderen internationalen Preisen zuvor, den 1. Fürstenau Flöten Wettbewerb 2023 in Münster. Seit 2022 ist sie Soloflötistin im MusicAeterna Orchester von Teodor Currentzis. Veronika Salikhova ist Dozentin an der Int. Musikakademie Anton Rubinstein und Lehrkraft für besondere Aufgaben (Korrepetition) an der Robert Schumann Hochschule Düsseldorf.

Künstlerinnen:
Anna Komarova, Flöte
Veronika Salikhova, Klavier

AUS DER SEELE
Carl Philipp Emanuel Bach (1714–1788): Flötensonate D-Dur, H 505, Wq83
Robert Schumann (1810–1856): Drei Romanzen, op. 94
Franz Doppler (1821–1883): Fantaisie pastorale hongroise, op. 26
Franz Schubert (1797–1821): Sonate a-Moll „Arpeggione“ D.821
Claude Debussy (1862–1918): Sonate Nr. 3 g-Moll fl.148
Henri Dutilleux (1916–2013): Sonatine

Fotos © Ralf Emmerich | Privat

Klassik, kreativ adaptiert – und so gespielt, dass einem Sinne und Herz aufgehen. Das polnisch-serbische Duo Aliada ist vielfach ausgezeichnet und wird in bedeutenden Konzertsälen bejubelt. Dabei wahrt jede seiner Bearbeitungen Substanz und Charakter des Originals, bringt sie mitunter deutlicher hervor, indem Michal Knot und Bogdan Laketic das Potenzial ihrer Instrumente voll auskosten.

Mit dem Programm „Tales“ evozieren Knot und Laketic, die sich im Studium in Wien kennenlernten, Geschichten und kleine Szenen aus dem Leben. Im Zentrum Melodien von Schumann und Brahms. „Der ernste, schweigsame Brahms, der echte Jünger Schumanns, norddeutsch, protestantisch und unweltlich wie dieser, schreibt Walzer? Ein Wort löst uns das Rätsel, es heißt: Wien“, schrieb Brahms’ Kritikerfreund Eduard Hanslick dazu. Er hatte dabei das typisch Wienerische Milieu mit seinem Kulturmix und seinen geselligen „Jam Sessions“ im Sinn. „Wirkliche Tanzmusik“, so Hanslick, „wird natürlich niemand erwarten: Walzer-Melodie und Rhythmus sind in künstlerisch freier Form behandelt und durch vornehmen Ausdruck gleichsam nobilitiert. Trotzdem stört darin keinerlei künstelnde Affektation, kein raffiniertes, den Total-Eindruck überqualmendes Detail – überall herrscht eine schlichte Unbefangenheit“.

Einfach auch Schumanns „Kinderszenen“, nicht für Kinder, sondern als „Rückspiegelung des Älteren für Ältere“ (Schumann) komponiert. Naiv, wie es nur Erwachsene sind, dabei anmutig und schön, entspringen sie dem Bewusstsein, Unschuld und Unverbildetheit des Kindes verloren zu haben. Sind nicht die „Träumerei“, „Von fremden Ländern und Menschen“ oder „Hasche-Mann“ heute so aktuell wie 1838, als sie entstanden? Ebenso Hans Pfitzners Bemerkung von 1920: „es ist ein Tropfen Musik aus tiefstem Quell; wir sind auch musikalisch verkommen und verloren, wenn wir uns dieser Schönheit entwöhnen“.

Künstler:
Duo Aliada:
Michał Knot, Saxophon
Bogdan Laketic, Akkordeon

TALES
Johannes Brahms (1833–1897): 16 Walzer, op. 39
Robert Schumann (1810–1856): Kinderszenen (Auswahl)
Werke von John Dowland (1563–1626), Henry Purcell (1659–1695) u.a.

Fotos © Siavash Talebi | Maria Jarzyna | Michael Knot

„Aromas del sur“: Düfte und Würze des Südens. Caire – aus spanisch „aire“ für Luft und „c“ von „cañas“, Rohr – lässt populäre Werke seiner Heimaten neu erklingen und mitreißend erleben, dass jeder National- und Individualstil ein kreativer Mix aus Eignem und Fremdem ist.

Zu Beginn erinnert das junge Rohrblattquintett älteste iberische Kunstmusik, katholisch, höfisch und maurisch beeinflusst, sowie Volkslieder und -tänze aus einer Zeit, in der Wirtschaft und Kultur auf der Halbinsel blühten. Im 19. Jahrhundert inspiriert die Tradition klassische Komponisten, zuvorderst der von den Gitanos geprägte Flamenco mit Bolero etwa und Fandango, ursprünglich ein Tanz afrikanischer Sklaven in den südamerikanischen Kolonien Spaniens, mit „spanischer Gitarre“ und Kastagnetten, beide aus der arabischen Welt importiert. Am Konservatorium ausgebildet, hatten Géronimo Giménez, Isaac Albéniz (der als 12-Jähriger nach Südamerika abhaute) und Manuel de Falla neben der europäischen Klassik die Folklore ihres Landes im Ohr und im Blut – und entwickeln daraus ihren je eigenen und einen unverwechselbar spanischen Nationalstil. So durchziehn Albeniz’ „Spanische Suite“ die Düfte Granadas, Cataluñas, Sevillas und Cubas, und de Falla lässt, verliebt in ihre Musik, seinen „Liebeszauber“ unter den Gitanos in Andalusien spielen.

Der Sprung nach Südamerika: Villa-Lobos verbindet in seiner Kantilene brasilianische Rhythmen mit Bachs Kontrapunkt. Komplexe Mehrstimmigkeit auch in Pixinguinhas zärtlichem Choro oder, verjazzt, in „Chorado“ des beliebten Songwriters Guinga. Mehr „MPB“, populäre brasilianische Musik der Gegenwart, mit dem São Paulo-Samba von Ardoniran Barbosa und dem netten Bossa nova-„Spaziergang“ Edu Lobos. In die Heiterkeit des Bossa nova verpackte Chico Buarque scharfe Kritik an der Militärdiktatur in Brasilien. Sein „Apesar de você“ (Dir zum Trotz) wurde 1970 zur Hymne des Widerstands. Vier Jahre später steuert Argentinien auf eine Diktatur zu, während Astor Piazzolla mit seinem „Libertango“ den Bruch vom traditionellen zu seinem Tango nuevo markiert: ein Fanal künstlerischer Freiheit und Ruf nach politischer „libertad“.

Künstler:innen:
Caire Reed Quintet:
Pedro Jimenez, Oboe
Carolina Guiducci, Klarinette
Adrián Vilaboa, Saxophon
Celia Matamoro, Fagott
Alberto García, Bassklarinette

AROMAS DEL SUR
Anonymi (spätes 15. Jh): Propinyan de Melyor | Tres morillas
Juan del Encina (1469–1530): Oy comamos y bebamos | Más vale trocar
Santiago de Murcia (1673–1739): Folías Gallegas
Isaac Albéniz (1860–1909). Suite Española Granada – Cataluña – Sevilla – Cuba
Pixinguinha (1897–1973): Carinhoso
Chico Buarque (*1944): Apesar de você
Géronimo Giménez (1854–1923): La boda de Luis Alonso
Heitor Villa-Lobos (1887–1959): Bachianas brasileiras Nr. 5
Guinga (*1950): Chorado
Edu Lobo (*1943): Perambulando
Adoniran Barbosa (1910–1982): Trem das onze
Manuel de Falla (1876–1946): El amor brujo Danza del terror – Danza ritual del fuego – Pantomima
Carlos Cano (1946–2000): Maria la portuguesa
Astor Piazzolla (1921–1992): Oblivion | Libertango

Foto: Elena Matamoro

Das neue La Fonte Barockorchester unter Leitung Fabrizio Venturas ist fast kein Geheimtipp mehr. Auch die Fürst zu Bentheimsche Musikaliensammlung Burgsteinfurt aus dem 18. Jahrhundert nicht, die das international besetzte Ensemble aus Westfalen ins Zentrum seiner Konzertprogramme stellt. Ein überaus reicher Fundus, ist die Sammlung der Fürsten von Bentheim-Steinfurt, die in der Universitäts- und Landesbibliothek Münster liegt, noch für manche Entdeckung gut.

Die Fürsten aus der westfälischen Provinz waren alles andre als provinziell. Graf Karl (1729–1780) und Sohn Ludwig (1756–1817) von Bentheim-Steinfurt waren hoch gebildet und kulturinteressiert. Virtuos spielten sie Flöte und unterhielten eine 35-köpfige Hofkapelle, die mi Bagno, in der „Grande Galerie pour les concerts“, welche Karl 1774 nach dem Vorbild des „Grand Trianon“ auf Schloss Versailles hatte errichten lassen, konzertierte. International auf Reisen und gut in der Musikszene vernetzt, sammelten die beiden Enthusiasten Musik am Puls ihrer Zeit. Und der schlug Freiheit: Liberté.

Künstler:innen

LA FONTE. Westfälisches Barockorchester
Michael Schmidt-Casdorff (Traversflöte)
Daniel Lanthier (Oboe)
Katrin Lazaar (Fagott)
Bart Aerbeydt (Horn)
Fabrizio Ventura (Leitung)

Daniel Glowotz (Moderation)

LIBERTÉ
Carl Philipp Emanuel Bach (1714–1788): Berliner Symphonie Nr. 1 Es-Dur, Wq 179
Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1791): Sinfonia Concertante für vier Blasinstrumente, KV 297b
Giuseppe Cambini (1746–1825): Sinfonia Concertante für 2 Flöten G-Dur, PL 22202
Paul Heinrich Masch (18. Jh.): Symphonie Nr. 5 C-Dur

Fotos © M. Nikolic | Daniel Glowotz | Theresa Pewal | Privat | M. Nikolic

Erleben Sie mit unserer einzigartigen Nachtwächter-Führung die besondere Atmosphäre im abendlichen Münster. Unsere Nachtwächter nehmen Sie mit auf eine unterhaltsame Tour durch die schönsten Ecken der Stadt.

Die Tour dauert 1,5 Stunden.

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Blockflöte vom Feinsten! Klangschönheit, expressives Zusammenspiel bei höchster Präzision und eine innere Kraft, die aus dem Einssein der Virtuosinnen mit der Alten Musik wie mit der Musik unsrer Gegenwart strömt: Das Boreas Quartett Bremen ist eins der besten seiner Art und mehrfach preisgekrönt. 40 Blockflöten unterschiedlicher Größe und Bauart haben die Vier, die in Europa, Taiwan und den USA konzertieren, im Einsatz.

Die Kunst der Fuge wird durch das Zugleich von Eigenständigkeit und Gemeinsinn bestimmt. Vier Stimmen klingen zusammen als vier verschiedene Melodien. Voneinander unabhängig, sind sie immer aufeinander bezogen. Sie laufen parallel, aber keine führt. Keine ordnet sich die anderen unter, keine hat bloß begleitende, „akkordauffüllende“ Funktion. Eine jede behauptet sich. Zusammen aber machen sie nicht sinnlos Lärm, sondern sind in Harmonie. Das ist Polyphonie, die fasziniert, Mehrstimmigkeit im strengen Sinn, Kontrapunkt: „punctus contra punctum“, Note gegen Note gesetzt.

Die Fuge krönt das polyphone Komponieren des 13. bis 18. Jahrhunderts und erfuhr im 20. eine Renaissance. Die Form, für die Johann Sebastian Bach wie kein anderer steht, lebt von der kunstvollen Verflechtung gleichberechtigter Stimmen, die wie auf der Flucht (lat. „fuga“) voreinander angeordnet sind: Ein musikalisches Thema wird zeitlich versetzt und auf unterschiedlichen Tonhöhen wiederholt, es durchläuft imitatorisch alle Stimmen und kann dabei identisch, wie beim Kanon, oder aber frei, leicht verändert, imitiert werden.

Virtuos balanciert das BQB auf dem schmalen Grat von Autonomie und Gemeinschaft. Jede Spielerin verfolgt ihre eigene Linie – und bringt sich zugleich organisch in den Gesamtklang ein.

Künstler:innen
Boreas Quartett Bremen (Blockflöten):
Jin-Ju Baek
Anna Stegmann (für Luise Manske)
Luisa Fritz
Elisabeth Champollion

KUNST DER FUGE
Anonymous (England, ca. 1250): Sumer is icumen in
Johann Sebastian Bach (1685–1750): Contrapunctus 1, 4, 9, 11, 12
Alessandro Poglietti (17. Jh.): Capriccio per lo Rossignolo Syncopatione del Ricercar | Ricercare | Canzon über das Henner und Hannergeschrey
Tarquinio Merula (1595–1665): Canzon La Lusignuola
Piet Swerts (*1960): Catch phrases | Theatre of the Absurd, aus: Three Gadgets
Giovanni Pierluigi da Palestrina (1515–1594): Ricercar del primo tuono | Ricercar del quarto tuono
Diomedes Cato (ca.1560–1618) Fantasia chromatica

Fotos: Elisa Meyer

Das neue La Fonte Barockorchester unter Leitung Fabrizio Venturas ist fast kein Geheimtipp mehr. Auch die Fürst zu Bentheimsche Musikaliensammlung Burgsteinfurt aus dem 18. Jahrhundert nicht, die das international besetzte Ensemble aus Westfalen ins Zentrum seiner Konzertprogramme stellt. Ein überaus reicher Fundus, ist die Sammlung der Fürsten von Bentheim-Steinfurt, die in der Universitäts- und Landesbibliothek Münster liegt, noch für manche Entdeckung gut.

Die Fürsten aus der westfälischen Provinz waren alles andre als provinziell. Graf Karl (1729–1780) und Sohn Ludwig (1756–1817) von Bentheim-Steinfurt waren hoch gebildet und kulturinteressiert. Virtuos spielten sie Flöte und unterhielten eine 35-köpfige Hofkapelle, die mi Bagno, in der „Grande Galerie pour les concerts“, welche Karl 1774 nach dem Vorbild des „Grand Trianon“ auf Schloss Versailles hatte errichten lassen, konzertierte. International auf Reisen und gut in der Musikszene vernetzt, sammelten die beiden Enthusiasten Musik am Puls ihrer Zeit. Und der schlug Freiheit: Liberté.

Künstler:innen

LA FONTE. Westfälisches Barockorchester
Michael Schmidt-Casdorff (Traversflöte)
Daniel Lanthier (Oboe)
Katrin Lazaar (Fagott)
Bart Aerbeydt (Horn)
Fabrizio Ventura (Leitung)

Daniel Glowotz (Moderation)

LIBERTÉ
Carl Philipp Emanuel Bach (1714–1788): Berliner Symphonie Nr. 1 Es-Dur, Wq 179
Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1791): Sinfonia Concertante für vier Blasinstrumente, KV 297b
Giuseppe Cambini (1746–1825): Sinfonia Concertante für 2 Flöten G-Dur, PL 22202
Paul Heinrich Masch (18. Jh.): Symphonie Nr. 5 C-Dur

Fotos: Daniel Glowotz

Solist:innen, die europaweit zu den Besten ihres Fachs gehören, Solostellen in bedeutenden Orchestern haben, Preisträger:innen großer Wettbewerbe sind: in ihrem Quintett zaubern sie so lebendige Farben hervor wie der Impressionist Claude Monet auf seinen Bildern

Dramatisch und hochenergetisch, rhythmisch komplex, kontrapunktisch dicht spielen Ligetis „Bagatellen“ die Kontraste des Lebens aus. Das individuelle Leben des Widmungsträgers erinnert ein Tombeau (frz. Grabmal), eine nicht unbedingt traurige Gedenkmusik. Ravel hat mit seiner impressionistischen Suite seinem Kollegen François Couperin sowie dem Barock insgesamt ein Denkmal gesetzt, zudem jeden Satz einem im Ersten Weltkrieg gefallenen Freund gewidmet. Patriotisch begeistert, warnte der Franzose indes vor Chauvinismus in der Musik. Damit würde die „derzeit so reiche (französische) Tonkunst unweigerlich degenerieren und sich in schablonenhaften Formeln einschließen“.

In keine Schablone passt Roger Hanschels „Sur le motif“, das neuste der drei originalen Holzbläserquintette des Abends, vom Monet Quintett im Juni 2024 uraufgeführt. Der famose Jazz-Saxophonist und -Komponist – „der Traum eines virtuosen Stilisten, einer, der sein Ding macht, dieses Ding stetig fortentwickelt“ (Jury WDR Jazzpreis 2018) – verwandelt sich auch Klassisches, Osteuropäisches und Indisches, Minimal Music, Neue Musik oder Blues vollkommen an und macht daraus sein ureigenes Ding. Weltoffen und eine Virtuosin ersten Ranges auch die US-amerikanische Flötistin Valerie Coleman. Ihr „Tzigane“ ist von Roma- und orientalischen Stilen inspiriert und feiert, tonal und unterhaltsam, in faszinierenden Soli über einem durchgängigen rhythmischen Drive die Virtuosität jedes einzelnen Ensemblemitglieds. Wie „Tzigane“ lebt Taffanels Bläserquintett von Kontrasten und stellt höchste Anforderungen an die Musiker:innen – immerhin war der Komponist wohl der beste Flötist des 19. Jahrhunderts. Romantisch-weicher Bläserklang, französische Grazie, zum Schluss ein Vivace im 6/8-Takt, federnd und wie von der Tarantel gestochen.

Künstler:innen
Monet Quintett:
Daniela Koch (Querflöte),
Johanna Stier (Oboe)
Nemorino Scheliga (Klarinette)
Theo Plath (Fagott)
Marc Gruber (Horn)

KEINE BAGATELLEN
György Ligeti (1923–2006): Sechs Bagatellen
Maurice Ravel (1875–1937): Le tombeau de Couperin
Roger Hanschel (*1964): Sur le motif
Valerie Coleman (*1970): Tzigane
Paul Taffanel (1844–1908): Quintette à vent en sol mineur (g-Moll)

Fotos: Philippe Stier

„Concert Royal“– Sonne und Reichtum, Emotion, Glanz, golden und warm im Ton der Querflöte aus Holz. Das Cembalo scheint silbrig im Bass continuo. Es ist das „Goldene Zeitalter“ Frankreichs, Ludwig XIV. „Sonnenkönig“ in Versailles. Der absolutistische Herrscher fördert die Künste wie keiner sonst – und verpflichtet sie auf sich. Sein Urenkel und Nachfolger, Ludwig XV., tut es ihm ab 1715 nach. Die Traversflöte wird Solo- und Modeinstrument und Jacques Hotteterre, Flötist im Kammerorchester des Königs, widmet 1708 sein „Erstes Buch mit Stücken für die Traversflöte“ ehrerbietig seinem Dienstherrn: „DEM KÖNIG. Sire, die gunstvolle Aufmerksamkeit, die EUERE MAJESTÄT sich herabließ, mir zukommen zu lassen, seit ich die Ehre hatte, diese Stücke in Eurer Gegenwart vorzutragen, hat mir heute die Furchtlosigkeit verliehen, sie Euch zu präsentieren. Welch beglückenderen Erfolg könnte ich mir für sie wünschen, als dass sie einige jener Momente zu füllen vermöchten, in denen der größte König der Welt seinen glorreichen Beschäftigungen zu entfliehen wünscht.“

Musik als Urlaub vom Alltag? Schönheit pur. Mit betörenden Suiten aus dem Goldenen Zeitalter, komponiert von Flötisten, die, außer dem Organisten Dornel und dem Cembalovirtuosen Couperin, Mitglied der königlichen Kapelle und die Besten ihrer Zeit waren. Ihr Concert Royal beginnen Michael Schmidt-Casdorff, einer der namhaftesten Flötist:innen der Alten Musik in Europa, und Christian Rieger, als Solist und Kammermusiker international gefragt, heiter und springend mit Hotteterres Tongemälde der großen Kaskade, die der Bruder Ludwigs XIV. als ein „Theater sprudelnden Kristalls“ im Park von Saint Cloud hat anlegen lassen. Gewiss hätte Schmidt-Casdorffs Spiel wie das Michel de La Barres auf Antoine Houdar de La Motte gewirkt: „So bezaubernd deine Flöte, / La Barre, sie ruft Zärtlichkeit hervor, / Alles entflammt sich an deinen gewinnenden Klängen; / Die Liebe selbst wird zarter, / Träumt nur noch davon, Dir zu lauschen / und lässt dich die Herzen verwunden.“ Gleiches galt mehr wohl noch für das Spiel Blavets, der die Traversflöte wie kein zweiter beherrschte und in affekt- und kontrastreichen Suiten sein Können zeigte. Ein Großer auch Couperin, genannt „Le Grand“. Den Organisten der Sainte Chapelle und Musiklehrer am Hofe bestellte der König in seinem letzten Lebensjahr fast jeden Sonntag zu einem Privatkonzert ein. Half ihm, der von Krankheit, dem Tod seines Sohnes und weiterer Thronfolger gezeichnet war, das 2. Concert Royal durch die Düsternis des Sterbens, das auch einen Sonnenkönig besiegt? Zart sind die „Echos“ am Ende des Konzerts zu spielen.

Künstler:innen
Michael Schmidt-Casdorff (Traversflöte)
Christian Rieger (Cembalo)

CONCERT ROYAL – die erste Blüte französischer Flötenmusik
Jacques Hotteterre (1673–1763): Suite G-Dur, op. 2,3
Michel de La Barre (1675–1745): Suite e-Moll, Nr. 3
Antoine Dornel (1691–1761): Suite G-Dur, op. 2,1
Michel Blavet (1700–1768): Sonata d-Moll, op. 2,2 „La Vibray“
François Couperin (1668–1733): Concert Royal Nr. 2 D-Dur

Fotos © Privat | Johannes Ritter

Das Konzert findet in der Ausstellung „Doppelpass“ statt.

Die Shakuhachi ist eins der ältesten Musikinstrumente der Welt und seit 1.200 Jahren unverändert. Hierzulande ist die japanische Flöte noch immer eine Exotin. Sie klingt holzig-hauchig, geräuschhaft nach Weite und Wind, ist aus dem Wurzelende des Madake-Bambus gemacht und hat fünf Grifflöcher.

Der Shakuhachi-Meister Armin Kyumei Lohbeck spielt Kinko-ryu Honkyoku, meditative Stücke der „Komuso“ genannten japanischen Wandermönche. Er erläutert sie, spricht über seine Geschichte mit der Shakuhachi und die Ausbildung zum Meister.

Im 16. Jahrhundert gründeten buddhistische Bettelmönche einen Zen-Orden, dessen Wahrzeichen die Shakuhachi wurde. Für diese Komuso war die Flöte ein Werkzeug der Meditation, das Spielen ein Weg zur Erleuchtung. Flöte spielend gingen sie auch durch die Straßen, um für ihr Essen zu betteln. Ihre Musik wird „Honkyoku“, Hauptstücke, genannt, „Kinko-ryu“ heißt deren größte Sammlung und Schule. Honkyoku bestechen durch fehlenden Rhythmus und Freiheit von allem, was man im Westen unter Musik versteht.

Auf der Shakuhachi kann über mehr als zweieinhalb Oktaven jeder Ton und ein reiches Spektrum an Klangfarben erzeugt werden, indem die Spielenden die Grifflöcher ganz oder teils abdecken, die Kopfneigung oder die Lippenspannung verändern, wobei Anblas- und Atemtechnik anspruchsvoll sind. Nahezu alles ist auf der Shakuhachi spielbar: traditionelle japanische Meditations- und Ensemblemusik, Arrangements klassischer Musik, Filmmusik, Jazz.

Armin Lohbeck entdeckte nach seinem Cello-Studium in Deutschland als Mitglied des Japan Philharmonic Symphony Orchestra seine Liebe zur japanischen Musik. In Japan erhielt er ersten Shakuhachi-Unterricht bei Reiko Yokota, in Deutschland bei Shakuhachi-Meister Ikkei Hanada. Ab 2010 studierte er die Shakuhachi in der Kinko-ryu-Tradition bei Gunnar Jinmei Linder in Schweden und Ryumei Matsuyama in Japan. 2016 erhielt er von der Kinko-ryu Chikumeisha-Schule das traditionelle Meisterzertifikat „shihan“ und den Künstlernamen „Kyumei“.

Künstler:
Armin Kyumei Lohbeck (Shakuhachi)

Programm:
EINE REISE INS ALTE JAPAN
Yobitake Uketake „Rufender Bambus – antwortender Bambus | Taihei-Raku | Yuugure No Kyoku „Stück zur Abenddämmerung“ |Azuma No Kyoku „Stück aus AZUMA“ | Shika No Tone „Ruf der Hirsche“


Fotos: privat

Das Konzert findet in der Ausstellung „Doppelpass“ statt.

Fratres Trio: AMERICAN TEMPO

Melodien, Rhythmus, Tanz, gerade und schräg, sentimental bis ausgelassen, voll harmonischer Spannung und im „American tempo“. Dabei ist die Besetzung des Trios so ungewöhnlich wie seine Spielfreude infektiös. Drei internationale Topvirtuosen der Klassik mit Feeling für Blue Notes und Swing spüren der Musikrevolution vor 100 Jahren nach.

Da kam in den USA der Jazz zur Blüte, eine neue „Unterhaltungsmusik“, die direkt in den Körper ging. Auch in den Metropolen Europas (er)füllte er die Nachtclubs – und die „Ernste Musik“ verwandelte sich durch ihn. Mit Gershwin entstand die spezifisch US-amerikanische Fusion aus Klassik und Jazz, und in Good Old Europe nahmen traditionell ausgebildete Komponisten charakteristische Stilelemente des Jazz in ihre Werke auf. Etwa Milhaud, der „nie verstanden (hat), wie man zwei verschiedene Sorten Musik – klassische oder moderne, ernste oder leichte Musik etc. – abgrenzen und festlegen kann. (…) Es gibt nur eine einzige Musik, und die kann man in einem Refrain im Kaffeehauskonzert oder in einer Operettenarie genauso gut finden wie in einer Sinfonie, einer Oper oder in einem Kammermusikwerk.“ Das Fratres Trio spielt mitreißende „Klassiker“ aus jener Zeit: klassische Musik, die „Baumaterialien“ (Ravel) des Jazz verwendet, und Jazz-Standards, die für Violine, Saxophon und Klavier kunstvoll arrangiert sind.

So eröffnet es etwa beschwingt das Programm mit brasilianischen Rhythmen in Milhauds Fantasie, von der der Pariser Nachtclub „Le Boeuf sur le Toit“ seinen Namen hat. Im „Ochsen auf dem Dach“ trafen sich in den Zwanzigern führende Künstler und Musiker und jammten bis in den Morgen, woraus die Redewendung „faire le boeuf“ entstand. Auch Erwin Schulhoff „machte den Ochsen“ am Klavier und tanzte nächtelang in Clubs, lief heiß, lud sich mit Inspiration auf und nobilitierte in seiner Hot-Sonate das verruchte Modeinstrument Saxophon. Oder Poulenc lässt seine Nächte im Moulin Rouge in seiner „Einladung ins Schloss“ aufleben: eine Suite melodischer Tänze, Melancholie und Erotik bis Polka und Tarantella. Am Schluss eine „Porgy and Bess-Suite“ mit Gershwins All-time-Hits, etwa „Summertime“.

Künstler:innen:
Fedor Rudin (Violine)
Guerino Bellarosa (Saxophon)
Florian Noack (Klavier)

AMERICAN TEMPO
Darius Milhaud (1892–1974): Le Boeuf sur le toit, Fantaisie op. 58
Erwin Schulhoff (1894–1942): Hot-Sonate für Altsaxophon und Klavier
Fats Waller (1904–1943): Bye Bye Baby
Maurice Ravel (1875–1937): Blues, aus: Sonate für Violine und Klavier
Duke Ellington (1899–1974): In a sentimental mood | Jubilee Stomp
Francis Poulenc (1899–1963): Suite aus „L’invitation au Château“
Kurt Weill (1900–1950): Sieben Stücke nach der Dreigroschenoper
Moritat von Mackie Messer – Ruf aus der Gruft – Ballade vom angenehmen Leben – Pollys Lied – Zuhälterballade – Seeräuberjenny – Kanonensong
George Gershwin (1898–1937): Porgy and Bess-Suite
Introduction – Summertime – It ain´t necessarily so – Bess, you is my woman now

Fotos: privat, Nikolaj Lund, Green Room Creatives–Gerrit Schreurs_Portrait_sRGB

WIE GEWÜNSCHT - ABSCHLUSSKONZERT MEISTERKURS FAGOTT

Acht begabte junge Musiker:innen hat Theo Plath für seinen Fagott-Meisterkurs aus einer Vielzahl von Bewerber:innen ausgewählt. In einem intensiven Workshop in der Musikhochschule Münster haben sie mit ihm ihre Wunschstücke von der Klassik bis zu zeitgenössischer Musik erarbeitet, Werke für Fagott und Klavier oder für Fagott solo, Fagott-Konzerte und -Orchesterstellen. Ausschnitte aus ihrem Repertoire präsentieren sie im Abschlusskonzert „Wie gewünscht“.

Theo Plath ist einer der führenden Fagottist:innen seiner Generation. Er ist Solofagottist des hr-Sinfonieorchesters, Preisträger u.a. beim ARD Musikwettbewerb und international als Solist und Kammermusiker gefragt. Die Pianistin Kimiko Imani, die den Kurs begleitet, unterrichtet an der Hochschule für Musik Hanns Eisler Berlin und ist seit 2022 Dozentin an der Universität der Künste Berlin. Als Kammermusikerin und solistisch tritt sie international auf.

Künstler:innen:
Theo Plath (Fagott)
Kimiko Imani (Klavier)
Meisterkurs-Teilnehmer:innen

Fotos: Lena Bichler, Marco Borggreve

Sie benötigen kein Ticket , der Eintritt ist frei.

Künstler: Till Hoheneder, Torsten Sträter, Hilden, Gorke, Hoheneder & Band u.v.m.!

Das legendäre Herzenswünsche Benefizkonzert feiert seinen 14. Geburtstag! Initiator und Gastgeber Till Hoheneder freut sich auch dieses Jahr wieder auf eine magische Veranstaltung in der Werkstatthalle des Maximilianparks in Hamm! Dieses Jahr dabei: Geniale Comedy vom wunderbaren Torsten Sträter, packender Rhythm & Blues von Gregor Hilden mit seinem neuen Allstar Projekt "Hilden, Gorke, Hoheneder & Band“ und vielen anderen Gästen!
Wie immer ist jede Karte auch ein gültiges Los für die alljährliche Tombola! Der Gewinn des Konzertes geht an den Verein Herzenswünsche e.V., der sich um schwer und chronisch erkrankte Kinder und Jugendliche kümmert.

Nur Stehplätze!

Hier keine Tickets verfügbar

Erleben Sie mit unserer einzigartigen Nachtwächter-Führung die besondere Atmosphäre im abendlichen Münster. Unsere Nachtwächter nehmen Sie mit auf eine unterhaltsame Tour durch die schönsten Ecken der Stadt.

Die Tour dauert 1,5 Stunden.

Unsere Touren finden bei jedem Wind und Wetter statt. Bitte tragen Sie dem Wetter angepasste Kleidung.