Dauerausstellung Naturkunde und Geologie

Die sinnliche, bunte, spannende und informative Familienausstellung weckt das Interesse für die Natur in unserer Umgebung und ist ein Erlebnisraum für große und kleine Besucher.

 

Naturkunde

In der naturkundlichen Abteilung heisst es: "Ist das Reh die Frau vom Hirsch?", "Warum haben Vögel Schnäbel?" oder "Kriegen Enten kalte Füße?" Diese und andere Kinderfragen werden anschaulich und im Detail beantwortet. In dem großen stimmungsvollen Dachgeschoss empfängt die Ausstellung ihre Besucher mit offen gestalteten Landschaftsszenarien zu den Themen Wald, Land und Fluss.

Ein riesiger Ahornbaum in herbstlichen Farben scheint aus der Wand zu wachsen und überragt die detailliert gestaltete Waldlandschaft. Hier sind z.B. der Dachs, das Reh, die scheue Wildkatze und eine Vielzahl von Waldvögeln zu finden.

Die Wiese bietet auch zahlreiche Entdeckungen: der Habicht schaut zwischen den Grashalmen hindurch, unter dem Stein entdeckt man kriechende Bewohner und auch der Maulwurf hat sein Plätzchen gefunden.

Die Flusslandschaft wird von heimischen Fischen, Muscheln und Krebsen bevölkert, Enten und andere Vögel haben es sich am Ufer bequem gemacht.

Eine große Zahl von Hands-on-Stationen, Spielen und Experimenten laden zum Mitmachen ein: man kann z.B. Vogelstimmen hören, Felle ertasten oder Schneckenhäuser unter die Lupe nehmen. Und wer wissen will, wie die ausgestopften Tiere gemacht werden, erfährt das am Arbeitstisch des Präparators. Im kuschligen Moosbett kann man zu verschiedenen Klängen des Waldes in einer bunten Auswahl an Kinderbüchern stöbern oder einfach nur entspannen.

 

Geologie

In der geologischen Abteilung ganz oben unter dem Museumsdach heisst es: "Können Steine leuchten“, „Ist der Bleistift aus Blei?“ oder „Gibt es im Schwarzwald einen Silberschatz?“ Auch hier werden diese und andere Kinderfragen anschaulich und im Detail beantwortet.

Kann man denn überhaupt durch die Zeit reisen? Bei uns schon! Mit der Zeitmaschine kann man sich in die verschiedenen Erdzeitalter begeben. Man geht hinein, wählt ein Erdzeitalter aus und saust hin, z.B. ins Karbon. Gleich nach der Ankunft erfährt man, wie es damals bei uns aussah, wie das Klima beschaffen war und welche Tiere und Pflanzen es gab.

Weiter geht’s in den nachgebauten Stollen: hier erfährt man, dass früher in der Nähe von Offenburg Kohle, aber auch Eisenerz und sogar Silber in zahlreichen Gruben abgebaut wurde.

Schließlich geht es in die Schatzkammer der Ausstellung, das Mineralienkabinett. Hier sind wunderschöne Mineralien mit wohlklingenden Namen wie Achat, Limonit oder Psilomelan zu bewundern, die in allen Farben schimmern und in bizarren Formen vorkommen. Einige dieser Mineralien leuchten sogar, wenn sie mit Schwarzlicht angestrahlt werden.

Die Dauerausstellung Wald - Land - Fluss regt dazu an, interessante Zusammenhänge selbst herauszufinden und neue Fragen zu stellen. Sinnlich, bunt, spannend und informativ bietet die Präsentation ein geeignetes Forum für den jugendlichen Forschergeist und schafft einen anregenden und kindgerechten Erlebnisraum, der auch Erwachsene erfreuen dürfte. Alle Fragen beantwortet die Ausstellung anschaulich und mit lebendigen Texten, viele davon kann man im Audioguide hören, der an der Infotheke kostenlos erhältlich ist.

Die Ausstellung ist zweisprachig in Deutsch und Französisch.

 

Mo geschlossen
Di-So 10 - 17 Uhr

40 Jahre existieren die Spitzklicker. Sie haben die erfolgreichste Spielsaison aller Zeiten - vor fast überall ausverkauftem Haus – gespielt. Und schon steht die Kabarett-Kulttruppe aus der Kurpfalz vor ihrem 40. Programm.

Einlass: 17:30

Spielen, lachen, laut sein, toben, nichts tun – und das in einem Ausstellungshaus! Ab dem 4. September 2024 lädt BAUBAU genau dazu ein. In dem von der Künstlerin Kerstin Brätsch gestalteten Spielort für Kinder ist mehr erlaubt als verboten. Bunte Wandtapeten, Strukturen, Objekte und eine Reihe von „Loose Parts“ (losen Materialien) formen im Erdgeschoss des Gropius Bau Räume, die keine festen Vorgaben machen, sondern durch die Aktivitäten der Kinder bestimmt werden. Sie geben die Richtung und die Form vor für das, was hier passiert. So wird dieser Ort zum Möglichkeitsraum, der sich Tag für Tag verändern kann.

BAUBAU startet im September 2024 in einer Prototypversion und wird sich über die kommenden Jahre hinweg innerhalb wie außerhalb des Gropius Bau weiterentwickeln und wachsen – in engem Austausch mit den Kindern und ihren Wünschen, denn dies ist ihr Ort.

 Das Spiel
Alle Kinder haben den Drang zu spielen. So lernen sie, sich und die Welt zu begreifen. Gerade das offene, selbstbestimmte Spiel ist für die emotionale und soziale Entwicklung von großer Bedeutung. Das pädagogische Konzept für BAUBAU basiert deshalb auf den Grundlagen des freien Spiels: Hier gibt es die Zeit, den Raum und die Erlaubnis für Kinder, ihren eigenen Bedürfnissen und Interessen zu folgen. Begleitet werden sie dabei von Playworker*innen – geschulten Mitarbeiter*innen, die eine sichere und unterstützende Umgebung schaffen, in der Kinder frei spielen können.

 
Die Kunst
BAUBAU stellt spielerisch infrage, was ein Museum oder eine Kunstinstitution sein soll. Die umfassende Raumgestaltung, die Kerstin Brätsch entwickelt hat, ist voller Bezüge und Anregungen: Elemente aus ihren früheren Werken, wie Marmorierungen, Malereien oder Stuckmarmorarbeiten, tauchen hier in veränderter Gestalt und Materialität wieder auf. Die Tapeten, Vorhänge, Stoffe, Sitzmöbel und Klettergerüste sind bewohnt von Dinosauriern, fantastischen Wesen, Termitenhügeln und abstrakten Elementen. Mit ihren komischen, lustigen, vielleicht auch etwas unheimlichen Formen schaffen sie einen offenen Rahmen für das freie Spiel.

Kerstin Brätschs Praxis ist darauf ausgelegt, Einflüsse von außen zuzulassen und aufzunehmen. Hat sie bisher mit Künstler*innen oder Kunsthandwerker*innen zusammengearbeitet, so tut sie dies nun auf ganz andere Weise mit Kindern: Sie lädt die Kinder dazu ein, den Raum nach ihren eigenen Ideen und Vorstellungen und ohne das Einwirken der Künstlerin auf unvorhersehbare Weise umzugestalten und weiterzuentwickeln.

Mo, Mi, Do, Fr 12:00–18:00 Sa, So 11:00–18:00 Di geschlossen

Dauerausstellung Stadtgeschichte

Die stadtgeschichtliche Ausstellung zeigt den politischen und wirtschaftlichen Weg Offenburgs  von der Revolution 1848 bis zum Wirtschaftswunder in den 1950er und 60er Jahren.

Mit Beginn der Revolution 1848 startet auch die stathistorische Ausstellung und nimmt den Besucher mit durch die Zeiten des Auf- und Umbruchs in Offenburg und der Region.

Offenburg ist zu Beginn des 19. Jahrhunderts ein beschauliches Städtchen mit knapp 2400 Einwohnern. 170 Jahre später zählt man bereits 33 000 Bürger. Die Stadt erlebt in diesem Zeitraum die Industrialisierung, zwei Revolutionen, drei Kriege, zwei Inflationen, Aus- und Einwanderungen, Diktatur und demokratischen Neuanfang.

Vier Hauptthemen werden fokussiert:

• Demokratiegeschichte

• Migration

• Mobilität

• Wirtschaftsgeschichte

Die Ausstellung zeigt den politischen und wirtschaftlichen Weg Offenburgs in die Moderne, von der Revolution 1848 bis zum Wirtschaftswunder in den 1950er und 60er Jahren. Sie kombiniert Schätze aus den Depots mit modernen Medien und spielerischen Elementen, wie z.B. einer Animation zur Auswanderung nach Nordamerika, Audiostationen und Filmsequenzen.



Foto: Karl Schlessmann

Mo geschlossen
Di-So 10-17 Uhr

Das Hauptgebäude der Staatlichen Kunsthalle Karlsruhe ist für eine umfassende Sanierung geschlossen. Doch wesentliche Teile der Sammlung sind jetzt wieder für die Öffentlichkeit sichtbar – zu Gast im ZKM | Karlsruhe.

Die Kunsthalle zeigt auf rund 2000 qm Bilder und Plastiken vom Spätmittelalter bis in die Gegenwart – einen Querschnitt der Sammlung mit den beliebten Hauptwerken von Matthias Grünewald und Hans Baldung Grien, von Rembrandt, Rubens und Chardin, von Cézanne, Gauguin und Beckmann, Max Ernst, René Magritte und Joan Miró sowie Gerhard Richter, Pia Fries und Karin Sander.

In performativen Videoarbeiten, einige davon Gemeinschaftsproduktionen mit Tiago Mata Machado, isoliert die brasilianische Künstlerin Cinthia Marcelle alltägliche, routinierte Bewegungs- und Arbeitsprozesse aus ihrem funktions- und produktionsorientierten Kontext. Die meist kollaborativ-partizipativ angelegten Situationen verwandelt sie in poetische, metaphorische Bilder, die eingespielte Routinen des gesellschaftlichen Miteinanders und eine leistungsorientierte Logik moderner Gesellschaften zur Disposition stellen.

Die Ausstellung Bodies in Motion – Form in the Making kontextualisiert die performativen, zumeist auf einfachen Handlungsanweisungen beruhenden performancebasierten Videoarbeiten von Cinthia Marcelle erstmals mit Ikonen der US-amerikanischen postminimalistischen Tanz- und Performancepraxis der 1960er/70er Jahre wie Yvonne Rainer, Bruce Nauman, Suzanne Harris und dem performativ-partizipativen Gestaltungsansatz der minimalistischen Skulpturen der deutschen Künstlerin Charlotte Posenenske.

Die Ausstellung wird von Anna Roberta Goetz kuratiert.

Die Rose ist eine faszinierende Blume. Nicht nur, dass sie eine Zierde für jeden Garten ist und auch noch wunderbar duftet – nein, sie hat mit ihrer Symbolkraft auch weite Teile des Lebens, wie Liebe, Politik, Kunst, Mythologie, Religion und vieles mehr geprägt. Außerdem werden Rosenöl und Rosenwasser in der Kosmetik- und Nahrungsmittelindustrie verwendet, und 42 Prozent aller verkauften Schnittblumen sind Rosen, wobei der Anbau in außereuropäischen Staaten und Handel nicht unproblematisch sind.

Als besonders schöne Blühpflanzen und unverzichtbarer Teil des Ökosystems können Rosen aber auch für die drängenden Probleme der Gegenwart wie Artenvielfalt und -erhalt und damit für die Klimaproblematik sensibilisieren. All dies steht im Mittelpunkt der Ausstellung zur Kulturgeschichte der Rose, wobei natürlich die Pflanze und ihre Rolle in der Gartenkultur nicht zu kurz kommen.
Interessante Objekte aus den Bereichen Mode, Design, Kunst, aber auch Alltag sollen einen Eindruck von der Anziehungskraft vermitteln, die die Rose ausgeübt hat und noch immer ausübt – auch mit ihrer dunklen Seite.

Duftstationen versprechen eine Erfahrung für die Sinne und mehrere Mitmachstationen machen die Ausstellung zu einem Erlebnis für die ganze Familie.

Gefördert vom MWK und vom Lüneburgischen Landschaftsverband, von der VR-Stiftung der Volksbanken und Raiffeisenbanken in Norddeutschland, der Volksbank Celle, Niederlassung der Hannoverschen Volksbank, und vom Museumsverein Celle e.V.

Di - So 11-17 Uhr

Mit der Ausstellung von Peter Buggenhout startet der Skulpturenpark Waldfrieden in Wuppertal am 8. März 2025 in die neue Ausstellungssaison: Der belgische Bildhauer zeigt in zwei der Ausstellungshallen und im Außenbereich des Parks insgesamt sieben raumgreifende Objekte aus unterschiedlichen Werkgruppen. Buggenhout ist international bekannt für seine Plastiken, die er aus Weggeworfenem formt und die als ausladende Körpergebilde Gestalt im Raum annehmen. Der Künstler bezeichnet seine Skulpturen als "abjekte Dinge" – als Objekte, die sich gewohnten kognitiven Zusammenhängen entziehen und mehr als nur eine Betrachtungsperspektive fordern.

Die Skulpturen von Peter Buggenhout, der 1963 in Dendermonde in Belgien geboren wurde und in Gent lebt und arbeitet, bestehen aus Dingen, die durch den Wegfall des Gebrauchs ihrer ursprünglichen Funktionalität beraubt sind: Abfall und Artefakte bilden gleichermaßen die Stoffe, die der Künstler als Werkmaterial nutzt und aus denen er seine Objekte zusammenfügt. Gebrauchte Folien aus Kunststoff, Planen, Textilgewebe, Zeitungen, Altmetallschrott, Holzfragmente oder organische Substanzen wie Kuhmägen, Pferdehaar und Staub werden zu Bestandteilen seiner Arbeiten. Buggenhout bildet aus diesen hinterlassenen Resten gewaltige Formen, denen das Entstehen und Vergehen in der unmittelbaren Präsenz des Materials und seiner schroffen Formen innewohnt.

Peter Buggenhout, der sich um 1990 von der Malerei abwandte, um zu plastischen Gestaltungen überzugehen, arbeitet seit einigen Jahren in Werkgruppen mit unterschiedlichen Materialschwerpunkten und Obertiteln. Dabei sind das Vorgefundene, das Zyklische und die Temporalität von Dingen grundlegende Themen, die er in seinen Werkgruppen als variantenreiche skulpturale Bestandsaufnahmen ausformuliert.

Seine Skulpturen besitzen keine Schaurichtung, die Vielansichtigkeit seiner Werke ist so essenziell wie die Bedeutung der Gleichwertigkeit und Gleichzeitigkeit ihrer Elemente. Das Verworfene ist dabei stets ein wichtiger Teil der Basis seines Schaffens.

Peter Buggenhout über seine Arbeit:
„Die Materialien, die ich benutze, haben alle eines gemeinsam: Ich habe sie nicht gewählt, weil mir ihre Form oder ihr Aussehen gefallen. Allen Gegenständen, die ich finde, ist gemein, dass sie von ihrer formalen Identität her nicht wirklich auf eine Bedeutung verweisen. Ich kann zum Beispiel statt eines alten Stuhls ein Stück vom Stuhl so verwenden, dass man nicht merkt, was für ein Gegenstand es vorher war. Das ist sozusagen die Qualität von Abfall. Auch Staub besitzt diese Qualität. All meine Arbeitsmaterialien sind „abjekt“, also verworfen bzw. ekelhaft … aus ihrem ursprünglichen Zustand gebracht , haben ihre Form und Bedeutung verloren.“

11-18 Uhr, an allen Feiertagen geöffnet

Freunde der Egerländer und Böhmischen Blasmusik aufgepasst!

Kaum eine Blasmusik ist so bekannt wie die Böhmische. Der unverkennbare Klang verkörpert die böhmische Lebensart und das Egerländer Brauchtum. Die anspruchsvollen Musikstücke schwelgen in grenzenloser Lebensfreude, lassen aber auch Melancholie und Wehmut nach der verlorenen Heimat durchklingen.

Die Goldenen Egerländer sind ein echter Geheimtipp. Seit ihrer Gründung füllen die leidenschaftlichen Musiker/innen Hallen und Konzertsäle in ganz Deutschland. Dies ist besonders auf die enorme Qualität des Orchesters und derer Musik zurückzuführen. Kein Wunder, spielen oder spielten die Profimusiker deutschlandweit in Bundeswehr- oder Polizeiorchestern, wie beispielsweise im Stabsmusikkorps der Bundeswehr, des Bundespolizeiorchesters Berlin und des ehemaligen Luftwaffenmusikkorps Berlin.

Seit dem Oktober 2022 werden die Goldenen Egerländer von Edi Sagert, ehemaliger Musiker bei Ernst Mosch und ehemaliger Chef der Original Kapelle Egerland geleitet.

Mit der kurzweiligen, authentischen und temperamentvollen Art, aber auch mit viel Gefühl, gestaltet das Orchester seine Bühnenauftritte und dies, wie sollte es auch anders sein, natürlich in Ihrer originalen Egerländer Tracht.

Wie unter dem Motto „Lieblingsmelodien aus dem Egerland“ liegt auch der Schwerpunkt der musikalischen Darbietungen auf der Interpretation der schönsten Egerländer Klänge, natürlich auch von ERNST MOSCH und seinen Original Egerländer Musikanten. Wenn beispielsweise die „Rauschenden Birken“ erklingen, das Publikum bei „Wir sind Kinder von der Eger“ mitsingt oder leise der „Böhmische Wind“ durch den Konzertsaal weht, kommt jeder Freund der Egerländer Blasmusik voll auf seine Kosten.

Erleben Sie ein einzigartiges Konzerthighlight auf höchstem Niveau - Egerländer Blasmusik vom Feinsten!

Karten noch ggf. an den Vorverkaufsstellen

Regelmäßig wird es jung, bunt und laut in der Lounge des Bonner Pantheons, wenn ein Line-Up aus talentierten Nachwuchspoet*innen zwischen 10 und 20 Jahren ans Mikrofon tritt, um das Publikum zu begeistern und um seine Gunst zu werben. Denn nur eine*r kann den ersten U-20 Slam der Region für sich entscheiden.

Durch das Programm geleitet mit Witz und Charme die landesweit bekannte Poetry Slammerin Jana Goller.

Erleben Sie junge Talente, aufregende Textpremieren und einen Wettbewerb der besonderen Art.

Beim Rheinreden Poetry Slam treten junge Poet*innen mit ihren selbstgeschriebenen Texten im Wettbewerb gegeneinander an. Ihre Texte müssen alle ohne Requisiten, in einem Zeitlimit von 6 Minuten vorgetragen und Zitate gekennzeichnet werden. Für die Slamtexte gibt es keine Themen- oder Formvorgaben: es kann politisch, lustig, persönlich, lyrisch, prosaisch, dadaistisch etc. werden. Das Publikum entscheidet welcher Auftritt ihnen am Besten gefallen hat und wer im Finale um den Sieg kämpfen darf. Die Location im Pantheon ist super gemütlich, mit bunten Sesseln und von der Decke hängenden Glühbirnen. In Wohnzimmerathmospäre führt die Moderation mit Witz und Authentizität durch die bunte Show. Verbringt euren Sonntagnachmittag mit uns, gönnt euch lecker Kultur und unterstützt die lokale Kleinkunstszene!

Das Theater ist Barrierefrei und wir sind darauf bedacht einen Safer Space zu kreieren. Kommt also gern, wie ihr seid und euch wohlfühlt!

www.instagram.com/rheinreden_slam/?hl=de

 

 

 

 

 

Aktionscode: Wenn Sie über einen Aktionscode verfügen, geben Sie diesen bitte ERST im entsprechenden Feld ein und wählen DANN die Anzahl der Tickets in der Preisstufe.

Der beliebteste Familienspaß Südniedersachsens!

Es erwarten Euch beliebte, bekannte und ganz neue, riesige Attraktionen. Euer Lieblingspark präsentiert Euch wieder tolle Shows, viel Action zum Mitmachen, einen wunderschönen mediterranen Biergarten und eine karibische Beach-Bar. Wir spielen draußen wie drinnen in unseren großen Indoor - und Outdoorbereichen und sind wetterunabhängig.

Den ganzen Tag Spaß haben - seid mittendrin im turbulenten Circus-Land.

Sie buchen mit Ihrer Eintrittskarte eine TAGESKARTE für den Besuch in der Dauerausstellung des museum FLUXUS+. Letzter Einlass ist 17:00 Uhr. Für einen entspannten Besuch planen Sie bitte mindestens eine Stunde ein.

Nach dem Einlass haben Sie genügend Zeit, dass Museum zu besichtigen.
Öffnungszeiten Mi - So 13:00 - 18:00 Uhr

Das museum FLUXUS+ in Potsdam zeigt moderne Kunst mit den Schwerpunkten Fluxus, Wolf Vostell und vier zeitgenössischen Künstlern. Die Sammlung umfasst neben Wolf Vostell unter anderem Werke von Emmett Williams, Ben Patterson, Yoko Ono, Nam June Paik, Mary Bauermeister und Niki de Saint-Phalle.

Die eintrittsfreien Ausstellungen im atrium, ein museumscafé mit Terrasse und der attraktive museumsshop machen das museum FLUXUS+ zu einem beliebten kulturellen Treffpunkt an der Havel.

letzter Einlaß 16:00 Uhr

Valentino Vivace, geboren in der italienischen Schweiz, gilt als einer der spannendsten Newcomer der Schweizer Musikszene. Mit seiner einzigartigen Mischung aus Italo-Disco, French Touch und Indie-Pop hat er innerhalb kürzester Zeit sowohl national als auch international für Aufsehen gesorgt. Der in Zürich lebende Künstler trat erstmals 2022 ins Rampenlicht, als er sein Debütalbum Meteoriti ohne die Unterstützung eines Labels oder Managements veröffentlichte. Diese selbstbewusste Eigenständigkeit und sein unverwechselbarer Sound ebneten ihm den Weg zu einer Nominierung für den Swiss Music Award in der Kategorie „Best Talent“ und bescherten ihm umfangreiches Airplay auf führenden Radiostationen wie SRF3, Couleur3, Rete Tre und Deutschlandfunk Kultur. Auf Streaming-Plattformen wie Spotify verzeichnet
Valentino bereits rund 50’000 monatliche Hörer, was seine wachsende Popularität unterstreicht.

Valentinos Live-Auftritte sind ebenso beeindruckend wie seine Studioarbeit. Innerhalb von nur zwei Jahren spielte er auf nahezu allen grossen Schweizer Festivals, darunter das Gurtenfestival, das Openair St. Gallen, die Winterthurer Musikfestwochen, das Paléo Festival und das legendäre Montreux Jazz Festival. Seine energiegeladenen Performances und seine charismatische Bühnenpräsenz machten ihn schnell zum Publikumsliebling. Auch international konnte er sich mit Auftritten in Mailand, auf dem Fusion Festival bei Berlin und dem MS Dockville in Hamburg einen Namen machen. Ein besonderer Höhepunkt seiner Karriere ist die ausverkaufte Headline-Show im Dynamo Zürich im November 2024, bei der alle 700 Tickets bereits drei Monate im Voraus vergriffen waren.

Nach diesem rasanten Erfolg hat sich Valentino gezielt ein professionelles Team aufgebaut. Sein aktuelles Label, das Boutique-Label Fluidostudio aus Mailand, sowie ein Netzwerk unabhängiger Agenturen in der Schweiz, Deutschland, Italien und Frankreich unterstützen ihn auf seinem Weg zu einer internationalen Karriere. Diese Zusammenarbeit ermöglicht es ihm, seine künstlerische Unabhängigkeit zu wahren und gleichzeitig auf wichtigen Märkten Fuss zu fassen.

Sein zweites Album „Discoteca Vivace“, das Anfang 2025 erscheint, markiert den nächsten Meilenstein in Valentinos kreativer Entwicklung. Inspiriert von den ikonischen italienischen Discotheken der 1980er Jahre, kombiniert er hypnotische Synthesizer-Klänge, pulsierende Beats und emotionale Vocals zu einem modernen Soundtrack für die Tanzflächen von heute. Die Aufnahmen fanden sowohl in seinem kreativen Zentrum in Zürich als auch in Sestri Levante, Italien, statt. Ausflüge ins Mailänder Nachtleben prägten die Entstehung des Albumsstark. Unterstützt wurde Valentino dabei von Arnaud Paolini und Mathieu Nuzzo, die nicht nur an der Produktion beteiligt waren, sondern auch Teil seiner Live-Band sind.

Mit der Veröffentlichung der ersten Single, dem live bereits zum Publikumsliebling avancierten„Eroi“ im Oktober 2024, begleitet von einem cineastischen Musikvideo, startet Valentino die Kampagne für sein neues Werk. Weitere Singles wie „Baia Degli Angeli“, eine Hommage an den verstorbenen Italo-Disco-Pionier Pino D’Angiò, und „Hulahoop“ werden folgen. Valentinos visionäre Musik wird durch innovative Liveshows ergänzt. Ab 2025 entführt er das Publikum in die Atmosphäre einer authentischen italienischen Discoteca – ein Gesamtkunstwerk, in dem Musik, Lichtdesign und visuelle Elemente miteinander verschmelzen.

Valentino Vivace ist ein Künstler, der das Potenzial hat, weit über die Grenzen der Schweiz hinaus zu wirken. Mit seinem authentischen Sound und seiner unverwechselbaren Ästhetik setzt er nicht nur in der Italo-Disco-Revival-Szene neue Akzente, sondern beeinflusst auch die europäische Popmusiklandschaft massgeblich. Seine Fähigkeit, nostalgische Elemente der Disco-Ära mit modernen elektronischen Klängen zu verbinden, macht ihn zu einer der spannendsten Stimmen seiner Generation. „Discoteca Vivace“ wird zweifellos das nächste Kapitel in einer vielversprechenden internationalen Karriere aufschlagen.

Einlass: 19:00 Uhr

Hier keine Tickets verfügbar

Schlotterbacken, Angstbeutel, Hosenscheißer – manchmal sind wir Situationen ausgesetzt, die uns so richtig zum Fürchten bringen. Zum Glück setzt das Bilderbuch »Große sind Schisser« (Hanser 2025) von Sybille Hein dem ganz viel Mut entgegen. Zumal die Autorin (kennt ihr ihre Trickfilme bei der Sendung mit dem Elefanten?) weiß: Gerade Erwachsene können richtige Angsthasen sein. In witzigen Geschichten erzählt sie von die ihren Eltern zeigen, wie man den Kindern, eigenen Ängsten eine laaange Nase zeigen kann. Ätsch! Freut euch auf
eine turbulente Leseshow mit viel Musik von Falk Effenberger und jeder Menge Spaß für Groß und Klein!

Ab ca. 4 Jahren.

Einlass: 15 Uhr

Noch einmal verliebt (The Last Romance)

Komödie von Joe DiPietro. Deutsch von Nick Walsh 2D 2H - Verw.
U: New Theatre, Overland Park, Kansas, 04.09.2008 - DSE: Kammerspiele des Theaters in der Josefstadt, Wien, 27.1.2011 - DE: Grenzlandtheater Aachen, 17.4.2011 - NDE: Ohnsorg-Theater Hamburg, 3.3.2013

Eine Liebesgeschichte, ganz schlicht, ganz einfach, ganz ehrlich, ganz wundervoll. Die Begegnungen der Protagonisten sprühen vor Charme und dem gesamten Gefühls-Spektrum frisch Verliebter - Annäherung und Ablehnung, Erotik und Distanz. Aber wie in jeder guten Geschichte gibt es auch Fragezeichen, die wie ein Damoklesschwert über der sich anbahnenden Romanze schweben. Ein Lehrstück über das Leben, wunderbar einfach und plausibel gesponnen. Dass die drei Darsteller - zwei Frauen und ein Mann - jenseits der 70 sind, ist dabei nicht nur kein Hindernis für die Liebe, sondern verleiht dem Stück eine großartige Tiefe. Das I-Tüpfelchen aber sind die Szenenübergänge: ein junger Sänger, die Erinnerung des männlichen Hauptdarstellers an seine eigene Jugend und die Projektion dessen, was aus ihm hätte werden können, schafft es, aus einem schon überdurchschnittlichen Theaterabend auch noch eine kleine musikalische Sternstunde zu machen.

Einlass eine Stunde vor Beginn

Der fast vergessene Tanztee ist wieder zurück. Und das natürlich auch gern ohne Tee!? Der regelmäßige Sonntag ist im RöderSaal für Tanzfans jedenfalls ein besonderer Termin:

Denn ab 15 Uhr darf hier ausgiebig das berühmte Tanzbein geschwungen werden...
Einlass ab 14:00 Uhr.

Preis Vorverkauf: 5,50€
Abendkasse: 8,00€

#Tanz&Party
#Tanztee

Einlass Saal: 14:30 Uhr

Das weltweit erste Museum der KÖRPERWELTEN öffnete 2015 seine Pforten in Berlin. Es ist am Alexanderplatz direkt im Berliner Fernsehturm beheimatet. Seitdem haben die Besucherinnen und Besucher die Möglichkeit eine Vielzahl einzigartiger Plastinate zu bestaunen. Diese geben einen tiefen Einblick in das hochkomplexe Innere des menschlichen Körpers. So erhalten Interessierte ein detailliertes Wissen über Organfunktionen und häufige Krankheiten, all das leicht verständlich vermittelt. Durch die lebensnahen Posen wird ein unmittelbarer Bezug zu den Betrachtenden hergestellt.

Was verbindet uns, was hält uns aufrecht und in Bewegung, was lässt uns lachen und lieben? Bei den KÖRPERWELTEN erhalten Sie Antworten auf diese und viele weitere Fragen. Machen Sie sich auf eine tief berührende und inspirierende Begegnung mit dem Leben bereit. Lassen Sie sich einen Besuch nicht entgehen und erleben Sie die Faszination der Plastination.

Letzter Einlass: 18:00 Uhr

KÖRPERWELTEN – Anatomie des Glücks

Der Körper als Ort des Glücks
Die große Liebe, ein sorgenfreies Leben, wahre Freundschaft ... wir alle streben nach Glück. Aber haben Sie sich schon mal gefragt, wie Glück eigentlich entsteht? Warum es für unser Leben so wichtig ist und wir nicht genug davon bekommen können? Oder warum wir uns das Glück nicht dauerhaft bewahren können?

Wie jede Handlung, Wahrnehmung oder Empfindung ist auch das Glücksgefühl ein Ergebnis bestimmter Prozesse in unserem Körper. Im Heidelberger KÖRPERWELTEN Museum können Sie an echten anatomischen Präparaten entdecken, was genau unter Ihrer Haut steckt und welche Strukturen an der Entstehung des Glücksgefühls beteiligt sind. Dabei werden Sie viel Interessantes über Ihre Organfunktionen und rund um das Thema Gesundheit erfahren. Und Sie werden überrascht sein, wie vielseitig sich positive oder negative Emotionen auf den gesamten Körper auswirken. Denn alles, was wir erleben, empfinden und mit unserem Körper tun oder auch nicht tun, wirkt früher oder später auf ihn zurück.

Eine Ausstellung, die Ihren Blick auf Sie selbst verändern wird.

Letzter Einlass: 17:00 Uhr

*english below*

experi_theater ist eine dekoloniale Performancegruppe aus Zürich. PLANTATION #2 ist die zweite Performance-Arbeit in einer Reihe von künstlerischen Untersuchungen der Geschichte und Praktiken der Plantage. Als kontinuierliche, experimentelle Praxis erforscht experi_theater seit Jahren einen nicht-weissen, kritischen Blick auf koloniale Realitäten.

PLANTATION #2 konzentriert sich auf Narrative des Policierens von BIPOC*-Körpern, die über eine Chronik von Einzelfällen hinausgehen und ein System von Ungleichheit und Ungerechtigkeit in der Gesellschaft sichtbar machen. Die Performance thematisiert dabei einen Weg vom Leben zum Gefängnis, von den Mechanismen des Strafrechtssystems zu Praktiken der Abolitionsbewegung, die uns dabei unterstützen können, Widerstand zu leisten, uns für Veränderung einzusetzen und gemeinsam weiterzugehen.

Dauer: 90 Minuten

Sprache: Englisch und Deutsch (mit schriftlichen Übersetzungen auf Deutsch, Englisch und Portugiesisch)

Inhaltswarnung/ Conten Note: Thematisierung von kolonialer und rassistischer Gewalt; Keine expliziten körperlichen Gewaltdarstellungen; Gemeinsame Einführung zu Beginn der Performance



***english***

experi_theater is a decolonial performance group from Zurich. PLANTATION #2 is the second performance work in a series of artistic investigations into the history and practices of the plantation. As an ongoing, experimental practice, experi_theater has been exploring a non-white, critical view of the colonial realities for years.

PLANTATION #2 focuses on narratives of policing BIPOC* bodies that go beyond a chronicle of individual cases and make visible a system of inequality and injustice in society. The performance addresses a journey from life to prison, from the mechanisms of the criminal justice system to abolitionist practices that can support us in resisting, advocating for change and moving forward together.

Duration: 90 minutes

Language: English and German (with written translations in German, English and Portuguese)

Content Note: Thematisation of colonial and racist violence; No explicit physical representations of violence; Joint introduction at the beginning of the performance.

Supported by: Stadt Zürich Kultur, Kanton Zürich Fachstelle Kultur, Migros Kulturprozent Zürich, Ernst Göhner Stifung, Kultur Stadt Bern, SWISSLOS – Kultur Kanton Bern, Kultur St. Gallen Plus


TICKETPREISE:
Der Eintritt erfolgt über einen Solidaritätsbeitrag. Das bedeutet, wir bieten drei verschiedene Preiskategorien an, zwischen denen frei gewählt werden kann (Freie Presiwahl 1-3). Jede:r kann so viel bezahlen, wie sie*er möchte und kann.

Kulturticket
Studierende der Universität Göttingen erhalten gegen Vorlage des Kulturtickets kostenlosen Eintritt auf Restplätze an der Abendkasse.

Ab 14 Jahren

Copyright: experi_theater

Einlass: 19:00 Uhr

Im Displaced Persons-Camp nahe dem KZ Bergen-Belsen kamen Ende der 1940er Jahre bis zu 12.000 jüdische Menschen, die den Holocaust überlebt hatten, zusammen. Viele traten von dort die Lebensreise nach Palästina an. Die Bedeutung des Camps für die Wiederbelebung jüdischen Lebens nach 1945 in Deutschland und die Entstehung des Staates Israel ist zentraler Beweggrund für ein Theaterprojekt, in dem sich Künstlerinnen und Künstler aus Deutschland und Israel mit der Komplexität von Geschichte auseinandersetzen. Historischer Ausgangspunkt der Erzählung ist eine Gruppe junger Theaterkünstler, die sich im DP-Camp zum KAZET-Theater zusammenschließen. In der Hoffnung auf Sicherheit und Frieden bereiten sie – je für sich – die Auswanderung nach Israel vor. 65 Jahre später erlebt die in Israel geborene Tochter einer jener Künstlerinnen bei der freundschaftlichen Annäherung an einen Palästinenser, wie die Vergangenheit nachwirkt und noch die Existenz der beiden Nachgeborenen gefährdet. Und ihr wird bewusst, wie wenig sie über die eigene Herkunftsgeschichte – und über die des Gegenübers – weiß. Ihre Suche nach der verschwiegenen Geschichte der Mutter führt sie zu der Frage: Was ist aus den Hoffnungen, Aufbrüchen und Neuanfängen geworden?

Die Mehrgenerationen-Geschichte untersucht die Wechselbeziehung von Gewalt, Schweigen und Vertreibung. Die Sehnsucht nach Frieden verbindet die Figuren wie auch die künstlerisch Beteiligten.

Datum: 27.04.2025