Escape to Freedom. Ein kooperatives Echtzeit-Abenteuer (06.03. - 07.08.2022)

Wie kommen wir hier raus? Was hat dieser Hinweis zu bedeuten? Und was sollten wir als nächstes tun? In unserer Ausstellung erleben Kinder, Jugendliche und ihre Begleitung richtige Abenteuer. Gemeinsam lösen sie Rätsel, entschlüsseln Botschaften und erfahren dabei viel über das Wesen unserer Freiheit.

Wann bin ich frei? Was schränkt meine Freiheit ein? Und was bedeutet Freiheit heute eigentlich?
 
Ein Raum. Ein Team. Die Uhr läuft ...

Escape Rooms
In den Storys unserer Escape Rooms geht es um das Freisein: Was passiert, wenn ich nicht den Erwartungen der Anderen folge? Macht mich der Chip im Gehirn wirklich glücklich? Habe ich in der Rolle als Journalistin oder Journalist den Mut, die Wahrheit zu sagen? Nicht immer ist ganz eindeutig, was die Freiheit bedroht. Umso wichtiger, dass alle Teams gemeinsam hinsehen, um ihr Rätsel in der vorgegebenen Zeit zu „knacken“.

Das Besondere
150 Berliner Jugendliche, unterstützt von Profis aus Game-Design, Theater und Bühnenbild haben die Storys, Rätsel und Prototypen entwickelt und umgesetzt. In Workshops entstanden fünf spannende Real-Live-Games mit herausfordernden (Un)Freiheitsszenarien.

Eine Ausstellung für Kinder ab 10 Jahren und Jugendliche

Eintritt: 7 €, ermäßigt: 5 €
Kinder und Jugendliche bis 18 Jahre ermäßigt: 6 €
Familienkarte: 24 €
Workshops: 5 € inkl. Material
Angebote für Schulen: 1 €/pro Person

Escape to Freedom ist eine Produktion des Alice – Museum für Kinder im FEZ-Berlin und des Stadtmuseums Hofheim am Taunus.

Dienstags 10 – 13 Uhr Dienstag – Freitag 14 – 17 Uhr Samstag / Sonntag 11 – 18 Uhr

Hühner stehen als Symbol für den Morgen und sind das häufigste Nutztier des Menschen. Kein Wunder, dass die Tiere auch in der Gestaltung des Meissener Porzellans immer wieder eine Rolle spielen, immerhin kommen heute auf jeden Bewohner dieser Erde drei Hühner! Damit gehörten sie zu den ersten Tierfiguren, die die Manufaktur herstellte. In Form von prunkvollen Terrinen auf großen höfischen Tafeln gab das Geflügel einst eine Vorschau auf den köstlichen Inhalt, aber auch heute finden sie sich als detaillierte Tierporträts und in zahlreichen Figurengruppen wieder, die das Lebensumfeld der beliebten Tiere illustrieren. Die Sonderschau beleuchtet die Geschichte der Hühnerfiguren aus Meissener Porzellan bis in die heutige Zeit.

Die Besichtigung der Schau ist im Eintrittspreis enthalten.

9:30 bis 17 Uhr

Das Fenster, die Membran zwischen Innen und Außen, wird Skulptur: Der Skulpturenpark Waldfrieden zeigt von März bis November 2022 eine Reihe von drei aufeinanderfolgenden Ausstellungen, in denen erstmals die Architektur einer Ausstellungshalle zum künstlerischen Ausgangspunkt wird.

Daniel Buren, Tatsuo Miyajima und Bettina Pousttchi realisieren für jeweils drei Monate eine neue Arbeit für die Glasfassade der Ausstellungshalle im unteren Parkgelände.

Die Betrachter*innen erreichen die Halle vom höher gelegenen Parkgelände über einen leicht abschüssigen Fußweg. Die anfängliche Aufsicht auf die Halle und das Kunstwerk weicht einer Untersicht, sobald man vor der Halle steht.

Jedes Werk wird direkt auf die grosse Fensterfront der Hauptfassade appliziert und verbindet visuell und konzeptuell den Aussenraum, den Park, mit dem Innenraum der Halle. Das Fenster selbst wird also zum Objekt. Das Zusammenspiel zwischen Außen- und Innenraum, die sich verändernden Lichtverhältnisse im Wechsel der Tages- und Jahreszeiten und die Schattenzeichnungen auf dem Hallenboden und den Wänden, schaffen ein vielschichtiges assoziatives Bild. Die Halle bleibt bei jeder Ausstellung für weitere Objekte bewusst leer.

Die drei Künstler aus drei Generationen stehen jeweils für ein eigenständiges künstlerisches Werk, das seit vielen Jahren international wahrgenommen wird. Im Skulpturenpark Waldfrieden werden sie erstmals im Rahmen dieser Ausstellungsreihe in Zusammenhang gebracht.

Daniel Buren: 19. März - 22. Mai
Seit den 1970er Jahren hat Daniel Buren (*1938, lebt und arbeitet in-situ) Arbeiten in und auf Architektur realisiert, so unter anderem 2016 für die Fassade der Fondation Louis Vuitton in Paris oder im Rahmen seiner Ausstellung im Guggenheim Museum New York 2005. Prägnantes visuelles und stets wiederkehrendes Detail seiner Arbeit ist die Verwendung von 8,7 cm breiten vertikalen weißen Streifen. Damit verbindet er seine weltweit realisierten Werke in einen Gesamtzusammenhang. Eine permanente Installation von Daniel Buren befindet sich im Café des Von der Heydt - Museum Wuppertal.

Tatsuo Miyajima: 4. Juni – 21. August
Tatsuo Miyajima (*1957, lebt und arbeitet in Ibaraki, Japan) ist international bekannt geworden mit Arbeiten und Installationen aus farbigen LED (Licht emittierende Dioden) Zahlen, die in unterschiedlichen Geschwindigkeiten etwa von 1 – 9 zählen. Der Künstler beschäftigt sich mit grundsätzlichen Fragen unserer Wahrnehmung von Zeit und Raum. Tatsuo Miyajima hat zahlreiche Werke in Korrespondenz mit Architektur realisiert, etwa für die Universität Dufour in Genf, das Denver Art Museum in den USA oder für die Fassade des ICC Tower in Hong Kong 2016. Eine seiner bekannten LED-Arbeiten ist in der Villa Waldfrieden installiert.

Bettina Pousttchi: 3. September - 6. November
Bettina Pousttchi (*1971, lebt und arbeitet in Berlin) ist international bekannt geworden mit ihren schwarzweißen Fotoinstallationen, die oft ganze Häuserfassaden bedecken und Bezug nehmen auf den urbanen oder historischen Kontext eines Ortes. Unter anderem hat sie 2021 eine fotografische Arbeit für die Hauptfassade des Konzerthaus Berlin realisiert, 2014 eine Arbeit auf Fenster im Rahmen ihrer Ausstellung im Nasher Sculpture Center in Dallas oder 2012 für die Rotunde und den Ostflügel der Schirn Kunsthalle Frankfurt. Von Dezember 2021 bis Juni 2022 werden ihre Werke im Arp Museum Rolandseck ausgestellt und ab Juni 2022 findet eine Ausstellung in der Bundeskunsthalle Bonn statt, für die die Künstlerin eine grosse Installation auf der Dachterrasse realisieren wird.

11-18 Uhr

Wilhelm Mundts "Trashstones", seine Abfallsteine, die in einem arbeitsintensiven Prozess aus Müll, Atelierrückständen beziehungsweise einfach vorgefundenen Gegenständen hergestellt werden, sind seit vielen Jahren im Skulpturenpark präsent. Nun zeigt er im Rahmen einer Einzelausstellung aktuelle Werke und neue Ansätze seiner künstlerischen Entwicklung.

Mundt hat mit großformatigen, meist ortsbezogenen Rauminstallationen begonnen, die industrielle Herstellungsprozesse und funktionsabhängige Formfindungen in autonome künstlerische Kontexte stellten. Die künstlerische Gestaltung wurde und wird von Mundt oft als "Werkperformance" in Szene gesetzt. Das performative Moment seiner Arbeit dokumentiert sich unter anderem in Musikauftritten wie auch in Filmen, die er parallel zu seinen plastischen Werken aufnimmt.

In dieser Beziehung kann Mundt als einer der bedeutenden Vertreter jener Künstlergeneration gesehen werden, die ein multimediales beziehungsweise multivalentes kulturelles Crossover praktizieren: eine Ineinanderblendung von Kunst und Leben, von Alltag und ästhetischer Praxis. Der umfassende künstlerische Ansatz, Ästhetik und Ethik, Ironie und Ernst verbindend, hier durchaus auch Joseph Beuys oder Roman Signer verwandt, prägt Mundts Arbeit bis heute. Aus diesem Grund reichen seine Werke auch weit über neodadaistische Spielereien oder puristisch selbstbezogene Formexperimente hinaus. Sie sind im besten Sinne Ver- oder Umwandlungen des (banal) Erlebten oder (trivial) Gelebten in bedeutungsvolle, sinnlich erfassbare Schönheit.

Besonders die Werkserie der "Trashstones", die Wilhelm Mundt 1989 mit dem Stein 001 begonnen hat, zeigt den Künstler als Persönlichkeit, welche die bildhauerischen Traditionen oder Konventionen der Moderne (beziehungsweise ihre Formbrüche) reflektiert und zugleich im "Gehalt", in der intellektuellen und handwerklichen Durchdringung, erneuert. Damit wird Mundt zu einem der innovativsten Bildhauer der Gegenwart.

11-18 Uhr

Die Ausstellung Narratives of Resistance konzentriert sich auf wenig beachtete Konflikte zwischen Regierungen und bestimmten Bevölkerungsgruppen – der groß angelegte Lithium-Abbau im nördlichen Portugal, der Kampf um das Adivasi-Territorium in Zentralindien und die ökologischen Herausforderungen, vor denen Nepal in der Chitwan-Region steht. Die Künstler*innen dokumentieren, teils mit fiktionalen Erzählstrategien, die sozialen und politischen Aufstände gegen Landraub, Ressourcenausbeutung und die anhaltende Verletzung von Menschenrechten.

Di – So, 11 – 18 Uhr,

auch an Feiertagen geöffnet,

außer 24. und 31.12.

Informationen: Tel 0621 – 293 3771

www.biennalefotografie.de

www.rem-mannheim.de 

Credits: © Silvy Crespo

Di – So, 11 – 18 Uhr, auch an Feiertagen geöffnet, außer 24. und 31.12.

Beirut and the Golden Sixties: A Manifesto of Fragility lässt ein schillerndes und zugleich bewegendes Kapitel der modernen Geschichte Beiruts wieder aufleben. Die Periode zwischen Ende der 1950er und 1970er Jahre fällt in die Zeit zwischen Libanonkrise 1958 und Ausbruch des libanesischen Bürgerkriegs im Jahr 1975. Die Ausstellung zeichnet das komplizierte Spannungsverhältnis zwischen dem künstlerischen Kosmopolitismus und den allgegenwärtigen transregionalen und politischen Gegensätzen Beiruts nach.

Günter Haese (1924-2016) entdeckt 1962 nach seinem Studium an der Düsseldorfer Kunstakademie den Messingdraht als plastisches Material für sich. Mit diesem und Bestandteilen aus zerlegten Uhren, Spiralfedern und Rädchen fertigt er seine Raumplastiken. Schon ein leichter Luftzug bringt die filigranen, organisch anmutenden Drahtgeflechte in Bewegung, die im weitesten Sinne der kinetischen Kunst zuzuordnen sind. Diese schwerelos wirkenden Objekte bilden damals wie heute ein überzeugendes Gegengewicht zu einer blockhaft-statischen Auffassung von Skulptur. Bereits 1964 erhält der Bildhauer eine Einzelausstellung im Museum of Modern Art in New York; ein Jahr später besucht Henry Moore ihn in seinem Düsseldorfer Atelier. Auch im internationalen Kontext zählt Günter Haese bis heute zu den wichtigsten Bildhauern seiner Generation.

Es erscheint ein Katalog.

Mi bis Fr von 14 bis 17 Uhr, Sa/So von 11 bis 17 Uhr

Seit den 1980er Jahren leistet Dayanita Singh Pionierarbeit auf dem Gebiet der Fotografie und überwindet immer wieder die Grenzen des Mediums. Dancing with my Camera präsentiert die wichtigsten Schaffensphasen im Œuvre der international renommierten Künstlerin – von ihren frühesten Arbeiten bis heute. Die Arbeit Let’s See wird speziell für die Ausstellung im Gropius Bau realisiert und zusammen mit ihren Schlüsselwerken wie den „museums“ präsentiert. 

Mit einer Vase fing alles an: Vor zehn Jahren entdeckte das Stadtmuseum bei einer Auktion zwei Jugendstil-Vasen mit dem Stempel einer regionalen Manufaktur und stieß auf die fast vergessene Geschichte der Keramikwerke Servais aus Trier-Ehrang. Mittlerweile verfügt das Museum nicht nur über eine beachtliche Sammlung dekorativer Objekte aus jener Produktionszeit des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts. Jedes Stück erweiterte auch das Wissen um die Firmenhistorie und die Künstler, die dort arbeiteten und ihre Faszination für den Jugendstil nach Trier brachten.

Dienstag bis Sonntag von 10 bis 17 Uhr. An Pfingstmontag und an Ostermontag ist das Museum geöffnet.

Wer oder was definiert, was lebendig und was intelligent ist? Können künstliche Lebensformen empathisch sein? Wie sieht das Miteinander von Menschen und künstlichen Agents aus? Welche ethischen Fragen stellen sich? Die Ausstellung »BioMedien« lädt dazu ein, mögliche Formen des Zusammenlebens zwischen organischen und künstlichen Lebensformen kennenzulernen und zu diskutieren.

Mo–Di geschlos-sen Mi–Fr 10–18 Uhr Sa–So 11–18 Uhr

Das ZKM | Zentrum für Kunst und Medien Karlsruhe lädt gemeinsam mit
dem Naturkundemuseum Karlsruhe zu einer Zeitreise zu den Ursprüngen des
Lebens im Zeichen von Kunst und Wissenschaft ein. Unter dem Titel „The
Beauty of Early Life“ zeigt die Ausstellung mit Fossilfunden und
künstlerischen Arbeiten die Schönheit und Vielfalt des frühen Lebens und
verknüpft Darwins Evolutionstheorie mit aktuellen Erkenntnissen der
Evolutionsforschung. Dabei steht immer die relevante Frage im Raum, was
sich aus der Geschichte der Erde für die Bewahrung der Artenvielfalt heute
und damit für die Zukunft der Menschheit ableiten lässt?

Mo–Di geschlossen Mi–Fr 10–18 Uhr Sa–So 11–18 Uhr

Dass Frauen zur Feder griffen, war zu Lebzeiten Gleims keine Selbstverständlichkeit. Dass ihre Texte dann auch zum Druck befördert wurden, war noch seltener. In Gleims Bibliothek und Handschriftensammlungen findet sich eine erstaunlich große Zahl von Briefen, Gedichten, Romanen und auch anderen Texten, die von Frauen verfasst wurden. Zu Beginn des Themenjahres „Frauen und Künste“ stellt das Gleimhaus in seiner Sonderausstellung „Frauen schreiben – Bücher und Handschriften von Frauen in Gleims Literaturarchiv “ (13. April – 19. Juni 2022) ausgewählte Schreiberinnen und ihre Texte vor. Der Bogen reicht von Sophie Dorothea Gleim, die Nichte, die Gleim den Haushalt führte und die im Schreiben nur wenig geübt war, bis zur erfolgreichen Romanautorin Sophie von La Roche. 

Dank seiner wertvollen Depotbestände – darunter Objekte aus der Sammlung Vieweg – präsentiert das Würzburger Siebold-Museum das Thema Kimono in Vielfalt und Schönheit. Welch ein Schatz an Volkskunde und Kultur!

Die bevorstehenden Oster- und Pfingstfeiertage bieten günstige Gelegenheiten zu einem Besuch. Öffnungszeiten: Dienstag – Sonntag 14.30 – 17.30 Uhr, Ostermontag und Pfingstmontag geöffnet!

Ausstellungsdauer 16. April – 06. Juni 2022

Mit ihrem Kunstprojekt »Feindbilder« für das Erich Maria Remarque‐Friedenszentrum zeigen die Künstler Harald Reusmann, Petra Anders und Frank Wolf ihre künstlerisch-satirische Auseinandersetzung auf einem Themenfeld, das gerade durch die aktuellen Entwicklungen massive Aufladungen erfährt.

So bearbeitet der Fotograf Harald Reusmann in seinen Fotocollagen die Stereotypen, Muster und Konstruktionen der historischen Feinddarstellungen bis in die Gegenwart.

Petra Anders und Frank Wolf setzen sich in ihrer Rauminstallation mit einer Feindkonstellation entlang aktueller Konfliktlinien zwischen Generationen, Geschlechtern und Weltanschauungen.

»Das Projekt mit dem Titel ›Inimicus – Der Feind‹ befasst sich mit der Darstellung des Feindbildes. Durch das Ausarbeiten von Stereotypen, die sich in der Historie der feindseligen Auseinandersetzung mit dem Fremden wiederfinden, versuche ich darin Gemeinsamkeiten zu finden. Vorbilder für meine Arbeit finde ich in historischen Darstellungen des Feindes oder des Fremden. Hier interessiere ich mich für überspitzte Darstellungen der Satire, Propaganda oder auch für subtilere Darstellungen aus der Märchenwelt. Ich bediene mich hier althergebrachter Denkmuster und Bilder, die sich tief in uns eingebrannt haben, ohne dass wir es unbedingt wahrnehmen. Dies kann sich in Vorurteilen gegenüber anderen äußern oder subtile Ängste hervorrufen. Das Projekt stellt sich gegen neue, populistische rechte Strömungen, die sich dieser Zerrbilder bedienen.« (Harald Reusmann)

Der Konzeptkünstler Frank Wolf hat die Rauminstallation »Feindkonzept« in Kooperation mit der Malerin Petra Anders entwickelt. Diese gemeinsame Arbeit befasst sich mit Feindbildern, die entlang der aktuellen Konfliktlinien zwischen Generationen, Geschlechtern und Weltanschauungen entstehen. Es sind die unbarmherzigen, oft anonym, meist kalkuliert geführten Kampagnen des Zorns und Hasses in den Sozialen Medien, als Teil des globalen Informationskrieges, die die Künstler faszinieren. Es ist ein mit Bildern geführter Propagandakrieg, der nicht selten und ungewollt eine bizarre und groteske Komik entwickelt, die die satirische Rauminstallation »Feindkonzept« inspiriert.

Di bis Fr von 10–13 Uhr und 15–17 Uhr, Sa+So von 11–17 Uhr, Mo geschlossen

Der Egmont Schaefer Preis für Zeichnung 2022
geht an: Havin Al-Sindy

Am 4. Oktober 2021 tagte die Jury für den XIII. Egmont Schaefer Preis für Zeichnung. Sie hat sich mit großer Mehrheit für HAVIN AL-SINDY als Preisträgerin entschieden. Besonders ihre Zeichnungen zum Thema Begraben/Ausgraben und Bewegungen/Sichten haben die Jury überzeugt. Die Preisträgerausstellung wird voraussichtlich vom 26. April bis zum 26. Juni 2022 in der Galerie Parterre Berlin zu sehen sein.

Mi-So 13-21 Uhr, Do 10-22 Uhr

Die Kunstwerke Warja Lavaters (1913–2007) muten geheimnisvoll an. Gestalterische Grundelemente überziehen ihre Bilder und treten auf den ersten Blick als gegenstandslose Kompositionen in Erscheinung.  Doch bei genauerer Betrachtung eröffnen die Arbeiten ein tiefsinniges Nachdenken über das Wesen des Bildes sowie über das Verhältnis von Erzählung, Schrift und bildkünstlerischer Form. Entsprechend bewegen sich Lavaters Werke häufig an der Grenze von Bild und Literatur und reflektieren etwa die Buchstaben des abendländischen Alphabets als ästhetische Formen, die als sinnliche Figurationen emotional aufgeladen und zum Gegenstand der Interpretation werden. Andererseits bringt Lavater konkrete Formelemente wie Punkt, Fläche und Strich als wiedererkennbare Zeichen zum Einsatz, sodass sich abstrakte Bilder mittels Legende wie eine Landkarte entziffern lassen. Dies gilt besonders für ihre Leporellos, in denen sie etwa die Märchen Le Petit Chaperon Rouge (Rotkäppchen), Blanche Neige (Schneewittchen) oder Cendrillon (Aschenputtel) in eine Choreografie abstrakter Zeichen und Symbolnotationen überführt. Entfaltet man die Leporellos, werden die einzelnen Bildelemente gewissermaßen in Bewegung versetzt, erhalten durch die Rezeption und Fantasie des Betrachters eine Bedeutung und erzählen so Geschichten. Der Betrachter wird dabei aktiv in das Bildgeschehen verstrickt, gleichermaßen irritiert wie überrascht und mit der Poesie abstrakter Formen konfrontiert.
Durch ihre Ausbildung wusste Warja Lavater um die Aussagekraft von Bildzeichen. 1913 in Winterthur geboren studierte sie zu Beginn der 1930er Jahre an der Kunstgewerbeschule in Zürich, die unter ihrem damaligen Leiter Alfred Altherr eine moderne und fortschrittliche Ausbildung ermöglichte. Nach der Ausbildung zur Grafikerin gründete Lavater gemeinsam mit ihrem späteren Ehemann Gottfried Honegger ein Atelier. Erst die zeitweise Übersiedlung nach New York und Paris verhalf ihr aber zur künstlerischen Entfaltung und ermöglichte die Entwicklung eines originären künstlerischen Werkes.
Das Romantikerhaus präsentiert in kuratorischer Zusammenarbeit mit Carol Ribi ausgewählte Arbeiten aus Lavaters Œuvre und gibt Einblick in das tiefsinnige Werk einer in Deutschland noch wenig bekannten Künstlerin.

Dienstag – Sonntag 10–17 Uhr

Inge Ransenberg wurde am 12. März 1935 in Wennemen im Sauerland geboren. Sie hinterließ nur wenige Spuren in ihrem Heimatort, im jüdischen Waisenhaus in Paderborn und im Ghetto Theresienstadt. Inges Leben endete zu früh, ihre Kindheit endete noch viel früher. Mit gerade einmal neun Jahren wurde das jüdische Mädchen im Oktober 1944 im Konzentrationslager Auschwitz ermordet.

Die Sonderausstellung erzählt von Inges Lebensweg und den verschiedenen Schicksalen ihrer Eltern und ihrer fünf Brüder im Zusammenhang mit der nationalsozialistischen Verfolgung.

Im Sonderausstellungsraum. Der Zugang erfolgt durch die Erinnerungs- und Gedenkstätte.

Der Eintritt ist frei!

Di bis Fr 10-17 Uhr; Sa, So und feiertags 10-18 Uhr; Mo geschlossen

Tiere nehmen in der Geschichte und in der Gegenwart eine bedeutende Rolle ein. Als Nutztiere waren und sind sie Nahrungs- und Rohstofflieferanten, aber auch Helfer oder Beschützer. Heimtiere werden aus Freude und Interesse oder als Gefährten gehalten und zunehmend zu „Ersatzmenschen“. Dabei hat sich das Verhältnis zum Tier vor allem im städtischen Raum gewandelt und ist sehr ambivalent. Es wechselt zwischen Nähe und Distanz, Verhätschelung und Ausbeutung, aber auch zwischen Bewunderung und Ablehnung oder gar Ekel. Die Ausstellung zeigt anhand historischer Exponate, Grafiken, Gemälde und Fotografien, aber auch in kleinen Filmbeiträgen und Interviews, dass Mensch und Tier in einer unauflöslichen Beziehungsgeschichte stehen. Diese enge Verzahnung, die wechselseitigen Abhängigkeiten, das teilweise problematische Zusammenleben, aber auch die Freude an und mit Tieren am Beispiel von Pferd, Hund und Taube sind Themen dieser Ausstellung.

Dienstag–Sonntag 10–17 Uhr

Der Bildhauer Robert Schad präsentiert Skulpturen und Zeichnungen im KunstHaus Potsdam.
kuratiert von Jens Milde

MOUVEMENTS
Am Eröffnungswochenende, 14. und 15. Mai, treffen die Skulpturen Robert Schads auf die Arbeit Double Portrait der Choreografin Isabelle Schad, die als Durational Installation gezeigt wird. Robert Schads Skulpturen scheinen trotz konstruktiver Starre in Bewegung, trotz physischer Schwere vom Boden abheben zu wollen. Demgegenüber entfaltet sich die körperliche Bewegung der Tänzer Przemek Kaminski und Nir Vidan, die die Starre auflösen, auf Bewegungsimpulse der Skulpturen reagieren und diese an den Raum weitergeben. Robert Schads Skulpturen und die Tänzer vereint die Entwicklung ihres Ausdrucks durch das Spiel ihrer Glieder im Raum.

MOUVEMENTS ist eine Kooperation mit der fabrik Potsdam im Rahmen der Potsdamer Tanztage. Die Choreografie Double Portrait ist eine Produktion von Isabelle Schad, koproduziert vom HAU Hebbel am Ufer Berlin und defacto Zagreb.

Weitere Informationen: www.fabrikpotsdam.de/event/749, www.isabelle-schad.net

MOUVEMENTS bildet den Auftakt einer Kooperation zwischen der fabrik Potsdam und dem Kunstverein KunstHaus Potsdam im Jahr 2022, die das Zusammentreffen von zeitgenössischem Tanz und Gegenwartskunst zu ihrem Ausgangspunkt macht. Im Rahmen dieser Kollaboration werden im Sommer / Herbst 2022 weitere Residenzkünstler:innen in den Ausstellungen des KunstHaus Potsdam zu Gast sein.

Mi - So, 12 - 17 Uhr

Wer trotz kleinem Kind nicht auf seinen Kunstgenuss verzichten möchte, ist im Stadtmuseum Simeonstift Trier herzlich willkommen. Spezielle Führungen, zu denen Babys mitgenommen werden können, sind auf die Bedürfnisse der Kleinsten ausgerichtet.

Kurze Pausen zum Füttern und Wickeln sind möglich und das Verständnis der anderen Eltern ist Ihnen sicher.

Ein außergewöhnliches Erlebnis, fern gängiger Klischees, das sie nachhaltig begeistern wird! Prächtige Barockfassaden, Residenz- und Kirchenbauten sprechen für eine einst mächtige und reiche Bischofsstadt. Die Wirklichkeit sah anders aus: Noch heute zeigen sich im Stadtbild allenthalben Spuren fürchterlicher Katastrophen und Tragödien. Folgen Sie Hofrat Philipp Wilhelm von Hörnigk oder Hofapothekerin Maria Anna Röttler auf einer fesselnden Schauspielführung durch die wechselhafte Passauer Geschichte.

Robin Hood kämpft für Gerechtigkeit und gegen den grausamen Sheriff von Nottingham. Mit seinen Leuten lebt er ein abenteuerliches Leben im Wald und immer wieder trickst er den Sheriff aus. Doch ihr Versteck im Sherwood Forest bleibt nicht unentdeckt ...
Wird Robin Hood den Kampf um seine Freiheit gewinnen??