Ü: Rainer Iwersen. R: Thomas Weber-Schallauer. B/K: Heike Neugebauer. M: Andy Frizell. Mit: Svea Auerbach, Christian Bergmann, Simon Elias, Tim Lee, Theresa Rose, Erik Roßbander.

Diese Komödie verbindet viele bekannte shakepearesche Motive: der Wald als Ort der Zuflucht und Bedrohung zugleich, verfeindete Bruderpaare, ein verliebtes Mädchen in Männerkleidung und ein ebenso verliebter junger Mann, der von der Verkleidung seiner Angebeteten an der Nase herum geführt wird. Doch unter dem bezaubernden Sujet spiegelt die Komödie auch die dunkleren Facetten ihrer Entstehungszeit: eine Stimmung der Standesungewissheit und des kaum verhohlenen Materialismus als Folge von wirtschaftlichen und gesellschaftlichen Veränderungsprozessen in der elisabethanischen Welt. Der Wald, in dem die Ausgestoßenen eine neue Heimstatt suchen, ist Zuflucht und Utopie zugleich. Denn das Leben im Wald stellt ungeahnte Herausforderungen. Dort ist ein Experimentierfeld für ein Leben jenseits der höfischen Rollenerfüllung und Verhaltenskonventionen. Wie bildet sich ein gesellschaftliches Zusammenleben und ein verantwortungsvoller Umgang mit der Natur und den Mitmenschen ohne Hierarchie und Ausbeutung? Kann man das Leben neu organisieren ohne in alte Rollenmuster zurück zu fallen? Sich selbst neu entdecken, sich im Gegenüber anders gespiegelt zu sehen und auch seine eigene Sicht auf den Anderen zu erneuern – das ist das Wechselspiel, mit dem sich Rosalind in ihrer Männerverkleidung und Orlando der Liebe annähern. Das bezaubernde Liebes-Versteckspiel zwischen Rosalind und Orlando ist eine komisch-tiefgründige Suche nach der Liebe und nach sich selbst. Die Komödiendialoge spielen verschiedene Liebesvariationen durch: romantisch, derb-lustig, pragmatisch und illusionär.

Max Goldt liest neuere und ältere Texte. Die unvergleichlich die Performance seiner Texte macht den Abend zu einem wahren Vergnügen.

"Kaum einer versteht es so wie Goldt, die vermeintlichen Nebenschauplätze des Lebens ins Auge des Betrachters zu schieben und den heutigen Alltag auf seine Widersprüche und Kuriositäten hin abzutasten.”
REGULA FUCHS, DER BUND, BERN/CH
 

“Max Goldt schreibt heute das schönste Deutsch aller jüngeren Autoren … Die Heiterkeit und Stille, die diese Sprache ihren Lesern schenkt, liegt nicht nur im Humor; ebenso in einem freundlichen Abstandnehmen von den Aufdringlichkeiten einer Wirklichkeit, an der man sich besser seitlich vorbeidrückt.”
GUSTAV SEIBT

"Dass Max Goldts Werk sehr komisch ist, weiß ja nun jeder gute Mensch zwischen Passau und Flensburg. Dass es aber, liest man genau, zum am feinsten Gearbeiteten gehört, was unsere Literatur zu bieten hat, dass es wahre Wunder an Eleganz und Poesie enthält und dass sich hinter seinen trügerischen Gedankenfluchten die genaueste Komposition und eine blendend helle moralische Intelligenz verbergen, entgeht noch immer vielen, die nur aufs Lachen und auf Pointen aus sind. Max Goldt gehört gelesen, gerühmt und ausgezeichnet.”
DANIEL KEHLMANN

Übersetzung: Frank Heibert, Hinrich Schmidt-Henkel. Regie: Stefan Otteni. Bühne/Kostüme: Rike Schimitschek. 
Mit: Peter Lüchinger.

In ihrem Theaterstück, ein Monolog einer Frau, der, so ihr persönlicher Wunsch von einem Mann gespielt werden soll, legt die gefeierte Autorin Yasmina Reza wieder den Finger in die Wunde, die zwischen Anspruch und Wirklichkeit, Schein und Sein, Wollen und Können, klafft.

Anne-Marie ist eine alte Frau, eine alte Schauspielerin, aber keine, der die Welt zu Füßen lag, keine, die als „Star“ oder gar “Diva“ gefeiert wurde. Eher zählte sie zu den ewig „Zu-Kurz-Gekommenen“: die großen Rollen und Gagen auf den vielbeachteten Bühnen, ja selbst die begehrtesten Männer, bekamen immer andere. Anne Marie hatte Träume für ihr Leben, Träume, die sich nicht erfüllt haben, doch sie ist ohne Bitterkeit und nimmt es ihren Träumen nicht übel, dass sie sich nicht erfüllt haben.

Ihr schonungsloser, aber immer auch humorvoller Blick zurück auf ihr Leben ist auch die Bestandsaufnahme einer untergehenden Ära, in der das Theater noch ein zentraler Austragungsort gesellschaftlicher Auseinandersetzungen und der Spiegel des intellektuellen und politischen Diskurses war. Yasmina Reza mischt in dieser Lebensbilanz einer Theaterkünstlerin melancholische und hochkomische Momente.

Peter Lüchinger in seiner letzten Rolle in der bsc gibt als Titelfigur die Gastgeberin des Abends, in der Rolle und Persönlichkeit zu einer einzigartig oszillierenden Einheit verschmelzen. Die Rolle der Anne-Marie ist Peter Lüchinger, dem Ensemblemitglied der (beinahe) ersten Company-Stunde, wie auf den Leib geschrieben.

Aufführung in original Shakespeare-Englisch.
Regie: Guy Roberts. Bühne/Kostüme: Heike Neugebauer, Rike Schimitschek. Musik: Patrick Neil Doyle. Mit: Svea Auerbach, Simon Elias, Linnea George, Tim Lee, Erik Roßbander.

»Macbeth« ist Shakespeares kürzestes Stück, aber prallvoll mit Aktion und Dramatik. Die Ereignisse überschlagen sich derart, dass Macbeth mitgerissen wird und sie nicht mehr kontrollieren kann. Er rast durch sein Drama, so wie als Krieger in die Reihen seiner Feinde rast. Er ist gefangen ist einem unendlichen Kreislauf aus Schmerz, Zerstörung und Tod, angetrieben von seinen eigenen fehlgeleiteten Entscheidungen. Einmal begonnen, kann er diesen zerstörerischen Pfad nicht mehr verlassen und betrügt sich selbst, wenn er sich einredet, dass er die Lage noch drehen kann und dass am Ende der Zweck die Mittel heiligen wird. Er sucht verzweifelt nach Liebe, Ehre, Freundschaft, Macht… Am Ende verzweifelt er an sich selbst. Die stark atmosphärische Inszenierung setzt gekonnt filmische Mittel wie einen hypnotischen Soundtrack, schlichte, historisch anmutende Kostüme starke Lichteffekte ein. Die zügige Erzählweise und die Anklänge an bekannte History- und Fantasy-Produktionen sprechen die Sehgewohnheiten besonders auch von jugendlichen Zuschauern an.

English MACBETH is one of Shakespeare’s shortest plays, but it is loaded with action and dramatic turns. The events tumble forward so quickly Macbeth feels powerless to stop them. For Macbeth, the events of the play bring the adventure and terror of his familiar battlefield to the supposed peaceful and trusted boundary of his home. He is caught in an endless circle of pain, destruction and death brought on by his own misguided choices. Once Macbeth agrees to the fate of the play, he is powerless to leave the destructive and deadly path of his actions. He fools himself into believing he will not reap the consequences of his own choices. Shakespeare’s Macbeth is desperate for love, recognition, honour and friendship. Desperate for power…Desperate. Just desperate. The performance uses a cinematic way of story-telling: a straight line of action, a hypnotic soundtrack, sober but expressive costume, and the use of light and fog to create an atmosphere that similar to popular history an fantasy productions. BSC’s Macbeth may very well appeal to a younger audience due to it’s cinematic flavour.

Die 21. szenische Lesung der Reihe »Aus den Akten auf die Bühne«. Einrichtung Text/Szene: Peter Lüchinger. Mit: Peter Lüchinger, Michael Meyer.

100 Bremer Jüdinnen und Juden flüchten nach 1933 nach Argentinien, Chile und Uruguay. Nach Chile flüchten zuerst bekannte Rechtsanwälte, darunter z. B. Dr. Richard Hamburger und Dr. Hermann Lehmann, denen im März 1933 ihre Zulassung als Anwalt entzogen wurde. Bis 1940 entschieden sich für die Flucht auch Viehhändler, Baumwollklassierer, Verkäuferinnen, u.v.a. In der Lesung wird anhand einiger Biographien exemplarisch aufgezeigt, wie das Landesamt für Wiedergutmachung nach dem Krieg mit ihnen umging. Während die Ansprüche von Rechtsanwälten meist vollständig bewilligt wurden, hatten es Frauen, z.B. Verkäuferinnen, deutlich schwerer, eine auch nur geringfügige Entschädigung zu bekommen. Die Ausgaben für Wiedergutmachung wurden in der Bevölkerung und von Politikern wie Bundesfinanzminister Fritz Schäffer (CSU) immer wieder kritisiert.
Dagegen setzte sich Gerhard van Heukelum, 1948 bis 1959 Senator für Arbeit in Bremen, immer wieder dafür ein, Opfern des Nationalsozialismus Entschädigungen zu bewilligen.

Foto/Scan: Staatsarchiv Bremen

Übersetzung: Maik Hamburger. Regie: Maja Delinic. Bühne/Kostüme: Heike Neugebauer, Rike Schimitschek. Musik: Clemens Gutjahr. Mit: Simon Elias, Michael Meyer, Sofie Miller, Laila Richter, Petra-Janina Schultz, Markus Seuß.

Im idyllischen Messina, wo Herzog Leonato die beiden Kriegshelden Claudio und Benedick empfängt, entfacht ein Maskenball ein regelrechtes Liebeschaos, in dem keiner mehr weiß, wer wem trauen kann und warum man wen eigentlich liebt. Die scharfzüngige Beatrice und der wortgewandte Benedick liefern sich geistreiche Wortgefechte, während Hero und Claudio von eifersüchtigen Intrigen bedroht werden. Die Liebe entsteht immer vor den Blicken der anderen und ist eingefädelt durch Hörensagen und von Gerüchten. Findet man heutzutage überhaupt noch sein Glück in der Zweisamkeit? Was für eine Rolle spielt die Öffentlichkeit und Gesellschaft für unsere Liebesbeziehungen?

Die Themen von Liebe, Eifersucht, Missverständnisse und die Kunst der Täuschung stehen im Mittelpunkt, aber auch die Frage: Darf man überhaupt noch Lärm machen für das persönliche Glück? »Viel Lärm um nichts« ist eine bunte Komödie, die es in sich hat. Sie trifft genau die wunden Punkte zwischen Männern, die angeblich vom Mars kommen, und Frauen, die von der Venus stammen. Oder ist das auch alles gar nicht wahr?

Übersetzung: Maik Hamburger. Regie: Maja Delinic. Bühne/Kostüme: Heike Neugebauer, Rike Schimitschek. Musik: Clemens Gutjahr. Mit: Simon Elias, Michael Meyer, Sofie Miller, Laila Richter, Petra-Janina Schultz, Markus Seuß.

Im idyllischen Messina, wo Herzog Leonato die beiden Kriegshelden Claudio und Benedick empfängt, entfacht ein Maskenball ein regelrechtes Liebeschaos, in dem keiner mehr weiß, wer wem trauen kann und warum man wen eigentlich liebt. Die scharfzüngige Beatrice und der wortgewandte Benedick liefern sich geistreiche Wortgefechte, während Hero und Claudio von eifersüchtigen Intrigen bedroht werden. Die Liebe entsteht immer vor den Blicken der anderen und ist eingefädelt durch Hörensagen und von Gerüchten. Findet man heutzutage überhaupt noch sein Glück in der Zweisamkeit? Was für eine Rolle spielt die Öffentlichkeit und Gesellschaft für unsere Liebesbeziehungen?

Die Themen von Liebe, Eifersucht, Missverständnisse und die Kunst der Täuschung stehen im Mittelpunkt, aber auch die Frage: Darf man überhaupt noch Lärm machen für das persönliche Glück? »Viel Lärm um nichts« ist eine bunte Komödie, die es in sich hat. Sie trifft genau die wunden Punkte zwischen Männern, die angeblich vom Mars kommen, und Frauen, die von der Venus stammen. Oder ist das auch alles gar nicht wahr?

Übersetzung: Maik Hamburger. Regie: Maja Delinic. Bühne/Kostüme: Heike Neugebauer, Rike Schimitschek. Musik: Clemens Gutjahr. Mit: Simon Elias, Michael Meyer, Sofie Miller, Laila Richter, Petra-Janina Schultz, Markus Seuß.

Im idyllischen Messina, wo Herzog Leonato die beiden Kriegshelden Claudio und Benedick empfängt, entfacht ein Maskenball ein regelrechtes Liebeschaos, in dem keiner mehr weiß, wer wem trauen kann und warum man wen eigentlich liebt. Die scharfzüngige Beatrice und der wortgewandte Benedick liefern sich geistreiche Wortgefechte, während Hero und Claudio von eifersüchtigen Intrigen bedroht werden. Die Liebe entsteht immer vor den Blicken der anderen und ist eingefädelt durch Hörensagen und von Gerüchten. Findet man heutzutage überhaupt noch sein Glück in der Zweisamkeit? Was für eine Rolle spielt die Öffentlichkeit und Gesellschaft für unsere Liebesbeziehungen?

Die Themen von Liebe, Eifersucht, Missverständnisse und die Kunst der Täuschung stehen im Mittelpunkt, aber auch die Frage: Darf man überhaupt noch Lärm machen für das persönliche Glück? »Viel Lärm um nichts« ist eine bunte Komödie, die es in sich hat. Sie trifft genau die wunden Punkte zwischen Männern, die angeblich vom Mars kommen, und Frauen, die von der Venus stammen. Oder ist das auch alles gar nicht wahr?

Übersetzung: Chris Alexander. Regie: Patricia Benecke. Bühne/Kostüme: Heike Neugebauer, Rike Schimitschek. Musik: Simon Slater. Mit: Simon Elias, Tim Lee, Petra-Janina Schultz, Markus Seuß.

In Sizilien ist alles Sonnenschein: König Leontes, seine schwangere Frau Hermione und Polixenes, König von Böhmen frönen ihrer gegenseitigen Liebe und Freundschaft. Doch aus heiterem Himmel bezichtigt König Leontes seine Frau Hermione der Untreue mit Polilxenes. Trotz aller Beschwörungen von Hermiones Unschuld und aller Bitten, wieder zur Vernunft zu kommen, lässt Leontes seine Frau ins Gefängnis werfen. Er glaubt, das neugeborene Mädchen „Perdita“ sei Polixenes’ Tochter und lässt es auf dem Meer aussetzen. Als urplötzlich auch noch der gemeinsame Sohn Mamillius stirbt, bricht Hermione unter soviel Unglück zusammen und erstarrt, so dass man von ihrem Tod berichtet. Von bitterer Reue geplagt, sieht Leontes sein Unrecht ein, doch zu spät -in einem Zug hat er sein ganzes Glück vernichtet. 20 Jahre später lebt Perdita als adoptierte Tochter von einfachen Schäfern in Böhmen. Mit dem Sohn des Königs Polixenes verbindet sie eine heimliche Liebe. Auf einem ausgelassenen Schafschurfest wird ihre Verbindung unerwartet entdeckt, und die zwei fliehen vor Polixenes’ Zorn nach Sizilien…

Shakespeares Romanze „Das Wintermärchen“ ist ein märchenhaftes Theaterspiel, das sich von realen topografischen und historischen Verortungen loslöst und dessen Fortgang ausschließlich von den emotionalen Impulsen seiner Protagonisten angetrieben wird. Es erzählt von der zerstörerischen Macht von Eifersucht und Tyrannei und der heilenden Wirkung von Liebe und Vergebung. So tragisch und düster wie das Stück beginnt, so fröhlich, hoffnungsvoll und komödiantisch entwickelt es sich nach dem Zeitsprung im zweiten Teil.

Uraufführung. Von Judith Kuckart und Ensemble. Koproduktion mit dem Stadttheater Bremerhaven.
Texte: Ensemble, Judith Kuckart, William Shakespeare. Regie: Judith Kuckart. Bühne/Kostüme: Rike Schimitschek. Dramaturgie: Justine Wiechmann. Video/Sound: Alice Bleistein. Ton-Musikcollage: Michael Meyer. Regie-Assistenz: Finn Lorenzen / Martina Lübbing

Mit: Svea Auerbach, Leon Häder, Angelika Hofstetter, Petra-Janina Schultz, Markus Seuß, Isabel Zeumer.

Wie immer von Mittwoch auf Donnerstag sitzt Moderator Gerlach im Studio von Radio Nord Nordwest 2. Auch in dieser Nacht werden Menschen aus ihrem Leben erzählen. Denn beim Erzählen bekommen die schlimmsten Katastrophen einen Sinn. Heute Nacht aber hat Gerlach eine gute Nachricht: Richtiges Lesen rettet vor allem, einschließlich vor einem selbst, sagt er gleich zu Beginn ins Mikrofon. Rufen Sie an und berichten Sie, ob und wie ein Buch, ein Song, ein Gedicht oder sogar ein Sonett von Shakespeare, Sie einmal gerettet hat. Denn in England zum Beispiel bekommen depressiv Erkrankte Bücher auf Rezept. Horchen Sie oder rufen Sie einfach auch unter 0800 2254 2254 an und finden Sie Trost…
In dieser Nacht rufen vier Menschen aus dem JETZT an, Menschen wie du und ich. Aber auch eine Dark Lady aus dem Jenseits meldet sich.

Ensemble und Regie haben sich gemeinsam mit Shakespeare auf den Weg gemacht, sind in die Welt zwischen den Nachrichten abgetaucht und haben Texte geschrieben, die in dieser nächtlichen Radio Sendung ihren Platz finden.

Uraufführung. Von Judith Kuckart und Ensemble. Koproduktion mit dem Stadttheater Bremerhaven.
Texte: Ensemble, Judith Kuckart, William Shakespeare. Regie: Judith Kuckart. Bühne/Kostüme: Rike Schimitschek. Dramaturgie: Justine Wiechmann. Video/Sound: Alice Bleistein. Ton-Musikcollage: Michael Meyer. Regie-Assistenz: Finn Lorenzen / Martina Lübbing

Mit: Svea Auerbach, Leon Häder, Angelika Hofstetter, Petra-Janina Schultz, Markus Seuß, Isabel Zeumer.

Wie immer von Mittwoch auf Donnerstag sitzt Moderator Gerlach im Studio von Radio Nord Nordwest 2. Auch in dieser Nacht werden Menschen aus ihrem Leben erzählen. Denn beim Erzählen bekommen die schlimmsten Katastrophen einen Sinn. Heute Nacht aber hat Gerlach eine gute Nachricht: Richtiges Lesen rettet vor allem, einschließlich vor einem selbst, sagt er gleich zu Beginn ins Mikrofon. Rufen Sie an und berichten Sie, ob und wie ein Buch, ein Song, ein Gedicht oder sogar ein Sonett von Shakespeare, Sie einmal gerettet hat. Denn in England zum Beispiel bekommen depressiv Erkrankte Bücher auf Rezept. Horchen Sie oder rufen Sie einfach auch unter 0800 2254 2254 an und finden Sie Trost…
In dieser Nacht rufen vier Menschen aus dem JETZT an, Menschen wie du und ich. Aber auch eine Dark Lady aus dem Jenseits meldet sich.

Ensemble und Regie haben sich gemeinsam mit Shakespeare auf den Weg gemacht, sind in die Welt zwischen den Nachrichten abgetaucht und haben Texte geschrieben, die in dieser nächtlichen Radio Sendung ihren Platz finden.

Uraufführung. Von Judith Kuckart und Ensemble. Koproduktion mit dem Stadttheater Bremerhaven.
Texte: Ensemble, Judith Kuckart, William Shakespeare. Regie: Judith Kuckart. Bühne/Kostüme: Rike Schimitschek. Dramaturgie: Justine Wiechmann. Video/Sound: Alice Bleistein. Ton-Musikcollage: Michael Meyer. Regie-Assistenz: Finn Lorenzen / Martina Lübbing

Mit: Svea Auerbach, Leon Häder, Angelika Hofstetter, Petra-Janina Schultz, Markus Seuß, Isabel Zeumer.

Wie immer von Mittwoch auf Donnerstag sitzt Moderator Gerlach im Studio von Radio Nord Nordwest 2. Auch in dieser Nacht werden Menschen aus ihrem Leben erzählen. Denn beim Erzählen bekommen die schlimmsten Katastrophen einen Sinn. Heute Nacht aber hat Gerlach eine gute Nachricht: Richtiges Lesen rettet vor allem, einschließlich vor einem selbst, sagt er gleich zu Beginn ins Mikrofon. Rufen Sie an und berichten Sie, ob und wie ein Buch, ein Song, ein Gedicht oder sogar ein Sonett von Shakespeare, Sie einmal gerettet hat. Denn in England zum Beispiel bekommen depressiv Erkrankte Bücher auf Rezept. Horchen Sie oder rufen Sie einfach auch unter 0800 2254 2254 an und finden Sie Trost…
In dieser Nacht rufen vier Menschen aus dem JETZT an, Menschen wie du und ich. Aber auch eine Dark Lady aus dem Jenseits meldet sich.

Ensemble und Regie haben sich gemeinsam mit Shakespeare auf den Weg gemacht, sind in die Welt zwischen den Nachrichten abgetaucht und haben Texte geschrieben, die in dieser nächtlichen Radio Sendung ihren Platz finden.

Textfassung/Regie: Petra-Janina Schultz. Bühne/Kostüme: Rike Schimitschek. Choreographie: Leila Bakhtali. Regieassistenz: Linus Wirth.
Mit: Svea Auerbach, Michael Meyer, Ulrike Knospe, Markus Seuß.
Chor: Michael Csont, Karin Dörpmund, Fabi Heuermann, Anja Hölscher, Larissa Kroll, Sandra Luther, Julia Odermatt, Bettina Renken, Nastja Roeseler, Pia Schreiber, Steph Seumer, Melanie Tröster, Dine Urbons, Doris Wind.

Was kostet ein Versprechen? Wieviel wiegt ein Eid? Wie schwer ist ein gegebenes Wort? Die Geschichte von Medea und Jason fasziniert über die Jahrtausende: eine Liebe, die so groß ist, wie die von Romeo und Julia und die genauso in die Katastrophe führt. Frau und Mann, Liebe und Kalkül, Heimat und Fremdsein, Recht und Unrecht, das sind die Themen des Stücks, an dessen Beginn ein Versprechen steht, das gebrochen wird.
Medea hat in ihrer Heimat Kolchis Jason geholfen, ihn beschützt, für ihn getötet und er hat sein Wort gegeben, sie zu lieben und mit ihr zu leben. Sie fliehen gemeinsam in seine Heimat Korinth und leben dort am Rand der Gesellschaft, die Medea, die Fremde, die Barbarin, nicht als gleichwertig akzeptieren will, während sie Jason, den griechischen Helden, als einen der ihren willkommen heißen.
Dennoch leben die beiden dort zehn Jahre friedlich mit ihren zwei Kindern, bis Jason ohne Medeas Wissen die Tochter des Königs heiratet, um sozial aufzusteigen. Das erschüttert Medea in den Grundfesten ihres Wesens: der Mann, für den sie Heimat und Familie verraten und verlassen hat, wendet sich so weit gegen sie, dass sie sogar mit den gemeinsamen Kindern aus dem Land vertrieben werden soll. Den Schmerz über den gebrochenen Schwur, ihre Enttäuschung und ihre maßlose Wut verhandelt sie öffentlich. Sie nimmt die Zuschauenden mit in ihrem Ringen um Gerechtigkeit bis zu einem Punkt, an den selbst ihre engste Vertraute ihr nicht mehr folgen kann: dem Mord an den eigenen Kindern, um Jason vollständig zu vernichten.

Euripides will seine Figuren verstehen, er wertet nicht, er spricht nicht schuldig und erweist sich darin als beeindruckend aktuell. Er gibt die Frage nach der Verantwortung an uns weiter und unterstützt sie durch die Präsenz eines Sprechchors, der die Bevölkerung von Korinth repräsentiert und damit uns, die Gesellschaft. Wie können wir Position beziehen? Wie weit treibt uns die Angst vor der Fremden, vor wem verschließen wir die Tür und wen heißen wir willkommen?

DER CHOR
In den Bremer Aufführungen wirkt ein Chor aus engagierten Amateuren mit. Die Theatergruppe entstand kurz nach der Corona-Zeit und wurde aus der Idee geboren, die pandemiebedingt verordnete Distanz zwischen Theater und Publikum zu überwinden. Der Laienchor sollte für jeden Interessierten offen sein und das Ziel war von Beginn an, den Chor in der Produktion „Medea“ im Herbst 2023 zusammen mit den Profis auf die Bühne zu stellen. Klassischerweise repräsentiert der Chor im griechischen Theater die “Polis”, hier die Gesellschaft Korinths.

Textfassung/Regie: Petra-Janina Schultz. Bühne/Kostüme: Rike Schimitschek. Choreographie: Leila Bakhtali. Regieassistenz: Linus Wirth.
Mit: Svea Auerbach, Michael Meyer, Ulrike Knospe, Markus Seuß.
Chor: Michael Csont, Karin Dörpmund, Fabi Heuermann, Anja Hölscher, Larissa Kroll, Sandra Luther, Julia Odermatt, Bettina Renken, Nastja Roeseler, Pia Schreiber, Steph Seumer, Melanie Tröster, Dine Urbons, Doris Wind.

Was kostet ein Versprechen? Wieviel wiegt ein Eid? Wie schwer ist ein gegebenes Wort? Die Geschichte von Medea und Jason fasziniert über die Jahrtausende: eine Liebe, die so groß ist, wie die von Romeo und Julia und die genauso in die Katastrophe führt. Frau und Mann, Liebe und Kalkül, Heimat und Fremdsein, Recht und Unrecht, das sind die Themen des Stücks, an dessen Beginn ein Versprechen steht, das gebrochen wird.
Medea hat in ihrer Heimat Kolchis Jason geholfen, ihn beschützt, für ihn getötet und er hat sein Wort gegeben, sie zu lieben und mit ihr zu leben. Sie fliehen gemeinsam in seine Heimat Korinth und leben dort am Rand der Gesellschaft, die Medea, die Fremde, die Barbarin, nicht als gleichwertig akzeptieren will, während sie Jason, den griechischen Helden, als einen der ihren willkommen heißen.
Dennoch leben die beiden dort zehn Jahre friedlich mit ihren zwei Kindern, bis Jason ohne Medeas Wissen die Tochter des Königs heiratet, um sozial aufzusteigen. Das erschüttert Medea in den Grundfesten ihres Wesens: der Mann, für den sie Heimat und Familie verraten und verlassen hat, wendet sich so weit gegen sie, dass sie sogar mit den gemeinsamen Kindern aus dem Land vertrieben werden soll. Den Schmerz über den gebrochenen Schwur, ihre Enttäuschung und ihre maßlose Wut verhandelt sie öffentlich. Sie nimmt die Zuschauenden mit in ihrem Ringen um Gerechtigkeit bis zu einem Punkt, an den selbst ihre engste Vertraute ihr nicht mehr folgen kann: dem Mord an den eigenen Kindern, um Jason vollständig zu vernichten.

Euripides will seine Figuren verstehen, er wertet nicht, er spricht nicht schuldig und erweist sich darin als beeindruckend aktuell. Er gibt die Frage nach der Verantwortung an uns weiter und unterstützt sie durch die Präsenz eines Sprechchors, der die Bevölkerung von Korinth repräsentiert und damit uns, die Gesellschaft. Wie können wir Position beziehen? Wie weit treibt uns die Angst vor der Fremden, vor wem verschließen wir die Tür und wen heißen wir willkommen?

DER CHOR
In den Bremer Aufführungen wirkt ein Chor aus engagierten Amateuren mit. Die Theatergruppe entstand kurz nach der Corona-Zeit und wurde aus der Idee geboren, die pandemiebedingt verordnete Distanz zwischen Theater und Publikum zu überwinden. Der Laienchor sollte für jeden Interessierten offen sein und das Ziel war von Beginn an, den Chor in der Produktion „Medea“ im Herbst 2023 zusammen mit den Profis auf die Bühne zu stellen. Klassischerweise repräsentiert der Chor im griechischen Theater die “Polis”, hier die Gesellschaft Korinths.

Idee/Konzept/Fassung: Ensemble. Musik: Katharina Hoffmann, Michael Meyer. Bühne/Kostüme: Melanie Kuhl.
Technik: Das Team. Es spielen: Svea Auerbach, Simon Elias, Katharina Hoffmann, Michael Meyer.

Der Kaiser lebt in Saus und Braus. Wichtiger als seine Staatsgeschäfte sind ihm allerdings die neuesten und schillerndsten Gewänder: Seide, Samt und gepuderte Perücken statt Audienzen, Gesetzen und langweiligen Sitzungen. Wie man sonst von den Königen sagt „Seine Majestät befindet sich im Staatsrat“ so heißt es hier „der Kaiser ist im Ankleidezimmer“.
Eines Tages erhält der Kaiser von zwei Reisenden ein verlockendes Angebot: sie seien imstande, den allerschönsten Stoff, den man sich nur denken könne, zu weben. Außerdem habe der Stoff die wunderbare Eigenschaft, dass er für solche Menschen, die für ihren Beruf nicht taugten oder unerlaubt dumm seien, unsichtbar bliebe.
Der Kaiser ist begeistert: „Wenn ich solche Anzüge hätte, könnte ich leicht dahinterkommen, wer in meinem Reiche für sein Amt tauglich ist oder nicht, und ich könnte dann die Dummen von den Klugen unterscheiden.“ Er ahnt nicht, dass er auf zwei Betrüger hereinfällt.

Die Inszenierung der bremer shakespeare company erzählt das pompöse Leben am Hofe eines Herrschers und darüber, wie die Eitelkeit und die Macht der Illusion die Menschen dazu bringen, ihre Vernunft auszuschalten und ihrer eigenen Dummheit anheimzufallen.
Die Spielenden beziehen die Kinder spielerisch und musikalisch in den Hergang der Geschichte ein und machen die Theateraufführung so zu einem aktiven, gemeinschaftlichen Erlebnis.

Dauer: ca. 1 Stunde

Idee/Konzept/Fassung: Ensemble. Musik: Katharina Hoffmann, Michael Meyer. Bühne/Kostüme: Melanie Kuhl.
Technik: Das Team. Es spielen: Svea Auerbach, Simon Elias, Katharina Hoffmann, Michael Meyer.

Der Kaiser lebt in Saus und Braus. Wichtiger als seine Staatsgeschäfte sind ihm allerdings die neuesten und schillerndsten Gewänder: Seide, Samt und gepuderte Perücken statt Audienzen, Gesetzen und langweiligen Sitzungen. Wie man sonst von den Königen sagt „Seine Majestät befindet sich im Staatsrat“ so heißt es hier „der Kaiser ist im Ankleidezimmer“.
Eines Tages erhält der Kaiser von zwei Reisenden ein verlockendes Angebot: sie seien imstande, den allerschönsten Stoff, den man sich nur denken könne, zu weben. Außerdem habe der Stoff die wunderbare Eigenschaft, dass er für solche Menschen, die für ihren Beruf nicht taugten oder unerlaubt dumm seien, unsichtbar bliebe.
Der Kaiser ist begeistert: „Wenn ich solche Anzüge hätte, könnte ich leicht dahinterkommen, wer in meinem Reiche für sein Amt tauglich ist oder nicht, und ich könnte dann die Dummen von den Klugen unterscheiden.“ Er ahnt nicht, dass er auf zwei Betrüger hereinfällt.

Die Inszenierung der bremer shakespeare company erzählt das pompöse Leben am Hofe eines Herrschers und darüber, wie die Eitelkeit und die Macht der Illusion die Menschen dazu bringen, ihre Vernunft auszuschalten und ihrer eigenen Dummheit anheimzufallen.
Die Spielenden beziehen die Kinder spielerisch und musikalisch in den Hergang der Geschichte ein und machen die Theateraufführung so zu einem aktiven, gemeinschaftlichen Erlebnis.

Dauer: ca. 1 Stunde

Idee/Konzept/Fassung: Ensemble. Musik: Katharina Hoffmann, Michael Meyer. Bühne/Kostüme: Melanie Kuhl.
Technik: Das Team. Es spielen: Svea Auerbach, Simon Elias, Katharina Hoffmann, Michael Meyer.

Der Kaiser lebt in Saus und Braus. Wichtiger als seine Staatsgeschäfte sind ihm allerdings die neuesten und schillerndsten Gewänder: Seide, Samt und gepuderte Perücken statt Audienzen, Gesetzen und langweiligen Sitzungen. Wie man sonst von den Königen sagt „Seine Majestät befindet sich im Staatsrat“ so heißt es hier „der Kaiser ist im Ankleidezimmer“.
Eines Tages erhält der Kaiser von zwei Reisenden ein verlockendes Angebot: sie seien imstande, den allerschönsten Stoff, den man sich nur denken könne, zu weben. Außerdem habe der Stoff die wunderbare Eigenschaft, dass er für solche Menschen, die für ihren Beruf nicht taugten oder unerlaubt dumm seien, unsichtbar bliebe.
Der Kaiser ist begeistert: „Wenn ich solche Anzüge hätte, könnte ich leicht dahinterkommen, wer in meinem Reiche für sein Amt tauglich ist oder nicht, und ich könnte dann die Dummen von den Klugen unterscheiden.“ Er ahnt nicht, dass er auf zwei Betrüger hereinfällt.

Die Inszenierung der bremer shakespeare company erzählt das pompöse Leben am Hofe eines Herrschers und darüber, wie die Eitelkeit und die Macht der Illusion die Menschen dazu bringen, ihre Vernunft auszuschalten und ihrer eigenen Dummheit anheimzufallen.
Die Spielenden beziehen die Kinder spielerisch und musikalisch in den Hergang der Geschichte ein und machen die Theateraufführung so zu einem aktiven, gemeinschaftlichen Erlebnis.

Dauer: ca. 1 Stunde

Idee/Konzept/Fassung: Ensemble. Musik: Katharina Hoffmann, Michael Meyer. Bühne/Kostüme: Melanie Kuhl.
Technik: Das Team. Es spielen: Svea Auerbach, Simon Elias, Katharina Hoffmann, Michael Meyer.

Der Kaiser lebt in Saus und Braus. Wichtiger als seine Staatsgeschäfte sind ihm allerdings die neuesten und schillerndsten Gewänder: Seide, Samt und gepuderte Perücken statt Audienzen, Gesetzen und langweiligen Sitzungen. Wie man sonst von den Königen sagt „Seine Majestät befindet sich im Staatsrat“ so heißt es hier „der Kaiser ist im Ankleidezimmer“.
Eines Tages erhält der Kaiser von zwei Reisenden ein verlockendes Angebot: sie seien imstande, den allerschönsten Stoff, den man sich nur denken könne, zu weben. Außerdem habe der Stoff die wunderbare Eigenschaft, dass er für solche Menschen, die für ihren Beruf nicht taugten oder unerlaubt dumm seien, unsichtbar bliebe.
Der Kaiser ist begeistert: „Wenn ich solche Anzüge hätte, könnte ich leicht dahinterkommen, wer in meinem Reiche für sein Amt tauglich ist oder nicht, und ich könnte dann die Dummen von den Klugen unterscheiden.“ Er ahnt nicht, dass er auf zwei Betrüger hereinfällt.

Die Inszenierung der bremer shakespeare company erzählt das pompöse Leben am Hofe eines Herrschers und darüber, wie die Eitelkeit und die Macht der Illusion die Menschen dazu bringen, ihre Vernunft auszuschalten und ihrer eigenen Dummheit anheimzufallen.
Die Spielenden beziehen die Kinder spielerisch und musikalisch in den Hergang der Geschichte ein und machen die Theateraufführung so zu einem aktiven, gemeinschaftlichen Erlebnis.

Dauer: ca. 1 Stunde

Textfassung: Sarah Ruhl. Übersetzung: Evelyn und Rainer Iwersen. Regie: Rodrigo Garcia Alves.
Bühne/Kostüme: Heike Neugebauer.

Mit: Simon Elias, Tim Lee, Michael Meyer, Sofie Alice Miller, Erik Roßbander, Kathrin Steinweg.

Der brasilianische Regisseur und Performance-Künstler Rodrigo Alves inszeniert Virginia Woolfs fantastischen Roman als Reise durch Zeiten und Gender, die Konventionen in Frage stellt und den Geist des Widerstands und der Widerstandskraft feiert. Orlandos Geschichte hat in den Herzen vieler Leser- und Theatergenerationen den Keim der Spiellust, des Widerstands gegen Konformismus und der Erneuerung gepflanzt. Die Einbindung von Tanz und Performancekunst erweitert die Grenzen des herkömmlichen Sprechtheaters genauso wie der Soundtrack, der musikalische Ikonen und subkulturelle Einflüsse präsentiert. Orlando ist ein Liebesbrief, aber auch ein Zeugnis dafür, wie uns die Natur zeigt, dass es keine Grenzen für Identität, Zeit und Vorstellungskraft gibt.

Textfassung: Sarah Ruhl. Übersetzung: Evelyn und Rainer Iwersen. Regie: Rodrigo Garcia Alves.
Bühne/Kostüme: Heike Neugebauer.

Mit: Simon Elias, Tim Lee, Michael Meyer, Sofie Alice Miller, Erik Roßbander, Kathrin Steinweg.

Der brasilianische Regisseur und Performance-Künstler Rodrigo Alves inszeniert Virginia Woolfs fantastischen Roman als Reise durch Zeiten und Gender, die Konventionen in Frage stellt und den Geist des Widerstands und der Widerstandskraft feiert. Orlandos Geschichte hat in den Herzen vieler Leser- und Theatergenerationen den Keim der Spiellust, des Widerstands gegen Konformismus und der Erneuerung gepflanzt. Die Einbindung von Tanz und Performancekunst erweitert die Grenzen des herkömmlichen Sprechtheaters genauso wie der Soundtrack, der musikalische Ikonen und subkulturelle Einflüsse präsentiert. Orlando ist ein Liebesbrief, aber auch ein Zeugnis dafür, wie uns die Natur zeigt, dass es keine Grenzen für Identität, Zeit und Vorstellungskraft gibt.

Textfassung: Sarah Ruhl. Übersetzung: Evelyn und Rainer Iwersen. Regie: Rodrigo Garcia Alves.
Bühne/Kostüme: Heike Neugebauer.

Mit: Simon Elias, Tim Lee, Michael Meyer, Sofie Alice Miller, Erik Roßbander, Kathrin Steinweg.

Der brasilianische Regisseur und Performance-Künstler Rodrigo Alves inszeniert Virginia Woolfs fantastischen Roman als Reise durch Zeiten und Gender, die Konventionen in Frage stellt und den Geist des Widerstands und der Widerstandskraft feiert. Orlandos Geschichte hat in den Herzen vieler Leser- und Theatergenerationen den Keim der Spiellust, des Widerstands gegen Konformismus und der Erneuerung gepflanzt. Die Einbindung von Tanz und Performancekunst erweitert die Grenzen des herkömmlichen Sprechtheaters genauso wie der Soundtrack, der musikalische Ikonen und subkulturelle Einflüsse präsentiert. Orlando ist ein Liebesbrief, aber auch ein Zeugnis dafür, wie uns die Natur zeigt, dass es keine Grenzen für Identität, Zeit und Vorstellungskraft gibt.

Am Mittwoch, 6. Dezember wird die Vorstellung von 5 Gebärdendolmetscherinnen simultan begleitet. Für hörende und gehörlose Zuschauer:innen!

Text u. Spielfassung: Johanna Schall und Grit van Dyk. Regie: Johanna Schall. Bühne/Kostüme: Heike Neugebauer. Musik: Maria Hinze. Regieassistenz: Martina Lübbing. Mit: Svea Auerbach, Michael Meyer, Erik Roßbander, Petra-Janina Schultz.

Eigentlich soll das grobe Stück Holz ein Tischbein werden. Aber dann überlegt es sich der alte Gepetto anders: er schnitzt sich daraus eine Marionette, die ihn immer lieben soll und mit der er sich ein Zubrot verdienen will.
Doch es kommt anders, als er gedacht hat: Pinocchio, die Holzpuppe, hat eine laute Stimme, schräge Ideen, übermütigen Eigensinn, aber auch Mitgefühl und reichlich Neugier. Mit naiver Beherztheit rennt er von einem Abenteuer ins nächste. In brenzligen Situationen lügt er auch gelegentlich, und dann wird seine Nase länger. Jedes Mal, wenn er haarscharf einer Katastrophe entkommt, denkt er bei sich: „Ich möchte so sehr ein braver Junge werden, um jeden Preis!“ – Doch wie hoch ist der Preis?
Wir lernen den Holzjungen aus dem italienischen Kinderbuchklassiker bei seiner „Geburt" kennen, er lernt reden, er lernt laufen, er lernt tanzen, doch von Anbeginn versuchen alle ihm die ungestümen und egoistischen Züge des Holzjungen auszutreiben: er muss die „bittere Medizin der Erziehung“ schlucken, die die Erwachsenen ihren Kindern verabreicht, um sie für die Welt „passend“ zu machen.
Pinocchio lernt ein ganzes ein Panoptikum skurriler Figuren kennen, die ihm alle versprechen, ihn seiner ersehnten Menschwerdung näherzubringen. Ihre Methoden sind ebenso vielfältig wie schrecklich: Prügel, Gefühlskälte, sie versuchen, ihn auszunutzen, ihn zu betrügen zur Sklavenarbeit zu zwingen. Appelle an die Vernunft, Erpressung und Manipulation sollen Pinocchio in die vermeintlich „richtige“ Richtung ziehen, um aus ihm einen gehorsamen, vernünftigen Untertanen zu fabrizieren – arbeiten soll er, gehorsam sein natürlich auch Geld verdienen.
So rennt und stolpert der Holzjunge Pinocchio aus dem seligen Zustand kindlich-naiver Lustbetontheit in immer größere Zweifel an seinem eigenen impulsiven Wünschen. Sein eigenes Glücksempfinden macht er abhängig vom Glück und Wohlergehen seines „Vaters“ Gepetto, und sein größter Wunsch ist es, ihm endlich alles recht machen zu können.
Was wünschen wir uns und welchen Preis sind wir bereit dafür zu zahlen? Wie lang sind unsere Nasen?
 

Übersetzung: Patricia Benecke, Simon Elias. Regie: Patricia Benecke. Bühne/Kostüme: Rike Schimitschek. Komposition: Simon Slater. Bühnenmusik: Karin Christoph. Technik/Bar: Torsten Ehlen, Kai Henjhzs, Ronja Odebrecht.
Mit: Simon Elias, Ulrike Knospe, Tim Lee, Sofie Miller, Petra-Janina Schultz.

Am Tag vor der Wintersonnenwende, fährt die junge, etwas zugeknöpfte Literaturwissenschaftlerin Prudencia Hart in das beschauliches Grenzstädtchen Kelso zu einem Kongress über „Romantische Grenzballaden“. Auf den Schneesturm hatte ihre Wetter-App sie vorbereitet, doch dass sich in der bevorstehenden Wintersonnenwendenacht - nach einer alten Mythologie - „das Tor zur Anderswelt“ öffnet, damit rechnet sie nicht. Und so stolpert sie im völlig eingeschneiten Kelso durch einen „Riss in der Zeit“ in ein Bed & Breakfast, das der Teufel persönlich führt. In einem wilden, anarchischen Ritt, befeuert von „burning Sambucas“ mutiert sie von der akademischen Beobachterin der eitlen und zuweilen skurrilen Konferenzgesellschaft zur Heldin ihrer eigenen Ballade, in der sie sich in einer Welt wiederfindet, in der alles anders erscheint, als sie gedacht hat, und doch alles möglich scheint – sogar, dass sie selbst vielleicht gar nicht so zugeknöpft ist…
Eine lyrische, verführerische, dreiste, philosophische Komödie mit Live-Musik, die in der Tradition des schottischen Pub Theatre steht. Der Abend im Theater am Leibnizplatz präsentiert sich als Kneipe, wo die Zuschauer zwanglos nah an der Bühne sitzen, das Geschehen mitten zwischen ihnen stattfindet und eine Bar mit Getränkeverkauf im Zuschauersaal integriert ist.

»Der seltsame Fall der Prudencia Hart« wurde 2010 uraufgeführt, wurde seitdem im englischsprachigen Raum vielfach nachgespielt und erlebt die deutsche Erstaufführung in der bremer shakespeare company.

Übersetzung: Patricia Benecke, Simon Elias. Regie: Patricia Benecke. Bühne/Kostüme: Rike Schimitschek. Komposition: Simon Slater. Bühnenmusik: Karin Christoph. Technik/Bar: Torsten Ehlen, Kai Henjhzs, Ronja Odebrecht.
Mit: Simon Elias, Ulrike Knospe, Tim Lee, Sofie Miller, Petra-Janina Schultz.

Am Tag vor der Wintersonnenwende, fährt die junge, etwas zugeknöpfte Literaturwissenschaftlerin Prudencia Hart in das beschauliches Grenzstädtchen Kelso zu einem Kongress über „Romantische Grenzballaden“. Auf den Schneesturm hatte ihre Wetter-App sie vorbereitet, doch dass sich in der bevorstehenden Wintersonnenwendenacht - nach einer alten Mythologie - „das Tor zur Anderswelt“ öffnet, damit rechnet sie nicht. Und so stolpert sie im völlig eingeschneiten Kelso durch einen „Riss in der Zeit“ in ein Bed & Breakfast, das der Teufel persönlich führt. In einem wilden, anarchischen Ritt, befeuert von „burning Sambucas“ mutiert sie von der akademischen Beobachterin der eitlen und zuweilen skurrilen Konferenzgesellschaft zur Heldin ihrer eigenen Ballade, in der sie sich in einer Welt wiederfindet, in der alles anders erscheint, als sie gedacht hat, und doch alles möglich scheint – sogar, dass sie selbst vielleicht gar nicht so zugeknöpft ist…
Eine lyrische, verführerische, dreiste, philosophische Komödie mit Live-Musik, die in der Tradition des schottischen Pub Theatre steht. Der Abend im Theater am Leibnizplatz präsentiert sich als Kneipe, wo die Zuschauer zwanglos nah an der Bühne sitzen, das Geschehen mitten zwischen ihnen stattfindet und eine Bar mit Getränkeverkauf im Zuschauersaal integriert ist.

»Der seltsame Fall der Prudencia Hart« wurde 2010 uraufgeführt, wurde seitdem im englischsprachigen Raum vielfach nachgespielt und erlebt die deutsche Erstaufführung in der bremer shakespeare company.

Regie: Guy Roberts. Bühne/Kostüme: Heike Neugebauer. Musik: Patrick Neil Doyle. Regieassistenz. Martina Lübbing.
Mit: Simon Elias, Sabrina Hilde, Tim Lee, Sofie Miller, Erik Roßbander, Kathrin Steinweg.

ENGLISH
HAMLET, by William Shakespeare, is the single play that encompasses the central questions of existence that applies to all humans. The play examines the conflict between private versus public duty and the individual’s obligation to the self and the State. It is rooted in classical principles of examining the essential questions – Who Am I? Why Do I Exist? What Must I Do?
What makes HAMLET unique is that it highlights how in today’s world everyone is Hamlet. 

Aside from the universality of human emotion, the story of Hamlet is compelling in itself. Who can resist a play with eight violent deaths, a ghost, adultery, incest, a mad woman and a fight in a grave? Perhaps what keeps Hamlet fresh and exciting is that these questions remain for each audience: why does Hamlet not immediately avenge his father’s murder? What keeps us from acting on our most base and most immediate impulses - is it social convention or personal morality - or simply the fear of punishment? What keeps us alive when all forces point towards giving up and submitting to death? Is Hamlet a hero? Perhaps - but the ambiguity of his heroic nature is what keeps him so fascinating.

HAMLET will go on being made and re-made by every new generation of theatre-makers, and the melancholy Dane will, in all probability, continue to be seen as one of the ultimate acting challenges, while the play continues to delight, frustrate, confuse and amuse.

DEUTSCH
In seinem Drama HAMLET stellt William Shakespeare die zentralen Fragen der menschlichen Existenz in den Mittelpunkt. Das Stück untersucht den Konflikt zwischen privatem und öffentlichem Pflichtgefühl und der Verantwortung des Einzelnen gegenüber sich selbst und dem Staat. Es entwickelt sich ganz aus den klassischen Methoden der Untersuchung der wesentlichen Fragen „Wer bin ich? Warum existiere ich? Was muss Iih tun?“

HAMLET ist einzigartig, weil es verdeutlicht, dass in der heutigen Welt jeder Hamlet ist. 

Abgesehen von der Universalität menschlicher Emotionen überzeugt Hamlets Drama an sich: Wer kann schon einem Spiel mit acht gewaltsamen Todesfällen, einem Geist, Ehebruch, Inzest, einer wahnsinnigen Frau und einem Kampf in einer Gruft widerstehen? Was Hamlet frisch und aufregend hält, ist, dass sich bestimmte Fragen jedem Publikum stellen: Warum rächt Hamlet den Mord an seinem Vater nicht sofort? Ist es die Last des Gewissens? Was hält uns ab, unseren grundlegenden und unmittelbaren Impulsen zu folgen - ist es gesellschaftliche Konvention oder persönliches Moralempfinden - oder einfach die Angst vor Strafe? Was hält uns am Leben, wenn alle Kräfte darauf drängen, sich aufzugeben und sich dem Tod zu überlassen? Ist Hamlet ein Held? Vielleicht - es ist die Mehrdeutigkeit seines heroischen Charakters, die ihn so faszinierend macht.

HAMLET wird auch in Zukunft von jeder neuen Generation von Theatermachern entdeckt und neu entdeckt werden. Der melancholische Däne wird auch weiterhin als eine der ultimativen schauspielerischen Herausforderungen gelten, während sein Drama weiterhin erfreut, frustriert, verwirrt und amüsiert.

Regie: Guy Roberts. Bühne/Kostüme: Heike Neugebauer. Musik: Patrick Neil Doyle. Regieassistenz. Martina Lübbing.
Mit: Simon Elias, Sabrina Hilde, Tim Lee, Sofie Miller, Erik Roßbander, Kathrin Steinweg.

ENGLISH
HAMLET, by William Shakespeare, is the single play that encompasses the central questions of existence that applies to all humans. The play examines the conflict between private versus public duty and the individual’s obligation to the self and the State. It is rooted in classical principles of examining the essential questions – Who Am I? Why Do I Exist? What Must I Do?
What makes HAMLET unique is that it highlights how in today’s world everyone is Hamlet. 

Aside from the universality of human emotion, the story of Hamlet is compelling in itself. Who can resist a play with eight violent deaths, a ghost, adultery, incest, a mad woman and a fight in a grave? Perhaps what keeps Hamlet fresh and exciting is that these questions remain for each audience: why does Hamlet not immediately avenge his father’s murder? What keeps us from acting on our most base and most immediate impulses - is it social convention or personal morality - or simply the fear of punishment? What keeps us alive when all forces point towards giving up and submitting to death? Is Hamlet a hero? Perhaps - but the ambiguity of his heroic nature is what keeps him so fascinating.

HAMLET will go on being made and re-made by every new generation of theatre-makers, and the melancholy Dane will, in all probability, continue to be seen as one of the ultimate acting challenges, while the play continues to delight, frustrate, confuse and amuse.

DEUTSCH
In seinem Drama HAMLET stellt William Shakespeare die zentralen Fragen der menschlichen Existenz in den Mittelpunkt. Das Stück untersucht den Konflikt zwischen privatem und öffentlichem Pflichtgefühl und der Verantwortung des Einzelnen gegenüber sich selbst und dem Staat. Es entwickelt sich ganz aus den klassischen Methoden der Untersuchung der wesentlichen Fragen „Wer bin ich? Warum existiere ich? Was muss Iih tun?“

HAMLET ist einzigartig, weil es verdeutlicht, dass in der heutigen Welt jeder Hamlet ist. 

Abgesehen von der Universalität menschlicher Emotionen überzeugt Hamlets Drama an sich: Wer kann schon einem Spiel mit acht gewaltsamen Todesfällen, einem Geist, Ehebruch, Inzest, einer wahnsinnigen Frau und einem Kampf in einer Gruft widerstehen? Was Hamlet frisch und aufregend hält, ist, dass sich bestimmte Fragen jedem Publikum stellen: Warum rächt Hamlet den Mord an seinem Vater nicht sofort? Ist es die Last des Gewissens? Was hält uns ab, unseren grundlegenden und unmittelbaren Impulsen zu folgen - ist es gesellschaftliche Konvention oder persönliches Moralempfinden - oder einfach die Angst vor Strafe? Was hält uns am Leben, wenn alle Kräfte darauf drängen, sich aufzugeben und sich dem Tod zu überlassen? Ist Hamlet ein Held? Vielleicht - es ist die Mehrdeutigkeit seines heroischen Charakters, die ihn so faszinierend macht.

HAMLET wird auch in Zukunft von jeder neuen Generation von Theatermachern entdeckt und neu entdeckt werden. Der melancholische Däne wird auch weiterhin als eine der ultimativen schauspielerischen Herausforderungen gelten, während sein Drama weiterhin erfreut, frustriert, verwirrt und amüsiert.

Regie: Guy Roberts. Bühne/Kostüme: Heike Neugebauer. Musik: Patrick Neil Doyle. Regieassistenz. Martina Lübbing.
Mit: Simon Elias, Sabrina Hilde, Tim Lee, Sofie Miller, Erik Roßbander, Kathrin Steinweg.

ENGLISH
HAMLET, by William Shakespeare, is the single play that encompasses the central questions of existence that applies to all humans. The play examines the conflict between private versus public duty and the individual’s obligation to the self and the State. It is rooted in classical principles of examining the essential questions – Who Am I? Why Do I Exist? What Must I Do?
What makes HAMLET unique is that it highlights how in today’s world everyone is Hamlet. 

Aside from the universality of human emotion, the story of Hamlet is compelling in itself. Who can resist a play with eight violent deaths, a ghost, adultery, incest, a mad woman and a fight in a grave? Perhaps what keeps Hamlet fresh and exciting is that these questions remain for each audience: why does Hamlet not immediately avenge his father’s murder? What keeps us from acting on our most base and most immediate impulses - is it social convention or personal morality - or simply the fear of punishment? What keeps us alive when all forces point towards giving up and submitting to death? Is Hamlet a hero? Perhaps - but the ambiguity of his heroic nature is what keeps him so fascinating.

HAMLET will go on being made and re-made by every new generation of theatre-makers, and the melancholy Dane will, in all probability, continue to be seen as one of the ultimate acting challenges, while the play continues to delight, frustrate, confuse and amuse.

DEUTSCH
In seinem Drama HAMLET stellt William Shakespeare die zentralen Fragen der menschlichen Existenz in den Mittelpunkt. Das Stück untersucht den Konflikt zwischen privatem und öffentlichem Pflichtgefühl und der Verantwortung des Einzelnen gegenüber sich selbst und dem Staat. Es entwickelt sich ganz aus den klassischen Methoden der Untersuchung der wesentlichen Fragen „Wer bin ich? Warum existiere ich? Was muss Iih tun?“

HAMLET ist einzigartig, weil es verdeutlicht, dass in der heutigen Welt jeder Hamlet ist. 

Abgesehen von der Universalität menschlicher Emotionen überzeugt Hamlets Drama an sich: Wer kann schon einem Spiel mit acht gewaltsamen Todesfällen, einem Geist, Ehebruch, Inzest, einer wahnsinnigen Frau und einem Kampf in einer Gruft widerstehen? Was Hamlet frisch und aufregend hält, ist, dass sich bestimmte Fragen jedem Publikum stellen: Warum rächt Hamlet den Mord an seinem Vater nicht sofort? Ist es die Last des Gewissens? Was hält uns ab, unseren grundlegenden und unmittelbaren Impulsen zu folgen - ist es gesellschaftliche Konvention oder persönliches Moralempfinden - oder einfach die Angst vor Strafe? Was hält uns am Leben, wenn alle Kräfte darauf drängen, sich aufzugeben und sich dem Tod zu überlassen? Ist Hamlet ein Held? Vielleicht - es ist die Mehrdeutigkeit seines heroischen Charakters, die ihn so faszinierend macht.

HAMLET wird auch in Zukunft von jeder neuen Generation von Theatermachern entdeckt und neu entdeckt werden. Der melancholische Däne wird auch weiterhin als eine der ultimativen schauspielerischen Herausforderungen gelten, während sein Drama weiterhin erfreut, frustriert, verwirrt und amüsiert.

Regie: Guy Roberts. Bühne/Kostüme: Heike Neugebauer. Musik: Patrick Neil Doyle. Regieassistenz. Martina Lübbing.
Mit: Simon Elias, Sabrina Hilde, Tim Lee, Sofie Miller, Erik Roßbander, Kathrin Steinweg.

ENGLISH
HAMLET, by William Shakespeare, is the single play that encompasses the central questions of existence that applies to all humans. The play examines the conflict between private versus public duty and the individual’s obligation to the self and the State. It is rooted in classical principles of examining the essential questions – Who Am I? Why Do I Exist? What Must I Do?
What makes HAMLET unique is that it highlights how in today’s world everyone is Hamlet. 

Aside from the universality of human emotion, the story of Hamlet is compelling in itself. Who can resist a play with eight violent deaths, a ghost, adultery, incest, a mad woman and a fight in a grave? Perhaps what keeps Hamlet fresh and exciting is that these questions remain for each audience: why does Hamlet not immediately avenge his father’s murder? What keeps us from acting on our most base and most immediate impulses - is it social convention or personal morality - or simply the fear of punishment? What keeps us alive when all forces point towards giving up and submitting to death? Is Hamlet a hero? Perhaps - but the ambiguity of his heroic nature is what keeps him so fascinating.

HAMLET will go on being made and re-made by every new generation of theatre-makers, and the melancholy Dane will, in all probability, continue to be seen as one of the ultimate acting challenges, while the play continues to delight, frustrate, confuse and amuse.

DEUTSCH
In seinem Drama HAMLET stellt William Shakespeare die zentralen Fragen der menschlichen Existenz in den Mittelpunkt. Das Stück untersucht den Konflikt zwischen privatem und öffentlichem Pflichtgefühl und der Verantwortung des Einzelnen gegenüber sich selbst und dem Staat. Es entwickelt sich ganz aus den klassischen Methoden der Untersuchung der wesentlichen Fragen „Wer bin ich? Warum existiere ich? Was muss Iih tun?“

HAMLET ist einzigartig, weil es verdeutlicht, dass in der heutigen Welt jeder Hamlet ist. 

Abgesehen von der Universalität menschlicher Emotionen überzeugt Hamlets Drama an sich: Wer kann schon einem Spiel mit acht gewaltsamen Todesfällen, einem Geist, Ehebruch, Inzest, einer wahnsinnigen Frau und einem Kampf in einer Gruft widerstehen? Was Hamlet frisch und aufregend hält, ist, dass sich bestimmte Fragen jedem Publikum stellen: Warum rächt Hamlet den Mord an seinem Vater nicht sofort? Ist es die Last des Gewissens? Was hält uns ab, unseren grundlegenden und unmittelbaren Impulsen zu folgen - ist es gesellschaftliche Konvention oder persönliches Moralempfinden - oder einfach die Angst vor Strafe? Was hält uns am Leben, wenn alle Kräfte darauf drängen, sich aufzugeben und sich dem Tod zu überlassen? Ist Hamlet ein Held? Vielleicht - es ist die Mehrdeutigkeit seines heroischen Charakters, die ihn so faszinierend macht.

HAMLET wird auch in Zukunft von jeder neuen Generation von Theatermachern entdeckt und neu entdeckt werden. Der melancholische Däne wird auch weiterhin als eine der ultimativen schauspielerischen Herausforderungen gelten, während sein Drama weiterhin erfreut, frustriert, verwirrt und amüsiert.

Regie: Guy Roberts. Bühne/Kostüme: Heike Neugebauer. Musik: Patrick Neil Doyle. Regieassistenz. Martina Lübbing.
Mit: Simon Elias, Sabrina Hilde, Tim Lee, Sofie Miller, Erik Roßbander, Kathrin Steinweg.

ENGLISH
HAMLET, by William Shakespeare, is the single play that encompasses the central questions of existence that applies to all humans. The play examines the conflict between private versus public duty and the individual’s obligation to the self and the State. It is rooted in classical principles of examining the essential questions – Who Am I? Why Do I Exist? What Must I Do?
What makes HAMLET unique is that it highlights how in today’s world everyone is Hamlet. 

Aside from the universality of human emotion, the story of Hamlet is compelling in itself. Who can resist a play with eight violent deaths, a ghost, adultery, incest, a mad woman and a fight in a grave? Perhaps what keeps Hamlet fresh and exciting is that these questions remain for each audience: why does Hamlet not immediately avenge his father’s murder? What keeps us from acting on our most base and most immediate impulses - is it social convention or personal morality - or simply the fear of punishment? What keeps us alive when all forces point towards giving up and submitting to death? Is Hamlet a hero? Perhaps - but the ambiguity of his heroic nature is what keeps him so fascinating.

HAMLET will go on being made and re-made by every new generation of theatre-makers, and the melancholy Dane will, in all probability, continue to be seen as one of the ultimate acting challenges, while the play continues to delight, frustrate, confuse and amuse.

DEUTSCH
In seinem Drama HAMLET stellt William Shakespeare die zentralen Fragen der menschlichen Existenz in den Mittelpunkt. Das Stück untersucht den Konflikt zwischen privatem und öffentlichem Pflichtgefühl und der Verantwortung des Einzelnen gegenüber sich selbst und dem Staat. Es entwickelt sich ganz aus den klassischen Methoden der Untersuchung der wesentlichen Fragen „Wer bin ich? Warum existiere ich? Was muss Iih tun?“

HAMLET ist einzigartig, weil es verdeutlicht, dass in der heutigen Welt jeder Hamlet ist. 

Abgesehen von der Universalität menschlicher Emotionen überzeugt Hamlets Drama an sich: Wer kann schon einem Spiel mit acht gewaltsamen Todesfällen, einem Geist, Ehebruch, Inzest, einer wahnsinnigen Frau und einem Kampf in einer Gruft widerstehen? Was Hamlet frisch und aufregend hält, ist, dass sich bestimmte Fragen jedem Publikum stellen: Warum rächt Hamlet den Mord an seinem Vater nicht sofort? Ist es die Last des Gewissens? Was hält uns ab, unseren grundlegenden und unmittelbaren Impulsen zu folgen - ist es gesellschaftliche Konvention oder persönliches Moralempfinden - oder einfach die Angst vor Strafe? Was hält uns am Leben, wenn alle Kräfte darauf drängen, sich aufzugeben und sich dem Tod zu überlassen? Ist Hamlet ein Held? Vielleicht - es ist die Mehrdeutigkeit seines heroischen Charakters, die ihn so faszinierend macht.

HAMLET wird auch in Zukunft von jeder neuen Generation von Theatermachern entdeckt und neu entdeckt werden. Der melancholische Däne wird auch weiterhin als eine der ultimativen schauspielerischen Herausforderungen gelten, während sein Drama weiterhin erfreut, frustriert, verwirrt und amüsiert.

Regie: Guy Roberts. Bühne/Kostüme: Heike Neugebauer. Musik: Patrick Neil Doyle. Regieassistenz. Martina Lübbing.
Mit: Simon Elias, Sabrina Hilde, Tim Lee, Sofie Miller, Erik Roßbander, Kathrin Steinweg.

ENGLISH
HAMLET, by William Shakespeare, is the single play that encompasses the central questions of existence that applies to all humans. The play examines the conflict between private versus public duty and the individual’s obligation to the self and the State. It is rooted in classical principles of examining the essential questions – Who Am I? Why Do I Exist? What Must I Do?
What makes HAMLET unique is that it highlights how in today’s world everyone is Hamlet. 

Aside from the universality of human emotion, the story of Hamlet is compelling in itself. Who can resist a play with eight violent deaths, a ghost, adultery, incest, a mad woman and a fight in a grave? Perhaps what keeps Hamlet fresh and exciting is that these questions remain for each audience: why does Hamlet not immediately avenge his father’s murder? What keeps us from acting on our most base and most immediate impulses - is it social convention or personal morality - or simply the fear of punishment? What keeps us alive when all forces point towards giving up and submitting to death? Is Hamlet a hero? Perhaps - but the ambiguity of his heroic nature is what keeps him so fascinating.

HAMLET will go on being made and re-made by every new generation of theatre-makers, and the melancholy Dane will, in all probability, continue to be seen as one of the ultimate acting challenges, while the play continues to delight, frustrate, confuse and amuse.

DEUTSCH
In seinem Drama HAMLET stellt William Shakespeare die zentralen Fragen der menschlichen Existenz in den Mittelpunkt. Das Stück untersucht den Konflikt zwischen privatem und öffentlichem Pflichtgefühl und der Verantwortung des Einzelnen gegenüber sich selbst und dem Staat. Es entwickelt sich ganz aus den klassischen Methoden der Untersuchung der wesentlichen Fragen „Wer bin ich? Warum existiere ich? Was muss Iih tun?“

HAMLET ist einzigartig, weil es verdeutlicht, dass in der heutigen Welt jeder Hamlet ist. 

Abgesehen von der Universalität menschlicher Emotionen überzeugt Hamlets Drama an sich: Wer kann schon einem Spiel mit acht gewaltsamen Todesfällen, einem Geist, Ehebruch, Inzest, einer wahnsinnigen Frau und einem Kampf in einer Gruft widerstehen? Was Hamlet frisch und aufregend hält, ist, dass sich bestimmte Fragen jedem Publikum stellen: Warum rächt Hamlet den Mord an seinem Vater nicht sofort? Ist es die Last des Gewissens? Was hält uns ab, unseren grundlegenden und unmittelbaren Impulsen zu folgen - ist es gesellschaftliche Konvention oder persönliches Moralempfinden - oder einfach die Angst vor Strafe? Was hält uns am Leben, wenn alle Kräfte darauf drängen, sich aufzugeben und sich dem Tod zu überlassen? Ist Hamlet ein Held? Vielleicht - es ist die Mehrdeutigkeit seines heroischen Charakters, die ihn so faszinierend macht.

HAMLET wird auch in Zukunft von jeder neuen Generation von Theatermachern entdeckt und neu entdeckt werden. Der melancholische Däne wird auch weiterhin als eine der ultimativen schauspielerischen Herausforderungen gelten, während sein Drama weiterhin erfreut, frustriert, verwirrt und amüsiert.