Donnerstag, 20.06.2019
um 21:00 Uhr

HAU1
Stresemannstraße 29
10963 Berlin


Tickets
ab 13,00 €




Jam Rostron aka Planningtorock ist eine der wichtigsten queeren Stimmen und Produzent*innen der elektronischen Musik. Der*die autodidaktische, nicht-binäre, aus der Arbeiter*innenklasse stammende Musiker*in widmet sich seit mehr als einem Jahrzehnt queeren Klängen und Bildern. Die multimediale Show wird als Bestandteil der Festivaleröffnung speziell für die Bühne des HAU1 entwickelt. In einem dialogischen Konzert verbindet der Abend auch Videos und Visuals mit Songs von allen vier Planningtorock-Alben: “Have it all”, “W”, “All Love’s Legal” und “Powerhouse”.

Jam Rostron aka Planningtorock is one of the most important queer voices and producers in music. A self-taught, non-binary, working-class musician, they’ve spent a decade plus queering sound and vision. This multimedia show is developed specially for HAU1 as part of the festival opening and will take the form of a talk/concert featuring videos and visuals, accompanied by a selection of songs from each of Planningtorock’s four albums: “Have it all”, “W”, “All Love’s Legal” and “Powerhouse”.

Eventdaten bereitgestellt von: Reservix

weitere Termine

The Man Who Grew Common in Wisdom + Fire
The Man Who Grew Common in Wisdom (1989/2019)
In diesem dreiteiligen Solo mache Deborah Hay die Einfachheit beredt, schrieb die New York Times 1989 über “The Man Who Grew Common in Wisdom”. Weisheit ist bei Hay eine greifbare Erfahrung, sich in der alltäglichen Welt wohlzufühlen. Die Trilogie umfasst “The Navigator”, “The Gardener” und “The Aviator”. Eva Mohn, die außergewöhnliche Cullberg-Tänzerin, wurde von Hay trainiert und wird denTanz performen.

Fire (2000/2019)
Es ist fast unmöglich, den Tänzer*innenkörper und seine Bewegungen unvoreingenommen zu lesen – ebenso wie die Wahrnehmung des Elements Feuer immer schon eingebettet ist in andere, vorangegangene Erfahrungen. Ros Warbys Adaption von “Fire” ist Teil des innovativen “Solo Performance Commissioning Project”, das von 1998 bis 2012 stattfand. In diesem Zeitraum unterrichtete Hay 20 Tänzer*innen ein jährlich wechselndes Solo, welches diese in Folge täglich für mindestens drei Monate trainierten, um ihre eigene Adaption zu finden. Warbys Adaption von “Fire” brachte Hay dazu, ihre eigene Karriere zu überdenken, um mit Tänzer*innen von ebensolcher Intelligenz, Humor und Raffinesse zusammenzuarbeiten.
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The Man Who Grew Common in Wisdom (1989/2019)
Deborah Hay makes simplicity eloquent in her three-part solo, said the New York Times in 1989 about “The Man Who Grew Common in Wisdom”. For Hay, wisdom becomes the tangible experience of well-being within the ordinary world. The trilogy is comprised of “The Navigator”, “The Gardener” and “The Aviator”. Eva Mohn, an exceptional dancer from Cullberg, has been coached by Hay and will perform the dance.

Fire (2000/2019)
It is almost impossible to read the dancer’s body and its movements impartially – just as the perception of the element of fire is always embedded in other, previous experiences. Ros Warby’s adaptation of “Fire” is a result of Hay’s innovative “Solo Performance Commissioning Project”, which took place from 1998 through 2012. Each year Hay taught 20 dancers the same solo, a different solo each year. The dancers, for a minimum of the next three months, found their own adaptation through their daily practice of the dance. Warby’s adaptation of “Fire” convinced Hay to alter her own career and work with dancers with similar intelligence, homour and subtlety.
Isadora Duncan
Mit seinem Solo für die Tänzerin und Lehrerin Elizabeth Schwartz setzt Jérôme Bel die Serie seiner Porträts fort, die er 2004 begann. Erstmals aber zeichnet der französische Choreograf in “Isadora Duncan” das Porträteiner verstorbenen Tänzerin und verwendet dabei ihr autobiografisches Buch “My Life”. In der Figur Isadora Duncan entdeckt Bel eine visionäre Choreografin, die durch ihre große Freiheit des Ausdrucks sowie ihre Vorliebe für Spontaneität und Natürlichkeit die Basis für den modernen Tanz schuf. Eine Version des Stücks entsteht via Skype simultan mit der Tänzerin Catherine Gallant in New York, da die R.B. / Jérôme Bel company aus ökologischen Gründen nicht mehr fliegt.
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The French choreographer Jérôme Bel continues the series of portraits he began in 2004 with his solo for the dancer and teacher Elizabeth Schwartz. In “Isadora Duncan” he portrays a deceased artist for the first time, using her autobiographical book “My Life”. In the figure of Isadora Duncan, he discovers a visionary choreographer who laid the foundations for modern dance in her great freedom of expression and preference for spontaneity and naturalness. By ecological choice R.B. / Jérôme Bel company doesn’t travel by plane, therefore a version of the piece is simultaneously created in New York, by Skype, with the dancer Catherine Gallant.
Isadora Duncan
Mit seinem Solo für die Tänzerin und Lehrerin Elizabeth Schwartz setzt Jérôme Bel die Serie seiner Porträts fort, die er 2004 begann. Erstmals aber zeichnet der französische Choreograf in “Isadora Duncan” das Porträteiner verstorbenen Tänzerin und verwendet dabei ihr autobiografisches Buch “My Life”. In der Figur Isadora Duncan entdeckt Bel eine visionäre Choreografin, die durch ihre große Freiheit des Ausdrucks sowie ihre Vorliebe für Spontaneität und Natürlichkeit die Basis für den modernen Tanz schuf. Eine Version des Stücks entsteht via Skype simultan mit der Tänzerin Catherine Gallant in New York, da die R.B. / Jérôme Bel company aus ökologischen Gründen nicht mehr fliegt.
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The French choreographer Jérôme Bel continues the series of portraits he began in 2004 with his solo for the dancer and teacher Elizabeth Schwartz. In “Isadora Duncan” he portrays a deceased artist for the first time, using her autobiographical book “My Life”. In the figure of Isadora Duncan, he discovers a visionary choreographer who laid the foundations for modern dance in her great freedom of expression and preference for spontaneity and naturalness. By ecological choice R.B. / Jérôme Bel company doesn’t travel by plane, therefore a version of the piece is simultaneously created in New York, by Skype, with the dancer Catherine Gallant.
The Man Who Grew Common in Wisdom + Fire
The Man Who Grew Common in Wisdom (1989/2019)
In diesem dreiteiligen Solo mache Deborah Hay die Einfachheit beredt, schrieb die New York Times 1989 über “The Man Who Grew Common in Wisdom”. Weisheit ist bei Hay eine greifbare Erfahrung, sich in der alltäglichen Welt wohlzufühlen. Die Trilogie umfasst “The Navigator”, “The Gardener” und “The Aviator”. Eva Mohn, die außergewöhnliche Cullberg-Tänzerin, wurde von Hay trainiert und wird denTanz performen.

Fire (2000/2019)
Es ist fast unmöglich, den Tänzer*innenkörper und seine Bewegungen unvoreingenommen zu lesen – ebenso wie die Wahrnehmung des Elements Feuer immer schon eingebettet ist in andere, vorangegangene Erfahrungen. Ros Warbys Adaption von “Fire” ist Teil des innovativen “Solo Performance Commissioning Project”, das von 1998 bis 2012 stattfand. In diesem Zeitraum unterrichtete Hay 20 Tänzer*innen ein jährlich wechselndes Solo, welches diese in Folge täglich für mindestens drei Monate trainierten, um ihre eigene Adaption zu finden. Warbys Adaption von “Fire” brachte Hay dazu, ihre eigene Karriere zu überdenken, um mit Tänzer*innen von ebensolcher Intelligenz, Humor und Raffinesse zusammenzuarbeiten.
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The Man Who Grew Common in Wisdom (1989/2019)
Deborah Hay makes simplicity eloquent in her three-part solo, said the New York Times in 1989 about “The Man Who Grew Common in Wisdom”. For Hay, wisdom becomes the tangible experience of well-being within the ordinary world. The trilogy is comprised of “The Navigator”, “The Gardener” and “The Aviator”. Eva Mohn, an exceptional dancer from Cullberg, has been coached by Hay and will perform the dance.

Fire (2000/2019)
It is almost impossible to read the dancer’s body and its movements impartially – just as the perception of the element of fire is always embedded in other, previous experiences. Ros Warby’s adaptation of “Fire” is a result of Hay’s innovative “Solo Performance Commissioning Project”, which took place from 1998 through 2012. Each year Hay taught 20 dancers the same solo, a different solo each year. The dancers, for a minimum of the next three months, found their own adaptation through their daily practice of the dance. Warby’s adaptation of “Fire” convinced Hay to alter her own career and work with dancers with similar intelligence, homour and subtlety.
The Man Who Grew Common in Wisdom + Fire
The Man Who Grew Common in Wisdom (1989/2019)
In diesem dreiteiligen Solo mache Deborah Hay die Einfachheit beredt, schrieb die New York Times 1989 über “The Man Who Grew Common in Wisdom”. Weisheit ist bei Hay eine greifbare Erfahrung, sich in der alltäglichen Welt wohlzufühlen. Die Trilogie umfasst “The Navigator”, “The Gardener” und “The Aviator”. Eva Mohn, die außergewöhnliche Cullberg-Tänzerin, wurde von Hay trainiert und wird denTanz performen.

Fire (2000/2019)
Es ist fast unmöglich, den Tänzer*innenkörper und seine Bewegungen unvoreingenommen zu lesen – ebenso wie die Wahrnehmung des Elements Feuer immer schon eingebettet ist in andere, vorangegangene Erfahrungen. Ros Warbys Adaption von “Fire” ist Teil des innovativen “Solo Performance Commissioning Project”, das von 1998 bis 2012 stattfand. In diesem Zeitraum unterrichtete Hay 20 Tänzer*innen ein jährlich wechselndes Solo, welches diese in Folge täglich für mindestens drei Monate trainierten, um ihre eigene Adaption zu finden. Warbys Adaption von “Fire” brachte Hay dazu, ihre eigene Karriere zu überdenken, um mit Tänzer*innen von ebensolcher Intelligenz, Humor und Raffinesse zusammenzuarbeiten.
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The Man Who Grew Common in Wisdom (1989/2019)
Deborah Hay makes simplicity eloquent in her three-part solo, said the New York Times in 1989 about “The Man Who Grew Common in Wisdom”. For Hay, wisdom becomes the tangible experience of well-being within the ordinary world. The trilogy is comprised of “The Navigator”, “The Gardener” and “The Aviator”. Eva Mohn, an exceptional dancer from Cullberg, has been coached by Hay and will perform the dance.

Fire (2000/2019)
It is almost impossible to read the dancer’s body and its movements impartially – just as the perception of the element of fire is always embedded in other, previous experiences. Ros Warby’s adaptation of “Fire” is a result of Hay’s innovative “Solo Performance Commissioning Project”, which took place from 1998 through 2012. Each year Hay taught 20 dancers the same solo, a different solo each year. The dancers, for a minimum of the next three months, found their own adaptation through their daily practice of the dance. Warby’s adaptation of “Fire” convinced Hay to alter her own career and work with dancers with similar intelligence, homour and subtlety.
Isadora Duncan
Mit seinem Solo für die Tänzerin und Lehrerin Elizabeth Schwartz setzt Jérôme Bel die Serie seiner Porträts fort, die er 2004 begann. Erstmals aber zeichnet der französische Choreograf in “Isadora Duncan” das Porträteiner verstorbenen Tänzerin und verwendet dabei ihr autobiografisches Buch “My Life”. In der Figur Isadora Duncan entdeckt Bel eine visionäre Choreografin, die durch ihre große Freiheit des Ausdrucks sowie ihre Vorliebe für Spontaneität und Natürlichkeit die Basis für den modernen Tanz schuf. Eine Version des Stücks entsteht via Skype simultan mit der Tänzerin Catherine Gallant in New York, da die R.B. / Jérôme Bel company aus ökologischen Gründen nicht mehr fliegt.
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The French choreographer Jérôme Bel continues the series of portraits he began in 2004 with his solo for the dancer and teacher Elizabeth Schwartz. In “Isadora Duncan” he portrays a deceased artist for the first time, using her autobiographical book “My Life”. In the figure of Isadora Duncan, he discovers a visionary choreographer who laid the foundations for modern dance in her great freedom of expression and preference for spontaneity and naturalness. By ecological choice R.B. / Jérôme Bel company doesn’t travel by plane, therefore a version of the piece is simultaneously created in New York, by Skype, with the dancer Catherine Gallant.
MERCE CUNNINGHAM CENTENNIAL: BERLIN
Zu seinem 100. Geburtstag im Jahr 2019 feiert Tanz im August den US-amerikanischen Choreografen Merce Cunningham. Er sagte über sich selbst, er sei nicht zum Tänzer geworden – sondern immer schon Tänzer gewesen. 1944 zeigten er und John Cage in New York ihre erste Zusammenarbeit. Im Laufe seiner langen Karriere schuf Cunningham in Kollaboration u.a. mit Cage und Robert Rauschenberg über 200 Werke, die den Tanz umfassend erneuerten: Er setzte nicht auf ein angeblich autonomes Künstler-Ich, sondern vielmehr auf spielerische Abstraktion und Zufallsprinzip; als neugieriger Modernist verwendete er zudem früh Video-Kamera und Computer.

CCN – Ballet de Lorraine: RainForest & Sounddance
Unter und zwischen den Silberwolken von Andy Warhol agieren die Tänzer*innen des Ballet de Lorraine in “RainForest” (1968) als anmutige Zwitterwesen aus Mensch und Tier. Cunningham, nahe der Regenwälder im Staat Washington aufgewachsen, übersetzt sie hier in kleine Gesten, große Sprünge und Bewegungen am Boden, eine konzentrierte, gelassene Welt. Mit einer anderen Energie kommt “Sounddance” daher: Cunningham schuf es 1975 nach seiner – durchaus konfliktreichen – Zusammenarbeit mit dem Ballet de l’Opéra de Paris. Es steht im Gegensatz zur Uniformität des Balletts: Vor einem elegant drapierten goldenen Vorhang entfaltet sich lust- und kraftvoll ein ‘organisiertes Chaos’, begleitet von David Tudors treibendem Sound.

DANCE ON ENSEMBLE: BERLIN STORY A re-imagination of STORY
Merce Cunninghams “STORY” von 1963 war bahnbrechend mit seinen choreografischen Spielaktionen und Zufallsverfahren. Einige der Tanzsequenzen aber sind über die Jahre verloren gegangen, manche Anweisungen nicht mehr nachvollziehbar. Gemeinsam mit dem Cunningham-Experten Daniel Squire geht das DANCE ON ENSEMBLE für “BERLIN STORY” auf Proben- und Forschungsexpedition, um originales mit neuem Bewegungsmaterial zu kombinieren. 1963 entwickelte Robert Rauschenberg das Bühnenbild aus Fundstücken im Theater; 2019 übernimmt dies der Berliner Künstler John Bock. Die Originalmusik von Toshi Ichiyanagi wird gespielt von Rabih Mroué, Tobias Weber und Mattef Kuhlmey.
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In 2019 Tanz im August celebrates the 100th anniversary of the birth of the American choreographer Merce Cunningham, who said of himself that he didn’t become a dancer, but rather had always been a dancer. He worked with John Cage for the first time in New York in 1944. In the course of his long career Cunningham created over two hundred works, partly in collaboration with Cage and Robert Rauschenberg, that radically renewed dance. He didn’t rely on an apparently autonomous artistic ego, but rather on playful abstraction and chance procedures. As an inquisitive modernist he was one of the first to use video and computer technologies in dance.

CCN – Ballet de Lorraine: RainForest & Sounddance
Beneath and between Andy Warhol’s silver clouds, the dancers of the Ballet de Lorraine become graceful hybrid creatures both human and animal in “RainForest” (1968). Cunningham, who grew up near the rain forests in the state of Washington, translates them here into small gestures, big leaps and movements on the floor – a concentrated, serene world. “Sounddance” has a different energy. Cunningham created it in 1975 after his fraught collaboration with the Ballet de L’Opéra de Paris. It opposes the uniformity of the ballet: in front of an elegantly draped golden curtain, an ‘organised chaos’ unfolds, accompanied by David Tudor’s driving sound.

DANCE ON ENSEMBLE: BERLIN STORY A re-imagination of STORY
Merce Cunningham’s “STORY” was pioneering in its choreographic games and chance procedures when it was created in 1963. But some of the dance sequences have been lost over the years, and some of the instructions can no longer be understood. Together with the Cunningham expert Daniel Squire, the DANCE ON ENSEMBLE goes on an expedition of research and rehearsal that combines original and new movement material in their “BERLIN STORY”. In 1963 Robert Rauschenberg created the set from found objects. His part is now taken by the Berlin artist John Bock. The original music by Toshi Ichiyanagi will be played by Rabih Mroué, Tobias Weber and Mattef Kuhlmey.
MERCE CUNNINGHAM CENTENNIAL: BERLIN
Zu seinem 100. Geburtstag im Jahr 2019 feiert Tanz im August den US-amerikanischen Choreografen Merce Cunningham. Er sagte über sich selbst, er sei nicht zum Tänzer geworden – sondern immer schon Tänzer gewesen. 1944 zeigten er und John Cage in New York ihre erste Zusammenarbeit. Im Laufe seiner langen Karriere schuf Cunningham in Kollaboration u.a. mit Cage und Robert Rauschenberg über 200 Werke, die den Tanz umfassend erneuerten: Er setzte nicht auf ein angeblich autonomes Künstler-Ich, sondern vielmehr auf spielerische Abstraktion und Zufallsprinzip; als neugieriger Modernist verwendete er zudem früh Video-Kamera und Computer.

CCN – Ballet de Lorraine: RainForest & Sounddance
Unter und zwischen den Silberwolken von Andy Warhol agieren die Tänzer*innen des Ballet de Lorraine in “RainForest” (1968) als anmutige Zwitterwesen aus Mensch und Tier. Cunningham, nahe der Regenwälder im Staat Washington aufgewachsen, übersetzt sie hier in kleine Gesten, große Sprünge und Bewegungen am Boden, eine konzentrierte, gelassene Welt. Mit einer anderen Energie kommt “Sounddance” daher: Cunningham schuf es 1975 nach seiner – durchaus konfliktreichen – Zusammenarbeit mit dem Ballet de l’Opéra de Paris. Es steht im Gegensatz zur Uniformität des Balletts: Vor einem elegant drapierten goldenen Vorhang entfaltet sich lust- und kraftvoll ein ‘organisiertes Chaos’, begleitet von David Tudors treibendem Sound.

DANCE ON ENSEMBLE: BERLIN STORY A re-imagination of STORY
Merce Cunninghams “STORY” von 1963 war bahnbrechend mit seinen choreografischen Spielaktionen und Zufallsverfahren. Einige der Tanzsequenzen aber sind über die Jahre verloren gegangen, manche Anweisungen nicht mehr nachvollziehbar. Gemeinsam mit dem Cunningham-Experten Daniel Squire geht das DANCE ON ENSEMBLE für “BERLIN STORY” auf Proben- und Forschungsexpedition, um originales mit neuem Bewegungsmaterial zu kombinieren. 1963 entwickelte Robert Rauschenberg das Bühnenbild aus Fundstücken im Theater; 2019 übernimmt dies der Berliner Künstler John Bock. Die Originalmusik von Toshi Ichiyanagi wird gespielt von Rabih Mroué, Tobias Weber und Mattef Kuhlmey.
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In 2019 Tanz im August celebrates the 100th anniversary of the birth of the American choreographer Merce Cunningham, who said of himself that he didn’t become a dancer, but rather had always been a dancer. He worked with John Cage for the first time in New York in 1944. In the course of his long career Cunningham created over two hundred works, partly in collaboration with Cage and Robert Rauschenberg, that radically renewed dance. He didn’t rely on an apparently autonomous artistic ego, but rather on playful abstraction and chance procedures. As an inquisitive modernist he was one of the first to use video and computer technologies in dance.

CCN – Ballet de Lorraine: RainForest & Sounddance
Beneath and between Andy Warhol’s silver clouds, the dancers of the Ballet de Lorraine become graceful hybrid creatures both human and animal in “RainForest” (1968). Cunningham, who grew up near the rain forests in the state of Washington, translates them here into small gestures, big leaps and movements on the floor – a concentrated, serene world. “Sounddance” has a different energy. Cunningham created it in 1975 after his fraught collaboration with the Ballet de L’Opéra de Paris. It opposes the uniformity of the ballet: in front of an elegantly draped golden curtain, an ‘organised chaos’ unfolds, accompanied by David Tudor’s driving sound.

DANCE ON ENSEMBLE: BERLIN STORY A re-imagination of STORY
Merce Cunningham’s “STORY” was pioneering in its choreographic games and chance procedures when it was created in 1963. But some of the dance sequences have been lost over the years, and some of the instructions can no longer be understood. Together with the Cunningham expert Daniel Squire, the DANCE ON ENSEMBLE goes on an expedition of research and rehearsal that combines original and new movement material in their “BERLIN STORY”. In 1963 Robert Rauschenberg created the set from found objects. His part is now taken by the Berlin artist John Bock. The original music by Toshi Ichiyanagi will be played by Rabih Mroué, Tobias Weber and Mattef Kuhlmey.
MERCE CUNNINGHAM CENTENNIAL: BERLIN
Zu seinem 100. Geburtstag im Jahr 2019 feiert Tanz im August den US-amerikanischen Choreografen Merce Cunningham. Er sagte über sich selbst, er sei nicht zum Tänzer geworden – sondern immer schon Tänzer gewesen. 1944 zeigten er und John Cage in New York ihre erste Zusammenarbeit. Im Laufe seiner langen Karriere schuf Cunningham in Kollaboration u.a. mit Cage und Robert Rauschenberg über 200 Werke, die den Tanz umfassend erneuerten: Er setzte nicht auf ein angeblich autonomes Künstler-Ich, sondern vielmehr auf spielerische Abstraktion und Zufallsprinzip; als neugieriger Modernist verwendete er zudem früh Video-Kamera und Computer.

CCN – Ballet de Lorraine: RainForest & Sounddance
Unter und zwischen den Silberwolken von Andy Warhol agieren die Tänzer*innen des Ballet de Lorraine in “RainForest” (1968) als anmutige Zwitterwesen aus Mensch und Tier. Cunningham, nahe der Regenwälder im Staat Washington aufgewachsen, übersetzt sie hier in kleine Gesten, große Sprünge und Bewegungen am Boden, eine konzentrierte, gelassene Welt. Mit einer anderen Energie kommt “Sounddance” daher: Cunningham schuf es 1975 nach seiner – durchaus konfliktreichen – Zusammenarbeit mit dem Ballet de l’Opéra de Paris. Es steht im Gegensatz zur Uniformität des Balletts: Vor einem elegant drapierten goldenen Vorhang entfaltet sich lust- und kraftvoll ein ‘organisiertes Chaos’, begleitet von David Tudors treibendem Sound.

DANCE ON ENSEMBLE: BERLIN STORY A re-imagination of STORY
Merce Cunninghams “STORY” von 1963 war bahnbrechend mit seinen choreografischen Spielaktionen und Zufallsverfahren. Einige der Tanzsequenzen aber sind über die Jahre verloren gegangen, manche Anweisungen nicht mehr nachvollziehbar. Gemeinsam mit dem Cunningham-Experten Daniel Squire geht das DANCE ON ENSEMBLE für “BERLIN STORY” auf Proben- und Forschungsexpedition, um originales mit neuem Bewegungsmaterial zu kombinieren. 1963 entwickelte Robert Rauschenberg das Bühnenbild aus Fundstücken im Theater; 2019 übernimmt dies der Berliner Künstler John Bock. Die Originalmusik von Toshi Ichiyanagi wird gespielt von Rabih Mroué, Tobias Weber und Mattef Kuhlmey.
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In 2019 Tanz im August celebrates the 100th anniversary of the birth of the American choreographer Merce Cunningham, who said of himself that he didn’t become a dancer, but rather had always been a dancer. He worked with John Cage for the first time in New York in 1944. In the course of his long career Cunningham created over two hundred works, partly in collaboration with Cage and Robert Rauschenberg, that radically renewed dance. He didn’t rely on an apparently autonomous artistic ego, but rather on playful abstraction and chance procedures. As an inquisitive modernist he was one of the first to use video and computer technologies in dance.

CCN – Ballet de Lorraine: RainForest & Sounddance
Beneath and between Andy Warhol’s silver clouds, the dancers of the Ballet de Lorraine become graceful hybrid creatures both human and animal in “RainForest” (1968). Cunningham, who grew up near the rain forests in the state of Washington, translates them here into small gestures, big leaps and movements on the floor – a concentrated, serene world. “Sounddance” has a different energy. Cunningham created it in 1975 after his fraught collaboration with the Ballet de L’Opéra de Paris. It opposes the uniformity of the ballet: in front of an elegantly draped golden curtain, an ‘organised chaos’ unfolds, accompanied by David Tudor’s driving sound.

DANCE ON ENSEMBLE: BERLIN STORY A re-imagination of STORY
Merce Cunningham’s “STORY” was pioneering in its choreographic games and chance procedures when it was created in 1963. But some of the dance sequences have been lost over the years, and some of the instructions can no longer be understood. Together with the Cunningham expert Daniel Squire, the DANCE ON ENSEMBLE goes on an expedition of research and rehearsal that combines original and new movement material in their “BERLIN STORY”. In 1963 Robert Rauschenberg created the set from found objects. His part is now taken by the Berlin artist John Bock. The original music by Toshi Ichiyanagi will be played by Rabih Mroué, Tobias Weber and Mattef Kuhlmey.
Oratorium - Kollektive Andacht zu einem wohlgehüteten Geheimnis
“Dass da gehören soll, was da ist, denen, die für es gut sind.” (B. Brecht)

Eigentum verändert das Bewusstsein. Es trennt Freund*innen, es erteilt Macht über andere, es schließt aus. Eigentum ist selbstverständlich. Und man spricht nicht darüber. Nichts ist so konstituierend für unsere Gesellschaft und unser Zusammenleben, nichts wirkt so trennend auf die Gemeinschaft wie das Eigentum. She She Pop möchten mit “Oratorium” das Geheimnis des Eigentums lüften, es auf eine Bühne zerren.

Man sagt, das Theater westlicher Ausprägung beginnt mit dem Protagonisten Thespis, der sich vor 2500 Jahren vor den Chor gestellt hat. Man könnte aber auch sagen: In diesem Moment ist die Bühne privatisiert worden. Das Individuum wurde seither konsequent überschätzt, überfordert und emotional ausgebeutet. "Oratorium” möchte ein Schlaglicht auf den Zusammenhang von bürgerlicher Öffentlichkeit, Eigentum und demokratischer Ermächtigung werfen.

Gemeinsam mit dem Chor der lokalen Delegierten und ihrem jeweiligen Publikum werden She She Pop über Eigentum sprechen und auf die eigenen Besitzverhältnisse, die Verteilung der Güter und die damit verbundenen Verwerfungen schauen. Inspiriert von Brechts Lehrstücktheorie entwickeln sie Regeln für den dialogischen Theaterabend und bilden uneinige Sprechchöre, die jeden Abend aufs Neue unseren Umgang mit dem Eigentum verhandeln.

Wer darf sprechen? Wer ist präsent, wer wird repräsentiert? Aus der Vielstimmigkeit, der Uneinigkeit und dem immer nur für Momente zu erreichenden Einklang entsteht ein kollektiver Monolog.


“Oratorium” ist ein work-in-progress, dessen Premiere 2018 am HAU Hebbel am Ufer in Berlin stattfand. Ein erstes Showing war 2017 bei Theaterformen in Hannover zu sehen und es folgten weitere Stationen beim Konfrontacje Teatralne Festival in Lublin und dem ACT Independent Theater Festival Sofia. "Oratorium” war auf einer Reise durch Europa, in deren Verlauf es Momentaufnahmen aus anderen ökonomischen Mikrokosmen gesammelt hat und sich von Station zu Station weiter entwickelt zu einer großen vielstimmigen Andacht.

2019 She She Pop sind mit “Oratorium” zum Theatertreffen Berlin eingeladen. Im Statement der Jury heißt es: “Über Geld redet man nicht. Das Performance-Kollektiv She She Pop schert sich nicht darum und macht das Privateigentum, Ungleichheit und Scham zum Thema. ... She She Pop formieren das Publikum zum vielstimmigen Chor. Wie immer bei She She Pop nistet das Politische im Privaten, im biografischen Material.”

“Let it belong to those it is good for.” (B. Brecht)

Property changes consciousness. It divides friends, gives one person power over others and excludes. Property is taken for granted. And people don’t talk about it. Nothing is so constitutive of our society, or our lives together; nothing has such a divisive effect on our community as property. With “Oratorium”, She She Pop wants to air the secret of property, to drag it out onto a stage.

It is said that Western theatre began with the protagonist Thespis, who stepped out from the choir 2,500 years ago. But you could also say: it was the moment that the stage was privatised. Since then, the individual has been consistently overrated, overburdened and emotionally exploited. “Oratorium” would like to shed some light on the context of the bourgeois public, property and democratic empowerment.

Together with each choir of local delegates and their audience, She She Pop will start a discussion on property and examine their own relationship to ownership, the distribution of goods and its related problems. Inspired by Brecht’s Lehrstücktheorie, they develop rules for a dialogical theatre show and form discordant speaking choruses, which renegotiate with each performance how we deal with property. Who is allowed to speak? Who is present, who is represented? A collective monologue emerges from the diversity of voices, discord, and occasional, momentary harmony.


“Oratorium” is a work-in-progress, which will premiere in 2018 at HAU Hebbel am Ufer in Berlin. First showings took place at Theaterformen 2017 in Hanover and subsequently also at the Konfrontacje Teatralne Festival in Lublin and the ACT Independent Theatre Festival Sofia. Now ORATORIO returns from its tour through Europe, during which it gathered momentary impressions of other economic microcosms and evolved intoa great polyphonic meditation at each stop along the way.

In 2019, She She Pop have been invited to the Theatertreffen in Berlin with their “Oratorium”. The statement from the jury reads: “One doesn’t talk about money. The performance collective She She Pop doesn’t bother with that rule, making private property, inequality and shame the topic of their piece. … She She Pop turns the audience into a choir with multiple voices. As always with She She Pop the political lies in the private, in biographical material.”
Oratorium - Kollektive Andacht zu einem wohlgehüteten Geheimnis
“Dass da gehören soll, was da ist, denen, die für es gut sind.” (B. Brecht)

Eigentum verändert das Bewusstsein. Es trennt Freund*innen, es erteilt Macht über andere, es schließt aus. Eigentum ist selbstverständlich. Und man spricht nicht darüber. Nichts ist so konstituierend für unsere Gesellschaft und unser Zusammenleben, nichts wirkt so trennend auf die Gemeinschaft wie das Eigentum. She She Pop möchten mit “Oratorium” das Geheimnis des Eigentums lüften, es auf eine Bühne zerren.

Man sagt, das Theater westlicher Ausprägung beginnt mit dem Protagonisten Thespis, der sich vor 2500 Jahren vor den Chor gestellt hat. Man könnte aber auch sagen: In diesem Moment ist die Bühne privatisiert worden. Das Individuum wurde seither konsequent überschätzt, überfordert und emotional ausgebeutet. "Oratorium” möchte ein Schlaglicht auf den Zusammenhang von bürgerlicher Öffentlichkeit, Eigentum und demokratischer Ermächtigung werfen.

Gemeinsam mit dem Chor der lokalen Delegierten und ihrem jeweiligen Publikum werden She She Pop über Eigentum sprechen und auf die eigenen Besitzverhältnisse, die Verteilung der Güter und die damit verbundenen Verwerfungen schauen. Inspiriert von Brechts Lehrstücktheorie entwickeln sie Regeln für den dialogischen Theaterabend und bilden uneinige Sprechchöre, die jeden Abend aufs Neue unseren Umgang mit dem Eigentum verhandeln.

Wer darf sprechen? Wer ist präsent, wer wird repräsentiert? Aus der Vielstimmigkeit, der Uneinigkeit und dem immer nur für Momente zu erreichenden Einklang entsteht ein kollektiver Monolog.


“Oratorium” ist ein work-in-progress, dessen Premiere 2018 am HAU Hebbel am Ufer in Berlin stattfand. Ein erstes Showing war 2017 bei Theaterformen in Hannover zu sehen und es folgten weitere Stationen beim Konfrontacje Teatralne Festival in Lublin und dem ACT Independent Theater Festival Sofia. "Oratorium” war auf einer Reise durch Europa, in deren Verlauf es Momentaufnahmen aus anderen ökonomischen Mikrokosmen gesammelt hat und sich von Station zu Station weiter entwickelt zu einer großen vielstimmigen Andacht.

2019 She She Pop sind mit “Oratorium” zum Theatertreffen Berlin eingeladen. Im Statement der Jury heißt es: “Über Geld redet man nicht. Das Performance-Kollektiv She She Pop schert sich nicht darum und macht das Privateigentum, Ungleichheit und Scham zum Thema. ... She She Pop formieren das Publikum zum vielstimmigen Chor. Wie immer bei She She Pop nistet das Politische im Privaten, im biografischen Material.”

“Let it belong to those it is good for.” (B. Brecht)

Property changes consciousness. It divides friends, gives one person power over others and excludes. Property is taken for granted. And people don’t talk about it. Nothing is so constitutive of our society, or our lives together; nothing has such a divisive effect on our community as property. With “Oratorium”, She She Pop wants to air the secret of property, to drag it out onto a stage.

It is said that Western theatre began with the protagonist Thespis, who stepped out from the choir 2,500 years ago. But you could also say: it was the moment that the stage was privatised. Since then, the individual has been consistently overrated, overburdened and emotionally exploited. “Oratorium” would like to shed some light on the context of the bourgeois public, property and democratic empowerment.

Together with each choir of local delegates and their audience, She She Pop will start a discussion on property and examine their own relationship to ownership, the distribution of goods and its related problems. Inspired by Brecht’s Lehrstücktheorie, they develop rules for a dialogical theatre show and form discordant speaking choruses, which renegotiate with each performance how we deal with property. Who is allowed to speak? Who is present, who is represented? A collective monologue emerges from the diversity of voices, discord, and occasional, momentary harmony.


“Oratorium” is a work-in-progress, which will premiere in 2018 at HAU Hebbel am Ufer in Berlin. First showings took place at Theaterformen 2017 in Hanover and subsequently also at the Konfrontacje Teatralne Festival in Lublin and the ACT Independent Theatre Festival Sofia. Now ORATORIO returns from its tour through Europe, during which it gathered momentary impressions of other economic microcosms and evolved intoa great polyphonic meditation at each stop along the way.

In 2019, She She Pop have been invited to the Theatertreffen in Berlin with their “Oratorium”. The statement from the jury reads: “One doesn’t talk about money. The performance collective She She Pop doesn’t bother with that rule, making private property, inequality and shame the topic of their piece. … She She Pop turns the audience into a choir with multiple voices. As always with She She Pop the political lies in the private, in biographical material.”
Von Spar / Eiko Ishibashi / Marker Starling - Einlass: 19 Uhr
Mit dem bemerkenswerten „Under Pressure“ veröffentlichte das Kölner Kollektiv Von Spar im Mai ihr fünftes Album und referiert im Titel dem Pop Chamäleon Bowie. Das macht insofern zwingend Sinn als das sich auch im fünfzehnten Jahr des Bestehens der Band kaum Anachronismen oder Repetition im Oevre finden sondern vielmehr ein feinsinniges Verständnis von Pop, im universellen Sinn, als roter Faden herhält der sich an den Koordinaten Elektronik, Kraut, Minimal oder Post-Rock gekonnt zu Zeitgeistigkeit verspinnt.
Dies findet auch in der eklektischen Auswahl der Gastmusiker*innen Entsprechung, die die stimmliche Vakanz im Gefüge Von Spar auf „Under Pressure“ ausfüllen. Vom Lo-Fi-Anti-Helden R.Stevie Moore, Flying Lizard´ Vivien Goldman, Stereolab’s Laetitia Sadier über Edel Melancholiker Marker Starling hin zur Multiinstrumentalistin und Sängerin Eiko Ishibashi – spannend schon allein die partizipierenden Gäste. Ishibashi und Chris Cummings (Marker Starling) werden den Abend im HAU2 jeweils mit einem Konzert eröffnen, Ishibashi im Trio, Cummings solo, bevor sie exklusiv für den Berlin Auftritt Von Spar unterstützen.

“Under Pressure” is the fifth album by the Cologne collective Von Spar, and that makes perfect sense. The title refers to the hit by Queen and David Bowie and underscores that even in the band’s 15th year there can hardly be found any anachronisms or repetitions in their oeuvre. Rather, their subtle understanding of pop in the universal sense skilfully spins electronic, Kraut, minimal, and post-rock into a music for the zeitgeist. This is also reflected in the eclectic selection of guest musicians that fill the vocal vacancy on “Under Pressure”: from lo-fi antihero R. Stevie Moore, Flying Lizard’s Vivien Goldman, Stereolab’s Laetitia Sadier and classic melancholic Chris Cummings to multi-instrumentalist and singer Eiko Ishibashi. Ishibashi and Cummings (aka Marker Starling) will each begin the evening in HAU2 with a concert, Ishibashi in a trio, Cummings solo, before they – exclusive for the Berlin appearance – join Von Spar for their appearance.