Matti Klein Soul Trio Live On Tape
(Shuffle Shack Records)
„There´s something about live players that you cannot get with machines: With live musicians, you
can strike a groove, you can feed off each other ... and even though somebody might make a slight
mistake, it´s all real!“
- Isaac Hayes
Es war einmal, vor gar nicht allzu langer Zeit in Berlin. Das Matti Klein Soul Trio, seit der
Veröffentlichung seines Debütalbums im letzten Jahr von London über Tokio bis Rio beliebt, war
damals noch eher eine Idee als eine Band. Die drei Instrumentalisten trafen sich im Berliner Lovelite
Studio mit Jochen Ströh als Produzent und Toningenieur, der dort auch schon mit Helden wie Tony
Allen, Ebo Taylor, Pat Thomas oder Jimi Tenor gearbeitet hatte. An nur drei Tagen im Februar 2018
entstand so ein gut geplantes und noch besser gemachtes One-Room-Recording, eine gemeinsame
Aufnahme ganz im Sinne des einführenden Zitats von Isaac „Groove-A-Thon“ Hayes. Das hört man
der Musik an, in der dieser sagenumwobene Studio-Raum mitschwingt. Man spürt regelrecht, dass es
keine akustische Trennung der Musiker gab, keiner von ihnen Kopfhörer aufhatte, dafür alle den
direkten musikalischen Kontakt fanden, dieses unerklärlich feine Feeling für Interaktion und die
Unmittelbarkeit des Grooves.
Es war, wie gesagt, die erste Studio-Live-Session der damals neu gegründeten Formation, das
Repertoire neue Arrangements von Songs, die hauptsächlich für die Band Mo’ Blow komponiert
wurden – schon damals Hits und durch die spannende neue Soul Trio Instrumentierung endgültig zu
zeitlosen Klassikern avanciert. Denn auch die Besetzung spielt bei diesem „Deep-Fried Contemporary
Soul-Jazz“ eine Hauptrolle. Der Leader an Wurlitzer und Rhodes Bass, bekannt für seine Arbeit als
Musical Director des brasilianischen Superstars Ed Motta oder eben mit Mo’ Blow. Dazu Lars Zander,
bekannt über Bands wie „The Ruffcats“, "El Cartel“, „Lucasonic“ und „STEREOFYSH“, der nicht nur als
wahrscheinlich souligster Tenor-Saxofonist Berlins gilt, sondern auch mit seinem durch analoge Tape-
Delays, Wah-Wah und Harmonizer gezuckerten Bassklarinetten-Sound besticht. An den Drums
schließlich André Seidel, der Elemente von Rock über Hip-Hop bis Odd Meter Fusion zu New Orleans
in seinen unverkennbaren, eigenen Groove-Jazz-Drumming-Style einfließen lässt. (…)
Vom „Rocket Swing“, einem Tenor-Sax-Feature, bei dem Hip-Hop Feel auf einen klassisch-jazzigen
Quintfall trifft, bis zu dem Ray Charles gewidmeten „Ray“, so rund geshuffled und Meters-inspiriert,
dass wahrscheinlich niemand bemerkt, dass der Song eigentlich in 7/8 ist, reicht die Bandbreite. „No
Particular Way“ zeigt die funky Seite der Band mit der Sängerin Pat Appleton in Bestform und
herrlich knarzendem Rhodes Bass. „Sunsqueezed“ lässt einen großen kompositorischen Bogen
entstehen, wenn sich in einem langen grauen 10-monatigen Berliner Winter irgendwann im Februar
ein Sonnenstrahl den Weg durch die Wolken bahnt und Hoffnung für die nächsten 2 Monate graue
Suppe spendet. „Eleven Feels Like Heaven“ ist aus Sicht der Musiker eine glatte Lüge – die Zuhörer
jedoch werden mit einem fröhlich-röhrenden Gospel-Blues und fulminantem Odd-Meter Drum Solo
beglückt. Bisher unveröffentlicht ist diese Aufnahme von „Grandpa’s Fairytale“, dem (…) Großvater
des Bandleaders gewidmet, der es als ehemaliger Schuldirektor liebte, ihm vorzulesen. Wurlitzer-
Wärme trifft auf Bass Klarinetten Groove im Rahmen eines für Soul Jazz Trios eher untypischen
großen dynamischen Bogen. Die Band rollt, wie der Leader sagt, „immer dann ein warmes, weiches
Sofa rein, wenn die Gefahr droht, zwischen den Stühlen sitzen zu müssen“.
Zunächst nur in einer stark limitierten Fan-Edition bei den beliebten Live-Konzerten des Matti Klein
Soul Trios erhältlich, erfolgt nun der offizielle Release dieses Zeitdokuments – auf Vinyl und auch
digital, ergänzt um die schon erwähnte „Grandpa’s Fairytale“. Eine Zeitreise, absolut zeitgemäß und
doch wunderbar „back to the future“.

Wählen Sie aus den Veranstaltungen 2024, drei Veranstaltungen zum Preis von 66,-- Euro

Jedes Kind kennt die Freunde Franz von Hahn, Johnny Mauser und den dicken Waldemar. Die drei werden jedoch vor eine große Herausforderung gestellt, als sie eines Morgens feststellen müssen, dass ein Ei im Hühnerstall fehlt. Die Hennen und Franz haben gleich den Koch in Verdacht. Da der Weg weit ist, machen sie sich mit dem Fahrrad vom Bauern auf. Franz sitzt auf dem Lenker, Waldemar tritt in die Pedale und Johnny hält das Gleichgewicht. Auch ein Segelboot ohne Steuerrad ist für die Freunde kein Problem: Johnny Mauser schwingt das Paddel, Franz von Hahn spannt seine Flügel auf und ist das Segel und der dicke Waldemar ist der Stöpsel fürs Leck. Zusammen befreien sie das Ei aus den Fängen des Kannibalen. Die Hühner feiern mit den drei Helden ein großes Fest, bis der Bauer das Licht im Stall löscht. Im Traum begegnen sich die drei wieder, denn richtige Freunde träumen voneinander. Helme Heine zählt zu den großen Bilderbuchkünstlern der Gegenwart. 1941 wurde er in Berlin geboren und studierte Betriebswirtschaft und Kunst. Anfang der 60er-Jahre reiste er durch Europa und Asien. Aus einem geplanten Auslandsjahr in Südafrika wurden zwölf Jahre, in denen er als Regisseur, Bühnenbildner und Schauspieler arbeitete. Er gründete das politisch-literarische Kabarett Sauerkraut und wurde Mitherausgeber der gleichnamigen satirischen Zeitung. 1976 begann seine internationale Karriere mit »Elefanteneinmaleins«. Es folgte 1977 »Na warte, sagte Schwarte«. Im gleichen Jahr kehrte Heine nach Deutschland zurück und machte eine Bilderbuch-Karriere. Die Freunde Johnny Mauser, Franz von Hahn und der dicke Waldemar sind längst Klassiker und gehören bis heute zu seinen erfolgreichsten Figuren. Seine zahlreichen Bücher wurden in 35 Sprachen veröffentlicht und mit vielen Preisen ausgezeichnet. Die Weltauflage seines Gesamtwerkes beträgt etwa 25 Millionen.

Einlass: 15.30 Uhr

Joe Hisaishi, Münchner Symphoniker & Münchner Motettenchor
Musik der Studio Ghibli Filme von Hayao Miyazaki

Joe Hisaishi
Der renommierter Komponist Joe Hisaishi erlangte Bekanntheit durch seine
eindrucksvolle Zusammenarbeit mit dem japanischern Regisseur Hayao Miyazaki.
Dieser hat 2002 den Oscar für "Spirited Away" als besten animierten Spielfilm
erhalten. Die erfolgreiche Zusammenarbeit erstreckt sich nun bereits über zehn
Filme hinweg, alle für das Animationsstudio Studio Ghibli.
Als faszinierende Konzertproduktion werden Joe Hisaishis berühmte
Filmkompositionen zum Leben erweckt. Diese umfassen beeindruckende Werke
aus Filmen wie "Prinzessin Mononoke," "Mein Nachbar Totoro" und dem
prämierten "Spirited Away." Die Münchner Symphoniker als Orchester und der
Münchner Motettenchor führen diese mitreißenden Stücke unter der Leitung von
Hisaishi selbst auf, kombiniert mit den magischen Szenen aus Miyazakis Filmen
Dieses audiovisuelle Spektakel feierte bereits große Erfolge in Metropolen wie
Tokio, New York, Los Angeles und Melbourne. Die Show begeisterte scon das
französische Publikum und kommt im Mai 2024 erstmals nach Deutschland.

Mai Fujisawa (Sopran, Tochter von Joe)
Mai Fujisawa, geboren 1980, auch bekannt als Mai, ist eine talentierte japanische
Sängerin, Songschreiberin und Texterin. Sie hat drei Studioalben veröffentlicht
und für die Soundtracks verschiedener Medien gearbeitet. Mai hat bei vielen
Gelegenheiten mit ihrem Vater, dem japanischen Komponisten Joe Hisaishi, für
Soundtracks zusammengearbeitet, die er für den japanischen Anime-Regisseur
Hayao Miyazaki und sein Studio Ghibli schrieb.

Ihre musikalische Laufbahn begann sie mit der Arbeit an Soundtracks für Anime-
Filme, darunter "The Wind Rises" und "When Marnie Was There," die von Studio

Ghibli produziert wurden. Neben ihrer Arbeit in der Filmmusik hat Mai Fujisawa
auch eigene Alben veröffentlicht und ihre einzigartige Stimme weiterentwickelt. Ihr
Stil zeichnet sich durch eine Kombination aus folkloristischen Klängen, sanften
Melodien und eindringlichen Gesangsstimmen aus. Mai Fujisawa hat sich als
eigenständige Künstlerin etabliert und setzt die musikalische Tradition ihrer
Familie auf beeindruckende Weise fort.

Studio Ghibli
K.K. Studio Ghibli (jap. 株式会社スタジオジブリ, Kabushiki-gaisha Sutajio Jiburi) ist
ein japanisches Zeichentrickfilmstudio. Bekannte Anime-Produktionen des Studios
sind zum Beispiel Das Schloss im Himmel, Mein Nachbar Totoro, Prinzessin
Mononoke, Chihiros Reise ins Zauberland und Das wandelnde Schloss.

Ausverkauft!

Eine künstlerische Auseinandersetzung mit der Utopie des grenzenlosen Wachstums.
Wir laden Sie und Ihre Freunde herzlich ein zur Ausstellungseröffnung

NICOLAS GROSPIERRE, Photography Degrowth

am Freitag, den 17. Mai 2024, um 19.00 Uhr

Galerie des Polnischen Instituts Düsseldorf, Citadellstr. 7, 40213 Düsseldorf

Der Künstler ist anwesend

Kurator der Ausstellung: Adam Mazur

Öffnungszeiten im Institut während düsseldorf photo+ Wochenende

FR 17. Mai, 18 – 21 Uhr

SA 18. Mai, 12 – 16 Uhr: um 12 Uhr Führung mit Künstler und Kurator

SO 19. Mai, 12 – 16 Uhr

Dauer der Ausstellung: 18.05 – 9.08.2024

Öffnungszeiten der Galerie: Di – Fr 11.00 – 17.00 Uhr

https://www.duesseldorfphotoplus.de/

Nicolas Grospierre gehört zu den bedeutendsten polnischen Gegenwartskünstlern. Er kam 1975 in Genf zur Welt, wuchs in Paris auf und lebt in Warschau. Er wird vor allem mit der Fotografie assoziiert, die er seit fünfundzwanzig Jahren betreibt, doch sein Werk umfasst auch Installationen, Objekte, Kunstbände und Videofilme. Ein Thema, das Grospierre beschäftigt, ist die Utopie des grenzenlosen Wachstums. Am deutlichsten zeigt sich das Illusorische der modernistischen Ideale in Architektur und Stadtplanung, die einen zentralen Gegenstand von Grospierres Interesse bilden. Dafür erhielt er zahlreiche Preise, darunter den Goldenen Löwen der Architektur-Biennale in Venedig (zusammen mit Kobas Laksa). Sie führten zu der Publikationsreihe Modern Forms im Prestel Verlag sowie Ausstellungen in renommierten Institutionen wie der Architecture Association in London.

Die in Photography Degrowth formulierte Kritik ist keine totale, es geht nicht um die Zerstörung oder Abschaffung des Kapitalismus, sondern vielmehr um vertiefte Reflexion, einen Moment des Nachdenkens darüber, wohin unsere Zivilisation führt, was verändert werden muss und was beibehalten werden kann, weil es großartig und inspirierend ist.

Die Ausstellung Photography Degrowth versammelt eine Reihe von ikonischen Fotografien und Objekten Grospierres, die ergänzt werden durch neue, im Polnischen Institut erstmals präsentierte Arbeiten. Jedes der gezeigten Werke bezieht sich auf eine seltsame und nicht offensichtliche Weise auf die Idee des Postwachstums und kreist dabei um Architektur. Neben Werken wie Kolekcja, która rośnie (Die Sammlung, die wächst, 2014 und fortlaufend) oder Dom, który rośnie (Das Haus, das wächst, 2012) werden die Objekte BBL Unltd (2020) und Axonocity (2018) gezeigt. Zu den erstmals öffentlich gezeigten Arbeiten gehören Tetranoi (2021) und Carceri Imaginari (2022).

Jede Einzelausstellung Grospierres ist eine aus einzelnen Elementen komponierte autonome Ganzheit, die dem Besucher das Gefühl vermittelt, eine andere räumliche und mentale Dimension zu betreten. Dieses Gefühl ist nicht leicht in Worte zu fassen, aber anders als es die von Pressetexten begleiteten flachen Reproduktionen von Architektur-Fotografien vermitteln können, handelt es sich um eine sinnliche und einzigartige Erfahrung. Das gilt auch für Photography Degrowth, die Präsentation von Fotografien in einer Spirale, die „rückwächst“, sich entfaltet, zusammenfällt und mäandert, sich den Raum der Galerie aneignet und überwältigt und fasziniert wie die Idee des grenzenlosen Fortschritts und Wachstums.

Adam Mazur Kurator

Aus dem Polnischen von Bernhard Hartmann

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Nicolas Grospierre, Photography Degrowth

Nicolas Grospierre is one of the most outstanding contemporary Polish artists. He was born in Geneva in 1975, grew up in Paris and lives in Warsaw. He is primarily associated with photography, which he has been practising for twenty-five years, but his work also includes installations, objects, art books and video films. One theme that has preoccupied Grospierre since the beginning of the 21st century is the utopia of limitless growth. The illusory nature of modernist ideals is most evident in architecture and urban planning, which form a central object of Grospierre’s interest. He has received numerous awards for his work, including the Golden Lion at the Architecture Biennale in Venice (together with Kobas Laksa). They resulted also in the publication series Modern Forms by Prestel Verlag and exhibitions at renowned institutions such as the Architecture Association in London.

The critique formulated by Grospierre in Photography Degrowth is not a total one, it does not concern either the destruction or abolition of capitalism. It is rather a deeper reflection, a moment of thought about where all this is leading, what needs to be changed and what can be kept because it is great and inspiring.

Each of the exhibited works relates in a subversive and non-obvious way to the idea of post-growth while circulating around architecture. In addition to works such as The Collection that Grows (2014 and on-going) and The House that Grows (2012), there will be also presented BBL Unltd (2020) and Axonocity (2018). Among the works being shown for the first time are Tetranoi (2021) and Carceri Imaginari (2022).

The Photography Degrowth exhibition collects a number of Grospierre’s iconic photographs and objects, which are complemented by new realisations premiered at the Polish Institute Düsseldorf.

Each individual exhibition by Nicolas Grospierre is an autonomous whole composed of individual elements, giving the feeling of entering another spatial and mental dimension. This feeling is not easy to put into words, but unlike the flat reproductions accompanied by press releases, it is a sensual and unique experience. This is also the case with Photography Degrowth, the presentation of photographs in a spiral that „grows back“, unfolds, collapses and meanders. Overtaking the gallery space it stunnigly fascinates like the idea of limitless progress and growth.

Adam Mazur, curator

Translated from Polish by Andrzej Koliński

MO-FR 11.00 - 17.00 Uhr

Joyce Hübner kann sich ein Leben ohne den Laufsport nicht mehr vorstellen: »Wer einmal ein Runner’s High erlebt hat, weiß, wovon ich spreche.« Am 1. Mai 2023 startete sie ihr größtes Projekt, in 143 Tagen Deutschland an der Grenze zu umrunden und dabei insgesamt 5127 Kilometer und 69.656 Höhenmeter in 120 Marathons zurückzulegen. Ganz schön ambitioniert! Die zähe Joyce lässt sich weder von alpinen Bergstrecken mit Schneefeldern stoppen noch von Krankheit, extremer Hitze, Regen oder Wind. In den sozialen Medien, allen voran TikTok, fiebern Hunderttausende mit @runninggirl.joyce mit.
Auch live begleiten sie Hunderte andere begeisterte Läufer:innen und Radler:innen aus der Region, sei es für ein paar Kilometer oder für einen ganzen Marathon.
Eine faszinierende Inspiration für Läufer:innen und solche, die es werden wollenAll ihre Erfahrungen, Begegnungen und Gefühle, hat sie in dem Buch “The Joy(ce) of Running – Der Lauf meines Lebens” festgehalten und kommt Live zu uns nach Düsseldorf.

Einlass: 19:00 Uhr

#1545# Spatz und Engel mit ANNE-CATRIN WAHLS, FELICITAS HADZIK, Daniel Große Boymann Thomas Kahry Ute Willing

Rund sechs Jahre nach ihrem Debütalbum kehrt die aufstrebende Symphonic Metal-Band ELVELLON mit ihrem zweiten Werk und Napalm Records-Debüt zurück: Ascending in Synergy erscheint am 17. Mai 2024 und enthält zehn brandneue Tracks der deutschen Symphonic Metal-Hoffnung. Ascending in Synergy ist der Nachfolger des hochgelobten Erstwerks Until Dawn (2018), das auf die 2015 erschienene EP Spellbound folgte. Das offizielle Musikvideo zum Track „Born From Hope" zählt bis dato über 1,3 Millionen Aufrufe, die EP-Version des Songs wurde weit über 2,5 Millionen Mal auf Spotify gestreamt und im Metal Hammer wurden ELVELLON bereits als „Helden von morgen“ gefeiert. ELVELLON teilten die Bühne bereits mit bedeutenden Szene-Bands wie Visions of Atlantis, außerdem konnten sie ihre einnehmende Live-Präsenz auf zahlreichen Festivalbühnen im In- und Ausland unter Beweis stellen, wie etwa dem RockHarz, M´era Luna oder dem Rock Fest Barcelona.

Das neue Album Ascending in Synergy beweist das herausragende Feingefühl der Formation um Sängerin Nele Messerschmidt, stilistisch gekonnt zwischen den frühen Anfängen des Symphonic Metal auf der einen, und einem modernen, zeitgemäßen Ansatz auf der anderen Seite zu balancieren. Dabei vereinen sie beide Welten zu ihrem ganz eigenen, Sound, der sowohl Genre-Liebhaber als auch neue Fans in den Bann ziehen wird. Der Opener „Unbound" besticht durch gekonnt eingesetzte orchestrale Arrangements sowie die außergewöhnliche Stimme von Sängerin Nele Messerschmidt, die mit hohem Wiedererkennungswert im Genre glänzt. Das darauffolgende „A Vagabond´s Heart" liefert ein spannendes Intro und einige der eingängigsten Refrains auf Ascending in Synergy.

Dramatisch düstere Klanglandschaften und schwere Riffs in Songs wie „Ocean Of Treason" und „The Aftermath Of Life" halten die Spannung hoch und die Hörer*innen tief verwurzelt in der Welt von ELVELLON. Bei Tracks wie „Last Of Our Kind" und dem neunminütigen „The Aeon Tree" kommt die verträumte, cineastische Seite ELVELLONs besonders gut zur Geltung. Letzterer schafft einen perfekten Übergang zum finalen „Epiphany Of Mine", das durch seine Direktheit Kontrast und Harmonie zugleich bietet.

Ascending in Synergy steht für eine klangliche Reise voller Magie und harter Klänge und manifestiert den Status ELVELLONs als eine der aktuell spannendsten und vielversprechendsten Newcomer in der deutschen Symphonic Metal-Szene!

Einlass: 19:30 Uhr

Die Theater Gruppe MUSICAL ILLUSION ist mit Ihrem aktuellen

Bühnenprogramm zu Gast in der Niebuhrg. Lassen Sie sich von der Illusion verzaubern und begeben Sie sich auf eine spannende Reise durch die Welt der Musicals. In über 100 handgefertigten und detailgetreuen

Kostümen unterhalten Sie die 12 Darsteller. Genießen Sie phantastische

Einblicken in 13 verschiedene Musicals. Es erwarten Sie tolle

Tanzchoreographien und viele lustige und ergreifende Momente. Die Reise startet in England auf einem altehrwürdigen Anwesen, streift den Wiener

Kaiserhof, vorbei an der Freiheitsstatur über das Zarenreich Russland und mit „göttlichem Segen“ auf direktem Weg nach Transsilvanien. Durch die

vollendeten Vollplaybacks wird die Illusion zum perfekten Show Genuss.

Da ist garantiert für jeden etwas dabei!

Erleben Sie es selbst…..

Schnoy ist ein Arbeiterkind aus dem Osten Hamburgs, das Dank seines Fleißes nach Blankenese umziehen konnte. Als Wanderer zwischen den gesellschaftlichen Schichten hat er besonders feine Ohren für die Lügen aller politischen Lager und ihrer Lust an Projektionen. Die Natur ist dort am schönsten, wo man sie nur zur Erholung aufsuchen muss. Der Sozialismus ist am verheißungsvollsten, wenn man über ihn mit dem iPhone twittern kann. Verzicht macht Spaß, wenn man alles jederzeit haben kann. Wider besseren Wissens bleibt‘s dabei, denn eine Ideologie stirbt nie.

Schnoys visionäre Auftritte bringen das Publikum zum Nachdenken: Russland in die Nato, Türkei und Tunesien in die EU und Abschaffung der Nationalstaaten in einem vereinten Europa. Reiben Sie sich an seinen Visionen, beim Arzt war er schon. Lassen Sie sich überzeugen. Wo ein Wille ist, ist auch ein Irrweg und je größer der Wille, desto irriger der Weg. Am Ende werden Sie lächelnd sagen: Auch in Wahnsinn steckt Sinn.

Ach und das Wichtigste: Schnoy ist sehr lustig – Sie werden den ganzen Abend lachen. Das ist bezeugt.

Einlass: 19.15 Uhr

Duo.Popp.Roß

Jochen Roß, Mandoline

Jens-Uwe Popp, Gitarre

 

„Durch Raum und Zeit“

Werke von Johann Sebastian Bach, John Dowland, Enrique Granados, Jens-Uwe Popp, Jochen Roß und anderen

 

 „Zwei Seelen – vier Hände – ein Klang…“ (Schleswig-Holsteinische Landeszeitung)

Mit Mandoline und Gitarre begibt sich das Duo.Popp.Roß auf eine Reise „Durch Raum und Zeit“. Seit 1997 reisen der Gitarrist Jens-Uwe Popp und der Mandolinist Jochen Roß musikalisch durch Jahrhunderte und über Kontinente - fasziniert von neuen Klangwelten, die sich für ihre Instrumente eröffneten. Die beiden Musiker verbindet eine grenzenlose Freude am Zuspielen, Vertiefen, Verwerfen und Entwickeln musikalischer Gedanken. Diese enge Verbundenheit ist im aktuellen Programm in der Auswahl ihrer Lieblingsstücke zu hören, die organisch ineinanderfließen. Tänzerisch wandeln die beiden Instrumentalisten von John Dowland zu Enrique Granados, spannen einen Bogen von Eigenkompositionen zu Jazz-Meisterwerken von Jan Johansson und Esbjörn Svensson und lassen Epochengrenzen scheinbar verschwinden. Geprägt von Virtuosität, Eleganz, Dynamik und Tiefe entführt ihr bewundernswert ruhiges und intensives Spiel in Sphären der Ruhe und Besinnlichkeit.

HATCHED ENSEMBLE ist ein poetisches und emotional eindringliches Stück, es arbeitet mit diversem musikalischen Bewegungsmaterial aus der klassischen westlichen Tanzgeschichte und afrikanischen Tanzstilen und Vokalpartituren. HATCHED ENSEMBLE ist, wie der Titel andeutet, ein großes Gruppenstück. Das Ensemble aus zehn Tänzer*innen mit klassischer Ballettausbildung, einer Opernsängerin und einem Live-Musiker widmet sich dem zutiefst persönlichen und herausfordernden Themenkomplex der Körperpolitik. Nyamza und ihre Performer*innen entmystifizieren und dekonstruieren (Geschlechter-)Normen, sie entlarven sexistische und rassistische Zuschreibungen. Wer schon einmal einen Konflikt mit oder eine Verunsicherung der eigenen Identität gespürt hat, wird sich von HATCHED ENSEMBLE besonders angesprochen fühlen.
Die Choreografin, Tänzerin und Aktivistin Mamela Nyamza gehört zu den eigenwilligsten Stimmen der Tanzszene Südafrikas. Ihre expressiven und mutigen Arbeiten sind meist von dringenden, gesellschaftlichen Themen getragen. Mit HATCHED ENSEMBLE adaptiert Nyamza ihr vielbeachtetes Solostück HATCHED aus dem Jahr 2007, eine autobiografische Arbeit, in der die Choreografin ihre widerständige Biografie als lesbische Mutter und Künstlerin zwischen (Tanz-)Kulturen und Identitäten, zwischen Tradition und Transformation reflektiert.

“HATCHED ENSEMBLE powerfully conveys challenging issues of tradition. An insightful, thought-provoking, and deeply moving production” (Daily Dispatch, Sivenathi Gosa)

“Embracing Complexity and Identity in HATCHED ENSEMBLE: The mastery of the performance is its contrast” (CUE, VILIA DUBE)

Dauer: ca. 70 Min.
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HATCHED ENSEMBLE is a poetic and emotionally intense piece: it works with diverse musical movement material from classical Western dance history as well as African dance styles and vocal scores. HATCHED ENSEMBLE is, as the title suggests, a large group piece. The ten-strong dance ensemble with a background of classical ballet training, an opera singer and a live musician pursue the deeply personal and challenging topic of body politics. Nyamza and her performers demystify and deconstruct (gender) norms, exposing sexist and racist ascriptions. Anyone who has ever felt a conflict with or uncertainty about their own identity will feel particularly addressed by HATCHED ENSEMBLE.

Choreographer, dancer, and activist Mamela Nyamza is one of the most idiosyncratic voices on South Africa´s dance scene. Her expressive and courageous works are usually carried by urgent social issues. With HATCHED ENSEMBLE, Nyamza adapts HATCHED, her highly acclaimed 2007 solo piece, an autobiographical work in which the choreographer reflects on her resistant biography as a lesbian mother and artist between (dance) cultures and identities, between tradition and transformation.

“HATCHED ENSEMBLE powerfully conveys challenging issues of tradition. An insightful, thought-provoking, and deeply moving production” (Daily Dispatch, Sivenathi Gosa)

“Embracing Complexity and Identity in HATCHED ENSEMBLE: The mastery of the performance is its contrast” (CUE, VILIA DUBE)

Duration: ca. 70 min.

Der wahrheitsliebende Mensch lügt. Und das nicht zu knapp. Je nachdem, welchem Experten man glauben darf, 25-200 Mal am Tag. Frei nach Präsident Gerald Ford könnte man also sagen: Die Lüge ist der Kleb-stoff, der unsere Gesellschaft zusammenhält.

Und das nicht nur im privaten, nein, auch im öffentlichen Leben. Selbst Pressemeldungen kommen nicht ganz ohne aus. Drum heißt es ja auch im Volksmund: Lügen, wie gedruckt.

Was tun? Soll uns die Wahrheit gestohlen bleiben? Oder sollten wir uns etwa mit der halben begnügen, am besten scheibchenweise serviert? Was aber hätten wir davon, wenn immer alle die Wahrheit sagten? Den Himmel oder die Hölle auf Erden?

Einlass: 19 Uhr

Hier keine Tickets verfügbar

Wählen Sie aus den Veranstaltungen 2024, drei Veranstaltungen zum Preis von 66,-- Euro

Schnelle Nummern zur Lage der Nation - Staffel 2 „Runderneuert“
Es sind stürmische Zeiten, und es ist nicht leicht, im täglichen Nachrichtengewitter die Übersicht zu behalten. Die „Quickies“ sind der Ausweg! In unserem furiosen Sketch- Programm, werden die Ereignisse der Zeit in blitzschnellen Nummern und taufrischen Moderationen seziert. Was morgens durchs Netz rast, landet abends auf unserer Bühne. Es erwartet Sie ein wilder Abend voll mit top-aktueller Satire und vielen schrägen, abgedrehten, saukomischen und scharfen Szenen. Bunte Skizzen zur Zeit, und dazu ein Blick in die kreative Werkstatt des Kom(m)ödchens, die 24/7 aktiv ist. Viel Spaß!

Das Ensemble:
Maike Kühl ,Heiko Seidel, Martin Maier-Bode, Daniel Graf
Eine Produktion von Kay S. Lorentz

Einlass: 19:15 Uhr

Eventuell sind noch Karten an der Abendkasse erhältlich.

Duo.Popp.Roß
Jochen Roß, Mandoline
Jens-Uwe Popp, Gitarre

„Durch Raum und Zeit“
Werke von Johann Sebastian Bach, John Dowland, Enrique Granados, Jens-Uwe Popp, Jochen Roß und anderen

„Zwei Seelen – vier Hände – ein Klang…“ (Schleswig-Holsteinische Landeszeitung)


Mit Mandoline und Gitarre begibt sich das Duo.Popp.Roß auf eine Reise „Durch Raum und Zeit“. Seit 1997 reisen der Gitarrist Jens-Uwe Popp und der Mandolinist Jochen Roß musikalisch durch Jahrhunderte und über Kontinente - fasziniert von neuen Klangwelten, die sich für ihre Instrumente eröffneten. Die beiden Musiker verbindet eine grenzenlose Freude am Zu-spielen, Vertiefen, Verwerfen und Entwickeln musikalischer Gedanken. Diese enge Verbundenheit ist im aktuellen Programm in der Auswahl ihrer Lieblingsstücke zu hören, die organisch ineinanderfließen. Tänzerisch wandeln die beiden Instrumentalisten von John Dowland zu Enrique Granados, spannen einen Bogen von Eigenkompositionen zu Jazz-Meisterwerken von Jan Johansson und Esbjörn Svensson und lassen Epochengrenzen scheinbar ver-schwinden. Geprägt von Virtuosität, Eleganz, Dynamik und Tiefe entführt ihr bewundernswert ruhiges und intensives Spiel in Sphären der Ruhe und Besinnlichkeit.

Abendkasse ab 19 Uhr, Einlass ab 19:30 Uhr

#1545# Spatz und Engel mit ANNE-CATRIN WAHLS, FELICITAS HADZIK, Daniel Große Boymann Thomas Kahry Ute Willing