«Drumming out of the Box»: Der Titel ist wörtlich zu verstehen. Denn das Berliner Duo Schlagwerk Voermans öffnet in seinem Programm die riesige Kiste der Schlaginstrumente und präsentiert den kleinen und grossen Konzertbesucher*innen die kunterbunte Vielfalt des Perkussion-Universums — vom Klangholz bis zur Kesselpauke, von verschiedenen Trommelarten bis zu Vibra- und Marimbafon. Frei nach dem Motto «Schläft ein Beat in allen Dingen» verwandeln die beiden Profimusiker*innen aber auch ganz gewöhnliche Alltagsobjekte in Musikinstrumente und entlocken ihnen faszinierende Klänge — Hupen etwa, den Besteckkasten oder Gegenstände aus dem Süsswarenregal. Zwischen den Stücken plaudert das Musikerpaar aus dem Nähkästchen, verrät die besten Grooves zum Nachmachen und verführt dazu, die Welt mit anderen Ohren zu hören. Eine abwechslungsreiche, mitreissende Schlagzeug-Show, bei der das junge Publikum sicher nicht still auf den Stühlen sitzen bleibt.

Dieser Pianist ist einfach anders. Víkingur Ólafsson gesteht freimütig ein, dass er mit dem Begriff «Klassik» wenig anfangen kann: «Man denkt schnell an das alte Rom oder die griechische Antike, an eine ferne Vergangenheit. Aber ich bin doch nicht von gestern.» Lieber will er jedes Stück wie eine Uraufführung angehen. Wie das funktioniert, hat er im vergangenen Sommer in Luzern bewiesen, als er Bachs Goldberg-Variationen wie ein Theatrum mundi gestaltete, mit sprechenden Charakteren. Oder als «Ode an das Leben», wie er es selbst nennt: Es war einer der Höhepunkte des letzten Festivals. Nun kehrt der 40-jährige Isländer mit einer Ikone der Romantik zurück, mit Robert Schumanns Klavierkonzert, das ihm neben Virtuosität auch Poesie und eine gute Portion Humor abfordert. An seiner Seite spielt das Cleveland Orchestra mit seinem Chef Franz Welser-Möst, das vielleicht «europäischste» der amerikanischen Toporchester. Sie interpretieren im zweiten Teil Tschaikowskys Fünfte Sinfonie, eine bewegende Seelenbeichte, die mit ihren sehnsuchtsvollen Melodien, einem entzückenden Walzer und einem Triumphmarsch direkt ins Zauberreich der Musik führt.

Mitglieder des Lucerne Festival Contemporary Orchestra (LFCO)

Ohne Gustav Mahler hätte Sir Simon Rattle wohl einen anderen Beruf ergriffen. Als er zwölf Jahre alt war, hörte er in Liverpool erstmals eine Mahler-Sinfonie — und war hin und weg: «Mir war schon klar, dass ich Musiker werden wollte, aber durch dieses Ereignis wurde ich zum Dirigenten.» Eine Schlüsselrolle spielte für ihn vor allem die Sechste Sinfonie, die «Tragische». Mit ihren martialischen Hammerschlägen nimmt sie das Schicksal vorweg, das Mahler bald darauf ereilen sollte: den Tod seiner kleinen Tochter Maria und die Entdeckung seiner unheilbaren Herzkrankheit. Das apokalyptische Ende der Sinfonie wiederum wirkt wie eine Vorahnung der Katastrophen, die das blutige 20. Jahrhundert der Menschheit bescherte. Rattle dirigierte das visionäre und erschütternde Werk, als er 1987 bei den Berliner Philharmonikern debutierte, und es stand abermals auf dem Programm, als er sich 2018 als Chefdirigent von ihnen verabschiedete. Dass er es jetzt für seinen ersten Luzerner Auftritt mit dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks ausgewählt hat, setzt die Serie eindrucksvoll fort. Die Sechste Mahler ist für Rattle das Stück seines Lebens.

Es war eine Sensation, als beim Luzerner Sommer-Festival 2022 erstmals das Chineke! Orchestra und das Chineke! Junior Orchestra auftraten: zwei Klangkörper, deren Mitglieder hauptsächlich People of Color sind. Das Bild von der klassischen Musik als Domäne der Weissen wurde damit gründlich infrage gestellt. Und das umso mehr, als das künstlerische Ergebnis begeisterte: «Geballte Exzellenz», attestierte Die Zeit dem Chineke! Orchestra und nannte es eines «der musikalisch interessantesten Ensembles, die derzeit um den Globus touren». 2024 findet die Erfolgsgeschichte ihre Fortsetzung, und diesmal stehen gleich drei schwarze Komponist*innen auf dem Programm. Am Anfang erklingt mit der zündenden Ballade op. 33 des Briten Samuel Coleridge-Taylor ein Werk der Spätromantik, das sofort ins Ohr geht. Vielleicht denkt der eine oder die andere da an Tschaikowsky oder Dvořák. Letzterer hat fraglos die Sinfonik der Afroamerikanerin Florence Price beeinflusst. 2022 stellte Yannick Nézet-Séguin in Luzern Prices Erste Sinfonie vor, jetzt erklingt die Nummer 3. Zwischendurch wird es jazzig: mit dem Violinkonzert des legendären Trompeters und Komponisten Wynton Marsalis.

So etwas nennt man wohl Liebe auf den ersten Blick: Theo Plath war fünf Jahre alt, als er mit seiner Familie den Tag der offenen Tür einer Musikschule besuchte und das Fagott für sich entdeckte. Noch als Kindergartenkind erhielt er den ersten Unterricht, entwickelte sich rasch fort, nahm mit fünfzehn sein Studium an der Münchner Musikhochschule auf und begann schon im Jahr darauf mit seiner Solistenkarriere. Natürlich ging er auch als Preisträger aus etlichen Konkurrenzen hervor, etwa aus dem Deutschen Musikwettbewerb, dem Internationalen ARD-Musikwettbewerb oder, mit seinem Monet-Bläserquintett, aus dem Concours International du Chambre de Lyon. Heute gilt Theo Plath als einer der besten Fagottisten weltweit — warum, das wird er bei seinem Luzerner Debut unter Beweis stellen. Neben Originalwerken von Heinz Holliger, Edward Elgar und Daniel Schnyder präsentiert er dabei seine eigene Bearbeitung der Violinsonate von Debussy. Und da Plath auch ein begabter Kommunikator ist, der sich im Projekt «Rhapsody in School» für Jugendliche und Education engagiert, wird er einzelne Stücke selbst kommentieren. Wetten, dass auch Sie danach gerne Fagott spielen würden?

40 Minuten Lucerne Festival für Neugierige: Achtmal stellen wir Ihnen am frühen Abend ausgewählte Künstler*innen und Werke vor — mit Musik und im Gespräch, ganz casual und bei freiem Eintritt. Und für alle, denen 40 Minuten nicht reichen, hätten wir noch am 24. August ein dreiteiliges 40min Open Air.

Am 4. September 1824, genau auf den Tag vor 200 Jahren, wurde Anton Bruckner geboren: Das muss gefeiert werden! Als Gratulant reist das Leipziger Gewandhausorchester an, das Bruckner einst mit der Uraufführung der Siebten Sinfonie seinen grossen Durchbruch bescherte. Das Gewandhausorchester war auch der erste Klangkörper weltweit, der einen kompletten Zyklus der Bruckner-Sinfonien aufführte, und diese Tradition setzt sich bis zum heutigen Tage fort: Unter seinem aktuellen Chef, dem Letten Andris Nelsons, hat das Orchester gerade «alle Neune» auf CD vorgelegt und höchstes Lob von der Kritik geerntet. Zum Festtag haben die Leipziger Bruckners Sechste ausgewählt, die der Komponist selbst als seine «Keckste» bezeichnete. Tatsächlich paart sich hier Spiritualität mit motorischer Energie, Polyrhythmik mit schmachtenden Schleifern, Nonchalance mit Wagner-Reminiszenzen — eine verwegene Mixtur! Zuvor aber gibt es Mozart, das triumphale C-Dur-Klavierkonzert KV 503, das kein Geringerer als der russische Pianisten-Poet Daniil Trifonov spielt. Seine Interpretation des Schumann-Konzerts im vergangenen Sommer war eine Offenbarung. So soll es weitergehen!

Dass Klassik nichts für junge Leute sei, hält Isata Kanneh-Mason für eine Mär. «Sie müssen diese Musik einfach nur mal hören, je jünger desto besser», glaubt sie. Selbst hatte sie das Glück, in einer Familie aufzuwachsen, in der Musik omnipräsent war und alle sieben Kinder ein Instrument erlernten. Teilweise sei es daheim ganz schön laut gewesen, gesteht sie. Allein vier Klaviere gab es in ihrem Elternhaus, und oft wurden sie gleichzeitig bespielt. Aber die Kanneh-Mason-Kinder waren ehrgeizig — mit dem Ergebnis, dass Isata und ihr jüngerer Bruder Sheku mittlerweile Weltstars sind und beide beim Sommer-Festival 2024 auftreten. Die 1996 geborene Isata, die als beste Nachwuchskünstlerin den Opus Klassik erhielt, mit dem Leonard Bernstein Award ausgezeichnet wurde und mit ihren CDs ganz oben in den Charts rangierte, interpretiert Werke von Haydn bis Gubaidulina. Hochvirtuoses ist dabei wie Rachmaninows Klaviertranskription von Mendelssohns Scherzo aus dem Sommernachtstraum, und natürlich darf auch ihre auserkorene Lieblingskomponistin Clara Schumann nicht fehlen. Was es mit alldem auf sich hat, wird Isata Kanneh-Mason im Konzert übrigens selbst verraten.

Als Lisa Batiashvili in Georgien mit dem Violinstudium begann, wollten alle an der Hochschule das Tschaikowsky-Konzert aufführen. Nur sie nicht. Das kennen doch alle, das muss nicht sein, dachte sie sich. Erst als sie schon ein Weltstar war, vor rund zehn Jahren, nahm sich Batiashvili das vielgespielte Werk vor und war überrascht, was eigentlich in den Noten steht: «Da merkst du erst, was aus Gewohnheit und Tradition alles hinzugefügt wurde.» Tschaikowsky pur — schlackenlos, rein und berührend — wird sie mit dem Orchestre de Paris und Klaus Mäkelä zu Gehör bringen. Und die widmen sich im zweiten Teil dann einem Komponisten, für den Neugier das oberste Gebot war: Hector Berlioz vertonte in der Symphonie fantastique seine eigene unglückliche Beziehung zur irischen Schauspielerin Harriet Smithson und führte die Liebesgeschichte zu einem fiktiven, surrealen Ende mit Opiumrausch, Hinrichtung und Hexensabbat. Innovativ wie er war, brachte er dabei zahlreiche neue Klangeffekte zum Einsatz. Beim Ball rauschen die Harfen auf, zur Exekution wirbeln die Trommeln, und beim finalen Totentanz lassen die Geigen mit dem hölzernen Teil des Bogens die Skelette klappern. Ein Heidenspektakel!

«Mit den Wiener Philharmonikern war es Liebe auf den ersten Blick beziehungsweise Ton», gesteht Christian Thielemann, der schon 1987 an der Wiener Staatsoper debutierte und auch dem Orchester aus der Donaumetropole seit bald einem Vierteljahrhundert verbunden ist. Seinen Einstand bei ihnen gab er im Jahr 2000 — mit Richard Strauss. Kein Wunder, ist Thielemann bei diesem Komponisten doch ganz in seinem Element: Er weiss die flutenden Klangwogen zu bändigen, dirigiert ihn nie ungeschlacht oder lärmig, lässt die Musik dafür frei fliessen und verzichtet doch nicht auf die nötige Präzision. Das feine Gespür für die koloristischen Klangeffekte und die subtile Ironie hat er ohnehin. Thielemann interpretiert Strauss’ Heldenleben deshalb auch nicht als masslosen Ego-Trip eines selbstverliebten Künstlers, der sich zum Heros erhebt, sondern unprätentiös und facettenreich. Von diesem Ansatz aus ist der Weg zurück zu Felix Mendelssohn und seiner Schottischen Sinfonie vielleicht gar nicht so weit! Denn in diesem Werk, das auf einer Schottland-Reise des 20-Jährigen gründet, geht es ebenfalls um Klangbilder, da peitschen die Stürme und wogen die Wellen. Selbst Richard Wagner, ein anderes Thielemann-Idol, liess sich später von Mendelssohns Klängen inspirieren. Die Musikwelt ist klein.

Der Brite Sir George Benjamin ist nicht nur einer der bedeutendsten Komponisten der Gegenwart, sondern auch ein grossartiger Dirigent. Weshalb wir ihn in beiden Rollen zum Lucerne Festival Contemporary Orchestra (LFCO) eingeladen haben. Aufführen wird Benjamin mit den jungen Musiker*innen zwei gänzlich verschiedene Konzerte: Der US-Amerikaner Andrew Norman hat ein neues Posaunenkonzert für Jörgen van Rijen komponiert, der eigentlich Soloposaunist des Lucerne Festival Orchestra ist, an diesem Abend aber einen «Seitensprung» wagt. In Benjamins eigenem Concerto for Orchestra aus dem Jahr 2021 dagegen ist das Orchester selbst der Star: Es tanzt und schwelgt, alle Instrumentengruppen dürfen zeigen, was sie können, und immer wieder treten einzelne Musiker*innen mit brillanten Soli hervor. «Dieses Stück ist das Virtuoseste, was ich seit langem komponiert habe», so Benjamin. Als Fest der Klangfarben erweist sich auch Hans Abrahamsens ebenfalls 2021 uraufgeführtes Orchesterstück Vers le Silence, dessen vier Sätze zur Stille als dem Zielpunkt aller Musik streben.

Welchen Klängen lauschte die heilige Franziska von Rom auf dem Sterbebett? Diese Frage stellte sich composer-in-residence Lisa Streich, als sie im Nonnenkloster Tor de’ Specchi ein Fresko betrachtete, das den Tod der Stadtheiligen darstellt: Auf einem Blumenteppich steigt sie auf in den Himmel. Streichs Ensemblestück Francesca versucht eine Antwort zu geben: mit Ahnungen einer herüberklingenden Engelsmusik und mit einem Klavier, das mittels kleiner motorisierter Apparate zum sphärischen Zupfinstrument mutiert. Nicht auf ein Bild, sondern auf Texte bezieht sich der enthusiastische Leser Beat Furrer mit ... cold and calm and moving, das den Rhythmus eines Petrarca-Sonetts aufgreift und mit seinem Titel eine frühe Joyce-Novelle zitiert. Flöte, Harfe und Streichtrio kontrastieren «Bilder der Erstarrung» mit rasenden, wild auffahrenden Passagen. linea dell’orizzonte wiederum erweist sich als Studie über den Schatten, der die (klangliche) Realität verdoppelt, verfremdet und verzerrt.

Eigentlich gehörte Anton Bruckner der Kirche. Als Linzer Domorganist spielte er die Orgel wie kaum ein Zweiter. Er lebte keusch und erfüllte gewissenhaft seine Gebetsverpflichtungen. Doch 1863 hörte er am Linzer Theater erstmals Musik von Richard Wagner, den erotisch aufgeladenen Tannhäuser, der im Venusberg spielt. Bruckner war hin und weg von Wagners Klangsprache mit ihrem satten Bläsersatz, den gewaltigen Steigerungswellen und chromatischen Fortschreitungen. So etwas wollte er nun auch machen — allerdings auf dem Gebiet der Orchestermusik. Seine Erste Sinfonie, abgeschlossen 1866, markiert einen frühen Meilenstein in dieser Entwicklung. Als «keckes Beserl» hat er das Werk bezeichnet, was gewisse Fragen aufwirft. Dachte Bruckner an ein kratzbürstiges Putzgerät oder eher an einen «flotten Feger», also ein fesches Frauenzimmer, wie man zu seiner Zeit gesagt hätte? Bevor Christian Thielemann und die Wiener Philharmoniker das Rätsel lösen, erwartet Sie aber zuerst die neue Preisträgerin des hochdotierten «Credit Suisse Young Artist Award», die phänomenale Cellistin Julia Hagen mit Robert Schumanns erzromantischem Cellokonzert. Sie trat bereits bei den Salzburger Festspielen und beim Festival d’Aix-en-Provence auf, spielte mit Igor Levit und Renaud Capuçon im Trio und wurde unlängst mit der Verleihung des Beethoven-Rings geehrt. Mit Lucerne Festival ist sie auch «genealogisch» verbunden: als Tochter von Clemens Hagen und Schülerin von Jens Peter Maintz, den beiden Solocellisten im Lucerne Festival Orchestra.

Der Doppelgänger. Oper für Solostimmen, Vokalensemble und Orchester
Schweizer Erstaufführung der Oper von Lucia Ronchetti. Libretto von Katja Petrowskaja, nach der gleichnamigen Erzählung von Fjodor Dostojewski.

Lea Desandre ist der neue Stern der Opernszene: Die 1993 geborene französisch-italienische Mezzosopranistin hat ein wunderschönes Timbre, gestaltet delikat und verfügt über das, was man in früheren Zeiten eine «geläufige Gurgel» nannte, also über grenzenlose Koloraturkünste. Bei den Salzburger Festspielen begeisterte sie als Mozarts Despina und Cherubino, in Luzern stahl sie als Annio in La clemenza di Tito fast Cecilia Bartoli die Schau. Kein Wunder, dass ihr 2022 als «Sängerin des Jahres» der Opus Klassik verliehen wurde. Besonders eindrucksvoll sind ihre Projekte mit dem Jupiter Ensemble und dem exzellenten britischen Lautenisten Thomas Dunford, der auch im echten Leben ihr Partner ist. Die Konzerte sind stimmungsvoll choreografiert, und man merkt, dass Desandre auch eine Ballettausbildung absolviert hat. Eigens für Lucerne Festival haben sie nun ein Vivaldi-Programm erarbeitet, mit Opernarien, geistlichen Werken und Concerti, in dem sich alles um Liebe, Eifersucht und Verzweiflung dreht. Und das Ziel? Zu beweisen, dass die sogenannte Alte Musik nicht von gestern, sondern hochaktuell ist.

Vier starke weibliche Stimmen! In Semafor, einer ihrer letzten Partituren, entwickelt die 2023 verstorbene Finnin Kaija Saariaho aus «obsessiven Oktavklängen» und «Glissando-Schreien» ein farbenfrohes Geschehen, turbulent «wie eine belebte Kreuzung in Manhattan zur Rushhour» (New York Classical Review). Ausserdem lernen Sie drei Komponistinnen der jungen Generation kennen: Die Chinesin Yang Song möchte volksmusikalische Elemente in eine zeitgenössische Tonsprache überführen und liess sich dabei vom Obertongesang der Xhosa in Südafrika anregen. Hannah Kendall, Britin mit südamerikanisch-karibischen Wurzeln, thematisiert das Leid der Afrodiaspora, indem sie den Ensembleklang um Walkie-Talkies und Musikboxen erweitert: Neben Bibelversen hören wir bekannte Melodien von Mozart, Beethoven & Co., die zur Zeit der Plantagensysteme komponiert wurden. Die Iranerin Elnaz Seyedi schliesslich konfrontiert in frames II massive Tutti-Akkorde mit kammermusikalischen Passagen, in denen die Interpret*innen grosse gestalterische Freiheit erhalten: «Die Fantasie überlebt, sogar innerhalb eines stark hierarchisch strukturierten Systems, und hat die Kraft, das System zu verändern.»

Die beiden berühmten Komponisten Georg Friedrich Händel und Johann Sebastian Bach hängen viel herum: Seit mehr als 250 Jahren fristen sie ihr Dasein in den Bilderrahmen des Musikzimmers im kleinen Schlossmuseum. Doch allabendlich um Mitternacht, zur Geisterstunde, werden ihre Portraits lebendig. Und dann entbrennt zwischen Bach und Händel ein heftiger Streit: Wer von ihnen war denn nun der bessere Komponist? Mitten in eine dieser nächtlichen Debatten platzt die Museumsführerin Constanze. Um die Rivalen zu versöhnen, lässt sie ein Trio aus Geistermusiker*innen verschiedene Stücke der beiden spielen. Und weil sie eine virtuose Sopranistin ist, versucht sie auch selbst singend zu schlichten. Zunächst ohne Erfolg, denn die Ansichten der beiden Streithähne liegen einfach zu weit auseinander. Aber dann hat sie eine Idee...

Die beiden berühmten Komponisten Georg Friedrich Händel und Johann Sebastian Bach hängen viel herum: Seit mehr als 250 Jahren fristen sie ihr Dasein in den Bilderrahmen des Musikzimmers im kleinen Schlossmuseum. Doch allabendlich um Mitternacht, zur Geisterstunde, werden ihre Portraits lebendig. Und dann entbrennt zwischen Bach und Händel ein heftiger Streit: Wer von ihnen war denn nun der bessere Komponist? Mitten in eine dieser nächtlichen Debatten platzt die Museumsführerin Constanze. Um die Rivalen zu versöhnen, lässt sie ein Trio aus Geistermusiker*innen verschiedene Stücke der beiden spielen. Und weil sie eine virtuose Sopranistin ist, versucht sie auch selbst singend zu schlichten. Zunächst ohne Erfolg, denn die Ansichten der beiden Streithähne liegen einfach zu weit auseinander. Aber dann hat sie eine Idee...

1907 brach für Gustav Mahler die Welt zusammen. Im Juni musste er nach einer antisemitischen Hetzkampagne sein Amt als Wiener Hofoperndirektor niederlegen, am 12. Juli starb seine erst fünfjährige Tochter Maria, und fünf Tage später wurde bei ihm selbst ein unheilbares Herzleiden diagnostiziert. Nach diesen drei Schicksalsschlägen habe er «wie ein Anfänger wieder gehen und stehen lernen» müssen, bekannte er gegenüber dem Dirigenten Bruno Walter. Trost fand Mahler in einem Bändchen mit alter chinesischer Lyrik, die um Liebe und Schönheit, Natur und Vergänglichkeit kreist. Sechs der Gedichte wählte er aus, vertonte sie und veröffentlichte sie als Das Lied von der Erde: eine Sinfonie für Alt, Tenor und Orchester, die mit teils kammermusikalischer Instrumentation und ihrer Tendenz zur Vergeistigung den Beginn seines Spätwerks markiert. Die finnische Dirigentin Susanna Mälkki interpretiert dieses ergreifende Stück bei ihrem Debut mit der Staatskapelle Berlin. Und rückt den frühen sinfonischen Satz Blumine, den Mahler ursprünglich für seine Erste Sinfonie komponiert hatte, an den Beginn des Konzerts. Ein Abend, der unter die Haut zu gehen verspricht.