Haustiere, Nutztiere, Raubtiere – und dazu wir als Menschen. Unser aller Zusammenleben gestaltet sich nicht immer einfach, steckt aber voller Geschichten. Kommt mit in die neue Sonderausstellung für Kinder und entdeckt Objekte aus vielen Kulturen, die Tiere darstellen!

€ 6/4 inkl. Ausstellungseintritt (bis 18 Jahre frei)
Ohne Anmeldung

Mit der Ausstellung von Peter Buggenhout startet der Skulpturenpark Waldfrieden in Wuppertal am 8. März 2025 in die neue Ausstellungssaison: Der belgische Bildhauer zeigt in zwei der Ausstellungshallen und im Außenbereich des Parks insgesamt sieben raumgreifende Objekte aus unterschiedlichen Werkgruppen. Buggenhout ist international bekannt für seine Plastiken, die er aus Weggeworfenem formt und die als ausladende Körpergebilde Gestalt im Raum annehmen. Der Künstler bezeichnet seine Skulpturen als "abjekte Dinge" – als Objekte, die sich gewohnten kognitiven Zusammenhängen entziehen und mehr als nur eine Betrachtungsperspektive fordern.

Die Skulpturen von Peter Buggenhout, der 1963 in Dendermonde in Belgien geboren wurde und in Gent lebt und arbeitet, bestehen aus Dingen, die durch den Wegfall des Gebrauchs ihrer ursprünglichen Funktionalität beraubt sind: Abfall und Artefakte bilden gleichermaßen die Stoffe, die der Künstler als Werkmaterial nutzt und aus denen er seine Objekte zusammenfügt. Gebrauchte Folien aus Kunststoff, Planen, Textilgewebe, Zeitungen, Altmetallschrott, Holzfragmente oder organische Substanzen wie Kuhmägen, Pferdehaar und Staub werden zu Bestandteilen seiner Arbeiten. Buggenhout bildet aus diesen hinterlassenen Resten gewaltige Formen, denen das Entstehen und Vergehen in der unmittelbaren Präsenz des Materials und seiner schroffen Formen innewohnt.

Peter Buggenhout, der sich um 1990 von der Malerei abwandte, um zu plastischen Gestaltungen überzugehen, arbeitet seit einigen Jahren in Werkgruppen mit unterschiedlichen Materialschwerpunkten und Obertiteln. Dabei sind das Vorgefundene, das Zyklische und die Temporalität von Dingen grundlegende Themen, die er in seinen Werkgruppen als variantenreiche skulpturale Bestandsaufnahmen ausformuliert.

Seine Skulpturen besitzen keine Schaurichtung, die Vielansichtigkeit seiner Werke ist so essenziell wie die Bedeutung der Gleichwertigkeit und Gleichzeitigkeit ihrer Elemente. Das Verworfene ist dabei stets ein wichtiger Teil der Basis seines Schaffens.

Peter Buggenhout über seine Arbeit:
„Die Materialien, die ich benutze, haben alle eines gemeinsam: Ich habe sie nicht gewählt, weil mir ihre Form oder ihr Aussehen gefallen. Allen Gegenständen, die ich finde, ist gemein, dass sie von ihrer formalen Identität her nicht wirklich auf eine Bedeutung verweisen. Ich kann zum Beispiel statt eines alten Stuhls ein Stück vom Stuhl so verwenden, dass man nicht merkt, was für ein Gegenstand es vorher war. Das ist sozusagen die Qualität von Abfall. Auch Staub besitzt diese Qualität. All meine Arbeitsmaterialien sind „abjekt“, also verworfen bzw. ekelhaft … aus ihrem ursprünglichen Zustand gebracht , haben ihre Form und Bedeutung verloren.“

11-18 Uhr, an allen Feiertagen geöffnet

Immer wieder gab es in der Geschichte der Kunst Gegenentwürfe zum vorherrschenden Kanon und zum krisenhaften Zeitgeschehen. Auch heute fordern Künstler*innen dazu auf, starre Denkmuster zu durchbrechen und das Bewusstsein zu erweitern, um Zukunftsvisionen zu schaffen, die jenseits der Beschränkungen der Gegenwart liegen.
Im Traumzustand interagieren verschiedene Realitäten miteinander. Verglichen mit dem, was man im bewussten Wachzustand zulässt, findet eine freiere Form der Wahrnehmung und Wissensproduktion statt. Es gibt Zeitsprünge, Verbindungen zwischen verschiedenen Orten – durch die Kraft des Unterbewusstseins und der Imagination entstehen alternative Realitäten und utopische Zukunftsräume. Die Auseinandersetzung mit unseren Träumen gibt Aufschluss über unsere Freuden, Ängste und Hoffnungen.
In der Ausstellung What is the dream that makes you dream? wird das Träumen als Weg zu tieferen Bewusstseinsebenen in den Blick genommen. Inmitten multipler globaler Krisen und beunruhigender Nachrichten, die wir jeden Tag empfangen, setzt What is the dream that makes you dream? bewusst auf optimistische Kontrapunkte, die Hoffnung, Resilienz und Heilung vorschlagen.

Drei Stunden darfst du in die Yogawelt eintauchen und erfahren, warum Yoga zu Zeit so beliebt ist und sogar von der Krankenkasse bezuschusst wird. Sindy zeigt dir die wichtigsten Asanas (Körperhaltungen) und erklärt die Wirkungen auf den Körper, den Geist und deine Seele. Außerdem zeigt sie dir Übungen für zu Hause, die du in einem liebevoll gestalteten Workbook mitbekommst- und das Beste zum Schluss- Mit liebevollen Worten, wohltuenden Düften, sanften Klängen und beruhigenden Naturgeräuschen lädt Sindy dich ein, ein ganz besonderes Klangerlebnis zu genießen. Gönn deinem Geist und deinem Körper Zeit voller Achtsamkeit und Erholung. Lass dich von Sindy führen und spüre, wie dein innerer Frieden wächst. So gestärkt und entspannt kannst du die Nacht genießen und erfrischt in die neue Woche starten.
Was brauchst du? bequeme, warme Kleidung, eine Decke und ein kleines Kissen, und natürlich eine Yogamatte
Falls du keine Matte hast, kannst du Sindy telefonisch unter 0172- 45 23 100 erreichen, sie wird dir eine mitbringen
Dauer: 3 Stunden

Einlass: 16:30 Uhr in den Kleinen Saal

Restkarten ggf. an der Abend-/Tageskasse

Willkommen im Wissenskosmos des Barock: Wer auf knarrenden Dielen die stille Erhabenheit unseres historischen Bibliothekssaals betritt, ist sofort umfangen vom Weltwissen der Frühen Neuzeit. Wie Kulissen in einem barocken Theater ragen die originalen Bücherregale in den Raum hinein und beherbergen rund 50.000 Bücher aus allen Wissensgebieten. Hinter unscheinbaren Buchrücken verbergen sich erstaunliche Schätze wie die erste deutsche Bibel, die in Amerika gedruckt wurde.

Ende des 17. Jahrhunderts wurde die Bibliothek des Waisenhauses als eine der ersten öffentlichen Bibliotheken in Deutschland gegründet. Vor allem durch Schenkungen, Büchertausch und eigene Verlagserzeugnisse wuchs die Bibliothek so rasch an, dass sie wenige Jahre später vergleichbar war mit bedeutenden deutschen Universitätsbibliotheken. 1728 erhielt sie ein eigenes Gebäude, das als ältester erhaltener profaner Bibliothekszweckbau Deutschlands gilt. Nicht erst seit jüngster Zeit wird die Bibliothek von Gästen und Forschern aus aller Welt aufgesucht: Bereits Albrecht von Haller, Johann Joachim Winckelmann und Johann Wolfgang von Goethe bewunderten ihre bibliophilen Kostbarkeiten. Eine Auswahl stellen wir für Sie in wechselnden Kabinettausstellungen im ehemaligen Lesezimmer der Bibliothek zusammen.

10-17 Uhr

Entdecken Sie in einer Führung die Highlights der Sammlung und erhalten Sie spannende Einblicke in die aktuelle Ausstellung. Diese schlägt eine Brücke von der Ausstattung früher Science-Fiction-Filme bis zur Gestaltung des virtuellen Raums. Die dialogische Führung thematisiert wegweisende Entwürfe des »Space Age« und zeigt, wie technische Innovationen und gestalterische Utopien in unseren Alltag Einzug gehalten haben und bis heute unsere Lebenswelt unmittelbar prägen.

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Die neue Sammlungspräsentation im Vitra Schaudepot widmet sich Zukunftsvisionen im Design und schlägt damit eine Brücke von der Ausstattung früher Science-Fiction-Filme bis hin zur Gestaltung des virtuellen Raums. Wegweisende Möbelentwürfe aus der Sammlung des Vitra Design Museums zeigen, wie technische Innovationen und gestalterische Utopien Eingang in unseren Alltag finden und unsere Lebenswelt beeinflussen. So zeugen die Möbel des Space Age in den 1960er-Jahren vom Aufbruchsgeist einer Ära, die von der Mondlandung und der Erforschung des Weltraums geprägt ist. Seit Beginn des neuen Jahrhunderts erschaffen GestalterInnen nun auch »virtuelle« Realitäten, wobei sich physische und »analoge« Gestaltungsgrenzen auflösen. Die künstlerische Idee für die Ausstellungsgestaltung liefert Andrés Reisinger, der als Digitalkünstler zu den Pionieren im NFTDesign gehört.

Designers have always been fascinated by visions of the future. The Vitra Schaudepot presentation spotlights ideas of a future world, manifested in design creations ranging from early science fiction film sets to the design of virtual spaces. Pioneering objects from the Vitra Design Museum collection show, how technological innovation and utopian concepts find their way into our everyday environment. The Space Age furniture of the 1960s, for example, bears witness to the spirit of progress in an era shaped by extraterrestrial exploration. Since the turn of the millennium, the boundaries between analog and digital realms have become increasingly relevant as physical limitations dissolve in cyberspace, altering the laws of design. The artistic idea for the exhibition design was developed by Andrés Reisinger, a figure at the vanguard of NFT design.

Les designers ont toujours été fascinés par la conception du futur. La nouvelle présentation de la collection du Vitra Schaudepot intitulée « Science Fiction Design » met en lumière les idées d’un monde futur se manifrstant dans des créations de design allant des premiers décors de films de science-fiction à la conception d’espaces virtuels. Des objets novateurs de la collection du Vitra Design Museum montrent comment l’innovation technologique et les concepts utopiques trouvent leur place dans notre environnement quotidien avec par exemple les meubles « Space Age » des années 1960 témoignant de l’esprit de progrès dans une époque marquée par l’exploration spatiale. Depuis le tournant du millénaire, les frontières entre les domaines analogique et numérique sont devenues de plus en plus floues à mesure que les limites physiques se dissipent dans le cyberespace, modifiant les lois du design. La conception artistique de l’exposition sera réalisée par l’artiste numérique Andrés Reisinger, une figure à la pointe du design NFT.

Abb.: Andrés Reisinger, The Shipping, 2021 © Reisinger Studio

PRINZESS ROSINE
Große Operette mit Luftballett nach Paul Lincke

Besetzung:
STEFANIE DIETRICH (Spiel, Gesang)
MEIK VAN SEVEREN (Spiel, Gesang)
MARKUS ZUGEHÖR / INSA BERNDS alternierend (Klavier)
Idee und Konzept: STEFANIE DIETRICH
Fassung: FABIAN GERHARDT, STEFANIE DIETRICH
Regie: FABIAN GERHARDT
Musikalische Leitung: MARKUS ZUGEHÖR
Kostümbild, Bühne: STEPHAN BOLZ
Kostümbildassistenz: TATJANA HAJDUKOVA

PREMIERE: 01.03.2025, 19:30 Uhr, THEATER IM PALAIS BERLIN

Dauer: ca. 1h 50 Min. (inkl. Pause nach ca. 50 Min.)

In unserer jüngsten Produktion geht es – ganz im Sinne der so genannten „Berliner Operette“ – richtig albern, frivol und herrlich bunt zu.
Paul Linckes großartige Musik, die extravaganten Kostüme und nicht zuletzt zwei fantastische Darstellenden, die sonst auf den großen Operettenbühnen zu Hause sind, sorgen für jede Menge Spaß.
In der Tat werden sämtliche Haupt- und Nebenrollen von der Prinzessin Rosine über die Gäste und Bewohner eines ominösen Schlaraffenlandes bis hin zu den Mitgliedern des königlichen Hofes, aber auch das komplette Orchester und das Corps de Ballet von zwei Personen gespielt und gesungen: Stefanie Dietrich, bekannt als Mizzi Meier und aus unserer Hausproduktion über Kurt Tucholsky und Meik van Severen, der sich auch als Dragqueen einen Namen gemacht hat und den Sie erstmalig auf unserer Bühne erleben dürfen!

Prinzess Rosine, 1905 in Berlin uraufgeführt, ist ein echtes musikalisches Juwel, das wir aus der Vergessenheit holen und erneut auf Hochglanz polieren. So kehrt Paul Linckes Musik dorthin zurück, wo sie hingehört: ins Herz der Hauptstadt.

Freuen Sie sich auf unseren musikalischen Ausstattungsspaß im Taschenformat!

Abendkasse / Einlass ab 60 Minuten vor Vorstellungsbeginn

The exhibition tour to »Nike: Form Follows Motion« gives deep insights into Nike’s design history: from the company’s beginnings in the 1960s and the famous »Swoosh« logo to the innovative Air soles and current research on future materials and sustainability. The exhibition examines the meaning of sports in our society while also shedding light on the almost mythical devotion to sneakers and sportswear in popular culture and social media.

Palastartig erhebt sich am Franckeplatz das Waisenhaus. Damals wie heute ist es das Herzstück der Franckeschen Stiftungen. 1698 als erstes Gebäude der Schulstadt errichtet, steht es für eine neue Facette des europäischen Barock, die selbstbewusste Repräsentation ohne prunkvollen Schmuck verbindet und wegweisend für die Waisenhausarchitektur wurde.

Heute ist das Waisenhaus unser museales und kulturelles Zentrum. Gleich zu Beginn führen Sie zwei Dauerausstellungen durch die Stiftungsgeschichte sowie die weltweiten Wirkungen des Pietismus. In der ersten Etage überrascht der ehemalige Bet- und Singesaal durch seine lichte Architektur. Er genießt heute aufgrund seiner großartigen Akustik auch als Konzertsaal einen exzellenten Ruf. In den angrenzenden Tagungsräumen dokumentiert eine Fotoausstellung die beeindruckenden Renovierungsarbeiten seit Wiedergründung der Stiftungen 1991. Die zweite Etage ist für unsere wechselnden Sonderausstellungen reserviert, die Ihnen wichtige Themen der Stiftungsgeschichte aus historischer und aktueller Perspektive näher bringen. Passieren Sie die Kunst- und Naturalienkammer im Dachgeschoss, erreichen Sie über eine schmale, hölzerne Stiege den Altan. Hier öffnet sich ein weiter Blick über das imposante Gesamtensemble mit Schulbauten aus drei Jahrhunderten. Von hier aus bietet sich auch ein großartiges Panorama der Altstadt Halles. Im Sockelgeschoss können Kinder im Krokoseum ihre eigenen Wege gehen.

10.00-17.00 Uhr

Mit Arbeiten von:
Akkela Dienstbier, Veronika Dobers, Sulme & Jea-Nder Fluid, Nathalie Gebert, Alberto Harres, Sascha Kregel, Veronika Maier, Atsushi Mannami, Ulrike Möhle, Jana Piotrowski, Tine Pockels, Pio Rahner, Sabine Schellhorn, Marina Schulze, Hassan Sheidaei, Annemarie Strümpfler, Behshad Tajammol, Jiawen Uffline

Kuratiert von Clara Kramer

Die Ausstellung „Margot und die anderen – Zwangssterilisation im Nationalsozialismus“ nimmt die grausame Praxis der Zwangssterilisationen an Menschen, die nicht in das rassistische, menschenfeindliche System des NS-Regimes passten, in den Blick, und schreibt eine lokale Geschichte Wiesbadens, die bisher kaum beachtet wurde – die Geschichte der sogenannten Rheinland-Kinder, die auf mündlichen Befehl in „Geheimer Reichssache“ sterilisiert wurden, nur, weil sie anders aussahen, weil sie die „falschen“ Väter hatten, weil sie nicht „deutsch“ genug waren. Die Ausstellung legt dabei einen besonderen Fokus darauf, die individuellen Geschichten der Wiesbadener Kinder zu schreiben und gleichzeitig das Thema Zwangssterilisierung in der NS-Unrechtsgesetzgebung zu beleuchten. Nicht zuletzt wird durch das Ausstellungsprojekt die Frage gestellt, was es bedeutet, hier und heute zu leben und welche Verantwortung wir alle für dieses „Hier“ und „Jetzt“ tragen.

12:00 bis 17:00 Uhr

Scharfzüngig, intelligent und charmant knöpft sich die aus TV-Sendungen („Nuhr im Ersten“, „Ladies Night“, „Mitternachtsspitzen“) bekannte und preisgekrönte Kabarett-Lady, WDR-Radiokolumnistin und alleinerziehende Mutter erneut die brennenden Themen unserer Zeit vor. Und es wird lustig!
Zitat aus Programm: „Mein Sohn hat mich neulich gefragt, was Steuern sind. Ich habe 43% von seinem Schokoriegel abgebissen.“ Alle sind im Selbstoptimierungswahn, aber wer weiß schon genau, wer man ist? Ist man der Typ "Earth, Wind and Eier", mit Hang zur eigenen Hühnerhaltung, aber gegen Windräder, sobald sie vorm Wohnhaus stehen? Warum ist der Nachbar ein Natur-affiner Stand-up-Paddeln-Fetischist, hat aber vorm Haus einen Schottergarten des Grauens? Wir verhalten uns ambivalent und Mutter Erde hat langsam die Schnauze voll. Ein Abend über Patchwork, Fleischkonsum, Cancel Culture, Familie, Alleinerziehende, als Event ausufernde Kindergeburtstage, Mobilitätswende im Liegerad-Modus, Klimawandel, Rassismus durch Rapper und mehr. Barbara Ruscher ist Bestie und Beste zugleich – hemmungslos die Gesellschaft zerfleischend und zugleich beste Freundin des Publikums. Lassen Sie sich berauschen von versierter weiblicher Satire vom Feinsten. Herrlich böse, selbstironisch und vor allem unfassbar lustig.
© und Foto Guido Schröder

Ein schreckliches, schwarzhaariges Monster, ein Ungeheuer, mordsgefährlich – mit acht Augen und tödlichem Mundgeruch! Mundgeruch? Aber hier riecht es total gut, nach frischgebackenem Kuchen! Den bäckt Otto für seinen Geburtstag, und er würde ihn auch mit den anderen Wiesenbewohnern teilen. Aber die wollen nicht mit Otto feiern, denn Otto ist eine Spinne, und Spinnen sind eklig und gefährlich – finden die anderen. Dabei kennen die eigentlich gar keine Spinnen. Nur Otto. Ein bisschen. Und der ist eigentlich total nett und stinkt auch gar nicht. Und was ist jetzt mit dem Kuchen?
„Otto, die kleine Spinne“ nach dem Buch von Guido van Genechten lässt Theateranfänger*innen ab 3 Jahren erleben, wie sich eine Geschichte auf der Theaterbühne entspinnt. Ein kleines großes Plädoyer für Toleranz und Miteinander – und für Theater natürlich!

Mit: Roland Klappstein (Puppenspiel), Tabea Baumer (Theaterpädagogik) | Regie: Christine Haas | Puppencoaching: Wally Schmidt | Puppenbau: Simon Buchegger | Musik: Daniel Zacher | Ausstattung: Rebecca Gonter, Paul Schmidt, Sarah Schwerda | Rechte: frei nach Guido van Genechten, Talisa Kinderbuch Verlag, Hannover

Mit der Neugestaltung der archäologischen Abteilung ist der dritte Teil der Neukonzeption des Museums abgeschlossen. Die Ausstellung „Verdammt lang her!“ zeigt die Archäologie der Region von der Steinzeit bis in die Zeit der Alamannen und berücksichtigt dabei  die aktuellsten Forschungsaspekte.

Rund 100 neue Leihgaben aus dem Archäologischen Fundarchiv Baden- Württemberg bereichern die Ausstellung und veranschaulichen wichtige Einzelthemen. So wird der 2011 bei Bühl gefundene Grabstein eines Suebenfürsten erstmals gezeigt. Der Stein trägt die bislang einzige in Baden-Württemberg entdeckte Inschrift, die Aussagen über die frühe römische Verwaltung zulässt. Wichtige Funde aus Offenburg und Umgebung – Bronzen, Keramiken, Schmuck – dokumentieren die Grabungstätigkeit der vergangenen Jahrzehnte. Aber auch Forschungslücken werden thematisiert.

Die neue Präsentation rückt die archäologische Arbeit in den Focus: Wie arbeiten Archäologen, woher weiß man, wie alt etwas ist und seit wann sind archäologische Funde für Museen von Interesse?

Hands-On-Stationen, anschauliche Lebensbilder und eine Medienstation greifen verschiedene Aspekte der Ausstellung auf und laden zum Mitmachen und Ausprobieren ein.

Mo geschlossen
Di-So 10 - 17 Uhr

Die Augen des Krieges

26.03.2025 – 26.09.2025

Polnisches Institut Düsseldorf, Citadellstr. 7, 40213 Düsseldorf

Am 24. Februar 2022 wurde die Geschichte neu geschrieben. Seit drei Jahren beobachten wir Ereignisse, die die Geschichte nicht nur der Ukraine und Russlands, sondern auch Polens, Europas und der Welt verändern.

Polnische Fotografen und Journalisten dokumentieren diese Geschichte, indem sie sowohl den russischen Krieg gegen die Ukraine, den Flüchtlingsstrom als auch das Alltagsleben im Kriegsgebiet zeigen. Sie stellen die größte Gruppe unter den Auslandskorrespondenten und sind Urheber tausender Fotos. Ihrer Arbeit ist es zu verdanken, dass der Krieg in der Ukraine selbst in den entlegensten Teilen der Welt für die Menschen so sichtbar ist. Er erscheint nicht als ein Konflikt am Ende der Welt, sondern als eine reale, tief geteilte Tragödie.

Diese Geschichte verändert auch Polen auf vielen Ebenen – von der Demografie, über den sozialen Wandel bis hin zu politischen Fragen. Gleichzeitig wird der Krieg für uns Bürger der freien Welt allmählich vertrauter und wir gewöhnen uns daran. Die ausgewählten Fotografien – die repräsentativsten und aussagekräftigsten – werden in Form einer Ausstellung zusammengestellt und erzählen eine Geschichte über den von Russland entfesselten Krieg in der Ukraine. Als materielle Zeugnisse dieses Konflikts können sie eine zunehmende Gleichgültigkeit der öffentlichen Meinung erneut bewegen.

Die Autoren der 12 ausgestellten Fotografien sind prominente polnische Fotografen, die bei den wichtigsten Fotowettbewerben wie World Press Photo und Pictures of The Year ausgezeichnet wurden, darunter Wojciech Grzędziński, Marek Berezowski, Tomasz Lazar und viele andere, die sich mit dem Krieg in der Ukraine beschäftigt haben. Ergänzt wird die Ausstellung durch die Beschreibungen der persönlichen Kriegserlebnisse der Fotografen durch Magdalena Rigamonti.

Kuratorin: Ewa Meissner

Autorin der Texte: Magdalena Rigamonti

Grafische Gestaltung: Maciej Jabłoński

Produzent: Jarosław Włodarczyk / Press Club Polska

Partner bei der Präsentation der Ausstellung im Polnischen Institut in Düsseldorf: Generalkonsulat der Republik Polen in Köln und Generalkonsulat der Ukraine in Düsseldorf

Fotos von Patryk Jaracz, Agata Grzybowska, Jędrzej Nowicki, Tomasz Lazar, Maciek Nabrdalik, Maciej Stanik, Wojciech Grzędziński, Marek M. Berezowski

Di, Mi und Fr 11-17 Uhr. Do 11-19 Uhr

Holger Mück, ein begnadeter Dirigent und Musiker, hat es geschafft, die Tradition der Egerländer Blasmusik auf eine moderne und mitreißende Weise zu interpretieren. Mit seinem außergewöhnlichen, renommierten Orchester hat er bereits deutschlandweit zahlreiche Erfolge gefeiert, u.a. neun CD´s veröffentlicht und sich einen Namen in der gesamten Musikszene gemacht.
Leidenschaftliche Interpretationen beliebter und unvergessener Egerländer Melodien gehören genauso zum Live-Programm von Holger Mück und seiner Egerländer Blasmusik wie auch neue, speziell für das Orchester zugeschnittene ideenreiche Kompositionen und Arrangements.

Holger Mück und seine Egerländer Blasmusik, diese einzigartige Kombination aus traditionellen Klängen und zeitgemäßer Präsentation, werden ihr breitgefächertes Repertoire präsentieren, das von mitreißenden Polkas und Walzern bis hin zu gefühlvollen Melodien reicht.
Durch das Programm führt die charmante Sängerin und Moderatorin Sandra Spindler.
Aus ihrem Duett mit Holger Mück und seinem weiteren Gesangspartner Kalle Belz erschließt sich ein Trio, dessen Harmonie einfach zum Verlieben ist.

"Traditionen zu bewahren ist eine ehrenwerte Aufgabe, neue Wege zu gehen und die Spielart der Egerländer und böhmischen Blasmusik weiterzuentwickeln ist unser Ziel. Wir wollen diese Blasmusik pflegen, erhalten, aber vor allem auch mit neuen Ideen diese wunderbare Musiktradition in die Zukunft tragen", so Holger Mück.

Sichern Sie sich schon jetzt Ihre Karte im Vorverkauf für dieses einmalige Musik-Ereignis.

Einlass: 14:00 Uhr

Der Mensch ist zentrales Thema im künstlerischen Werk von Richild Holt (*1941, Einöde bei Villach, Österreich). Eine Kombination aus realistischer Genauigkeit in der figürlichen Darstellung und einem expressiven Stil charakterisiert die sensiblen, ehrlichen (Selbst-)Porträts der Künstlerin.

Die Gesichter und Körper sind in starkem Hell-Dunkel- sowie Farbkontrast modelliert. Die Figuren befinden sich auf einem reduzierten und stark abstrahierten Hintergrund. Emotionale Intensität, gespannte Dynamik und große Intimität zeichnen die Porträts aus.

Den Malprozess begleitet ein enger Austausch zwischen Porträtierten und Künstlerin, in dessen Verlauf ein Bildnis entsteht, das die Persönlichkeit des Gegenübers erfasst und auf die Leinwand übersetzt. Richild Holt bezeichnet diese gemeinsamen Porträtsitzungen als „das intensivste Gespräch, das man sich vorstellen kann“.

Ihre Akte sind feinfühlige Porträts, in denen sie Authentizität statt idealisierter Darstellung erreicht. In der Tradition und dem Anspruch der Porträtmalerei seit der Hochrenaissance kommen in Richild Holts Werken Erscheinungsbild und Persönlichkeit zum Ausdruck. Den Betrachter:innen begegnet eine intensive Körperlichkeit und Verletzlichkeit. In seiner unmittelbaren Präsenz stellt sich der Körper zugleich als Träger und sichtbarer Ausdruck von Erfahrungen, Emotionen und sozialen Konnotationen, von Identität dar. Genau wie in der blauen Stunde der abendlichen Dämmerung mit ihrer melancholischen Atmosphäre strahlen Äußeres und Inneres der Porträtierten gleich hell.

12:00 bis 17:00 Uhr

Stimmliche und instrumentale Frauen-Power:
Sandra Urba ist eine gefragte Pianistin für Solo- und Kammermusikkonzerte. Zur Zeit ist sie Dozentin an der "Emmerich-Smola-Musikschule" und Musikakademie der Stadt Kaiserslautern.
Marie Heeschen zieht ihr Publikum mit ihrer sinnlichen und gleichzeitig wandlungsfähigen Stimme in den Bann. Ihre spielfreudig natürliche Bühnenpräsenz stellt die junge Sopranistin seit 2016 als festes Ensemblemitglied am Theater Bonn unter Beweis.
Die beiden talentierten Musikerinnen unterhalten das Publikum mit einem deutsch-französichen Abendprogramm.

Sandra Urba:
Es ist das tiefgründige Verständnis für die Musik, ihre starke Bühnenpräsenz und die präzise Art ihres Spiels, die Sandra Urba in die Riege der erfolgreichen Nachwuchspianisten hebt. Ihre musikalische Ausdrucksstärke ist erfrischend temperamentvoll, sehr feinsinnig und besticht durch Leichtigkeit und Transparenz. Sie überzeugt mit Interpretationen, die frei sind von Eitelkeit.
Sandra Urba erzielte viele Preise bei nationalen und internationalen Klavierwettbewerben und erhielt zahlreiche Auszeichnungen und Förderpreise u.a. den Ibach-Preis, den Preis der Deutschen Stiftung Musikleben, den Förderpreis der Werner Richard - Dr. Carl Dörken-Stiftung. Sie war ebenfalls Stipendiatin der Oscar und Vera Ritter-Stiftung in Hamburg, der Anna Ruths-Stiftung in Frankfurt am Main, erhielt zweimal den Preis der Ottilie Selbach-Redslob-Stiftung in Berlin und war im Förderprogramm der Stiftung „Yehudi Menuhin - LiveMusicNow e.V.“
Sie ist eine gefragte Pianistin für Solo- und Kammermusikkonzerte. So trat sie in renommierten Konzerthäusern auf, wie z.B. in der Düsseldorfer Tonhalle, Kölner Philharmonie, Historischen Stadthalle Wuppertal, im Schumann Haus in Leipzig, Sendesaal Bremen, Erholungshaus Leverkusen und im Zeughaus Neuss. Als Solistin wurde sie von Orchestern wie den Bochumer Symphonikern, der Landeskapelle Altenburg/Thüringen, dem Philharmonischen Orchester Bacau, Kammerorchester Neuss und dem Orchester des Pfalztheaters Kaiserslautern eingeladen.
Als Kammermusikerin arbeitete Urba mit renommierten Musikern wie Matthias Buchholz, Andra Darzins und dem Eldering Ensemble. Bereichert wird ihr breitgefächertes Repertoire auch durch Konzerte im Fach Liedgestaltung mit ihrer Duo Partnerin Marie Heeschen.
2013 erschien Sandra Urbas Debut CD mit Werken von Schumann, sowie eine Kammermusik CD mit Klaviertrios von Beethoven, Spohr und Mendelssohn beim Label Genuin im Jahr 2018.Darüber hinaus hat sie live- Sendungen für den WDR3, Deutschlandfunk und SWR2 aufgenommen.
Bis 2020 unterrichtete sie Klavier an der Hochschule für Musik Detmold, sowie an der Universität Paderborn. Zur Zeit ist sie Dozentin an der Emmerich-Smola-Musikschule und Musikakademie der Stadt Kaiserslautern.
Geboren in eine Musikerfamilie, absolvierte Sandra Urba ihre Studien bei Anatol Ugorski, Alfredo Perl, Jacob Leuschner und Pavel Gililov. 2015 schloss sie ihr Konzertexamen mit Auszeichnung an der Hochschule für Musik und Tanz Köln ab. Zahlreiche Meisterkurse ergänzten ihre musikalische Ausbildung, u.a. bei Mikhail Voskresensky, Homero Francesch, Arie Vardi, Victor Merzhanov, Dmitry Bashkirov und Andras Schiff.

Marie Heeschen:
Stimmliche und szenische Frauen-Power: Marie Heeschen.
Opernwelt, Januar 2020
Marie Heeschen zieht ihr Publikum mit ihrer sinnlich fließenden und gleichzeitig wandlungsfähigen Stimme in den Bann. Ihre spielfreudig natürliche Bühnenpräsenz stellt die junge Sopranistin seit 2016 als festes Ensemblemitglied am Theater
Bonn unter Beweis, wo sie in Partien wie Atalanta (Xerxes), Poppea (Agrippina), Valencienne (Die lustige Witwe), Susanna (Le Nozze di Figaro), Marzelline (Fidelio), Clorinde (La Cenerentola) oder Oscar (Un ballo di maschera) reüssierte. Auch in der Rolle als stimmgewandt-exaltierte Tussy in Jonathan Doves Oper Marx in London war die gebürtige Hamburgerin dort zu erleben, was international ein begeistertes Presse-Echo hervorrief. In der Saison 2023/24 steht Marie Heeschen am
Theater Bonn als Ninetta (Die Liebe zu den drei Orangen) sowie am Stadttheater Klagenfurt als Adele (Die Fledermaus) auf der Bühne.
Der vielseitigen und neugierigen Sängerin liegen neben der Oper aber auch andere Genres am Herzen. Mit ihrem mit zwei Violinen und Basso Continuo besetzten Ensemble Paper Kite widmet sich Marie Heeschen dem weniger bekannten
Kantatenrepertoire des deutschen und italienischen Barocks. Das für seinen kammermusikalischen Geist und fein ausbalancierten Klang geschätzte Ensemble wurde 2013 mit dem Biagio-Marini-Preis ausgezeichnet und hat bei Coviello
Classics inzwischen zwei CDs vorgelegt: Auf felice un tempo erklingen neben einer Weltersteinspielung von Giovanni Legrenzi Sonaten und Kantaten von Giovanni Bononcini und Domenico Scarlatti. Das Album Abend-Andacht präsentiert
Werke aus der Zeit des 30-jährigen Krieges.
Ein weiterer Schwerpunkt liegt in der Neuen Musik. Marie Heeschens 2013 mit Sally Beck (Flöte), Ella Rohwer (Cello) und Claudia Chan (Klavier) gegründetes Ensemble BRuCH konzentriert sich auf die Interpretation impressionistischer Werke in
Kombination mit Musik des 20. und 21. Jahrhunderts und hat bereits mit Komponisten wie Helmut Lachenmann, Gordon Kampe und Johannes Schöllhorn gearbeitet. Außerdem entwickelt das ungewöhnliche Quartett regelmäßig neue Werke mit
jungen Komponist:innen wie Ricardo Eizirik, Matthias Krüger, Julien Jamet, Thea Soti und Huihui Cheng. Seit 2020 präsentieren die Musikerinnen ihre eigene Konzertreihe in Köln. In der letzten Saison war das Ensemble im Sommer
Residenzgast des Klosters Royaumont, bevor es im Herbst gemeinsam mit der vom Komponisten geleiteten Band Burkina Electric beim Essener Festival NOW! ein neues Werk von Lukas Ligeti zu Uraufführung brachte.
Als Solistin gastierte Marie Heeschen bei den Händelfestspielen Halle, beim Oude Muziek Fest Utrecht, beim Kölner Acht-Brücken-Festival, beim MAfestival in Brügge sowie im Konzerthaus Kristiansand. Zu weiteren jüngsten Highlights gehören
Auftritte in Bachs Johannespassion mit dem RIAS Kammerchor in Basel und Luzern, ihr Debüt im Wiener Musikverein mit dem Bach Consort Wien sowie die Uraufführung von Samuel Penderbaynes Unsex Me Here nach Shakespeares Macbeth in
der Elbphilharmonie Hamburg gemeinsam mit dem Ensemble Resonanz. In der Saison 2023/24 wird Marie Heeschen u.a. in der Berliner Philharmonie als Solistin in Mozarts Requiem sowie in der Kölner Philharmonie in Arthur Honeggers König
David zu hören sein.
Marie Heeschen studierte Gesang bei Christoph Prégardien und Lioba Braun in Köln. Weitere Studien in den Bereichen Neue Musik und Kammermusik absolvierte sie u.a. bei David Smeyers und Barbara Maurer in Essen. Meisterkurse und Unterricht bei Klesie Kelly-Moog, Ruth Ziesak, Martin Kränzle und Jil Feldman ergänzten ihre Ausbildung.

Einlass ab: 16:00 Uhr