Samstag, 03.12.2022
um 18:30 Uhr

Schloss und Park Lichtenwalde
Schlossallee
09577 Niederwiesa



Schloss & Park Lichtenwalde gilt als eines der schönsten Barockensembles Deutschlands.
Viele Geschichten und Sagen sind in den letzten Jahrhunderten entstanden. Eine der bekanntesten ist wohl die Harrassage, die sogar im Sagenbuch der Gebrüder Grimm Erwähnung fand. Auch die Inszenierung des Lichterparks knüpft thematisch an die Sage rund um Ritter Harras an. Dieser befindet sich auf der Suche nach seinem Pferd, das nach einem tollkühnen Sprung über eine Schlucht verloren gegangen ist. Ob Ritter Harras letztendlich sein Pferd findet, es sicher in seine Stallungen bringen kann und darüber hinaus auch noch in den Armen seiner Angetrauten landen wird, erfahren Sie, liebe Besucher*innen, am Ende des Lichtparcours.

Eventdaten bereitgestellt von: Reservix

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Streaming-Abo Literaturhaus Frankfurt
STREAMING-ABONNEMENT: MIT EINEM KLICK 20 MAL LITERATURHAUS AUF DEM SOFA

Und so geht’s: Im Literaturhaus-Kartenshop einfach das „Streaming-Abo Literaturhaus Frankfurt“ auswählen, einmalig 50 Euro zahlen und losstreamen. Sie bekommen – per E-Mail – die Zugangsdaten zum Livestream für 20 der Literaturhaus-Veranstaltungen im Januar, Februar und März 2022. Jedes der Tickets enthält die für die Veranstaltung gültige Internetadresse und Ihren persönlichen Zugangscode, der bis zu dreimal nacheinander nutzbar ist. Sie können die Veranstaltung live am Bildschirm mitverfolgen oder innerhalb von 70 Stunden nach Veranstaltungsbeginn abrufen. (Die Aufzeichnung wird spätestens drei Stunden nach Veranstaltungsende zur Verfügung gestellt.) Und Sie sparen 50%.

Folgende Veranstaltungen sind im Streaming-Abo enthalten:
24.01. Best of Abschweifung. Ein Genazino-Vorleseabend
25.01. Ingrid Noll
31.01. Erste Bücher. Mit Julia Friese, Franziska Gänsler und Simoné Goldschmidt-Lechner
01.02. Arno Geiger
02.02. Schreibzimmer 2022. Abschlusslesung
07.02. Thomas von Steinaecker und David von Bassewitz
09.02. Wortmeldungen. Ulrike Crespo Literaturpreis für kritische Kurztexte: Shortlist-Abend
13.02. Peter Stamm
14.02. Josephine Apraku und Musa Okwonga
22.02. Julia Schoch
23.02. Sina Arnold, Saba-Nur Cheema und Meron Mendel
01.03. Gelebtes Leben. Denker der Freiheit im Porträt: Wilhelm Röpke
06.03. Karina Sainz Borgo
07.03. LiES: Das zweite Buch. Mit Christoph Biermann und Sasha Marianna Salzmann
13.03. Bernardine Evaristo
14.03. Schöne Aussichten. Mit Alina Bronsky, Alf Mentzer und Miryam Schellbach
22.03. Volker Kutscher
28.03. Anna Kim
18.04. Max Czollek

(Ausgeschlossen sind die Veranstaltungen des Jungen Literaturhauses sowie die "Mitglieds Heim"-Lesung mit Georg Klein, die Veranstaltung mit Judith Hermann und der Prokofjew-Nachmittag am 19.03. in Kooperation mit der Alten Oper Frankfurt.)
SCAR-CITY
URAUFFÜHRUNG
02.-04.02.2023, 20 Uhr
(in englischer und deutscher Sprache)

SCAR-CITY
akademie der autodidakten

Wünsch Dir was! Egal was Du brauchst und was Du willst! Das ist der Anfang und der Zauber der Ökonomie. Aber in der Stadt klafft eine Wunde (engl.: Scar). Sie heilt nicht. Seit Jahrhunderten. Da, wo etwas sein könnte, herrscht Mangel (Scarcity). Mangel an was? Für wen? Warum wächst hier nichts, außer Einsamkeit und Neid, Gewalt und kapitalistisches Spektakel? Oder wächst hier etwas? Etwas, das keinen Preis hat und deshalb schwer zu bewerten ist.

In dem Projekt Scar-City beschäftigen sich die Teilnehmer*innen der akademie der autodidakten unter der Anleitung des multidisziplinären Performancekünstlers Ariel William Orah mit Fragen rund um die Themen Reichtum, Empathie, Heilung, Selbstempowerment. Denn Mangel ist eine Herrschaftspraxis.

Uns wurde gesagt, dem Konsum sei keine Grenze gesetzt. Dabei wird zwischen Bedarf und Wunsch kaum unterschieden. Aber wir spüren es, wir wissen es: Die Ressourcen sind knapp. Die Priorisierung weißer Bedürfnisse ist Rassismus. Ein Zusammenleben, ausgerichtet nach Kriterien der Ökonomie, schafft einen Mangel an Empathie. Die soziale Ungerechtigkeit produziert Wunden. Scar-City. Wie gehen wir mit der Wunde um, wie pflegen wir sie? Von diesen Fragen ausgehend, kamen die Teilnehmer*innen der akademie der autodidakten zusammen. Mit den Mitteln aus Performance, Video und Sound wurde eine künstlerische, performative Erzählung erarbeitet. Entstanden ist eine Geschichte der eigenen und kollektiven Fülle.

Spielleitung: Ariel William Orah; Mitarbeit Spielleitung: Julien Enzanza; Videodesign: Asarela Orchidia Dewi; Lichtdesign: Aslı Atasoy Öner Bühne: Val de Licer Silva-Löbling; Kostüm: Jaq Lisboa; Mit: Amel Baccouche, Adalet Müzeyyen, Esra H. Khairi, Kathiana Abram, Sultan Omar, Vivian Ngozika Aghamelu
Dramaturgie: Umi Maisaroh.

Eine Produktion der akademie der autodidakten im Ballhaus Naunynstraße, gefördert durch den Berliner Projektfonds Kulturelle Bildung. Mit freundlicher Unterstützung der NaunynRitze. Foto: Zé de Paiva

in englischer und deutscher Sprache - Kein Nacheinlass
Heilig Abend - Premiere
Daniel Kehlmann
HEILIG ABEND
Ein Stück für zwei Schauspieler und eine Uhr

Spannend: das Stück von Bestsellerautor Daniel Kehlmann, der seit seinen Romanen „Die Vermessung der Welt“ und „Tyll“ zu den wichtigsten deutschen Schriftstellern der Gegenwart zählt. Der Politthriller um Liebe und Verrat in Zeiten der Verunsicherung wurde in prominenter Besetzung auch schon fürs Fernsehen verfilmt.
Bei uns konnte das Stück im Herbst 2020 nur wenige Male gespielt werden, bevor der zweite Lockdown die Türen des Alten Schauspielhauses auf Monate schloss. Nun ist „Heilig Abend“ endlich einem großen Zuschauerkreis zugänglich.

Ein Ermittler und eine Terrorverdächtige, Professorin für Philosophie, sitzen sich am Weihnachtsabend im Verhör gegenüber. Es ist ein Wettlauf gegen die Zeit: Nur 90 Minuten bleiben Thomas, um von Judith zu erfahren, ob sie tatsächlich gemeinsam mit ihrem Ex-Mann einen terroristischen Anschlag geplant und eine Bombe gebaut hat.

Obwohl Thomas alles daransetzt, sein Gegenüber aus der Reserve zu locken, bleibt Judith felsenfest bei ihrer Aussage: von einer Bombe wisse sie nichts. Währenddessen tickt die Uhr unaufhörlich. Wird um Mitternacht eine Bombe explodieren, und wenn ja: Gibt es eine moralische Rechtfertigung für diese Tat?

In „Heilig Abend“ geht es um die Angst vor terroristischen Anschlägen, um Ausmaß und Berechtigung staatlicher Überwachung und um die Frage nach der Vereinbarkeit von Freiheit und Sicherheit. Das spannende Theater-Duell wurde inszeniert von Eva Hosemann, der Ko-Leiterin der Stuttgarter Kriminächte. Auf der Bühne stehen sich mit Lisa Wildmann und Robert Besta zwei herausragende Darsteller gegenüber.

Vorstellungen 3.2. bis 11.3.2023

Mit Sebastian Volk, Lisa Wildmann
Regie Eva Hosemann
Bühne und Kostüme Tom Grasshof
Dramaturgie Annette Weinmann
Erding Gladiators - EA Schongau „Mammuts“
Der TSV 1862 Erding greift in der Saison 2022/2023 wieder in der Bayernliga an. Um sich am oberen Ende der Tabelle zu platzieren, braucht das Team Ihre Unterstützung. Jetzt Tickets sichern und lautstark anfeuern!

Der TSV aus Erding ist schon längst über die Grenzen der Region bekannt und gefürchtet. Mit blitzschnellen Angriffen überfallen die Gladiators ihre Gegner und sorgen für beste Unterhaltung in der Eissporthalle Erding. Bei den Heimspielen herrscht garantiert keine Eiszeit – Fans und Spieler geben hier Vollgas.

Die Eishockeyabteilung wurde 1978 mit dem Bau einer neuen Kunsteisbahn gegründet und der TSV startete in der Landesliga. Nach mehreren Aufstiegen spielten die Erdinger um die Jahrtausendwende sogar in der 2. Bundesliga. Wie so viele andere Eishockeyvereine hatte auch der TSV 1862 Erding immer wieder finanzielle Probleme. Doch auch nach zahlreichen Talfahrten stehen die Fans noch hinter ihrer Mannschaft. Sie feuern ihre Gladiators, die seit 2008 unter diesem Namen das Eis unsicher machen, bedingungslos an und sorgen so in der Eissporthalle für Gänsehautatmosphäre. Die Erding Gladiators machen ihrem Namen immer wieder alle Ehre. Sie kämpfen bis zum Schluss und können sich dabei der lautstarken Unterstützung ihrer treuen Anhänger sicher sein.

Sie müssen die Stimmung während der Heimspiele der Erding Gladiators einfach live erleben. Hier wird Ihnen Spitzensport vor hervorragender Kulisse geboten. Beste Unterhaltung garantiert!

Einlass: 1h vor Spielbeginn
KLIMTS KUSS - EINE IMMERSIVE GESCHICHTE
Das immersive Kunsterlebnis „KLIMTS KUSS – Spiel mit dem Feuer“ zeigt eine berührende Multimedia-Show über das Leben und Werk des Jugendstilpioniers Gustav Klimt (1862–1918). Neben seinen Frauenporträts, weiblichen Allegorien und Landschaftsmalereien erlangte der Wiener Maler vor allem mit seinem Gemälde «Der Kuss» Weltruhm. KLIMTS KUSS erzählt den Lebensweg des Künstlergenies – ein Spiel mit dem Feuer - als immersive Show. Bevor die Show beginnt, wird der Besucher mit den wichtigsten Stationen im Leben des Malers vertraut gemacht. Man kann dank digitaler Effekte mit Klimts Kunst interagieren und sogar selbst Teil seiner meisterhaften Gemälde werden. Auch beim anschließenden Showerlebnis in drei Akten taucht der Besucher ganz in die Welt des Künstlers ein, Illusion verwandelt sich in Realität: Animationen und Projektionen erzeugen in Verbindung mit Musik und akustischen Effekten berauschende, ornamentale Farbwelten und lassen Klimt und sein Werk lebendig und spürbar werden.

Dabei lauscht man den Stimmen einer jungen Studentin von heute und Emilie Flöges (1874–1952), damals engste Vertraute und Muse Klimts. In einem fiktiven Dialog führen die Frauen durch die einzigartige Show und nehmen den Besucher mit auf eine bewegende Zeitreise in das Wien um die Jahrhundertwende. Sie erzählen und kommentieren Klimts Erfolge und Skandale, seine Tragödien und Liebschaften. Und sie werfen aus weiblicher Perspektive einen kritischen Blick auf den „Maler der Frauen“: Handelt es sich bei seinen Werken um zeitlose Darstellungen femininer Schönheit oder zeigt er die Frau als Objekt der Begierde?

Der Zeit ihre Kunst, der Kunst ihre Freiheit. (Klimt)
Den Einstieg in die multimediale Erzählung macht der Prolog. Ein imposantes Zusammenspiel aus Visualisierung und Sound transportiert den Besucher nach Schloss Immendorf, wo bei einem Brand gegen Ende des Zweiten Weltkriegs zehn Hauptwerke des Künstlers zerstört wurden. Feuer, das zentrale Element der Show, setzt hier den ganzen Raum visuell in Flammen und steht als Symbol für Ausbruch, Zerstörung, Transformation und Neuanfang. Hier werden auch die junge, von Klimts Werken begeisterte Studentin und seine Lebenspartnerin Emilie Flöge als Narrative der Show eingeführt. Der Besucher nimmt die Frauen als fiktive Stimmen aus dem Off wahr und taucht im ersten Akt mit ihnen gemeinsam in die ersten Schaffensphasen des Künstlers ein: Die fotografischen Porträts berühmter Zeitgenossen wie Wittgenstein und Freud sowie Aufnahmen des Wiens um die Jahrhundertwende bilden die Kulisse für die Zeitreise in eine

Gesellschaft im Wandel. Mit Visualisierungen von Ausstellungskatalogen und Magazinen der berühmten Wiener Secession wird die Epoche im Spannungsfeld zwischen Tradition und Moderne für den Besucher nahbar.

Alle Kunst ist erotisch. (Klimt)
Die Geschichte nimmt ihren Lauf und widmet sich im zweiten Akt den Schlüsselwerken des Künstlers, die der Besucher intensiv und aus ganz neuen Perspektiven erlebt. Kunstvoll animierte Slide-Shows zeigen auf hochauflösenden Displays mit den Fakultätsbildern, dem Beethovenfries, den weltberühmten Frauenporträts seiner „Goldenen Periode“ und erotischen Aktzeichnungen die vielen Facetten des Künstlergenies. Mittendrin entfacht auf den Projektionsflächen im Raum ein loderndes Feuer mit knisternden Soundeffekten, das den dramatischen Höhepunkt seiner Krise und den Wendepunkt seines künstlerischen Schaffens eindrucksvoll inszeniert: Klimt wird vom akademischen Maler zum Vordenker und Revolutionär.
Nun begibt sich der Zuschauer gemeinsam mit Emilie und der Studentin an den Attersee, eine Region, die für den Künstler Sehnsuchtsort und Quelle der Inspiration zugleich war. Es ist auch für die Modeschöpferin Emilie eine besondere Station auf der Reise, denn sie verbrachte hier jeden Sommer ungestörte Zeit mit Klimt. Natursounds untermalen die Projektionen von Schwarz-Weiß-Aufnahmen des kreativen Paares und seinen unverwechselbaren Landschaftsgemälden. Hier begegnet man auch den Arbeiten seiner letzten Schaffensphase: Die Wände erstrahlen in den leuchtenden Farben seiner Werke, Mythologie und Symbolismus treffen aufeinander. Ihren Höhepunkt findet die Erzählung dann im ergreifenden Finale der Show, die den „Der Kuss“ als Zeugnis einer außergewöhnlichen Liebesgeschichte inszeniert. Als Besucher wird man förmlich in das weltberühmte Gemälde gesogen, das sich sowohl im Ganzen als auch in unzähligen Details an den Wänden des Showrooms darstellt. Mit all seinen Feinheiten wird der Betrachter eingeladen, das Meisterwerk immer wieder neu zu entdecken. Die außergewöhnliche Komposition der beiden Liebenden in ewiger Umarmung ist als visuelles Spektakel ein emotional berührendes Erlebnis.
Mit dem Epilog, dem letzten Akt der Show, wird der Besucher wieder ins Jetzt zurückgeführt. Die beiden Frauen diskutieren über Klimts komplexe Auseinandersetzung mit Emanzipation, weiblicher Lust und einem sich wandelnden Frauenbild. Eindrucksvoll schlagen sie damit eine Brücke zwischen Vergangenheit und Gegenwart. Auch visuell wird das Werk des österreichischen Künstlers in die heutige Zeit transportiert: Die vom Feuer zerstörten Fakultätsbilder, die nur als Schwarz-Weiß-Überlieferungen erhalten sind, werden vor den Augen des Zuschauers in brillante Farben getaucht – und können so auf den Bildschirmen dank modernster Technik wieder aufleben.
Kunst trifft modernste Technik – Was bedeutet der Begriff „immersiv“?

„Immersiv“ beschreibt einen Effekt, bei dem der Betrachter in eine multimediale Illusion aus Bild und Ton eintaucht und diese als absolut real empfindet. Durch ein 3D-Mapping-Projektionssystem können Inhalte wie Grafiken, Animationen, Bilder oder Videos auf dreidimensionale Objekte projiziert werden, sodass eine einzigartige Atmosphäre entsteht.

Dieser Timeslot ist leider ausgebucht. Bitte wählen Sie eine andere Startzeit.
Spill
In SPILL choreographiert Ton Bogataj Intimitäten in Form des Band-Werdens und gründet gemeinsam mit drei Tänzer:innen eine Softboyband. CARE ist zentrales Element dieser queeren Fürsorgegemeinschaft bei der „loving and being loved“ oder auch “reminding each other of who we are” die geflüsterten Codeworte sind. Das Überschäumen von Gefühlen wird zur Performance-Praxis, die das Format „Boyband“ in einen multidisziplinären Zugang zu Choreographie verwandelt, die sich ungehemmt in die Disziplinen Tanz, Text, Sound und Fürsorge ergießt.
Das Publikum bewegt sich durch den Proberaum der Band und erlebt sie dort in intimer Atmosphäre ‚behind the scenes‘. Hier üben die Bandmitglieder ausufernde Liebesgeständnisse, schmachtende Tanzeinlagen und waghalsige Popsong Covers, die mitten ins Herz gehen. Mit kritischem Blick und sanfter Geste fluten sie die Bühne mit ganz eigenen Gefühlen und Sehnsüchten - cause they want it that way.
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Konzept, Choreographie & Tanz: Ton Bogataj / Co-Choreografie & Tanz: Jhor van der Horst, Ivanka Trampoline, Yrsa Heijkenskjöld / Sound: Michael Brailey / Dramaturgie: Heike Bröckerhoff / Kostüm: Moussi Bang / Lichtdesign: Ricarda Schnoor / Produktion, Presse: Stückliesel / Produktionsassistenz: Linda Lou Dierich-Matzke
______________
SPILL ist eine Produktion von Ton Bogataj, in Kooperation mit dem LICHTHOF Theater Hamburg und Wartenau 16 - Gewächshaus, gefördert von der Behörde für Kultur und Medien Hamburg und vom Fonds Darstellende Künste aus Mitteln der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien im Rahmen von NEUSTART KULTUR.
Elvis - Premiere
Elvis
Tribute to the King of Rock ’n’ Roll von Ingmar Otto

Heiße Rhythmen, Graceland, Hüftschwung, Tragik und Glamour – Lust auf eine Reise durch Elvis´ Leben? Mit viel Pomade und noch mehr Musik? Dann sind Sie hier richtig! Vom armen Jungen zum King of Rock ’n’ Roll, mit einer lasziven Bewegung zum Inbegriff von sexy und jugendgefährdend, Bad Nauheim, Priscilla, Las Vegas – an allen wichtigen Stationen im Leben des Elvis Aaron Presley wird mit seinen größten Hits Halt gemacht.

Die Anziehungskraft des Frauenschwarms mit dem verführerischen Blick ist auch über 40 Jahre nach seinem Tod ungebrochen. „Elvis“ steht eben nicht nur für eine zartschmelzende Stimme in einschmeichelnden Songs und knackigen Rock ’n’ Roll, sondern auch für ein Lebensgefühl, das der King seinem Publikum servierte. Ein Leben, in dem Hautfarben und Standesunterschieden keine Bedeutung zugemessen wird, sondern allein das Können und Wollen zählt. Was Elvis uns heute wohl zu sagen hätte? – „If things go wrong, don´t go with them!“ Machen wir nicht, sondern wir laden Sie ein, einen Abend das Leben einer Legende und unsterbliche Hits wie „Heartbreak Hotel“, „Hound Dog“, „In the Ghetto“ oder „It´s now or never“ zu genießen. Aber Vorsicht: Ohrwurmgefahr!

Hintergrundinfos
In der neuesten Tribute-Show von Alt-Intendant Ingmar Otto schlüpfen gleich drei Darsteller in die Rolle des Elvis. Darunter der offiziell beste Elvis-Interpret, den es in Deutschland gibt: Nils Strassburg. Freuen Sie sich auf ein großartiges Elvis-Erlebnis mit Live-Musik!

TERMINE im K1, Herrenstraße 30/32
Premiere: 03.02.2023
Vorstellungen: 04.02.-12.03.2023

BESETZUNG
Thomas Cermak, Maram El Dsoki, Marius Marx, Sarah Merten, Nils Strassburg, Monika Wiedemer

VERANSTALTUNGSDAUER
2 Std. incl. einer Pause

Inszenierung: Christine Gnann

Bühnenbild: Manuel Kolip
Musikalische Leitung: Mark Hernadi
Kostüme: Nora Johanna Gromer
Rebecca Trescher New Shapes Quartet - Contemporary Modern Jazz
Rebecca Trescher New Shapes Quartet | Silent Landscapes

Eine junge Generation der deutschen Jazz-Szene geht voran, nimmt sich zurück, träumt sich davon und entfesselt entspannt. Feinsinnige musikalische Einblicke eröffnen sich im Spannungsfeld von Komposition, Improvisation und Interpretation. Rebecca Trescher bewegt sich dabei kompositorisch zwischen fast schon sinfonischen Texturen und erlaubt diesen doch eine intime Flexibilität, die im Zusammenspiel mit Jan Brill am Schlagzeug, Bassist Lukas Keller und Gitarrist Riaz Khabirpour zum Ausdruck kommt.

Es sind subtile und facettenreiche Kompositionen der Klarinettistin, klar strukturiert wie gleichermaßen sensibel umgesetzt in Melodik, Rhythmik und Tongebung. Ein Prozess der Band wie der Stücke selbst, den Trescher in ihren Partituren und Einzelstimmen einfängt und damit Raum für Assoziationen und musikalische Klangwelten schafft. Das Quartett nutzt ihn, macht sich diesen gekonnt zu eigen und transformiert ihn zugleich. Individuelle Stärke und kollektives Verständnis reflektieren und interpretieren so ein spannendes musikalisches Itinerar, welches zugleich jene Anstrengung und Intensität des Schaffensprozesses widerspiegelt. Nichts wird kaschiert, vielmehr durchlebt und aufgelöst in fließender Interaktion; kraftvoll und präsent, melancholisch und fragil. NEW SHAPES quartet ist Musik, die durchdringt. Vier Biografien, vier Perspektiven, vier musikalische Ansätze. Neue Formen des Jazz, vereint in einem Ensemble.

Einlass ab 20:00 Uhr. Keine Sitzplatzgarantie
Das Phantom der Oper - Die Originalproduktion von Sasson/Sautter - Mit Weltstar Deborah Sasson und Uwe Kröger
Die Originalproduktion von Sasson/Sautter mit Deborah Sasson und Uwe Kröger
Musik: Deborah Sasson
Text: Jochen Sautter
Musikdirektor und Arrangements: Ryan Martin


Die große Tournee Produktion kommt zurück mit einer hochkarätigen Starbesetzung und in einer komplett neuen musikalischen Bearbeitung.

Ein echtes Musicalhighlight!

Nach dem überragenden Erfolg der Tournee 2019/20 und auf Wunsch ihrer Fans, konnte
Weltstar Deborah Sasson ein weiteres Mal dafür gewonnen werden, in der Saison 2022/23
in der Rolle der Christine auf der Bühne zu stehen. Das Zusammenspiel der Sängerin mit
Deutschlands Musicalstar Nummer 1, Uwe Kröger, der weiterhin die Rolle des Phantoms
übernimmt, wurde vom Publikum und von der Presse allerorts gefeiert.

Seit 2010 fesselt „Das Phantom der Oper“ des Autoren Teams Deborah Sasson und Jochen
Sautter die Zuschauer auf den Bühnen Europas. Nun wurde die Zwangspause der Corona
Pandemie kreativ dazu genutzt, um die Produktion musikalisch komplett neu zu
überarbeiten. Dafür konnte der britische Erfolgsmusiker Ryan Martin gewonnen werden,
der u.a. Musik für Cirque de Soleil, America’s Got Talent, Netflix, BBC, ABC, CBS und Fox
USA komponierte und arrangierte.

Das spektakuläre Bühnenbild lebt sowohl von den e!ektvollen, dreidimensionalen
Videoprojektionen des international gefeierten Multimediakünstlers Daniel Stryjecki als
auch von den grandiosen Bühnenelementen, gebaut von Michael Scott der Metropolitan
Opera in New York.

Diese Neuinszenierung, die einst zum 100. Geburtstags des 1910 von Gaston Leroux
geschriebenen Romans „Le Fantôme de l´Opéra“ entstand, ist eines der erfolgreichsten
Tournee Musicals Europas. Die Produktion hebt sich von allen bisherigen musikalischen
Interpretationen des Literatursto!es ab, indem sie sich näher an die Romanvorlage hält und
in Teilen der von Sasson komponierten Musik bekannte Opernzitate einbindet.

Die Rolle der Christine interpretiert die weltweit gefeierte Bostoner Sopranistin und Echo
Klassik Preisträgerin Deborah Sasson. Ihre facettenreiche und kraftvolle Stimme ist perfekt
für diese Mischung aus Oper und Musical. Das Phantom wird von Uwe Kröger gespielt, der
seit seinem Durchbruch in der Rolle des Todes in der Welturau!ührung von Elisabeth die
Herzen des Publikums eroberte. Er spielte unter anderem die Hauptrollen in den
Urau!ührungen Rebecca, Mozart, Der Besuch der alten Dame, Heidi und in den
deutschsprachigen Erstau!ührungen von Sunset Boulevard, Miss Saigon, Doctor Dolittle,
The Addams Family sowie Napoleon am Londoner Westend. Nun schlüpft er bei dieser
Produktion in die Rolle des von der Welt gefürchteten und innerlich zerrissenen Phantoms.

Des Weiteren wirkt ein großes Ensemble ausgewählter Sänger, Tänzer und Schauspieler aus
dem deutschsprachigen Raum mit.

Einlass: 19:30 Uhr

Eventuell sind noch Karten an den örtlichen Vorverkaufsstellen oder der Abendkasse erhältlich
Tamaki Kawakubo & Yu Kosuge
Tamaki Kawakubo gewann schon in jungen Jahren als Violinistin wichtige Preise in den USA. Der internationale Durchbruch gelang ihr 2001 als Gewinnerin des Grand Prize des Pablo Sarasate Wettbewerbs. Ihre Silbermedaille im Tschaikowski-Wettbewerb ein Jahr später unterstrich, dass Kawakubo den Platz auf den renommierten Bühnen langfristig verdient. Ihre herausragenden virtuosen Fähigkeiten, gepaart mit einfühlsamer Tongebung und musikalischer Ausstrahlung, begeistern das Publikum weltweit. Die Violinistin spielt auf einer 1779 Giovanni Battista Guadagnini aus Turin.

Nicht minder geschätzt wird Pianistin Yu Kosuge auf ihrem Gebiet. Herausragende Technik, feinsinniger Anschlag und ein tiefes Verständnis für Musik zeichnen sie aus: Ihr Debüt in der New Yorker Carnegie Hall wurde von den Kritiken als glänzender Erfolg gefeiert. 2017 gewann sie den Suntory Music Award, der an Personen verliehen wird, die einen herausragenden Beitrag zur Entwicklung der westlichen Musik in Japan geleistet haben.

In Albstadt wird das Duo Präludium und Allegro von Fritz Kreisler, die Sonate für Violine und Klavier in e-Moll, KV 304 von Wolfgang Amadeus Mozart und die Sonate für Violine und Klavier von Maurice Ravel präsentieren. Abgerundet wird das Programm mit den 3 Romanzen für Violine und Klavier, op. 22 von Clara Schumann und der Sonate für Violine und Klavier in d-Moll, op. 108 von Johannes Brahms.

Einlass ist ab 19:00 Uhr
EXPEDITION ERDE: Neuseeland - Ein halbes Jahr durchs Land der Kiwis
„Kia ora“, ein „Herzliches Willkommen“ schien Neuseeland in der Maorisprache dem Fotojournalisten Heiko Beyer bei seiner Ankunft in Auckland entgegenzurufen.

Sechs Monate nahm er sich Zeit, eine Auszeit vom Alltag, eine Traumzeit am schönsten Ende der Welt. Er ließ sich treiben durch die überwältigenden Naturlandschaften, vorbei an eisigen Gletschern und rauchenden Vulkanen. Wie unvergesslich waren sie, die Nächte im Zelt an einsamen Stränden und die Wanderungen durch üppige Regenwälder, vorbei an romantischen Seen und dramatischen Steilküsten.

Vieles hier ist schlicht und einfach verrückter, schräger, einfach anders als zu Hause. Es ist das Land, in dem die Einwohner daran gewöhnt sind, dass die Erde schwankt, wo seit „Herr der Ringe“ lustige kleine Hobbits in Erdwohnungen leben. Heiko erzählt in seiner Live-Reportage vom Fischen mit den Ureinwohnern, von den Maori, einer lustigen Gruppe an sargbauenden Senioren, wie ein kleiner, kugelrunder, flugunfähiger Vogel zum Nationalsymbol wurde und mit viel Aufwand geschützt wird. Und von der langen Trekkingtour durch Wind und Wasser, die am Milford Sound, dem magischsten Platz des Landes, endet.

In diesem Land erlebte Heiko Beyer ein halbes Jahr Freiheit, eine Freiheit, wie sie nur in Neuseeland möglich ist, diesen beiden Inseln am schönsten Ende der Welt.

Fotos: © Heiko Beyer
TENÖRE4YOU -Toni Di Napoli & Pietro Pato laden zum Mitsummkonzert ein - Tour 2023
Toni Di Napoli & Pietro Pato, einem großen Publikum bereits aus Fernsehauftritten in der ARD, RBB, WDR bekannt, laden alle Besucher - die Freude am Singen haben zu einem großartigen Konzert mit Liedern die jeder kennt, ein.

Ein spektakuläres Programm, eine Mischung von ausgelassener Fröhlichkeit und befreitem Singen, in dem Künstler und Publikum zu einem Chor verschmelzen.

Gleichzeitig präsentieren die Tenöre4you selbst in diesem Konzert einige Lieder in perfekter Pop-Klassik Mischung mit grandiosem, erstklassigem Live-Gesang in italienischem Gesangsstil.
Phantastische Songs und eine elitäre Licht-Show mit den berühmtesten, legendären Welthits aus Pop, Klassik, Musical & Filmmusik wie: -YOU RAISE ME UP -CARUSO- - VOLARE - MARINA - MY WAY - BUONA SERA - SO EIN TAG, SO WUNDERSCHÖN WIE HEUTE - LET IT BE -TITANIC -THE CATS -AVE MARIA- PHANTOM DER OPER - NESSUN DORMA-TIME TO SAY GOODBYE und viele mehr. Um das Publikum aktiv einzubinden werden Texte angezeigt
Ein Erlebnis – Gänsehaut pur - dass alle Erwartungen übertrifft

Die Tenöre4you arbeiteten bereits auf großen Bühnen gemeinsam mit Künstlern wie Helmut Lotti, Kim Fisher, Tom Gaebel, Sandy Mölling, Anita & Alexandra Hofmann, und dem Filmorchester Babelsberg.
Zahlreiche Show Auftritte machten den Namen Tenöre4you deutschlandweit bekannt
Seit nun mehr als 10 Jahren entwickeln und präsentieren die Tenöre4you ihr stilvolles und fabelhaftes Gala-Konzertprogramm in ganz Deutschland und benachbartem Ausland.

Einlass: 19:00 Uhr
The Time for Denial Is Over
Auch 2023 erwarten euch in den drei Spielstätten des HAU wieder innovative Produktionen der freien Theater- und Tanzszene Berlins. Wie wär's beispielsweise mit Tanz im August? Choy Ka Fai eröffnet das Festival am 6. August mit der Deutschlandpremiere von „CosmicWander: Expedition“. Weiter geht's mit dem Supermarkt-Spaziergang „Stages of Crisis“ von Constanza Macras | DorkyPark und vielen weiteren. Jetzt für das Hebbel am Ufer Karten besorgen und selbst Teil des Theaterapparats werden!

Das Hebbel am Ufer in Berlin ist aus der europäischen Kulturlandschaft kaum wegzudenken. Geboten werden erstklassige Gastspiele und Koproduktionen aus Tanz, Performance und Theater aus aller Welt.

Das Hebbel am Ufer ist ein Berliner Theaterzusammenschluss. Seit 2003/2004 bilden das HAU1, HAU2 und HAU3 gemeinsam die Institution HAU. Ohne eigenes Ensemble fungieren die drei Bühnen als Spielstätten für unterschiedliche Gastspiele und Veranstaltungen aus Theater, Musik und Kunst. So ist es dem Theater möglich, dauerhaft anspruchsvolle und vielseitige Produktionen auf höchstem Niveau zu präsentieren. Darüber hinaus gehört das HAU zum Bündnis internationaler Produktionshäuser, einem Zusammenschluss der sieben wichtigsten deutschen Produktionshäuser darstellender Künste. Renommierte Kunstschaffende aus aller Welt geben sich hier zur Aufführung ihrer Produktionen die Klinke in die Hand. Diese internationale Ausrichtung ist ebenso prägend für das HAU, wie das Augenmerk auf gesellschaftliche und politische globale Verhältnisse. Auch findet das „Tanz im August“ Festival für zeitgenössische Bewegungskunst einmal jährlich statt, welches mittlerweile zu einem der bekanntesten Tanzevents Europas zählt. Im Jahre 2012 übernahm Annemie Vanackere die Intendanz des Hauses, was Innovation und frischen Wind brachte.

Sichert euch jetzt Tickets für die Inszenierungen im Hebbel am Ufer und verpasst keine der großartigen Produktionen, die aus Holzdielen und Tanzboden erst die eigentliche Bühne schaffen.
Märchen im Grand-Hotel

Ein elegantes Hotel an der Côte d’Azur, in dem sich internationales Publikum tummelt und europäische Adelige bei Jazzbandmusik Heiratspläne schmieden – vom emsigen Personal bestens versorgt mit Cocktails. Auf den ersten Blick nicht ungewöhnlich. Doch nichts ist wie es scheint. Der schüchterne Kellner Albert, der eigentlich Hotelerbe ist, verliebt sich Hals über Kopf in die aus ihrem Land vertriebene, mittellose spanische Prinzessin Isabella, die wiederum einem österreichischen Prinzen versprochen ist. Material genug für einen echten Hollywoodfilm – folgt man den Argumenten von Marylou, Tochter des vor dem Bankrott stehenden amerikanischen Filmproduzenten Makintosh. Die selbstbestimmte, moderne Frau hat sich in den Kopf gesetzt, die Firma ihres Vaters vor dem Ruin zu retten, platzt mitten ins Geschehen und wirbelt mit ihrem Unverständnis für die längst überholten Werte der alten Welt die fragile Ordnung der feinen Gesellschaft durcheinander. Das Grand-Hotel steht Kopf: wer schnappt sich wen, und wie wird der Film ausgehen?
Getragen durch Paul Abrahams vielseitige Musik – von Walzer bis Foxtrott, von Tango bis Jazz – entsteht ein lustvolles Verwirrspiel à la Hollywood. Der Witz der Handlung, wie auch die Partitur, sonnen sich noch im Abglanz der untergegangenen Weimarer Republik. Von Berliner Bühnen verbannt, bringen Abraham und seine Librettisten diese parodistische Liebeserkärung an die Absurditäten der Operette 1934 bereits im Exil auf die Bühne.

replay
SPRACHE KEIN PROBLEM

Welchen Tanz fordert das Cello von der Musiker*in? Wie interpretiert man die straffe Partitur eines Popsongs? Was bewegt sich im Inneren der tragischen Diva? Und singt sie überhaupt? replay untersucht die formalen Beziehungen zwischen Bewegung und Sound in verschiedenen kulturellen Räumen.

Die neue Arbeit von Olympia Bukkakis mit den zwei Tänzer*innen Am Ertl und The Darvish ist eine einstündige Show zwischen Drag, Musikvideo, klassischer Musik und Oper. Sie wirft einen kritischen Blick auf die Besessenheit der Hochkultur von sterbenden Frauen, die Entmenschlichung in der Popkultur und die bedrückende Hetero- und Cisnormativität, die in den Kulissen der Drag-Bühne lauert. Mit Bezügen zur eigenen Biografie und kritischem Blick auf den sozialen Kontext, der bestimmte Formen erst hervorbringt, stellt sie dabei zugleich Fragen nach Klasse und kulturellen Hierarchien.

KONZEPT, CHOREOGRAFIE, PERFORMANCE Olympia Bukkakis CHOREOGRAFIE, PERFORMANCE Am Ertl MITENTWICKLUNG, PERFORMANCE The Darvish KOMPOSITION, DRAMATURGIE Thierry Tidrow BEWEGUNGSFORSCHUNG, DRAMATURGIE Maria Scaroni BÜHNENBILD Camille Lacadee SOUNDDESIGN MINQ KOSTÜM Alexis Mersman LICHTDESIGN, TECHNISCHE LEITUNG Bryan Schall KÜNSTLERISCHE & ORGANISATORISCHE MITARBEIT Paul Niedermayer PRODUKTIONSLEITUNG Lisa Gehring

Eine Produktion von Olympia Bukkakis in Koproduktion mit SOPHIENSÆLE. Gefördert aus Mitteln des Hauptstadtkulturfonds. Mit freundlicher Unterstützung von Fleetstreet Theater und Kampnagel. Medienpartner: taz

Foto: Mayra Wallraff
Christoph Sonntag - WÖRLDWAID!
WÖRLDWAID!

Die neue Christoph Sonntag Show.

Der wilde Süden Deutschlands ist erfolgreich und einzigartig. Trotzdem sagt der Burladinger, wenn er im Ausland gefragt wird, wo er denn herkommt: „..near Munich!“ Wer könnte das ändern, wenn nicht Christoph Sonntag? Er hat die Lösung parat - und sie heißt WÖRLDWAID! Denn Sonntag ist sich sicher: In zwei Jahren wird die ganze Welt schwäbisch sprechen. Für diese wahnwitzige These hat der Schwabenbotschafter SWR-Land verlassen, und rund um den Globus mutige Auswanderer ausfindig gemacht, die den schwäbischen Lifestyle irgendwo auf der Welt implantiert haben. Diese Pioner-Schwaben hat Christoph Sonntag zusammen mit dem SWR-Fernsehen in aller Welt besucht, um mit seiner neuen LiveShow WÖRLDWAID! die schwäbische Weltherrschaft voranzutreiben. Wussten Sie beispielsweise, dass man im Café Schneider in Windhuk ohne Probleme einen schwäbischen „Kaffee Ladde“ bestellen kann? Dass man in Montreal schwäbische Maultaschen isst? Oder dass es eine Frau aus Stuttgart braucht, damit indonesische Reisbauern ökologisch wirtschaften? Seien sie live dabei und erleben Sie eine kabarettistischen Achterbahnfahrt, die ihnen sehr viel Neues eröffnet, aber mindestens genau so viele Freudentränen in die Augen treibt! Nach 100 Minuten werden Sie denken: wie? …schon vorbei? Aber auch wissen: woanders wächst das Gras anders, aber ohne uns, aus „Hightec Eden“, wäre es nicht so schön geschnitten.

Kommen Sie mit auf eine Reise voll witziger und wahnsinniger Aha-Erlebnisse, aus dem "Wilden Süden" von SWR-Land in alle Welt exportiert! Garantiert, wie immer, die witzigste Live-ComedyShow des Jahres!

„Ha so äbbes!“ (Winfried Kretschmann)
„Werrie fantatstic änd oifachly subbor!“ (Günther Oettinger)

Einlass ab 19:00 Uhr

Das online Kontingent ist aktuell erschöpft oder die Karten sind aus zeitlichen Gründen nicht mehr zustellbar, bitte versuchen Sie es später nocheinmal oder probieren Sie es direkt bei einer VVK-Stelle oder an der Abendkasse.
Architecture tour
The Vitra Campus is a magnet for design and architecture enthusiasts. Few other places in the world can boast such a large number of contemporary architectural icons. It was here that Zaha Hadid created her very first structure in 1993 – the Fire Station – and American architect Frank Gehry constructed his first building in Europe in 1989. Designed by Herzog & de Meuron, the VitraHaus of 2010 on the north side of the campus is an eye-catcher, even from afar. Alongside the Vitra Schaudepot, also designed by Herzog & de Meuron, a second public area was created on the campus in 2016. Then, there are other works like the Conference Pavilion by Tadao Ando, a geodesic dome based on the designs of Richard Buckminster Fuller, a petrol station by Jean Prouvé, factory buildings by Nicholas Grimshaw, Álvaro Siza and SANAA and the Vitra Slide Tower by the artist Carsten Höller. Daily guided tours (duration: 2 hours) explain the backgrounds of architects and buildings alike.

The VitraHaus (2010), designed by Herzog & de Meuron, can be viewed from the outside during the tour, and its interior can be explored independently. The Vitra Campus comprises a public and a private area. In the public space, you will find the Vitra Design Museum, the VitraHaus and the Vitra Silde Tower on the Álvaro-Siza-Promenade. The private area, where the production facilities are located, can only be accessed as part of an architecture tour. Please note that only guides of the Vitra Design Museum are allowed to conduct guided tours through the exhibition and on the Vitra Campus.

Delays cannot be considered.
Furor - Schauspiel von L. Hübner u. S. Nemitz
Kurz bevor der Wahlkampf in die heiße Phase geht, läuft dem Oberbürgermeisterkandidaten Heiko Braubach ein junger Mann vors Auto. Dieser trägt von dem Unfall so schwere Verletzungen davon, dass er für immer an den Rollstuhl gefesselt sein wird. Ermittlungen ergeben, dass Braubach keine Schuld trifft. Der Mann stand unter starkem Drogeneinfluss und sei einfach auf die Straße gelaufen – dennoch will Braubach die Familie unterstützen und ihnen finanziell ein wenig unter die Arme greifen. Die Mutter Nele, von Beruf Altenpflegerin, die jeden Cent dreimal umdrehen muss, nimmt sein Angebot dankend an und ist froh, um die unverhoffte Unterstützung.

Die Tragödie scheint einen gesitteten Verlauf zu nehmen, bis mit einem Mal Neles Neffe Jerome auftaucht. Dieser glaubt Braubach kein Wort und stellt dessen hehre Motive infrage. Für Jerome ist klar: Das muss die Strategie eines korrupten, schuldhaften Politikers sein, der nur hier ist, um seine eigene Haut zu retten. Und so wittert Jerome seine Chance, Braubach zu erpressen. Da hat er die Rechnung allerdings ohne den abgezockten Politprofi gemacht. Dieser erwidert mit einstudierten liberalen Statements und weiß ganz genau, wie er sich in einer solchen Situation zu verhalten hat. Ein Schlagabtausch entspinnt sich zwischen den beiden: auf der einen Seite der pragmatische Politiker, auf der anderen Seite ein junger Mann voller extremer Positionen und voller Hass auf ein System, dass ihn und seinesgleichen immer zu vergessen scheint.

Lutz Hübner und Sarah Nemitz beschäftigen sich seit Jahren mit den großen gesellschaftlichen Themen unserer Zeit. In Furor gehen sie der Frage nach, wie demokratische Werte in unserer Gesellschaft erodieren und was politisches Handeln kompromittiert. Ein Stück, in dem aktuelle gesellschaftliche Phänomene wie Wutbürgertum, Fake-News und die Macht des gezückten Smartphones ihren Echoraum finden.

Sollte eine Buchung nicht mehr möglich sein, ist entweder der Onlineverkauf geschlossen oder die Vorstellung ist ausverkauft. Evtl. Restkarten an der Abendkasse erhältlich!
Das Kriminal Dinner - Krimidinner mit Kitzel für Nerven und Gaumen
Das Kriminaldinner ‘Eine Leiche im Louvre‘ – das ist ein köstliches Gänge-Menü in stilvollem Ambiente umrahmt von einem spannenden Kriminalfall, das Schwanen Gastronomie UG in Esslingen stattfinden wird.

Wir befinden uns im Pariser Louvre im Jahre 1958. Valérie LaVoyante, seit vielen Jahren im Louvre als Kunsthistorikerin unverzichtbar, hat zu einem feierlichen Empfang geladen. Et voilà… Sie sind Teil dieser illustren, hochkarätigen und kunstverständigen Gesellschaft als La Voyante plötzlich die Bombe platzen lässt: Das Herzstück des Louvres, die weltberühmte „Mona Lisa“, ist nicht ganz echt. Eine Fälschung! Diese schockierende Nachricht wirft bei allen Anwesenden viele Fragen auf. Wo ist die Echte? Wer hat sie im Besitz und ist sie unversehrt?

Leider können nicht alle Anwesenden die Lösung dieser brennenden Fragen erleben, denn kurz nach der Enthüllung wird plötzlich eine Leiche gefunden! Es befindet sich ein kaltblütiger und entschlossener Mörder im Louvre - aber wer ist es? Die Pariser Polizei ist leider mehr als „verhindert“. Also ist es an Ihnen die Spuren zu deuten und den Mörder zu entlarven. Eine spannende Reise in die Vergangenheit und ein kniffliger Mordfall erwarten Sie!


Das Gänge-Menü wird serviert vom Gastroteam Schwanen Gastronomie UG das Kitzel für Nerven und Gaumen garantieren wird. Einlass ist um 18:30 Uhr – 19:00 Uhr beginnt die Veranstaltung.

Einlass: 18:30 Uhr / Gänge Menü und Theaterstück sind im Preis inbegriffen / Tisch- und Sitzplätze werden vor Ort zugewiesen

Hier keine Tickets verfügbar
Das Impro Kriminal Dinner - Krimidinner mit Kitzel für Nerven und Gaumen
Kulinarischer Genuss und Nervenkitzel: Den Gästen im FRÜH "Em Jan von Werth" in Köln wird einiges geboten: Erlesen serviert, spontan inszeniert. Das Impro Kriminal Dinner – ein köstliches 3-Gänge-Menü in stilvollem Ambiente umrahmt von einem interaktiven Kriminalstück:

Ein Täter unter uns!

Ist der sympathische Herr, der nebenan genüsslich seine Suppe löffelt, ein Mörder? Oder hat die elegante Dame, die am Nachbartisch so nett plaudert, etwa die ein oder andere Leiche im Keller versteckt?

Ja, liebe Gäste – so ist es!

Denn der Täter ist unter uns… jetzt gilt es zusammen mit dem schauspielernden Ermittlungsteam, viel Musik und einem irren Verhör herauszufinden, wer das ebenfalls im Publikum sitzende Opfer um die Ecke gebracht hat.

Bitte was? Täter und Opfer im Publikum?

Bei „Ein Täter unter uns“ ist der Name wirklich Programm: Die Gäste bestimmen die Handlung mit und jeder kann die Hauptrolle spielen – ganz ohne von seinem Platz aufzustehen. Das übernehmen stellvertretend die vier Schauspieler, die von der Bühne aus ihre Ermittlungen durchführen. Klingt verrückt? Ist verrückt! Bei dem neuen, spannenden und wunderbar musikalischen Impro-Krimidinner geht es multimedial und natürlich köstlich zu. Im Vorfeld werden die Gäste auf das Thema eingestimmt: Tatort, Mordart, Tatwerkzeug – dazu dürfen alle ihren Gedanken freien Lauf lassen. Aber Vorsicht: sich bloß nicht zu verdächtig machen! Jeder wird nämlich vor dem Stück auch abgelichtet, denn schließlich ist der Täter ja unter uns…

Das verführerische 3-Gänge-Menü wird vom Küchenteam im FRÜH "EM Jan von Werth" serviert und kreiert. Der Kitzel für Nerven und Gaumen startet um 19 Uhr, Einlass ist ab 18.30 Uhr.

Einlass: 18:30 Uhr / Gänge Menü und Theaterstück sind im Preis inbegriffen / Tisch- und Sitzplätze werden vor Ort zugewiesen

Hier keine Tickets verfügbar
Das schwäbische Kriminal Dinner - Krimidinner mit Kitzel für Nerven und Gaumen
Das schwäbische Kriminal Dinner ‘Sherlock Holmes und die vergiftete Maultäschlesupp‘ – ein köstliches Gänge-Menü in stilvollem Ambiente umrahmt von einem spannenden Kriminalfall im Spicemarket in Bruchsal
‘Sherlock Holmes und die vergiftete Maultäschlesupp‘

Ja, Sie haben richtig gelesen, den berühmten Meisterdetektiv Sherlock Holmes und meine Wenigkeit, Dr. Watson, hat es ins schwäbische Ländle verschlagen. Zugegebenermaßen nicht ganz freiwillig. Doch konnte unser Genie die Einladung einer alten Bekannten, der Baronin von Zuckerberg, zu einem Galadinner nicht schon wieder abschlagen. Nun speisen wir also hier just zu der Zeit im Nebenraum des Restaurants, in dem Sie an diesem Abend ein köstliches 3-Gänge-Menü genießen.

Auf der Flucht vor seiner Tischnachbarin, der endlos plaudernden schwäbischen Baronin, verpasst der Detektiv nur knapp den vermeintlichen Mord am Gatten der Gastgeberin, dem Baron von Zuckerberg.

Gut, seine gesundheitliche Verfassung war nicht mehr die Beste. Aber so plötzlich vornüber in die Maultäschlesupp zu fallen ist auch im Schwabenland nicht die feine englische Art zu sterben. Für Sherlock Holmes jedoch ist der bis dahin tödlich langweilige Abend gerettet.

Ein Mundartkrimi steht an, ein äußerst kniffliger Fall zudem, denn die Untersuchungsergebnisse schließen scheinbar jegliche Einwirkung von Gift aus. Die Befragung der Zeugen, des Gerichtsmediziners und einiger der Dinnergäste lässt so manches Unschuldslämmle im Saal verdächtig erscheinen.
Eifrig und bester Laune kurbelt der berühmte Detektiv seine kleinen grauen Zellen an. Schon greift "Schwäbische Schläue" um sich, doch führt den Meister so schnell kein falscher Häuslebauer hinters Licht. Für ihn liegt die Lösung des Falls natürlich alsbald klar auf der Hand. Wie immer lässt er uns jedoch noch eine Weile im Dunkeln tappen bevor der Mörder virtuos überführt wird.

Möglicherweise haben aber auch Sie bald die Lösung parat, denn Sie haben an diesem Abend ja auch noch ein Wörtle mitzureden.

Das 3-Gänge-Menü wird serviert vom Gastroteam im Spicemarket. Ab 19 Uhr wird das Krimi Dinner eröffnet, das Kitzel für Nerven und Gaumen garantieren wird. Einlass ist um 18:30 Uhr.

Einlass: 18:30 Uhr / Menü und Theaterstück sind im Preis inbegriffen / Tisch- und Sitzplätze werden vor Ort zug

Veranstaltung ist ausverkauft.
FIL - Cringe
Fil, der freundliche Spinner aus der Nachbarschaft erfüllt sich in diesem Frühjahr einen lang gehegten Traum und führt sein zweites selbstgeschriebenes Ein - Mann - Musical auf. Schon das erste - eine mitreissende wiewohl auch verzweifelt und depressiv machende Darstellung des tölpelhaft erfolglosen Wirkens von Mozarts kleiner Schwester ( "Nannerl - ein Leben im Schatten" ) war ein gigantischer Erfolg. Und nun also " Cringe".

"Cringe ! " möchte man ausrufen. Man möchte überhaupt immerfort nur schreien, so nice dynamisch swaggt dieses Musical einher, Dicker. Song reiht sich an Song, Melodie gleitet in Rhythmus über, Takt verschwindet in Refrain. Emotionen steigen auf wie Seifenblasen, eine Kaskade an Eindrücken steigert sich bis zum fulminanten Finale und danach geht es kostenlos noch 45 Minuten relativ gemässigt weiter.

Der Tagespiegel schrieb über Fil.
Die Morgenpost wies auf ihn hin.
Auch im Internet zirkulieren Fetzen.

Und jetzt also " Cringe " !! Vielleicht kommt in diesem Musical alles zusammen, was das bisherige Werk dieses Ausnahmeartisten ausgemacht hat : glasklare Perfektion, knallhartes Einfühlvermögen und mitleidlose Offenheit gepaart mit triebhafter Treue zum tränentreibendem Scherz.

"Cringe " - es war ja das Jugendwort irgendeines nicht stattgefunden habenden Coronajahres und wer weiß, was es bedeutet ist mit Sicherheit zu jung für diese Show und sollte nicht kommen, sorry.

Alle andern aber : Hereinspaziert ! Legen Sie ab, Mesdames et Messieurs, geniessen Sie ein Bier a la bouteille am Tresen und dann lassen Sie sich verzaubern !

Cringe !!

https://www.filberlin.de/

Foto: Reiner Mnich

Kassenöffnung um 19:00 Uhr

Besuchen Sie unseren Ticketshop gerne zwischenzeitlich wieder, da von Zeit zu Zeit kleinere Kapazitäten frei werden.

Berlin

03.02.2023
20:00 Uhr
Tickets
ab 23,00 €
Peter Orloff & Schwarzmeer-Kosaken Chor - Total Emotional - Jubiläumstournee
Endlich! Der “Dschungelkönig der Herzen“ wieder on Tour!
DAS WOLGALIED - Peter Orloff & die Schwarzmeer Kosaken kommen

Endlich ist es wieder soweit! Nach dem erfolgreichsten Jahr seiner Geschichte folgte nach dem Abschlusskonzert am 8.März dieses Jahres die längste Konzertpause seiner Geschichte. Aber jetzt geht es für den Schwarzmeer Kosaken Chor und sein Publikum endlich weiter! Und in intensiver Zusammenarbeit mit den örtlichen Kräften und dem Corona-Beauftragten des Veranstalters soll es auch ein sorgenfreies Konzerterlebnis werden. Medizin für die Seele und ein Fest für die Ohren!

Ein absolutes Highlight ist das festliche Konzert des berühmten Schwarzmeer Kosaken-Chores unter der musikalischen Gesamtleitung und persönlichen Mitwirkung von Peter Orloff, der einst als jüngster Sänger aller Kosakenchöre der Welt - damals übrigens gemeinsam mit Ivan Rebroff - im Schwarzmeer Kosaken-Chor seine legendäre Karriere begründete und inzwischen sein 60-jähriges Bühnen-Jubiläum feiert.

Aus dem kleinen Jungen mit der schon damals aufsehenerregenden Stimme wurde die Schlagerlegende Peter Orloff, der „König der Hitparaden“ mit 19 eigenen Charts-Notierungen und zahlreichen Goldenen Schallplatten - u.a. als Sänger für „Ein Mädchen für immer“ und die „Königin der Nacht“, als Textdichter für Bernd Clüver‘s „Junge mit der Mundharmonika“ und als Komponist für „Du“, Peter Maffay‘s bis heute größten Hit, den inzwischen auch Helene Fischer singt, ebenso wie Andrea Berg und auch die Amigos den von Peter Orloff komponierten und getexteten Millionen-Hit „Der kleine Prinz“. Außer Peter Maffay und Bernd Clüver produzierte er u.a. auch Heino, Freddy Quinn und Julio Iglesias. In der Geschichte der ZDF-Hitparade hat er nach Chris Roberts die zweitbeste Wiederplatzierungsquote aller Zeiten der Interpreten mit den meisten Auftritten.

Ganz Deutschland fieberte mit, als Peter Orloff im Dschungelcamp 2019 ins Finale kam und zum Dschungelprinzen und Publikumsliebling wurde. Unvergessen sein furchtloser Balanceakt in schwindelnder Höhe und sein liebevoller Umgang mit Schlangen und Krokodilen. „Besser als Crocodile Dundee“ und „Chuck Norris des Dschungels“ titelt die Presse und für Deutschlands größte Tageszeitung ist Peter Orloff der „Dschungelkönig der Herzen“.
Bei seiner Rückkehr ist sein Tophit aus dem Jahre 1971 „Ein Mädchen für immer“ in der 2019 er Version bereits auf Platz 7 der deutschen i Tunes-Schlagercharts. Von seiner Gage spendet er eine Schule für Indianerkinder in Argentinien - bereits seine zweite Schule für die Stiftung „Fly & Help“, deren Kuratoriumsmitglied und Botschafter er ist. Inzwischen sind es, auch dank „RTL - Wir helfen Kindern“, bereits fünf Schulen!

Am 19. Juni 2019 stürmt seine CD „Teure Heimat“ mit dem Schwarzmeer Kosaken Chor auf Platz 2 der offiziellen deutschen Verkaufscharts / Volkstümliche Musik hinter Santiano und vor Andreas Gabalier - 52 Jahre nach seiner ersten Top-Platzierung in den Verkaufs-Hitparaden, ebenfalls auf Platz 2, damals noch hinter Peter Alexander und - vor den Beatles! In der Jahresauswertung ist das Album unter den TOP 20! Am 4. Dezember schafft er es dann sogar in die absolute Königsklasse, die Top 100 Album Charts und das gleich mehrfach in 2019 und 2020. Er ist der meist gegoogelte Mann des Jahres! Und der älteste „Ninja Warrior“-Teilnehmer aller Zeiten weltweit! Am 12.Januar 2020 erhält er gleich zwei der begehrten SMAGO Awards, den deutschen „Schlager-Oscar“, einen für den „Schlager-Titan“ und einen für den Charts-Stürmer und „Dschungelkönig der Herzen“. Mit 75 ist Peter Orloff erneut auf einem Höhepunkt seiner Karriere. Einer seiner persönlichen Lieblingssongs ist daher auch sein Lebensmotto: „Forever Young“!

Beeindruckende Pressestimmen von damals bis heute dokumentieren die Ausnahmestellung, die der einem berühmten russischen Adelsgeschlecht entstammende Peter Orloff selber als Solist in seinem Ensemble innehat. Begeisternde Fernsehauftritte vor einem Millionenpublikum und zahlreiche Goldene Schallplatten und CDs unterstreichen den Ruf des Schwarzmeer Kosaken-Chores als herausragendes Kosakenensemble unserer Zeit. Die Zuschauer können sich auf ein ebenso faszinierendes wie berührendes Konzertereignis freuen, das die Presse als „Orloff’s Wunderchor“ mit „Stimmen so schön und groß wie Russland“ feiert.

Unter der Führung von Peter Orloff konzertieren hochdekorierte ukrainische und russische Sänger der absoluten Weltklasse in herzlichem Einvernehmen - atemberaubende Tenöre, abgrundtiefe Bässe und als besonderes Highlight eine absolute Weltrarität, ein männlicher Sopran von der Kiewer Oper. Stimmwunder oder Wunderstimmen - beides stimmt! Dem Ensemble gehören auch drei der weltbesten russischen Instrumental-Virtuosen an. Sie haben Ivan Rebroff bis zu dessen Tod begleitet und sind nun quasi dessen musikalisches Vermächtnis an seinen einstigen Weggefährten und Freund Peter Orloff.
Dank seiner nahezu einzigartigen Besetzung ist der Schwarzmeer Kosaken-Chor in der Lage, ein wirklich außergewöhnliches Programm aufzuführen mit Werken wie dem „Gefangenenchor“, „Schwanensee“, „Leise flehen meine Lieder“ oder - das Paradesolo aller großen Tenöre - „Nessun dorma".

Herzstück des Konzerts sind natürlich die schönsten Kostbarkeiten aus dem reichen Schatz der russischen und ukrainischen Musikliteratur wie die berühmten „Abendglocken“ „Die zwölf Räuber“, „Ich bete an die Macht der Liebe“, „Stenka Rasin“, „Das einsame Glöckchen“, „Kalinka“ und auf vielfachen Wunsch „Das Wolgalied“.

Es ist eine musikalische Reise von Moskau bis an den Baikalsee, von Kiew bis St. Petersburg mit Romanzen, Geschichten und Balladen von überwältigender Ausdruckskraft, tiefer Melancholie und überschäumendem Temperament. Heldentaten, Ruhm und Größe vergangener Tage erstrahlen neu in hellem Glanz und rufen Erinnerungen und Sehnsüchte wach - ein wahres Feuerwerk der Emotionen.

Peter Orloff verspricht den Zuschauern schon heute einen unvergesslichen Konzert-Abend. Oder, so die Kommentare von Zuschauern, ein „Konzert mit Gänsehaut-Garantie“, und „musikalisches Naturereignis.“

Es gibt viele Kosakenchöre - aber nur einen Schwarzmeer Kosaken-Chor!

DAS WOLGALIED - Total emotional!

16:00 Uhr
Suite PANtique
2023 begeistert Hannah Schlubeck auf ein Neues mit der Panflöte bei großartigen Solokonzerten in verschiedenen Kombinationen mit Harfe, Orgel oder Klavier. Außerdem begeistert die Panflötistin auf Konzerten gemeinsam mit dem herausragenden Ensemble „PANtiqua“. Kommen Sie in den Genuss der bewegenden Klänge der Panflöte von Hannah Schlubeck und buchen Sie sich Ihre Tickets für einen grandiosen Konzertabend.

Wie kaum eine andere Künstlerin oder ein anderer Künstler beherrscht Hannah Schlubeck das faszinierende Instrument der Panflöte und zählt somit zu recht zu den führenden Panflötistinnen und -flötisten weltweit. Mit unglaublichem Geschick und musikalischer Leidenschaft bietet Hannah Schlubeck einzigartige Interpretationen klassischer Musik.

Bereits im Alter von sechs Jahren erhält Hannah Schlubeck den ersten Panflötenunterricht und verzaubert mit den Klängen Familie, Freunde und Freundinnen. Mit zwölf ist ihr Talent unverkennbar, weswegen sie von dem französischen Panflötisten Jean-Claude Mara gefördert wird. Mit fünfzehn spielt sie die ersten eigenen Konzerte. Nicht verwunderlich, dass auch das Studium sich in Richtung Musik und Panflöte ausrichtete. Mittlerweile begeistert die Musikerin seit etlichen Jahren Zuhörerinnen und Zuhörer auf jedem Winkel der Erde mit ihrem virtuosen Flötenspiel.

Bei Hannah Schlubeck erwarten Sie abwechslungsreiche Konzertabende und ein vielseitiges Programm. Sichern Sie sich jetzt Ihre Tickets und lassen Sie sich von den zarten Klängen der Panflöte in neuartige Welten entführen!

19:10
Corpus Delicti // 15+
Die Geschwister Mia und Moritz Holl wachsen in einem System – genannt DIE METHODE – auf, das mit allen Mitteln versucht, Menschen vor körperlichem Leid zu bewahren. Gesundheit ist das höchste Ziel des Staates. Nicht nur strenge Hygienegesetze sorgen dafür, dass dieses Ziel erreicht wird. Während die Naturwissenschaftlerin Mia Holl DIE METHODE befürwortet, ist die Anpassungsfähigkeit ihres Bruders zu wenig ausgeprägt, zu groß ist dessen Freiheitsliebe. Sie wirft ihm unsoziales Verhalten vor, er ihr Angst davor, zu spüren, was Leben wirklich bedeutet. Jetzt ist Moritz tot. Ein DNA-Test hat ihm eine Vergewaltigung mit Todesfolge nachgewiesen, in Haft begeht er Selbstmord. Mia trauert um ihn, sie vernachlässigt ihre Gesundheitsprotokolle, gerät dadurch ins Visier der Justiz und in die Fänge eines fundamentalen Fürsprechers von DIE METHODE. Sie zweifelt zunehmend an der Schuld ihres Bruders und wird zusehends zum Spielball eines Schauprozesses, in dem sie zur Staatsfeindin stilisiert wird.

Das Theaterstück „Corpus Delicti", von Juli Zeh als Auftragsarbeit für die Ruhrtriennale geschrieben, war 2007 eine Antwort auf die verschärfte Gesetzeslage im Gefolge der internationalen Terrorismusbekämpfung. Matthias Kaschig befragt in seiner Arbeit das Verhältnis des Einzelnen und dessen Recht auf Selbstbestimmung im Verhältnis zu seiner Verantwortung gegenüber der Gemeinschaft. „Corpus Delicti" ist ein Gerichtsdrama, lose Geschichten zu einem nachvollziehbaren Tathergang und Motiv zusammenzutragen die Aufgabe jedes Gerichtsprozesses und auch jedes Theaterabends. Doch wer hat die Hoheit über diese Lebensgeschichten? Das Stück zeigt exemplarisch auf, wie diese erdacht und umgestaltet werden und wie dabei aus einer unbescholtenen Person eine Gefährdung für die Allgemeinheit werden kann. Nachdem Gott für tot erklärt wurde, findet hier der Mensch den Sinn seines Lebens im Streben nach Gesundheit. Die Inszenierung wirft die Frage auf, wieviel Helligkeit der Mensch verträgt. Sollte es nicht ein Recht auf Schwärze geben? Denn, so fragt Moritz Holl, wurde der Schlaf nicht erfunden, damit wir uns Nacht für Nacht an den Tod gewöhnen.

Diese Vorstellung ist restlos ausverkauft, es sind leider keine Karten mehr verfügbar.
INVISIBLE GAME - (K)eine Grenze
with English Surtitles

INVISIBLE GAME thematisiert illegale Push-backs in den Grenzregionen Europas. Das Stück bedient sich dabei Material konkreter nicht veröffentlichter sowie bereits publizierter Fälle. In Kollaboration mit Investigativjournalist*innen und auf Basis von dokumentierten Fällen entsteht ein Theaterabend, der den aktuellen Grundkonflikt von Grenzen in einer kolonialisierten Welt widerspiegelt, und von der Entgrenzung des menschlichen Körpers erzählt.

Zwei Studenten aus Nigeria sind für ein Tischtennisturnier nach Kroatien gereist. Wenige Tage später finden sie sich in einem Lager für Geflüchtete in Bosnien wieder. Was ist passiert? Sie wurden von der Polizei in Europa gekidnappt. Nur kurze Zeit später tagt ein Krisenstab im Innenministerium zur Verschleierung des Fauxpas. Währenddessen sind die verantwortlichen Polizist*innen schon mit den nächsten sogenannten Push-backs beschäftigt. Eine bosnische Familie auf der anderen Seite der Grenze wird ungewollt mit hineingezogen. Die EU und andere Mitgliedsstaaten senden ambivalente Botschaften. Es entspinnt sich ein Netz aus postkolonialen Ängsten, ökonomischen Interessen, faschistoiden Strukturen, Machtkämpfen, und vor allem ein System der Gewalt und Unterdrückung.

Im Anschluss an die Vorstellungen finden Panel-Diskussionen mit Expert*innen statt. Dazu zählen vor allem betroffene Personen, aber auch Journalist*innen, Menschenrechts-NGOs und solidarische Menschen. Diese Panels dienen zum multilateralen Austausch.

Das Studio ist nicht barrierefrei erreichbar.

Evtl. Restkarten an der Abendkasse
The Ghosts Are Returning
Auch 2023 erwarten euch in den drei Spielstätten des HAU wieder innovative Produktionen der freien Theater- und Tanzszene Berlins. Wie wär's beispielsweise mit Tanz im August? Choy Ka Fai eröffnet das Festival am 6. August mit der Deutschlandpremiere von „CosmicWander: Expedition“. Weiter geht's mit dem Supermarkt-Spaziergang „Stages of Crisis“ von Constanza Macras | DorkyPark und vielen weiteren. Jetzt für das Hebbel am Ufer Karten besorgen und selbst Teil des Theaterapparats werden!

Das Hebbel am Ufer in Berlin ist aus der europäischen Kulturlandschaft kaum wegzudenken. Geboten werden erstklassige Gastspiele und Koproduktionen aus Tanz, Performance und Theater aus aller Welt.

Das Hebbel am Ufer ist ein Berliner Theaterzusammenschluss. Seit 2003/2004 bilden das HAU1, HAU2 und HAU3 gemeinsam die Institution HAU. Ohne eigenes Ensemble fungieren die drei Bühnen als Spielstätten für unterschiedliche Gastspiele und Veranstaltungen aus Theater, Musik und Kunst. So ist es dem Theater möglich, dauerhaft anspruchsvolle und vielseitige Produktionen auf höchstem Niveau zu präsentieren. Darüber hinaus gehört das HAU zum Bündnis internationaler Produktionshäuser, einem Zusammenschluss der sieben wichtigsten deutschen Produktionshäuser darstellender Künste. Renommierte Kunstschaffende aus aller Welt geben sich hier zur Aufführung ihrer Produktionen die Klinke in die Hand. Diese internationale Ausrichtung ist ebenso prägend für das HAU, wie das Augenmerk auf gesellschaftliche und politische globale Verhältnisse. Auch findet das „Tanz im August“ Festival für zeitgenössische Bewegungskunst einmal jährlich statt, welches mittlerweile zu einem der bekanntesten Tanzevents Europas zählt. Im Jahre 2012 übernahm Annemie Vanackere die Intendanz des Hauses, was Innovation und frischen Wind brachte.

Sichert euch jetzt Tickets für die Inszenierungen im Hebbel am Ufer und verpasst keine der großartigen Produktionen, die aus Holzdielen und Tanzboden erst die eigentliche Bühne schaffen.
Las Migas - Spanischer Abend mit Tapas u. spanischen Weinen
Las Migas, Four (Cuatro)

Spanische Energie im Quadrat: Vier Frauen, aus vier Ecken Spaniens. Seit 15 Jahren machen Las Migas Musik, und genau das feiern sie mit dem neuen, vierten Album. Ihr Markenzeichen ist unverwüstliche Power, gepaart mit einem feinen Gespür für die reiche und einmalige Tradition, aus der sie schöpfen – und mit musikalischem Perfektionismus. Auch die Freude am Entdecken kommt zu ihrem Recht, wenn sie ihre Kompositionen elektronisch anreichern und den Rückblick mit einer frechen Wendung nach vorwärts abrunden. Denn Flamenco ist bei allem Respekt nichts fürs Museum, sondern für hier und jetzt, zum Mitreißenlassen, zum Auspacken und Hineinbeißen. Noch dazu, wenn diese dampfend heißen musikalischen Delikatessen so frisch, frei, fröhlich serviert werden wie von diesen vier Spanierinnen. Las Migas verstehen sich über die Musik hinaus als „Kriegerinnen und Reisende“, was ganz logisch irgendwann in eine Welttournee mündet. Die führt sie nach Bogotá und Buenos Aires ebenso wie nach Prag, Wien oder London. Und gottlob auch zu uns: ¡Bienvenidas!

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Übrigens: So viel Power verlangt nach stilechter Stärkung. Daher umrahmt die Musik diesmal ein spanischer Abend mit Tapas und spanischen Weinen.
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Las Migas sind: Roser Loscos aus Lleida (Violine), Marta Robles aus Sevilla (Komposition, Gitarre), Alicia Grillo aus Córdoba (Gitarre) und Carolina Fernández «La Chispa» aus Mérida (Gesang und Tanz).

Einlass: 19.00 Uhr

Veranstaltung verschoben.
KLIMTS KUSS - EINE IMMERSIVE GESCHICHTE
Das immersive Kunsterlebnis „KLIMTS KUSS – Spiel mit dem Feuer“ zeigt eine berührende Multimedia-Show über das Leben und Werk des Jugendstilpioniers Gustav Klimt (1862–1918). Neben seinen Frauenporträts, weiblichen Allegorien und Landschaftsmalereien erlangte der Wiener Maler vor allem mit seinem Gemälde «Der Kuss» Weltruhm. KLIMTS KUSS erzählt den Lebensweg des Künstlergenies – ein Spiel mit dem Feuer - als immersive Show. Bevor die Show beginnt, wird der Besucher mit den wichtigsten Stationen im Leben des Malers vertraut gemacht. Man kann dank digitaler Effekte mit Klimts Kunst interagieren und sogar selbst Teil seiner meisterhaften Gemälde werden. Auch beim anschließenden Showerlebnis in drei Akten taucht der Besucher ganz in die Welt des Künstlers ein, Illusion verwandelt sich in Realität: Animationen und Projektionen erzeugen in Verbindung mit Musik und akustischen Effekten berauschende, ornamentale Farbwelten und lassen Klimt und sein Werk lebendig und spürbar werden.

Dabei lauscht man den Stimmen einer jungen Studentin von heute und Emilie Flöges (1874–1952), damals engste Vertraute und Muse Klimts. In einem fiktiven Dialog führen die Frauen durch die einzigartige Show und nehmen den Besucher mit auf eine bewegende Zeitreise in das Wien um die Jahrhundertwende. Sie erzählen und kommentieren Klimts Erfolge und Skandale, seine Tragödien und Liebschaften. Und sie werfen aus weiblicher Perspektive einen kritischen Blick auf den „Maler der Frauen“: Handelt es sich bei seinen Werken um zeitlose Darstellungen femininer Schönheit oder zeigt er die Frau als Objekt der Begierde?

Der Zeit ihre Kunst, der Kunst ihre Freiheit. (Klimt)
Den Einstieg in die multimediale Erzählung macht der Prolog. Ein imposantes Zusammenspiel aus Visualisierung und Sound transportiert den Besucher nach Schloss Immendorf, wo bei einem Brand gegen Ende des Zweiten Weltkriegs zehn Hauptwerke des Künstlers zerstört wurden. Feuer, das zentrale Element der Show, setzt hier den ganzen Raum visuell in Flammen und steht als Symbol für Ausbruch, Zerstörung, Transformation und Neuanfang. Hier werden auch die junge, von Klimts Werken begeisterte Studentin und seine Lebenspartnerin Emilie Flöge als Narrative der Show eingeführt. Der Besucher nimmt die Frauen als fiktive Stimmen aus dem Off wahr und taucht im ersten Akt mit ihnen gemeinsam in die ersten Schaffensphasen des Künstlers ein: Die fotografischen Porträts berühmter Zeitgenossen wie Wittgenstein und Freud sowie Aufnahmen des Wiens um die Jahrhundertwende bilden die Kulisse für die Zeitreise in eine

Gesellschaft im Wandel. Mit Visualisierungen von Ausstellungskatalogen und Magazinen der berühmten Wiener Secession wird die Epoche im Spannungsfeld zwischen Tradition und Moderne für den Besucher nahbar.

Alle Kunst ist erotisch. (Klimt)
Die Geschichte nimmt ihren Lauf und widmet sich im zweiten Akt den Schlüsselwerken des Künstlers, die der Besucher intensiv und aus ganz neuen Perspektiven erlebt. Kunstvoll animierte Slide-Shows zeigen auf hochauflösenden Displays mit den Fakultätsbildern, dem Beethovenfries, den weltberühmten Frauenporträts seiner „Goldenen Periode“ und erotischen Aktzeichnungen die vielen Facetten des Künstlergenies. Mittendrin entfacht auf den Projektionsflächen im Raum ein loderndes Feuer mit knisternden Soundeffekten, das den dramatischen Höhepunkt seiner Krise und den Wendepunkt seines künstlerischen Schaffens eindrucksvoll inszeniert: Klimt wird vom akademischen Maler zum Vordenker und Revolutionär.
Nun begibt sich der Zuschauer gemeinsam mit Emilie und der Studentin an den Attersee, eine Region, die für den Künstler Sehnsuchtsort und Quelle der Inspiration zugleich war. Es ist auch für die Modeschöpferin Emilie eine besondere Station auf der Reise, denn sie verbrachte hier jeden Sommer ungestörte Zeit mit Klimt. Natursounds untermalen die Projektionen von Schwarz-Weiß-Aufnahmen des kreativen Paares und seinen unverwechselbaren Landschaftsgemälden. Hier begegnet man auch den Arbeiten seiner letzten Schaffensphase: Die Wände erstrahlen in den leuchtenden Farben seiner Werke, Mythologie und Symbolismus treffen aufeinander. Ihren Höhepunkt findet die Erzählung dann im ergreifenden Finale der Show, die den „Der Kuss“ als Zeugnis einer außergewöhnlichen Liebesgeschichte inszeniert. Als Besucher wird man förmlich in das weltberühmte Gemälde gesogen, das sich sowohl im Ganzen als auch in unzähligen Details an den Wänden des Showrooms darstellt. Mit all seinen Feinheiten wird der Betrachter eingeladen, das Meisterwerk immer wieder neu zu entdecken. Die außergewöhnliche Komposition der beiden Liebenden in ewiger Umarmung ist als visuelles Spektakel ein emotional berührendes Erlebnis.
Mit dem Epilog, dem letzten Akt der Show, wird der Besucher wieder ins Jetzt zurückgeführt. Die beiden Frauen diskutieren über Klimts komplexe Auseinandersetzung mit Emanzipation, weiblicher Lust und einem sich wandelnden Frauenbild. Eindrucksvoll schlagen sie damit eine Brücke zwischen Vergangenheit und Gegenwart. Auch visuell wird das Werk des österreichischen Künstlers in die heutige Zeit transportiert: Die vom Feuer zerstörten Fakultätsbilder, die nur als Schwarz-Weiß-Überlieferungen erhalten sind, werden vor den Augen des Zuschauers in brillante Farben getaucht – und können so auf den Bildschirmen dank modernster Technik wieder aufleben.
Kunst trifft modernste Technik – Was bedeutet der Begriff „immersiv“?

„Immersiv“ beschreibt einen Effekt, bei dem der Betrachter in eine multimediale Illusion aus Bild und Ton eintaucht und diese als absolut real empfindet. Durch ein 3D-Mapping-Projektionssystem können Inhalte wie Grafiken, Animationen, Bilder oder Videos auf dreidimensionale Objekte projiziert werden, sodass eine einzigartige Atmosphäre entsteht.

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KLIMTS KUSS - EINE IMMERSIVE GESCHICHTE
Das immersive Kunsterlebnis „KLIMTS KUSS – Spiel mit dem Feuer“ zeigt eine berührende Multimedia-Show über das Leben und Werk des Jugendstilpioniers Gustav Klimt (1862–1918). Neben seinen Frauenporträts, weiblichen Allegorien und Landschaftsmalereien erlangte der Wiener Maler vor allem mit seinem Gemälde «Der Kuss» Weltruhm. KLIMTS KUSS erzählt den Lebensweg des Künstlergenies – ein Spiel mit dem Feuer - als immersive Show. Bevor die Show beginnt, wird der Besucher mit den wichtigsten Stationen im Leben des Malers vertraut gemacht. Man kann dank digitaler Effekte mit Klimts Kunst interagieren und sogar selbst Teil seiner meisterhaften Gemälde werden. Auch beim anschließenden Showerlebnis in drei Akten taucht der Besucher ganz in die Welt des Künstlers ein, Illusion verwandelt sich in Realität: Animationen und Projektionen erzeugen in Verbindung mit Musik und akustischen Effekten berauschende, ornamentale Farbwelten und lassen Klimt und sein Werk lebendig und spürbar werden.

Dabei lauscht man den Stimmen einer jungen Studentin von heute und Emilie Flöges (1874–1952), damals engste Vertraute und Muse Klimts. In einem fiktiven Dialog führen die Frauen durch die einzigartige Show und nehmen den Besucher mit auf eine bewegende Zeitreise in das Wien um die Jahrhundertwende. Sie erzählen und kommentieren Klimts Erfolge und Skandale, seine Tragödien und Liebschaften. Und sie werfen aus weiblicher Perspektive einen kritischen Blick auf den „Maler der Frauen“: Handelt es sich bei seinen Werken um zeitlose Darstellungen femininer Schönheit oder zeigt er die Frau als Objekt der Begierde?

Der Zeit ihre Kunst, der Kunst ihre Freiheit. (Klimt)
Den Einstieg in die multimediale Erzählung macht der Prolog. Ein imposantes Zusammenspiel aus Visualisierung und Sound transportiert den Besucher nach Schloss Immendorf, wo bei einem Brand gegen Ende des Zweiten Weltkriegs zehn Hauptwerke des Künstlers zerstört wurden. Feuer, das zentrale Element der Show, setzt hier den ganzen Raum visuell in Flammen und steht als Symbol für Ausbruch, Zerstörung, Transformation und Neuanfang. Hier werden auch die junge, von Klimts Werken begeisterte Studentin und seine Lebenspartnerin Emilie Flöge als Narrative der Show eingeführt. Der Besucher nimmt die Frauen als fiktive Stimmen aus dem Off wahr und taucht im ersten Akt mit ihnen gemeinsam in die ersten Schaffensphasen des Künstlers ein: Die fotografischen Porträts berühmter Zeitgenossen wie Wittgenstein und Freud sowie Aufnahmen des Wiens um die Jahrhundertwende bilden die Kulisse für die Zeitreise in eine

Gesellschaft im Wandel. Mit Visualisierungen von Ausstellungskatalogen und Magazinen der berühmten Wiener Secession wird die Epoche im Spannungsfeld zwischen Tradition und Moderne für den Besucher nahbar.

Alle Kunst ist erotisch. (Klimt)
Die Geschichte nimmt ihren Lauf und widmet sich im zweiten Akt den Schlüsselwerken des Künstlers, die der Besucher intensiv und aus ganz neuen Perspektiven erlebt. Kunstvoll animierte Slide-Shows zeigen auf hochauflösenden Displays mit den Fakultätsbildern, dem Beethovenfries, den weltberühmten Frauenporträts seiner „Goldenen Periode“ und erotischen Aktzeichnungen die vielen Facetten des Künstlergenies. Mittendrin entfacht auf den Projektionsflächen im Raum ein loderndes Feuer mit knisternden Soundeffekten, das den dramatischen Höhepunkt seiner Krise und den Wendepunkt seines künstlerischen Schaffens eindrucksvoll inszeniert: Klimt wird vom akademischen Maler zum Vordenker und Revolutionär.
Nun begibt sich der Zuschauer gemeinsam mit Emilie und der Studentin an den Attersee, eine Region, die für den Künstler Sehnsuchtsort und Quelle der Inspiration zugleich war. Es ist auch für die Modeschöpferin Emilie eine besondere Station auf der Reise, denn sie verbrachte hier jeden Sommer ungestörte Zeit mit Klimt. Natursounds untermalen die Projektionen von Schwarz-Weiß-Aufnahmen des kreativen Paares und seinen unverwechselbaren Landschaftsgemälden. Hier begegnet man auch den Arbeiten seiner letzten Schaffensphase: Die Wände erstrahlen in den leuchtenden Farben seiner Werke, Mythologie und Symbolismus treffen aufeinander. Ihren Höhepunkt findet die Erzählung dann im ergreifenden Finale der Show, die den „Der Kuss“ als Zeugnis einer außergewöhnlichen Liebesgeschichte inszeniert. Als Besucher wird man förmlich in das weltberühmte Gemälde gesogen, das sich sowohl im Ganzen als auch in unzähligen Details an den Wänden des Showrooms darstellt. Mit all seinen Feinheiten wird der Betrachter eingeladen, das Meisterwerk immer wieder neu zu entdecken. Die außergewöhnliche Komposition der beiden Liebenden in ewiger Umarmung ist als visuelles Spektakel ein emotional berührendes Erlebnis.
Mit dem Epilog, dem letzten Akt der Show, wird der Besucher wieder ins Jetzt zurückgeführt. Die beiden Frauen diskutieren über Klimts komplexe Auseinandersetzung mit Emanzipation, weiblicher Lust und einem sich wandelnden Frauenbild. Eindrucksvoll schlagen sie damit eine Brücke zwischen Vergangenheit und Gegenwart. Auch visuell wird das Werk des österreichischen Künstlers in die heutige Zeit transportiert: Die vom Feuer zerstörten Fakultätsbilder, die nur als Schwarz-Weiß-Überlieferungen erhalten sind, werden vor den Augen des Zuschauers in brillante Farben getaucht – und können so auf den Bildschirmen dank modernster Technik wieder aufleben.
Kunst trifft modernste Technik – Was bedeutet der Begriff „immersiv“?

„Immersiv“ beschreibt einen Effekt, bei dem der Betrachter in eine multimediale Illusion aus Bild und Ton eintaucht und diese als absolut real empfindet. Durch ein 3D-Mapping-Projektionssystem können Inhalte wie Grafiken, Animationen, Bilder oder Videos auf dreidimensionale Objekte projiziert werden, sodass eine einzigartige Atmosphäre entsteht.

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Die Schöne und das Biest - das Musical - Theater Liberi
Ungeheuer schön: In seinem Musical-Highlight „Die Schöne und das Biest“, erzählt das Theater Liberi eindrucksvoll die berührende Geschichte über die wahre Liebe. Gefühlvolle Eigenkompositionen und viel Poesie entführen gemeinsam mit Witz und Emotion in die Welt dieses bezaubernden Märchens – ein Live-Erlebnis für die ganze Familie!

Romantische Musical-Show in märchenhafter Kulisse
Das für seine fantasievollen Musicals bekannte Theater Liberi präsentiert das französische Volksmärchen in einer zeitgemäßen und unterhaltsamen Fassung. Ein bestens ausgebildetes Ensemble begeistert das Publikum mit abwechslungsreichen Choreografien zu romantischen Balladen und poppigen Songs mit Hitpotenzial. Auf der Bühne entsteht eine märchenhafte Kulisse: das wandelbare Bühnenbild wechselt zwischen Belles Zuhause und dem verzauberten Schloss, das mit den traumhaften Kostümen um die Wette funkelt.

Wenn Liebe den Fluch besiegt
Seit Jahrhunderten erzählen sich die Menschen schon das Märchen von der Schönen und dem Biest und der Kraft ihrer Liebe, die so stark ist, dass sie sogar einen Fluch brechen kann. Einen Fluch, der den Prinzen in ein furchteinflößendes Biest verwandelt hat. Als sich eines Tages ein armer Kaufmann in den Schlossgarten verirrt und dort eine Rose pflückt, fordert das Biest dafür einen hohen Preis. Fortan muss die jüngste Tochter Belle im verwunschenen Schloss leben. Belles anfängliche Angst weicht jedoch schnell der Neugier, als sie feststellt, dass hinter der harten Schale des Biestes ein weicher Kern steckt und dass sie mit ihm sogar lachen und tanzen kann. Doch Belle ist hin- und hergerissen, denn sie stellt sich viele Fragen: Was hat es mit dem geheimnisvollen Prinzen im Spiegel auf sich? Und warum gibt es diese verzauberten Wesen im Schloss? Belle begibt sich auf die Suche nach Antworten…

Resttickets über
http://www.theater-liberi.de

Schopfheim

03.02.2023
16:00 Uhr
Tickets
ab 18,00 €
Maxim Kowalew Don Kosaken - Ein festliches Konzert
Der in Danzig geborene Diplomsänger MAXIM KOWALEW konnte sich schon im Elternhaus der Musik kaum entziehen. Schon im frühen Alter von sechs Jahren begann er an einer staatlichen Musikschule Geigenunterricht zu nehmen.

Sein Vater war Pianist und Klavierlehrer, seine Mutter Gesangslehrerin. Dadurch, daß sein Vater russischer Abstammung ist, wurde sein Interesse an der Kultur jenes großen Landes im Osten früh geweckt. Maxim Kowalews Mutter ist gebürtige Deutsche. Sie gab Ihm den Blick aus Westen mit auf den Weg.

Noch bevor er das professionelle Singen erlernte, bestaunte er als Kind die Erzählungen, Lieder und märchenhaften Geschichten der Völker des Ostens, besonders der Kosaken, welche ihn für sein weiteres Leben prägten. Damit stand für Maxim Kowalew schon früh fest, daß auch er Musik studieren und eine klassische Gesangsausbildung absolvieren würde. So begann er sein Gesangsstudium an einer der berühmtesten Musikhochschulen im Osten. Mit dem Magistertitel beendete er sein Studium an der Musikhochschule in Danzig. Dort erwarb er den akademischen Grad „Magister der Kunst“. Es dauerte nicht lange, bis er eine Vielzahl von Opernengagements erhielt und seine Popularität steil anstieg. Seine Karrierelaufbahn setzte er kurz danach in verschiedenen Chören und Volksmusikensembles fort. Ab 1983, nach dem Diplom und diversen Opernengagements, sang er in West-Europa, den USA und Israel. Er sang unter anderem in Ural- und Wolga Kosaken Chor. Er bereiste russisch-orthodoxe Klöster, um seine Kenntnisse im Bereich der östlichen Chormusik zu perfektionieren, und vertiefte sein Wissen im Unterricht des berühmten Dirigenten und Theologen Georg Szurbak in Warschau. Als großes Vorbild fungierte immer der berühmte Dirigent des Don Kosaken Chores Sergej Jaroff.

Erst nach seinen vielen internationalen Erfahrungen tat er 1994 den wohl entscheidendsten Schritt seines künstlerischen Lebens und sang in einem Chor, aus welchem sich später die MAXIM KOWALEW DON KOSAKEN herauskristallisierten. Jener Klangkörper läßt das musikalische Erbe der Kosaken in Westeuropa und Skandinavien auf technisch brillantem Niveau wieder aufleben. Maxim Kowalew sieht es bis heute als seine Aufgabe, die schönen russischen Melodien zur Freude des Hörers erklingen zu lassen und dadurch ein Zeugnis abzulegen vom Geiste jenes alten unvergänglichen Russlands, das oft über dem Tagesgeschehen in Vergessenheit gerät. Dabei ist Ihm auch wichtig, begabten Künstlern die Möglichkeit zu geben, ihr großes Talent an die Öffentlichkeit zu bringen.

Einlass 18:00 Uhr
Die Zauberflöte - von Wolfgang Amadeus Mozart
Ein Klassiker, der von den Bühnen dieser Welt nicht wegzudenken ist. In der heimlichen Hauptrolle: Wuppertal und seine Bürger_innen. Prinzessin Pamina, die Tochter der sternflammenden Königin, ist von Sarastro entführt worden. Prinz Tamino soll sie in Begleitung des Vogelfängers Papageno befreien. Mit Hilfe des magischen Glockenspiels und der Zauberflöte überwinden die beiden sämtliche Gefahren. Doch was ist gut, was ist böse? Plötzlich ist das nicht mehr klar.

Im Jahre 1791 wollte Wolfgang Amadeus Mozart mit seinem rätselhaften Singspiel das Publikum eines Wiener Vorstadt-Theaters begeistern. Erhabenes und Lächerliches, Tragik und Posse folgen unmittelbar aufeinander und ergeben das Bild eines kleinen, aber umfassenden Welttheaters. Regisseur Bernd Mottl verlagert mit seinem Debüt an der Oper Wuppertal das Geschehen ins Heute, mitten in unsere Stadt.

Oper in zwei Akten von Wolfgang Amadeus Mozart. Libretto von Emanuel Schikaneder. In deutscher Sprache und ›Share Your Opera‹.
Werkeinführung 30 Minuten vor Vorstellungsbeginn

Dauer: ca. 2 Stunden 45 Minuten, eine Pause

Bei ausgewählten Aufführungen dieser Produktion bieten wir mit ›Neu in der Oper?‹ ein spezielles Zusatzprogramm für Opernneulinge an. Weitere Informationen finden Sie ›hier.

Zu dieser Produktion werden Workshops für Schulklassen angeboten. Bei Interesse melden Sie sich bitte bei:
Maria Stanke (Theaterpädagogin Oper)
Tel. +49 202 563 7645

Zur Zeit keine Tickets mehr verfügbar
Der König der Löwen – Live in Concert
Die magische Musik von Sir Elton John und Hans Zimmer
DER KÖNIG DER LÖWEN
The Music live in Concert!
70 Mitwirkende!
Solisten, Chor und Musiker der Cinema Festival Symphonics
Künstlerische Leitung: Stephen Ellery

Mit Screen-Animationen
Songs in deutscher Sprache!
Zum ersten Mal wird in diesem Konzert-Ereignis der brillante Film-Soundtrack mit den packenden Songs des gleichnamigen Musical-Welterfolges verbunden und eindrucksvoll durch Screen- Animationen emotionalisiert.

Film-Legende Hans Zimmer und Sir Elton John
Der Oscar-prämierte Soundtrack von Filmmusik-Legende Hans Zimmer prägt nun schon seit 27 Jahren den weltweit erfolgreichen Zeichentrickfilm „Der König Der Löwen“: Afrikanische Rhythmen und Klänge gepaart mit monumentalen, epischen Melodien. Die ergreifenden Hits von Sir Elton John wie „Hakuna Matata“, „Circle of Life“ und „Can You Feel the Love Tonight“ sind zeitlos und für die Ewigkeit komponiert.

Gemeinsam ist die magische Musik von Sir Elton John und Hans Zimmer ein einzigartiges Konzert-Erlebnis, dass alle Altersklassen gleichermaßen berührt und begeistert!

Mit kaum einem anderen Film-Soundtrack verbinden ganze Generationen so viele persönliche Emotionen und Erinnerungen wie mit Disneys „König der Löwen“. Die Geschichte des Löwenjungen Simba, der sich auf die Suche nach seinem Platz im ewigen Kreislauf des Lebens macht. Eine archaische Grundstruktur, die über Generationen hinweg fasziniert.

70 Mitwirkende
70 Mitwirkende, Solisten, Chor und Orchester, der Cinema Festival Symphonics unter der Leitung von Stephen Ellery aus London, begeisterten die Zuschauer schon mit den Konzert-Aufführungen von „Game of Thrones“, „Star Wars“ und „Harry Potter“.

Das Ensemble ist bekannt für ihren emotionalen, originalgetreuen, klanggewaltigen Sound, der die Zuschauer direkt in die Filmthemen eintauchen lässt.

Bereichert wird dieses emotionale Erlebnis durch kunstvoll gezeichnete Leinwand-Animationen, die den Zuschauer direkt in die afrikanische Savanne entführen. Brüllende Löwen, mächtige Elefanten, spielerische Leoparden und natürlich das Warzenschwein Pumba und das Erdmännchen Timon illustrieren farbenreich den ewigen Kreislauf des Lebens.

Einlass: 15:30 Uhr
LIEBE IN ZEITEN DER SCHICHTARBEIT
Uraufführung
Liebe in Zeiten der Schichtarbeit
von Marcel Raabe und Manuel Waltz

Regie und Austattung: Magz Barrawasser
Es spielen: Eva Lucia Grieser, Roman Pertl, Lauretta van de Merwe, Morris Weckherlin
Dramaturgie: Jana Gmelin

Premiere Samstag, 24. September 2022
Weitere Termine 1./6./7.*/13./15. Oktober 2022,
14./20./21.*/26. Januar und 2./3./9./11./16./17. Februar 2023
Immer um 20 Uhr Einführung 19.40 Uhr
Dauer: ca. 65 Minuten
Ort: Löwen
* Nachgespräch im Anschluss

Die Entrümpelung eines leer stehenden Hauses fördert ein Notizheft von 1988 zutage: Ein junges Paar versucht, mit handschriftlichen Liebesbotschaften Kontakt zu halten. Der asynchrone Takt der Schichtarbeit
zwingt sie auseinander, obwohl sie täglich in derselben Küche essen, im selben Bett schlafen und mit demselben Kugelschreiber ins selbe Heft schreiben. Ein Fernfahrer berichtet von 33 Jahren Ehe, in denen er
nur elf Jahre zu Hause war: Seit 40 Jahren fährt er durch Europa und ist stets nur am Wochenende da. Wie geht die Kindererziehung per Telefon? Und die Liebe in so langen Pausen? Eine Nachtschwester in der
Unfallchirurgie sieht das nicht dramatisch. Wie schön ist es, ins Bett zu gehen, wenn der andere zur Arbeit muss! Und heute? Wartet er auf eine Chat-Nachricht von ihr. Ein Live-Ticker der Gefühle begleitet beide durch den Tag. Wahre Geschichten über das Senden und Empfangen, die Liebe unter Abwesenden in
den Lücken, die die Arbeit lässt.

"Liebe in Zeiten der Schichtarbeit“ ist ein Stück mit hohem Tempo, vielen Facetten, Emotionen, Nähe (trotz Distanz) und einem starken Ensemble. - Moritz Siebert, Schwäbisches Tagblatt

Acht Menschen berichten im Stück von ihren Raum-Zeit-Fernbeziehungen - die Zeilen des gefundenen Hefts werden ergänzt durch Berichte, Dialoge, Liebesworte, die das Autorenteam recherchierte. […] Paare, denen es gelingt, ihr Miteinander schreibend fortzusetzen, [in] Sprache, die Wochen, Jahre, Sehnsüchte und Banalitäten aufhebt. - Thomas Morawitzky, Reutlinger Generalanzeiger

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Wohlfühlen im Theater
Bei uns ist jede*r herzlich willkommen - und wir tun alles dafür, dass sich jede*r wohlfühlt. Aufgrund der baulichen Situation stehen im Zimmertheater und im Löwen zu unserem Bedauern keine Unisex- und keine barrierefreien Toiletten zur Verfügung.

Dank unseres ausgeklügelten Hygienekonzepts mit Reinraumluftfiltern, UV-C Luftreinigungsanlagen und permanenter Frischluftzufuhr in beiden Bühnen herrscht bei uns immer gute Luft.
Für Fröstelnde bieten wir kostenfrei kuschelige Fleecedecken zum Einmummeln. (Wenn Sie sich krank fühlen oder Kontakt mit positiv getesteten Personen
hatten, bitten wir Sie, das Theater nicht zu besuchen. Selbstverständlich nehmen wir Ihre Karte in diesem Fall unkompliziert zurück - wir wünschen Ihnen gute Besserung!)

Unsere Theaterbar verwöhnt Sie ab 19 Uhr mit kalten und heißen Getränken. Bei uns dürfen Sie Ihre Getränke von der Theaterbar mit in die Vorstellung nehmen! Für Hungrige bieten wir auch einen kleinen kulinarischen Leckerbissen an.

Gerne begrüßen wir Einzelpersonen, Paare oder Gruppen - für letztere empfehlen wir unsere 5er oder 10er Wahlabos mit Gruppennachlass.
Unser Team an der Theaterkasse hilft bei allen Fragen gerne weiter!
Telefon 07071 92 73-33
Email tickets@zimmertheater-tuebingen.de

An Ihrem Feedback sind wir sehr interessiert: feedback@zimmertheater-tuebingen.de
Falk - Live & Unerhört
Auf seiner Deutschland-Tour zu seinem neuen Programm „Live & Unerhört“ legt Falk Liedermacher auch 2023 wieder richtig los. Bewaffnet mit Gitarre und frechen Texten schafft der Kabarettist es, seinem Publikum die Konventionen aus dem Kopf zu locken. Jetzt Tickets sichern!

Bei Auftritten von Falk Liedermacher können Sie aus Wortwitzen lernen und gleichzeitig unterhalten werden. Dabei nimmt er kein Blatt vor den Mund und bindet jedes noch so sensible Thema in sein Liederkabarett mit ein.

Seit 2015 steht Frank Liedermacher auf der Bühne. Genauso lange hat er es sich zur Aufgabe gemacht, die großen und kleinen Unannehmlichkeiten in seinen Musikkabaretts zu thematisieren. Kinder, Fremdgehen in Beziehungen und Bio-Markt-Madness landen allesamt in einem Pott und werden zu ausgeklügelten Songs gedichtet. Dabei perfektioniert er die Kunst, niemandem direkt auf den Schlips zu treten. Als regelmäßigen Gast bei „NightWash“ und anderen Comedy-Shows ist Abstraktion das Stichwort, das Falk Liedermacher so besonders macht. Wie gut seine Liedkunst beim Publikum ankommt, bestätigen zahlreiche Auszeichnungen. Diverse Förderpreise, der „Kabarett Kaktus“ und die „Tuttlinger Krähe“ sowie zahlreiche weitere lokale Kabarettpreise kürten bereits seine Werke.

Nun ist es für Sie an der Zeit, diesen talentierten Herren live zu erleben. Lassen Sie sich einen Abend mit Falk Liedermacher nicht entgehen und holen Sie sich Tickets!

Einlass: 19:00 Uhr
Achtsam morden
ACHTSAM MORDEN
Krimikomödie von Bernd Schmidt nach dem Roman von Karsten Dusse

Björn Diemel hat das, was viele sich wünschen: eine erfolgreiche Karriere als Anwalt, eine wunderschöne Frau und bergeweise Geld. Doch was bringen Armani-Anzug und die Breitling am Handgelenk, wenn das Leben trotzdem aus dem Ruder läuft?

Um seine Work-Life-Balance wiederherzustellen, seine Ehe zu retten und sich als guter Vater zu beweisen, zwingt ihn seine Frau, an einem Achtsamkeitsseminar teilzunehmen. Zähneknirschend beugt sich der erfolgreiche Anwalt dem Willen seiner besseren Hälfte und hat wider Erwarten sogar Spaß an den neuen Impulsen. Fast bewegt sich sein Leben wieder in die richtige Richtung. Aber eben nur fast. Denn als sein krimineller und eindeutig schuldiger Mandant beginnt ihm Probleme zu bereiten, setzt Björn Diemel das neu Gelernte anders um als erwartet. Er bringt ihn um. Und zwar nach allen Regeln der Achtsamkeit.

Hintergrundinfos
Dusses Debutroman schaffte es innerhalb kürzester Zeit an die Spitze der Bestsellerlisten. Die Inszenierung des ehemaligen Kammertheater-Intendanten Ingmar Otto brachte den Stoff im Frühjahr 2022 zum ersten Mal auf die Bühne und feierte hier großen Erfolg. Nun kehrt die Inszenierung mit besonderem Charme zurück – wahrlich ein Mordsvergnügen!

TERMINE im K2, Kreuzstraße 29


BESETZUNG
Diana Gantner, Jörg Bruckschen, Felix Frenken

Aufführungsdauer: 2:15 incl. einer Pause

Regie: Ingmar Otto
Ausstattung: Florian Angerer

Aufführungsrechte bei Verlag
Kiepenheuer und Witsch GmbH & Co. KG
Vernissage: Frank Hoffmann – Buffo transzendental

Wer sich vor den Bildern Frank Hoffmanns dem Sog der Farben hingibt, wer den feinen Nuancierungen und Unschärfen nachgeht und in den Werken Motive entdeckt oder gar verliert, dem eröffnet sich die Malerei als Ereignis. Als ein Ereignis, das mehr mit der Jenaer Frühromantik zu tun hat, als man auf den ersten Blick erwartet. Denn was Friedrich Schlegel 1797 in seinen Kritischen Fragmenten als ‚romantische Ironie‘ zu beschreiben versucht, nimmt Frank Hoffmann als Impuls für seine eigne künstlerische Arbeit auf.

Wir laden Sie herzlich ein!

Jena

03.02.2023
19:00 Uhr
FÜR GEEIGNETE PERSONEN

von Sophia Himmel

mit Florian Fisch und Heiko Dietz

Regie: Philipp J. Neumann, Assistenz: Lisa Bühler

Rechte: Theaterverlag Hofmann-Paul, Berlin

Ein Mann liegt im Krankenhaus und meint, gesund zu sein. In der Nacht hatte er einen merkwürdigen Traum, aus dem er schweißgebadet aufgewacht ist. Nun wartet er auf seine Frau, die ihn abholen und nach Hause bringen soll. Doch stattdessen kommt ein unbekannter Pfleger, um ihn in den Keller zu bringen. Er wehrt sich dagegen, möchte in seinem Zimmer bleiben. Die Szene wiederholt sich. Eine Auseinandersetzung über Zeit, Sinn und seine Vergangenheit beginnt. Langsam dämmert ihm, wohin er gebracht werden soll: "Aber ich bin doch noch gar nicht tot!" - "Wir sind ja auch noch nicht da!"

Das neue Stück des Autorenkollektivs Sophia Himmel spielt auf absurd-witzige Weise im Grenzbereich zwischen Traum und Wirklichkeit. Ein Wechselspiel zwischen Echtem und Wahrem, zwischen Illusionärem und Magischem, zwischen Tragischem und auch Komischem.

Infos und Kartenreservierung: www.sensemble.de/spielplan

Augsburg

03.02.2023
19:30 Uhr
D´Mama isch die Beschte
Curth Flatow und Horst Pillau
D´ MAMA ISCH DIE BESCHTE
(„Das Fenster zum Flur“)
Volksstück in fünf Bildern, Schwäbische Fassung von Monika Hirschle

Liebenswert! Mütter wollen stets das Beste für ihre Kinder. Doch was das ist – darüber gehen die Meinungen manchmal weit auseinander. Über dieses zeitlose Thema schufen die Altmeister Curth Flatow und Horst Pillau eine Komödie, die mittlerweile zu den Klassikern des deutschen Unterhaltungstheaters zählt. Wir spielen sie im neuen Gewand – und auf Schwäbisch!

Anni Wiesner ist Reinigungskraft. Das Geld ist knapp, die Familie lebt in einer engen Souterrainwohnung in Stuttgart. Aber Anni und ihr Mann setzten seit jeher alles daran, dass ihre drei nun erwachsenen Kinder es einmal besser haben. Und das ist ihnen gelungen: Sohn Matthias studiert Medizin, Tochter Susanne lebt glücklich verheiratet in den USA; nur Lisa, die rebellische Jüngste, tanzt ein wenig aus der Reihe. Aber das wird Anni schon regeln, so wie sie überhaupt ihre Familie fest im Griff hat und stets weiß, was für alle das Richtige ist.

Als Susanne überraschend aus New York zu Besuch kommt, muss Anni jedoch erkennen, dass nicht alles nach Plan verläuft. Ihre Kinder haben nämlich ganz eigene Vorstellungen davon, was das Beste für sie ist.

Die resolute Mutter Anni, die dennoch das Herz auf dem rechten Fleck hat, war einst eine Paraderolle für beliebte Volksschauspielerinnen wie Inge Meysel, Heidi Kabel oder Edith Hancke. In der Inszenierung von Intendant Axel Preuß wird Publikumsliebling Monika Hirschle die Rolle übernehmen. Sie hat das Stück auch ins Schwäbische übertragen.

Vorstellungen 12.1. bis 5.3.2023

Mit Monika Hirschle, Anne Leßmeister, Stefan Müller-Doriat, Jörg Pauly, Bianca Spiegel, Frank Stöckle u.a.
Regie Axel Preuß
Bühne und Kostüme Barbara Krott
Dramaturgie Annette Weinmann
CORIOLAN

Schauplatz ROM. Der letzte König [Tarquinius Superbus] ist verbannt; die junge Republik ringt um ihre (Ver-)Fassung - bis zum Römischen Imperium ist es noch ein Stück hin. Die Macht liegt jetzt bei den Adelsfamilien [Patriziern].

Bald nicht mehr exklusiv: Das Volk hungert. Und revoltiert. Und lässt sich nicht abspeisen: Roms Senat sieht sich gezwungen, Volksvertreter zuzulassen [die berühmten Tribunen]. Die sich tatsächlich für die Belange der Plebejer einsetzen. Wenn sie diese nicht gerade in ihrem Sinn manipulieren.

Auftritt Gaius Martius. Er ist ein Held. Ein Kriegsheld. Seine Mutter führt Buch über seine Wunden. Was er ist, verdankt er ihr. Vom Kindersoldaten zur Tötungsmaschine. Roms Supersoldat. Jetzt - gerade hat er eine ganze Stadt im Alleingang geschleift, was ihm den Beinamen Coriolan einbringt - soll er in die Politik. »Konsul« Coriolan. Die Regularien des Wahlkampfs gebieten, dass er dem Volk seine Wunden zeigt, ehe dieses für ihn stimmt. Coriolan hasst das Volk.

Coriolan, seine Mutter, die höheren Familien der Stadt: Edle Produkte ihres Dünkels. Und der Held der Schlachten ist keiner, der sich im zivilen Leben beherrschen kann. Ein Wort gibt das andere und am Ende ist er nicht Konsul, sondern verbannt. Er verbündet sich mit dem Feind, seinem Lieblingskonkurrenten auf dem blutigen Feld der Ehre. Und ums Haar hätten Roms Weltmachtambitionen ein vorzeitiges Grab gefunden (wir befänden uns im Jahre 494 vor Null, wäre das Geschehen historisch verbürgt).

mit

Judith Bopp | Margrit Carls | Denis Fink | Evelyn Plank | Alexander Wagner

unter besonderer Mitwirkung von Andreas Seyferth | Sebastian Kalhammer

 

Regie: Andreas Seyferth

Video/Klangdesign: Ardhi Engl

Kostüm: Johannes Schrödl

Lichtdesign: Jo Hübner

Technische Einrichtung: Max Reitmayer

Technik: Marie Ayim / Paul Egenrieder

Übersetzung/Fassung: Margrit Carls

Don Quijote de la Mancha

Nach der Übersetzung von Ludwig Tieck.
Text/SpFg: Jörg Steinberg. Regie: Jörg Steinberg. Dramaturgie: Holger Kuhla. Bühne/Kostüme. Heike Neugebauer. Regieassistenz: David Wehr.
Mit: Svea Auerbach, Peter Lüchinger, Michael Meyer, Erik Roßbander, Markus Seuß.

Quijote ist eine Legende: der Ritter von der traurigen Gestalt, der auf seinem alten Klepper gemeinsam mit seinem Knappen Sancho Pansa durch ein längst vergessenes Spanien zieht und Abenteuer um Abenteuer erlebt. Im Namen des untergehenden Ordens der Irrenden Ritter kämpft er für Gerechtigkeit, die Ehre und die wahre Liebe.
Was könnte uns heute diese über 400 Jahre alte Romanfigur noch erzählen? „Quijotesk“ nennen wir es, wenn jemand „gegen Windmühlen“ kämpft - gegen Feinde kämpft, die anscheinend übermächtig sind und vielleicht doch nur in der eigenen Vorstellungswelt existieren. 
Miguel de Cervantes schrieb seinen zeitkritischen Roman im Gefängnis, in das ihn sein bewegtes Leben verschlagen hatte: er erzählte von den Gefahren aber auch vom Glück  der Illusion, die im Widerstreit zur erbärmlichen Wirklichkeit steht. Seine Figuren stehen im Widerstreit mit der Realität stehen. Aber ist das Leben nicht auch Traum (oder Einbildung) - und umgekehrt?
Wie stehen wir in unserer auf Effizienz getrimmten Realität zu Menschen, die uns mit ihrer Fantasie irritieren? Haben sie noch einen Platz in unserer Welt, bzw. geben wir ihnen einen Platz? Wagen wir uns von unserer rationalisierten Wirklichkeit wegzuträumen – in eine imaginäre, verrückte Welt und in ein Leben, zugleich glücklich und tragisch, aber voller fantastischer Abenteuer?
Cervantes Roman ist ein Votum für die Fantasie, für die Kunst des Lebens jenseits karger Realitäten.

Bremen

03.02.2023
19:30 Uhr