Eine künstlerische Auseinandersetzung mit der Utopie des grenzenlosen Wachstums.
Wir laden Sie und Ihre Freunde herzlich ein zur Ausstellungseröffnung

NICOLAS GROSPIERRE, Photography Degrowth

am Freitag, den 17. Mai 2024, um 19.00 Uhr

Galerie des Polnischen Instituts Düsseldorf, Citadellstr. 7, 40213 Düsseldorf

Der Künstler ist anwesend

Kurator der Ausstellung: Adam Mazur

Öffnungszeiten im Institut während düsseldorf photo+ Wochenende

FR 17. Mai, 18 – 21 Uhr

SA 18. Mai, 12 – 16 Uhr: um 12 Uhr Führung mit Künstler und Kurator

SO 19. Mai, 12 – 16 Uhr

Dauer der Ausstellung: 18.05 – 9.08.2024

Öffnungszeiten der Galerie: Di – Fr 11.00 – 17.00 Uhr

https://www.duesseldorfphotoplus.de/

Nicolas Grospierre gehört zu den bedeutendsten polnischen Gegenwartskünstlern. Er kam 1975 in Genf zur Welt, wuchs in Paris auf und lebt in Warschau. Er wird vor allem mit der Fotografie assoziiert, die er seit fünfundzwanzig Jahren betreibt, doch sein Werk umfasst auch Installationen, Objekte, Kunstbände und Videofilme. Ein Thema, das Grospierre beschäftigt, ist die Utopie des grenzenlosen Wachstums. Am deutlichsten zeigt sich das Illusorische der modernistischen Ideale in Architektur und Stadtplanung, die einen zentralen Gegenstand von Grospierres Interesse bilden. Dafür erhielt er zahlreiche Preise, darunter den Goldenen Löwen der Architektur-Biennale in Venedig (zusammen mit Kobas Laksa). Sie führten zu der Publikationsreihe Modern Forms im Prestel Verlag sowie Ausstellungen in renommierten Institutionen wie der Architecture Association in London.

Die in Photography Degrowth formulierte Kritik ist keine totale, es geht nicht um die Zerstörung oder Abschaffung des Kapitalismus, sondern vielmehr um vertiefte Reflexion, einen Moment des Nachdenkens darüber, wohin unsere Zivilisation führt, was verändert werden muss und was beibehalten werden kann, weil es großartig und inspirierend ist.

Die Ausstellung Photography Degrowth versammelt eine Reihe von ikonischen Fotografien und Objekten Grospierres, die ergänzt werden durch neue, im Polnischen Institut erstmals präsentierte Arbeiten. Jedes der gezeigten Werke bezieht sich auf eine seltsame und nicht offensichtliche Weise auf die Idee des Postwachstums und kreist dabei um Architektur. Neben Werken wie Kolekcja, która rośnie (Die Sammlung, die wächst, 2014 und fortlaufend) oder Dom, który rośnie (Das Haus, das wächst, 2012) werden die Objekte BBL Unltd (2020) und Axonocity (2018) gezeigt. Zu den erstmals öffentlich gezeigten Arbeiten gehören Tetranoi (2021) und Carceri Imaginari (2022).

Jede Einzelausstellung Grospierres ist eine aus einzelnen Elementen komponierte autonome Ganzheit, die dem Besucher das Gefühl vermittelt, eine andere räumliche und mentale Dimension zu betreten. Dieses Gefühl ist nicht leicht in Worte zu fassen, aber anders als es die von Pressetexten begleiteten flachen Reproduktionen von Architektur-Fotografien vermitteln können, handelt es sich um eine sinnliche und einzigartige Erfahrung. Das gilt auch für Photography Degrowth, die Präsentation von Fotografien in einer Spirale, die „rückwächst“, sich entfaltet, zusammenfällt und mäandert, sich den Raum der Galerie aneignet und überwältigt und fasziniert wie die Idee des grenzenlosen Fortschritts und Wachstums.

Adam Mazur Kurator

Aus dem Polnischen von Bernhard Hartmann

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Nicolas Grospierre, Photography Degrowth

Nicolas Grospierre is one of the most outstanding contemporary Polish artists. He was born in Geneva in 1975, grew up in Paris and lives in Warsaw. He is primarily associated with photography, which he has been practising for twenty-five years, but his work also includes installations, objects, art books and video films. One theme that has preoccupied Grospierre since the beginning of the 21st century is the utopia of limitless growth. The illusory nature of modernist ideals is most evident in architecture and urban planning, which form a central object of Grospierre’s interest. He has received numerous awards for his work, including the Golden Lion at the Architecture Biennale in Venice (together with Kobas Laksa). They resulted also in the publication series Modern Forms by Prestel Verlag and exhibitions at renowned institutions such as the Architecture Association in London.

The critique formulated by Grospierre in Photography Degrowth is not a total one, it does not concern either the destruction or abolition of capitalism. It is rather a deeper reflection, a moment of thought about where all this is leading, what needs to be changed and what can be kept because it is great and inspiring.

Each of the exhibited works relates in a subversive and non-obvious way to the idea of post-growth while circulating around architecture. In addition to works such as The Collection that Grows (2014 and on-going) and The House that Grows (2012), there will be also presented BBL Unltd (2020) and Axonocity (2018). Among the works being shown for the first time are Tetranoi (2021) and Carceri Imaginari (2022).

The Photography Degrowth exhibition collects a number of Grospierre’s iconic photographs and objects, which are complemented by new realisations premiered at the Polish Institute Düsseldorf.

Each individual exhibition by Nicolas Grospierre is an autonomous whole composed of individual elements, giving the feeling of entering another spatial and mental dimension. This feeling is not easy to put into words, but unlike the flat reproductions accompanied by press releases, it is a sensual and unique experience. This is also the case with Photography Degrowth, the presentation of photographs in a spiral that „grows back“, unfolds, collapses and meanders. Overtaking the gallery space it stunnigly fascinates like the idea of limitless progress and growth.

Adam Mazur, curator

Translated from Polish by Andrzej Koliński

MO-FR 11.00 - 17.00 Uhr

Einlass: 19.00 Uhr

Wählen Sie aus den Veranstaltungen 2024, drei Veranstaltungen zum Preis von 66,-- Euro

Elektrik Ladyland

Zum zweiten Mal startet am 21.06. im Kult-Venue DER HOF in der Ratinger Straße in Düsseldorf das ELEKTRIK LADYLAND - diesmal mit ELA, MARISABELLE und als Support RIKA BENDER. Die vom Düsseldorf k22 music Label Anfang des Jahres ins Leben gerufene Konzert-Reihe stellt jeweils zwei FLINTA Artists, die es national schon zu Beachtung in der deutschen Szene gebracht haben, als Doppel-Headliner vor und lädt dazu einen Newcomer Artist als Support ein. Ziel der Reihe ist es insbesondere gezielt Auftrittsmöglichkeiten für weibliche Künstlerinnen zu schaffen und gleichzeitig Düsseldorf wieder auf den Tourplan der deutschen Indie- und Popszene zu bringen.

MARISABELLE

Marisabelle macht mit ihrem Dark Pop-Universum wahre Emotionen erlebbar, ohne dabei cheesy zu sein. Ihre feinsinnigen Texte entspringen ihrem persönlichen Tagebuch, in dem sie die Reizüberflutungen der hektischen Welt verarbeitet. In ihren Liedern berührt sie die Themen Queerness und (Freundschafts-)Beziehungen. Sie will vor allem eins: Der Safe Space für ihre Sweethearts sein, den sie selbst nie hatte. 

ELA

Anfangs noch stark vom Trap geprägt, hat sich ELAs Musik mit der Zeit in einen modernen Mix aus Dark Wave und Pop gewandelt. Stilistisch orientiert sie sich an den 2000ern und neben der Neuen Deutschen Welle auch an Post-Punk und Sowjet-Einflüssen - sind ihre Eltern doch erst kurz vor ihrer Geburt von Russland nach Deutschland ausgewandert. Ihre Songs sind sehr introspektiv und thematisieren neben dem Erwachsenwerden in der Großstadt auch das Vereinen der Kulturen, in denen sie aufgewachsen ist.

RIKA BENDER (support)

RIKA BENDER schnappt sich die glänzende Synth-Pop Kanone und katapultiert uns zurück in das schillernde Achtziger-Jahre-Universum. Da wo die Bässe grooven, die Synthesizer-Melodien süchtig machen und die Drummachine einen unwiderstehlichen Beat in unsere Adern pumpt. Eine gnadenlose Fusion aus gestern und heute. Der Sound lässt Erinnerungen an die grossen (Synthie-) Bands der 80er Jahre aufkommen – Talk Talk, OMD, die Pet Shop Boys oder die Thompson Twins lassen grüßen.

Lecture-Performance mit tanzendem Avatar und hyperrealen meta humans

In Sometimes, I see the Future erforscht Choy Ka Fai Telepräsenz und digital zirkulierende Tänze aus der Perspektive von Cosplaying. Cosplay ermöglicht eine bestimmte Manifestation des Seins, eine Möglichkeit, neue Gemeinschaften zu schaffen – und gleichzeitig die Erfahrung des Andersseins. Jenseits der spielerischen Selbstdarstellung und der populären Unterhaltungsform wird Cosplaying hier zum Startpunkt einer Untersuchung posthumaner Welten.

„Tanz existiert überall in unseren sozialen Medien. Ich schaffe ein extremes Selbstporträt, das von künstlicher Intelligenz, Renderfarmen, Chatbots, Cosplays, Twitch-Streaming und virtuellen YouTuber*innen inspiriert ist. Es ist jedoch nicht wirklich ein Selbstporträt, sondern das, was wir im Zeitalter der beschleunigten digitalen Kultur alle sein wollen/können/werden. Ich interessiere mich für den Diskurs darüber, wie wir uns in Richtung Web 3.0 bewegen, wie wir Technologie in Zukunft dezentralisieren und wie wir in Zukunft menschlich sein können.“ (Choy Ka Fai)

Dauer ca. 60 Min.

In englischer Sprache.
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Lecture Performance with Dancing Avatar and Hyperreal Meta-Humans

In Sometimes I see the Future, Choy Ka Fai examines telepresence and digitally circulating dances from a cosplay perspective. Cosplay allows for a certain manifestation of being, a way to create new communities – as well as the simultaneous experience of being different. Beyond playful self-expression and popular entertainment, cosplaying here becomes the starting point for an investigation of post-human worlds.

"Dance exists everywhere on our social media. I create an extreme self-portrait inspired by artificial intelligence, render farms, chatbots, cosplays, Twitch streaming, and virtual YouTubers. However, it is not a real self-portrait, it is rather what we all want/can/will be in the age of accelerated digital culture. I am interested in the discourse on how we are approaching Web 3.0, how we will decentralise technology in the future, and how we can be human in the future." (Choy Ka Fai)

In English

Seit 35 JAHREN die authentischste The Police- und Sting-Tibuteband der Welt!

Als sich Reggatta de Blanc 1988 zu einer THE POLICE Tributeband formierten, ahnte noch niemand, dass es jemanden auf dieser Welt gibt, dessen Stimme der von Police-Frontmann Sting nicht nur ähnelt, sondern fast gleich kommt. „Purer, aber schöner Zufall“, dachte sich Reggatta-Sänger Michael Griese bei seiner ersten Probe mit seinen Jungs im April `88. Für Griese bis heute ein für ihn besonderes, wertvolles Geschenk.

Mittlerweile sind einige Jahre vergangen, über 1.500 Konzerte in sämtlichen Clubs und Open Airs der Republik und im Ausland gespielt und alles auf die Bühne gezaubert, was Stings Feder über die letzten 40 Jahre auf‘s Papier gebracht hat. Denn man darf nicht vergessen, dass der ehemalige Lehrer aus dem Norden Englands nach seiner Zeit mit The Police ab 1985 als Solist weitergemacht und unzählige Hits veröffentlicht hat. Es gibt nur wenige Künstler auf dieser Welt, die ein solch vergleichbare Erfolgsgeschichte aufweisen und der Welt so viele Hits geschenkt haben.

Die Erfolgsgeschichte von The Police begann im Jahr 1978 mit dem Klassiker „Roxanne“, es folgten, um nur einige wenige zu nennen, „So lonely“ und „Message in a bottle“ sowie „Don’t stand so close to me“ oder „Every little things she does is magic“ und es gipfelte im letzten Album des Trios in Stings erfolgreichstem Werk „Every breath you take“. (Noch heute werden Herrn Sumner, wie Sting im eigentlichen Leben heißt, nur allein aus den Tantiemen dieses einen Liedes für Radioplays monatlich fünfstellige Beträge auf sein Konto überwiesen.)

Reggatta de Blanc haben im Frühjahr 1988 in blutjungem Alter mit der Gründung ihrer The Police-Tributeband also alles richtig gemacht. Und hier sei die Betonung auf TRIBUTEBAND gelenkt, denn 17 Jahre lang wurde am Sound, an der Performance sowie an der Bühnenshow des ehemals erfolgreichsten Rock-Trios der 80er Jahre gefeilt und diese nahezu perfektioniert, bis man sich, auch bedingt durch den Besetzungswechsel in der Band, an die großen Hits aus Stings Solozeit (die bis heute anhält) wagte: „Set them free“, „Englishman in New York“, „Fragile“, „Fields of Gold“, „Desert Rose“, „Can’t stop thinking about you“ und „Don’t make me wait“, sind nur einige, die der mehrfache Grammy-Gewinner nach seiner Police-Zeit komponierte und im Zuge von 12 Studio- und 4 Live-Alben veröffentlichte.

Einlass: 18.30 Uhr

Am 20. 05. 2023 konzertierte die in Nettetal lebende Pianistin Mengfei Gu im Rahmen des NetteKulturFestivals in der Alten Kirche in Nettetal. Sie bestritt den Konzertabend zusammen mit der Pianistin Yuliia Shlemkevych.
Daraus entstand die Idee, unter ihrer künstlerischen Leitung eine Konzertreihe am gleichen Ort zu etablieren.
Diese Idee hat sehr schnell Gestalt angenommen, so dass in der kommenden Spielzeit insgesamt fünf Konzerte stattfnden können. Es handelt sich um Klavierabende mit ganz unterschiedlichen Programmen, dargeboten von meist jungen, erstklassigen Pianistinnen und Pianisten, die noch ganz am Anfang ihrer Karriere stehen.

14. Oktober 2023
Matsuri Yoshida und ihre Professorin Gesa Lücker befassen sich in ihrem Konzert mit der deutschen Romantik. Sie spielen, neben bekannten Stücken von Franz Schubert und Robert Schumann, auch Werke der Komponistinnen Clara Schumann und Luise Adolpha Le Beau. Romantische Miniaturen, liedhaft und poetisch, die sich gegenseitig ergänzen und bereichern.

Die Pianistin Matsuri Yoshida wurde 1996 in Aichi (Japan) geboren. Sie studierte Master of Music Klavier-Solo bei Professorin Gesa Lücker an der Hochschule für Musik und Tanz in Köln. Davor schloss sie ihren Bachelor an der Hochschule für Musik ab. Während ihres Studiums errang sie verschiedene Preise.

Gesa Lücker wurde in Braunschweig geboren, erhielt ihre Ausbildung an der Hochschule für Musik, Theater und Medien in Hannover. Zahlreiche Konzertreisen führen Gesa Lücker regelmässig durch ganz Deutschland, die USA, China und europäische Staaten. Sie spielte, unter anderem, im großen Sendesaal des NDR Hannover, der Yamaha Hall und der Carnegie Hall in New York und der Londoner Wigmore Hall.
Ihre CD-Aufnahmen, bei Genuin und Wergo erschienen, erhielten beste Kritiken. Im Oktober 2010 wurde sie als Professorin für Klavier an die Hochschule für Musik und Tanz Köln berufen.
gesaluecker.com

04. Mai 2024
Ekaterina Litvintseva spielt drei Klavierstücke von Schubert. Sie ist Spezialistin für Rachmaninoff, aktuell im Repertoire sind die Moments Musicaux Op.16. Ihr Programm umfasst aber auch Stücke von Debussy.
Ekaterina Litvintseva, aufgewachsen in Anadyr im nordöstlichsten Teil Russlands am Beringmeer. Mit 15 Jahren ging sie nach Moskau an die Staatliche Chopin-Musikhochschule, die vor allem die emotionale Seite ihres Klavierspiels geprägt hat. Mit dem Wechsel nach Deutschland, zuerst an die HfMT Köln und anschließend an die HfM Würzburg in der Meisterklasse von Bernd Glemser, lernte sie das Klavierspiel von einer neuen, analytischen Seite kennen. Aus diesen Erfahrungen entwickelte sie in
ihren höchst individuellen Klavierstil. Eine besondere Prägung erhielt Ekaterina Litvintseva zudem durch den Unterricht bei Robert Kulek, Rudolf Kehrer und Andrzej Jasinski.
Ekaterina Litvintseva konzertiert international als Solistin mit renommierten Orchestern in Russland, Polen, Deutschland, Italien, Israel und Rumänien. Sie hat sie verschiedene CD‘s heraus herausgebracht, die
im Handel zu erwerben sind.
ekaterinalitvintseva.com

01. Juni 2024
Eri Nohira wurde in Sapporo (Japan) geboren. Sie absolvierte ihr Klavierstudium an der Toho-Gakuen Hochschule für Musik in Tokio bei Prof. Nobuhito Nakai. Ab 2015 setzte sie ihr Studium in Deutschland fort und absolvierte sowohl ihren Master im Fach Klavier, als auch ihr Konzertexamen an der Hochschule für Musik in Freiburg bei Prof. Christoph Sischka. Anschließend erlangte sie einen weiteren Masterabschluss an der Hochschule für Musik, Theater und Medien Hannover im Fach Kammermusik Klavier bei Prof. Markus
Becker mit ausgezeichneter Leistung.“

Mengfei Gu nahm an diversen Wettbewerben teil.
Auswahl: 2017 Klavierwettbewerb der Internationalen Musikakademie Anton Rubinstein in Düsseldorf (Finalistin), International Piano competition, Mailand (2. Preis), 2019 International Piano competition „Clavis Bavaria“, Reichersbeuern (1. Preis) und Sonderpreis für Barockmusik, Auszeichnung von Piano Auer, Miesbach. Weiterhin hat sie an Meisterkursen bei Prof. Christopher Hinterhuber, Prof. Patricia Pagny, Prof. Kazimierz Gierzod, Prof. Solomon Mikowsky, Prof. Gerald Fauth, Ingrid Fliter und Prof. Vladimir Tropp teilgenommen.
mengfeipiano.com

Programm:
Beide Pianistinnen spielen abwechselnd solo und im Duo. Das Programm beginnt mit Mozarts bekannten vierhändigen Variationen über das Lied „Ah, vous dirai-je, Maman“ KV 265. Zu den weiteren Programmpunkten zählen Schuberts „Militärmarsch“ Nr. 1, Händels Chaconne HWV 435 und Debussys „Petite Suite“.

22. Juni 2024
Wataru Hisasue spielt Werke von Mendelsson Batholdy, Fanny Hensel und eine Auswahl aus den Préludes von Claude Debussy. Wataru Hisasue wurde 1994 in Kyoto (Japan) geboren und begann im Alter von fünf Jahren Klavier zu spielen.
Solistisch spielte er u.a. mit dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, der Württembergischen Philharmonie Reutlingen und dem Japan Century Symphony Orchestra.
Im Jahr 2022 trat er als Solist in der Philharmonie Berlin mit dem Akademischen Orchester Berlin unter der Leitung von Andreas Schüller auf. Gefördert wurde er als Stipendiat der Heiwado-Stiftung, der Rohm-Musik-Stiftung in Japan, der Freunde-Junger-Musiker Berlin e.V. und der Carl-Bechstein-Stiftung. Nach der Ausbildung bei Prof. Gilead Mishory in Freiburg und bei Prof. Emmanuel Strosser in Paris studiert
er an der Universität der Künste Berlin bei Prof. Pascal Devoyon und Prof. Klaus Hellwig und erreichte dort 2023 den Master-Abschluss.
wataruhisasue.com

Einlass. ab ca 17:30 Uhr

Lecture-Performance mit tanzendem Avatar und hyperrealen meta humans

In Sometimes, I see the Future erforscht Choy Ka Fai Telepräsenz und digital zirkulierende Tänze aus der Perspektive von Cosplaying. Cosplay ermöglicht eine bestimmte Manifestation des Seins, eine Möglichkeit, neue Gemeinschaften zu schaffen – und gleichzeitig die Erfahrung des Andersseins. Jenseits der spielerischen Selbstdarstellung und der populären Unterhaltungsform wird Cosplaying hier zum Startpunkt einer Untersuchung posthumaner Welten.

„Tanz existiert überall in unseren sozialen Medien. Ich schaffe ein extremes Selbstporträt, das von künstlicher Intelligenz, Renderfarmen, Chatbots, Cosplays, Twitch-Streaming und virtuellen YouTuber*innen inspiriert ist. Es ist jedoch nicht wirklich ein Selbstporträt, sondern das, was wir im Zeitalter der beschleunigten digitalen Kultur alle sein wollen/können/werden. Ich interessiere mich für den Diskurs darüber, wie wir uns in Richtung Web 3.0 bewegen, wie wir Technologie in Zukunft dezentralisieren und wie wir in Zukunft menschlich sein können.“ (Choy Ka Fai)

Dauer ca. 60 Min.

In englischer Sprache.
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Lecture Performance with Dancing Avatar and Hyperreal Meta-Humans

In Sometimes I see the Future, Choy Ka Fai examines telepresence and digitally circulating dances from a cosplay perspective. Cosplay allows for a certain manifestation of being, a way to create new communities – as well as the simultaneous experience of being different. Beyond playful self-expression and popular entertainment, cosplaying here becomes the starting point for an investigation of post-human worlds.

"Dance exists everywhere on our social media. I create an extreme self-portrait inspired by artificial intelligence, render farms, chatbots, cosplays, Twitch streaming, and virtual YouTubers. However, it is not a real self-portrait, it is rather what we all want/can/will be in the age of accelerated digital culture. I am interested in the discourse on how we are approaching Web 3.0, how we will decentralise technology in the future, and how we can be human in the future." (Choy Ka Fai)

In English

Wählen Sie aus den Veranstaltungen 2024, drei Veranstaltungen zum Preis von 66,-- Euro

Interessierte Schulen und LehrerInnen können sich anmelden bei: andrzej.kolinski@instytutpolski.pl

POLE-POSITION. Der „Polnische Projekttag für NRW-Schulen geht auf eine gemeinsame Initiative des Polnischen Instituts Düsseldorf und des Ministeriums für Schule und Weiterbildung NRW im Frühjahr 2005 zurück. Durch die konsequente Regularität und das Ansprechen aller Schulformen hat das Bildungsprojekt einen Ausnahme-Charakter erreicht.

Die inzwischen oft mehrmals im Monat stattfindende ganztägige – für die Schulen kostenfreie – Veranstaltung richtet sich an SchülerInnen ab der Sekundarstufe II, die sich für Austauschbesuche mit polnischen Schulen bzw. –Klassen vorbereiten wollen, oder die etwas mehr über Polen erfahren möchten. Die Projekteinheiten: Crashkurs durch die polnisch-deutsche Geschichte; Workshops Kulturelle Gemeinsamkeiten und Unterschiede zwischen Polen und Deutschen; Junge Szene in Polen; Polen im Internet; Polnische Literatur; Schnupperkurs Polnisch; Landeskunde Polen; Politik: Polen-Deutschland-EU verschaffen den Schülerinnen und Schülern der weiterführenden Schulen einen attraktiv gestalteten, modernen und zugleich umfassenden Blick auf ihren Nachbarn.

 

Nach Vereinbarung

Einlass: 19.00 Uhr

Mord nach Noten
Schlager können tödlich sein

„Mord nach Noten“ – die neue Komödie von Autor Thomas Schiffmann und Produzent Holger Hagemeyer; nach Erfolgen wie „Schlager lügen nicht“, Toast Hawaii“, Sommer der Liebe“ und „Vier im Revier“ das neue Gute-Laune-Musical im Theater an der Niebuhrg!

Die Schlagerbranche feiert sich selbst mit einer Riesenparty auf dem Anwesen von Robert „Robby“ Deichsler, dem erfolgreichen Plattenproduzenten.

Mitten im Trubel ist Robby plötzlich spurlos verschwunden.

Während die einen ihn fieberhaft suchen, stellt sich bei anderen heraus, dass sie ihn lieber so hätten, wie er ist: Nämlich ein für allemal weg.

Nicht nur ein- oder zwei der anwesenden Schlagerstars und -sternchen haben allen Grund, Robby nicht das Beste zu wünschen, und als sich die schreckliche Wahrheit offenbart, stehen gleich mehrere Partygäste im Verdacht, ein furchtbares Verbrechen begangen zu haben.

Kommissar Schluck von der Kripo Duisburg staunt nicht schlecht, welche Abgründe sich hinter der glitzernden Fassade der Schlagerwelt auftun können…




Regie: James Wood
Buch: Thomas Schiffmann
Produktion: Holger Hagemeyer

Eine künstlerische Auseinandersetzung mit der Utopie des grenzenlosen Wachstums.
Wir laden Sie und Ihre Freunde herzlich ein zur Ausstellungseröffnung

NICOLAS GROSPIERRE, Photography Degrowth

am Freitag, den 17. Mai 2024, um 19.00 Uhr

Galerie des Polnischen Instituts Düsseldorf, Citadellstr. 7, 40213 Düsseldorf

Der Künstler ist anwesend

Kurator der Ausstellung: Adam Mazur

Öffnungszeiten im Institut während düsseldorf photo+ Wochenende

FR 17. Mai, 18 – 21 Uhr

SA 18. Mai, 12 – 16 Uhr: um 12 Uhr Führung mit Künstler und Kurator

SO 19. Mai, 12 – 16 Uhr

Dauer der Ausstellung: 18.05 – 9.08.2024

Öffnungszeiten der Galerie: Di – Fr 11.00 – 17.00 Uhr

https://www.duesseldorfphotoplus.de/

Nicolas Grospierre gehört zu den bedeutendsten polnischen Gegenwartskünstlern. Er kam 1975 in Genf zur Welt, wuchs in Paris auf und lebt in Warschau. Er wird vor allem mit der Fotografie assoziiert, die er seit fünfundzwanzig Jahren betreibt, doch sein Werk umfasst auch Installationen, Objekte, Kunstbände und Videofilme. Ein Thema, das Grospierre beschäftigt, ist die Utopie des grenzenlosen Wachstums. Am deutlichsten zeigt sich das Illusorische der modernistischen Ideale in Architektur und Stadtplanung, die einen zentralen Gegenstand von Grospierres Interesse bilden. Dafür erhielt er zahlreiche Preise, darunter den Goldenen Löwen der Architektur-Biennale in Venedig (zusammen mit Kobas Laksa). Sie führten zu der Publikationsreihe Modern Forms im Prestel Verlag sowie Ausstellungen in renommierten Institutionen wie der Architecture Association in London.

Die in Photography Degrowth formulierte Kritik ist keine totale, es geht nicht um die Zerstörung oder Abschaffung des Kapitalismus, sondern vielmehr um vertiefte Reflexion, einen Moment des Nachdenkens darüber, wohin unsere Zivilisation führt, was verändert werden muss und was beibehalten werden kann, weil es großartig und inspirierend ist.

Die Ausstellung Photography Degrowth versammelt eine Reihe von ikonischen Fotografien und Objekten Grospierres, die ergänzt werden durch neue, im Polnischen Institut erstmals präsentierte Arbeiten. Jedes der gezeigten Werke bezieht sich auf eine seltsame und nicht offensichtliche Weise auf die Idee des Postwachstums und kreist dabei um Architektur. Neben Werken wie Kolekcja, która rośnie (Die Sammlung, die wächst, 2014 und fortlaufend) oder Dom, który rośnie (Das Haus, das wächst, 2012) werden die Objekte BBL Unltd (2020) und Axonocity (2018) gezeigt. Zu den erstmals öffentlich gezeigten Arbeiten gehören Tetranoi (2021) und Carceri Imaginari (2022).

Jede Einzelausstellung Grospierres ist eine aus einzelnen Elementen komponierte autonome Ganzheit, die dem Besucher das Gefühl vermittelt, eine andere räumliche und mentale Dimension zu betreten. Dieses Gefühl ist nicht leicht in Worte zu fassen, aber anders als es die von Pressetexten begleiteten flachen Reproduktionen von Architektur-Fotografien vermitteln können, handelt es sich um eine sinnliche und einzigartige Erfahrung. Das gilt auch für Photography Degrowth, die Präsentation von Fotografien in einer Spirale, die „rückwächst“, sich entfaltet, zusammenfällt und mäandert, sich den Raum der Galerie aneignet und überwältigt und fasziniert wie die Idee des grenzenlosen Fortschritts und Wachstums.

Adam Mazur Kurator

Aus dem Polnischen von Bernhard Hartmann

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Nicolas Grospierre, Photography Degrowth

Nicolas Grospierre is one of the most outstanding contemporary Polish artists. He was born in Geneva in 1975, grew up in Paris and lives in Warsaw. He is primarily associated with photography, which he has been practising for twenty-five years, but his work also includes installations, objects, art books and video films. One theme that has preoccupied Grospierre since the beginning of the 21st century is the utopia of limitless growth. The illusory nature of modernist ideals is most evident in architecture and urban planning, which form a central object of Grospierre’s interest. He has received numerous awards for his work, including the Golden Lion at the Architecture Biennale in Venice (together with Kobas Laksa). They resulted also in the publication series Modern Forms by Prestel Verlag and exhibitions at renowned institutions such as the Architecture Association in London.

The critique formulated by Grospierre in Photography Degrowth is not a total one, it does not concern either the destruction or abolition of capitalism. It is rather a deeper reflection, a moment of thought about where all this is leading, what needs to be changed and what can be kept because it is great and inspiring.

Each of the exhibited works relates in a subversive and non-obvious way to the idea of post-growth while circulating around architecture. In addition to works such as The Collection that Grows (2014 and on-going) and The House that Grows (2012), there will be also presented BBL Unltd (2020) and Axonocity (2018). Among the works being shown for the first time are Tetranoi (2021) and Carceri Imaginari (2022).

The Photography Degrowth exhibition collects a number of Grospierre’s iconic photographs and objects, which are complemented by new realisations premiered at the Polish Institute Düsseldorf.

Each individual exhibition by Nicolas Grospierre is an autonomous whole composed of individual elements, giving the feeling of entering another spatial and mental dimension. This feeling is not easy to put into words, but unlike the flat reproductions accompanied by press releases, it is a sensual and unique experience. This is also the case with Photography Degrowth, the presentation of photographs in a spiral that „grows back“, unfolds, collapses and meanders. Overtaking the gallery space it stunnigly fascinates like the idea of limitless progress and growth.

Adam Mazur, curator

Translated from Polish by Andrzej Koliński

MO-FR 11.00 - 17.00 Uhr

Wählen Sie aus den Veranstaltungen 2024, drei Veranstaltungen zum Preis von 66,-- Euro

Mord nach Noten
Schlager können tödlich sein

„Mord nach Noten“ – die neue Komödie von Autor Thomas Schiffmann und Produzent Holger Hagemeyer; nach Erfolgen wie „Schlager lügen nicht“, Toast Hawaii“, Sommer der Liebe“ und „Vier im Revier“ das neue Gute-Laune-Musical im Theater an der Niebuhrg!

Die Schlagerbranche feiert sich selbst mit einer Riesenparty auf dem Anwesen von Robert „Robby“ Deichsler, dem erfolgreichen Plattenproduzenten.

Mitten im Trubel ist Robby plötzlich spurlos verschwunden.

Während die einen ihn fieberhaft suchen, stellt sich bei anderen heraus, dass sie ihn lieber so hätten, wie er ist: Nämlich ein für allemal weg.

Nicht nur ein- oder zwei der anwesenden Schlagerstars und -sternchen haben allen Grund, Robby nicht das Beste zu wünschen, und als sich die schreckliche Wahrheit offenbart, stehen gleich mehrere Partygäste im Verdacht, ein furchtbares Verbrechen begangen zu haben.

Kommissar Schluck von der Kripo Duisburg staunt nicht schlecht, welche Abgründe sich hinter der glitzernden Fassade der Schlagerwelt auftun können…




Regie: James Wood
Buch: Thomas Schiffmann
Produktion: Holger Hagemeyer

Eine künstlerische Auseinandersetzung mit der Utopie des grenzenlosen Wachstums.
Wir laden Sie und Ihre Freunde herzlich ein zur Ausstellungseröffnung

NICOLAS GROSPIERRE, Photography Degrowth

am Freitag, den 17. Mai 2024, um 19.00 Uhr

Galerie des Polnischen Instituts Düsseldorf, Citadellstr. 7, 40213 Düsseldorf

Der Künstler ist anwesend

Kurator der Ausstellung: Adam Mazur

Öffnungszeiten im Institut während düsseldorf photo+ Wochenende

FR 17. Mai, 18 – 21 Uhr

SA 18. Mai, 12 – 16 Uhr: um 12 Uhr Führung mit Künstler und Kurator

SO 19. Mai, 12 – 16 Uhr

Dauer der Ausstellung: 18.05 – 9.08.2024

Öffnungszeiten der Galerie: Di – Fr 11.00 – 17.00 Uhr

https://www.duesseldorfphotoplus.de/

Nicolas Grospierre gehört zu den bedeutendsten polnischen Gegenwartskünstlern. Er kam 1975 in Genf zur Welt, wuchs in Paris auf und lebt in Warschau. Er wird vor allem mit der Fotografie assoziiert, die er seit fünfundzwanzig Jahren betreibt, doch sein Werk umfasst auch Installationen, Objekte, Kunstbände und Videofilme. Ein Thema, das Grospierre beschäftigt, ist die Utopie des grenzenlosen Wachstums. Am deutlichsten zeigt sich das Illusorische der modernistischen Ideale in Architektur und Stadtplanung, die einen zentralen Gegenstand von Grospierres Interesse bilden. Dafür erhielt er zahlreiche Preise, darunter den Goldenen Löwen der Architektur-Biennale in Venedig (zusammen mit Kobas Laksa). Sie führten zu der Publikationsreihe Modern Forms im Prestel Verlag sowie Ausstellungen in renommierten Institutionen wie der Architecture Association in London.

Die in Photography Degrowth formulierte Kritik ist keine totale, es geht nicht um die Zerstörung oder Abschaffung des Kapitalismus, sondern vielmehr um vertiefte Reflexion, einen Moment des Nachdenkens darüber, wohin unsere Zivilisation führt, was verändert werden muss und was beibehalten werden kann, weil es großartig und inspirierend ist.

Die Ausstellung Photography Degrowth versammelt eine Reihe von ikonischen Fotografien und Objekten Grospierres, die ergänzt werden durch neue, im Polnischen Institut erstmals präsentierte Arbeiten. Jedes der gezeigten Werke bezieht sich auf eine seltsame und nicht offensichtliche Weise auf die Idee des Postwachstums und kreist dabei um Architektur. Neben Werken wie Kolekcja, która rośnie (Die Sammlung, die wächst, 2014 und fortlaufend) oder Dom, który rośnie (Das Haus, das wächst, 2012) werden die Objekte BBL Unltd (2020) und Axonocity (2018) gezeigt. Zu den erstmals öffentlich gezeigten Arbeiten gehören Tetranoi (2021) und Carceri Imaginari (2022).

Jede Einzelausstellung Grospierres ist eine aus einzelnen Elementen komponierte autonome Ganzheit, die dem Besucher das Gefühl vermittelt, eine andere räumliche und mentale Dimension zu betreten. Dieses Gefühl ist nicht leicht in Worte zu fassen, aber anders als es die von Pressetexten begleiteten flachen Reproduktionen von Architektur-Fotografien vermitteln können, handelt es sich um eine sinnliche und einzigartige Erfahrung. Das gilt auch für Photography Degrowth, die Präsentation von Fotografien in einer Spirale, die „rückwächst“, sich entfaltet, zusammenfällt und mäandert, sich den Raum der Galerie aneignet und überwältigt und fasziniert wie die Idee des grenzenlosen Fortschritts und Wachstums.

Adam Mazur Kurator

Aus dem Polnischen von Bernhard Hartmann

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Nicolas Grospierre, Photography Degrowth

Nicolas Grospierre is one of the most outstanding contemporary Polish artists. He was born in Geneva in 1975, grew up in Paris and lives in Warsaw. He is primarily associated with photography, which he has been practising for twenty-five years, but his work also includes installations, objects, art books and video films. One theme that has preoccupied Grospierre since the beginning of the 21st century is the utopia of limitless growth. The illusory nature of modernist ideals is most evident in architecture and urban planning, which form a central object of Grospierre’s interest. He has received numerous awards for his work, including the Golden Lion at the Architecture Biennale in Venice (together with Kobas Laksa). They resulted also in the publication series Modern Forms by Prestel Verlag and exhibitions at renowned institutions such as the Architecture Association in London.

The critique formulated by Grospierre in Photography Degrowth is not a total one, it does not concern either the destruction or abolition of capitalism. It is rather a deeper reflection, a moment of thought about where all this is leading, what needs to be changed and what can be kept because it is great and inspiring.

Each of the exhibited works relates in a subversive and non-obvious way to the idea of post-growth while circulating around architecture. In addition to works such as The Collection that Grows (2014 and on-going) and The House that Grows (2012), there will be also presented BBL Unltd (2020) and Axonocity (2018). Among the works being shown for the first time are Tetranoi (2021) and Carceri Imaginari (2022).

The Photography Degrowth exhibition collects a number of Grospierre’s iconic photographs and objects, which are complemented by new realisations premiered at the Polish Institute Düsseldorf.

Each individual exhibition by Nicolas Grospierre is an autonomous whole composed of individual elements, giving the feeling of entering another spatial and mental dimension. This feeling is not easy to put into words, but unlike the flat reproductions accompanied by press releases, it is a sensual and unique experience. This is also the case with Photography Degrowth, the presentation of photographs in a spiral that „grows back“, unfolds, collapses and meanders. Overtaking the gallery space it stunnigly fascinates like the idea of limitless progress and growth.

Adam Mazur, curator

Translated from Polish by Andrzej Koliński

MO-FR 11.00 - 17.00 Uhr

Lecture-Performance mit tanzendem Avatar und hyperrealen meta humans

In Sometimes, I see the Future erforscht Choy Ka Fai Telepräsenz und digital zirkulierende Tänze aus der Perspektive von Cosplaying. Cosplay ermöglicht eine bestimmte Manifestation des Seins, eine Möglichkeit, neue Gemeinschaften zu schaffen – und gleichzeitig die Erfahrung des Andersseins. Jenseits der spielerischen Selbstdarstellung und der populären Unterhaltungsform wird Cosplaying hier zum Startpunkt einer Untersuchung posthumaner Welten.

„Tanz existiert überall in unseren sozialen Medien. Ich schaffe ein extremes Selbstporträt, das von künstlicher Intelligenz, Renderfarmen, Chatbots, Cosplays, Twitch-Streaming und virtuellen YouTuber*innen inspiriert ist. Es ist jedoch nicht wirklich ein Selbstporträt, sondern das, was wir im Zeitalter der beschleunigten digitalen Kultur alle sein wollen/können/werden. Ich interessiere mich für den Diskurs darüber, wie wir uns in Richtung Web 3.0 bewegen, wie wir Technologie in Zukunft dezentralisieren und wie wir in Zukunft menschlich sein können.“ (Choy Ka Fai)

Dauer ca. 60 Min.

In englischer Sprache.
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Lecture Performance with Dancing Avatar and Hyperreal Meta-Humans

In Sometimes I see the Future, Choy Ka Fai examines telepresence and digitally circulating dances from a cosplay perspective. Cosplay allows for a certain manifestation of being, a way to create new communities – as well as the simultaneous experience of being different. Beyond playful self-expression and popular entertainment, cosplaying here becomes the starting point for an investigation of post-human worlds.

"Dance exists everywhere on our social media. I create an extreme self-portrait inspired by artificial intelligence, render farms, chatbots, cosplays, Twitch streaming, and virtual YouTubers. However, it is not a real self-portrait, it is rather what we all want/can/will be in the age of accelerated digital culture. I am interested in the discourse on how we are approaching Web 3.0, how we will decentralise technology in the future, and how we can be human in the future." (Choy Ka Fai)

In English

Interessierte Schulen und LehrerInnen können sich anmelden bei: andrzej.kolinski@instytutpolski.pl

POLE-POSITION. Der „Polnische Projekttag für NRW-Schulen geht auf eine gemeinsame Initiative des Polnischen Instituts Düsseldorf und des Ministeriums für Schule und Weiterbildung NRW im Frühjahr 2005 zurück. Durch die konsequente Regularität und das Ansprechen aller Schulformen hat das Bildungsprojekt einen Ausnahme-Charakter erreicht.

Die inzwischen oft mehrmals im Monat stattfindende ganztägige – für die Schulen kostenfreie – Veranstaltung richtet sich an SchülerInnen ab der Sekundarstufe II, die sich für Austauschbesuche mit polnischen Schulen bzw. –Klassen vorbereiten wollen, oder die etwas mehr über Polen erfahren möchten. Die Projekteinheiten: Crashkurs durch die polnisch-deutsche Geschichte; Workshops Kulturelle Gemeinsamkeiten und Unterschiede zwischen Polen und Deutschen; Junge Szene in Polen; Polen im Internet; Polnische Literatur; Schnupperkurs Polnisch; Landeskunde Polen; Politik: Polen-Deutschland-EU verschaffen den Schülerinnen und Schülern der weiterführenden Schulen einen attraktiv gestalteten, modernen und zugleich umfassenden Blick auf ihren Nachbarn.

 

Nach Vereinbarung

Einlass: 18:00 Uhr