Keine andere Band in der Geschichte der Popmusik hat der Welt ein derartig fantastisches musikalisches Gesamtwerk geschenkt wie die vier Schweden Agnetha Fältskog, Anni-Frid Lyngstad, Björn Ulvaeus und Benny Andersson. Keiner anderen Band ist es gelungen, sage und schreibe vier Generationen an Fans und Musikliebhabern so zu fesseln und zu begeistern wie die Band ABBA es erreicht hat.

Mit “Waterloo” eroberte ABBA die weltweiten Charts und die Herzen der Menschen im Sturm! Der Sieg beim Grand Prix in Brighton 1974 machte die sympathischen Schweden über Nacht zur bekanntesten Pop-Band dieser Zeit. Es folgte Hit auf Hit: “Mamma Mia”, “SOS“, “Super Trouper”, “Knowing Me Knowing You”, “Chiquitita”, “Money Money Money” und viele mehr!

ABBA – The Concert fängt die Faszination dieser großartigen Band und der dazugehörigen Ära perfekt ein. ABBAMUSIC, bestehend aus acht italienischen Vollblutmusikern, lässt die großen Hits detailgetreu erklingen, LIVE und dennoch in musikalischer Studioqualität. Eine professionelle Lichtshow unterstreicht mit den knalligen Farben der Siebziger den unverwechselbaren Retro-Look.
Authentisch, leidenschaftlich, mitreißend – eine großartige Bühnenshow!

Mit mehr als 350 Millionen verkauften Alben weltweit gehört ABBA zu den kommerziell erfolgreichsten Bands und ein Ende der ABBA – Mania ist nicht abzusehen! Die Faszination und Popularität der unvergesslichen Ohrwürmer ist ungebrochen – auch dank des weltweit erfolgreichen Musicals „Mamma Mia“ und den gleichnamigen Filmen.

Das „neue“ ABBA-Fieber hat längst auch die heute jungen Musikfans ergriffen, die nicht selten zusammen mit ihren Eltern zu ABBA – The Concert kommen. Die verrückten Siebziger kehren zurück - mit Schlaghosen, Plateauschuhen, Hotpants, Minirock und den fantastischen Hits der legendären schwedischen Superstars.

Einlass: 19:00 Uhr

Es erklingen die schönsten Stücke einer langen und atemberaubenden musikalischen Erfolgsgeschichte!

Einlass und Abendkasse ab 16:00Uhr

Um seine Geliebte Marie und ihr gemeinsames uneheliches Kind über Wasser zu halten, verdingt sich der einfache Soldat Woyzeck zusätzlich als Diener seines Hauptmanns und als medizinischer Proband. Dem Sadismus des Arztes und der Willkür des Hauptmanns ausgeliefert, erfährt Woyzeck Demütigungen, Diffamierungen und Ohnmacht. Als Woyzeck schließlich von Maries Liaison mit dem Tambourmajor erfährt, wendet er seine Verzweiflung in Gewalt.

Als Dichter des Vormärz, der Zeit vor den bürgerlichen Revolutionen des 19. Jahrhunderts, ist Georg Büchner exemplarischer Vertreter der „engagierten Literatur“ und zugleich Protokollant der gesellschaftlichen Umbrüche. Lange vor Gerhart Hauptmann, Arthur Schnitzler und Siegmund Freud lässt er seinen Franz Woyzeck fragen, „was das ist in uns, das stiehlt, hurt und mordet“. Das Elend der Ohnmacht über die eigene Lage lässt sich kaum klarer und verzweifelter zum Ausdruck bringen.

WOYZECK ist die erste Arbeit der Regisseurin Anna Frick für das Staatstheater Cottbus. Die Inszenierungen der Preisträgerin des Körber-Studios für junge Regie 2016 sind bekannt für ihre fließenden Übergänge zwischen Sprechtheater, Performance, Tanz und Musik. In ihrer Inszenierung in der Kammerbühne konzentriert sie sich auf Woyzecks von Zwängen beherrschte Gefühlslage, seine inneren Stimmen und sein Gehetztsein durch eine Welt, die kein Erbarmen kennt.

Deutsch von Ursula Lyn

Michael Frayn verfasste mit DER NACKTE WAHNSINN ein Theaterstück über ein Theaterstück.

Mit viel Humor, großer Geschwindigkeit und exakt gesetztem Rhythmus beschreibt er eine Tourneetheatertruppe, die unmittelbar vor der Premiere der Komödie „Nackte Tatsachen“ steht. Es ist kurz nach Mitternacht am Abend vor der Premiere, der Zustand der Truppe ist desolat, aber alle machen weiter.

Dabei geht es eben um die realen Probleme des Theaters wie des Lebens: Zwischenmenschliches, Anspannung, Gerüchte, stetige Unterfinanzierung, Eifersuchtsdramen, körperliche Schwächen, das Gefühl, nicht vorzukommen. Mit einem ironischen Augenzwinkern und voller Liebe zum Theater zeigt das Stück, was sich hinter der Bühne abspielt und sonst im Theater verborgen bleibt und bleiben soll.

Das Elend und die Freuden der Welt spiegeln sich im Kleinen, im Theaterkosmos, Theater als Weltverbesserunsgsapparat scheitert hier an sich selbst. Damit bringt Frayn dem Theater in sehr humorvoller Weise die größtmögliche Wertschätzung entgegen, ohne es dabei selbst zu ernst zu nehmen. Die ständige Verschiebung der Ebenen und Perspektiven des Geschehens vor, auf und hinter der Bühne zeigen das Theater im Theater als eine Bühne des Lebens.

Libretto von Emanuel Schikaneder

Mit zahlreichen Abenteuern, skurrilen Begegnungen, viel Humor und der große Liebe wartet das Märchen für Jung und Alt auf, zu dem Mozart seine schönsten Melodien komponiert hat. Mit der Leichtigkeit der Jugend und zugleich der tiefen Einsicht eines Alterswerkes vollendete der 35-jährige Mozart seine wohl bekannteste und beliebteste Oper 1791 wenige Monate vor seinem eigenen Tod.

Als Rückblick auf das Leben erzählt Regisseur Tomo Sugao die Geschichte der ZAUBERFLÖTE. Pamina und Tamino lassen am Rand des Todes ihre gemeinsame Biografie Revue passieren, schwelgen in Erinnerungen und fragen sich, wie sie die geworden sind, die sie heute sind.

Kennengelernt hat Tamino seine spätere Frau zunächst auf einem Bild, das ihn so fasziniert, dass er sich gleich auf den Weg macht, sie zu finden. Begleitet wird er dabei von Papageno, der ihn wie ein komplementäres Puzzleteil zu ergänzen scheint. Sucht der eine Erkenntnis und Weisheit, genügen dem anderen die einfachen Freuden des Lebens wie Essen und Trinken. Eine Partnerin wünschen sich allerdings beide, auch wenn hier die Ideale durchaus unterschiedlich ausfallen.

Ihr Weg führt die Suchenden vom Reich der Königin der Nacht in Sarastros Herrschaftsgebiet, wo nicht nur zahlreiche Aufgaben und Prüfungen auf sie warten, sondern schließlich auch die Erfüllung all ihrer Wünsche.

New York 1922. Die großen, ausufernden Partys auf dem Anwesen von Jay Gatsby sind legendär. Glanz, Schönheit und die ekstatische Sehnsucht nach Glück vereinen die Menschen bei Tanz und Champagner. Gatsby hat gelernt, alles zu sein, was die Welt von ihm zu sein verlangt, doch der Preis für seine Inszenierung ist hoch. Sein künstliches Paradies soll seine verlorene Liebe beeindrucken, aber bald wird sein Traum zum Trugbild – und Gatsby muss feststellen, dass sich die wahren Träume nicht mit Geld erfüllen lassen. DER GROSSE GATSBY gilt als Sinnbild des gescheiterten „American Dream“.

In Ströbitz wird Fitzgeralds Roman durch poetisches Material ergänzt. Die Gedichte aus der Feder des zeitgenössischen Lyrikers Ocean Voung, erweitert den Stoff um die Ebene der unaussprechlichen Sehnsüchte und unterbewussten Begierden und Ängste. Die poetische, ambivalente und artifizielle Sprache bereichert dabei Fitzgeralds pragmatische Alltagssprache, die er seinen von satter Langeweile strotzenden Figuren in den Mund legte.

Der Musiker Thorsten Drücker gestaltet zusammen mit dem singenden Schauspielensemble die musikalische Welt für die Inszenierung zwischen der Musik der 1920er-Jahre, zeitgenössischem Pop, Schlagerhits und den Evergreens der 80er und 90er.

Mit originalgetreuen Gin-Cocktails, Champagnerflüssen und Paillettenkleidern sowie schwingenden Hüften und gut geölten Stimmen stellt das Ensemble einen Abend auf die Bühne, der zart hinterfragt, was unter der Oberfläche gärt und trotzdem den Glamour und die Eleganz der 1920er Jahre nach Ströbitz holt.

Eines Tages erscheint Alice ein sprechendes Kaninchen, dem sie in eine kuriose Welt folgt. Hier gelten andere Regeln als Alice sie von zu Hause gewohnt war und so entspinnt sich eine abenteuerliche Reise mit Begegnungen verrückter Gestalten wie der Grinsekatze, dem Hutmacher oder der Herzkönigin. Alice wechselt fortan Größe und Sprache, vergisst alles, was sie je wusste, und lernt Dinge, die sie nie kannte. Scheint das Wunderland auch zauberhaft verwunschen, ist zugleich das Albtraumhafte ihr ständiger Begleiter. Nur mit der Kraft ihrer Phantasie und kindlicher Unerschrockenheit kann sie dort bestehen.

Mit „Alice im Wunderland“ und „Alice hinter den Spiegeln“ etablierte Lewis Carroll Mitte des 19. Jahrhunderts das traumhafte Schreiben, den literarischen Nonsens als adäquate Antwort auf eine sich mechanisierende Welt. Mit Hilfe der phantasievollen Verdrehung der herrschenden Logik stellt er diese nicht bloß aus, sondern befreit sich gleichermaßen von ihr. Und so hat es Alice nicht nur zur Heldin des Wunderlands, sondern ebenso zur generationsübergreifenden Pop-Ikone geschafft.

Hausregisseur Philipp Rosendahl kreiert mit einem künstlerischen Team, welches zum ersten Mal in dieser sprudelnden Kombination seine in Cottbus erprobte wie geschätzte Kreativität bündelt, eine neue musikalische Erzählung um Ikone ALICE, die eine – wenn auch verrückte – Pause von der Normalität herzustellen vermag.

URAUFFÜHRUNG

Das Stück von Tennessee Williams, das seine Figuren mit all ihren Sehnsüchten, Wünschen, aber auch ihren Verletzungen und Grausamkeiten auf die Bühne bringt, ist wie ein Tanz zwischen zwei Welten: der rauen Wirklichkeit und einer utopischen Wunschvorstellung.

Die Bahnlinie mit der Endstation „Sehnsucht“ bringt Blanche in einen ärmlichen Stadtteil von New Orleans zu ihrer Schwester Stella. Das Leben hier ist geprägt von einer wiederholt eskalierenden, doch ständig latenten Gewalt gegen Frauen. Stella hat sich mit diesem Dasein abgefunden. Blanche dagegen will die Realität nicht hinnehmen. Beharrlich verschließt sie die Augen vor allem Unangenehmen und denkt sich die Welt lieber, wie sie sein sollte.

Choreograf Martin Chaix erzählt die Geschichte von Blanche als Rückblick. Ihn interessieren dabei vor allem Fragen nach dem Umgang einer Gesellschaft mit Frauen. Diese sind heute genauso aktuell wie zur Entstehungszeit des Dramas in den 1940-er Jahren. Chaix setzt sich mit dem Themenkreis der alltäglichen Gewalt und toxischer Beziehungen auseinander. Dabei verrät seine Auswahl an Musik einerseits den Jazz-Liebhaber, andererseits spiegelt sie eine bewusste Entscheidung für Komponist*innen afroamerikanischer Herkunft wider, die viel zu selten gespielt werden. Auch hier sieht Chaix die Gelegenheit, Licht darauf zu werfen, was allzu oft im Schatten bleibt.

Das Stück von Tennessee Williams wie auch die Ballett-Version von Martin Chaix enthaltenSzenen, in denen (sexualisierte) Gewalt dargestellt wird. Die Aufführung ist daher für Kinder unter 13 Jahren nicht geeignet.

DIE MENSCHLICHE STIMME
Musiktragödie in einem Akt von Francis Poulenc, Text von Jean Cocteau, Deutsch von Wolfgang Binal

und

KOPF IN DEN WOLKEN
Musiktheater von Claudia Meyer und Michael Wilhelmi (UA)

Wie sehr sich unsere Kommunikation verändert hat, zeigen die letzten Jahre deutlich. Zunehmend drohen der direkte Austausch und die persönliche Begegnung verloren zu gehen. Technische Hilfsmittel bieten nur bedingt Ersatz und lassen immer mehr zu, sich hinter der Wirklichkeit zu verschanzen.

Bereits 1930 thematisierte Jean Cocteau in DIE MENSCHLICHE STIMME den Konflikt zwischen Distanz und Intimität anhand eines Telefongesprächs. Der Text, in dem es um Scheitern oder Fortführen einer Beziehung geht, gibt nur die Seite der Frau wieder. Francis Poulenc machte daraus einer Mono-Oper für eine Sänger-Darstellerin, die mit Verschleierungen, Zwischentönen und Missverständnissen um ihre Zukunft ringt.

Stand zu Poulencs Zeiten einzig das Telefon als indirektes Kommunikationsmittel zur Verfügung, gibt es heute gleich mehrere mehr oder weniger smarte Medien, die der Kommunikation dienen, ihr aber dabei jegliche Körperlichkeit entziehen. Mit ihrem neu für Cottbus entwickelten Musiktheaterprojekt KOPF IN DEN WOLKEN denken die Regisseurin Claudia Meyer und der Komponist Michael Wilhelmi Poulencs Monooper weiter und entwerfen ein Bild unserer post-pandemischen Gesellschaft, das die Erfahrungen von Einschränkung, Isolation und Vergänglichkeit reflektiert.

URAUFFÜHRUNG

Das für Cottbus entstandene Recherchestück erzählt eine Cottbuser Geschichte rund um fünf Figuren, die den Chancen und Herausforderungen des Strukturwandels unterschiedlich begegnen.

Nach dem Tod ihres Großvaters kehrt die junge Journalistin Carla in ihre Heimatstadt Cottbus zurück. Im Haus ihres Opas findet sie einen Ordner mit der Aufschrift „KRAFTWERK – für Carla“. Darin befinden sich stapelweise Dokumente mit Informationen über die Firma LEAG, um Vattenfall, das Kraftwerk Jänschwalde, den Ostsee und die Gigawattfactory. Als Carla beginnt sich näher damit zu beschäftigen, trifft sie auf völlig unterschiedliche Menschen: Sie begegnet der Nachbarin ihres Opas, einer ehemaligen Aktivistin, deren Zuhause schon zweimal abgebaggert wurde. Der Freund ihres Sohnes kämpft für die grüne Zukunft der LEAG. Und dessen Chef wiederum sorgt sich für den Fall eines Kohleausstiegs um die Versorgungssicherheit. Es entspinnt sich eine Geschichte um die Kohleindustrie und ihre Zukunft, die zudem von Alternativen und Utopien und von den Chancen und dem Scheitern gemeinsamer Gespräche erzählt.

Autor Calle Fuhrs vielstimmiges und humorvolles Theaterstück basiert auf Recherchen des investigativ-journalistischen Kollektivs CORRECTIV, deren Ergebnisse, bspw. zur Lage der Wasserversorgung der Region, bereits veröffentlicht sind. Darüber hinaus begleiteten sie die Produktion bis zum Premierentag mit laufenden Recherchen. Die neuesten Resultate wurden tagesaktuell zur Premiere von CORRECTIV veröffentlicht und exklusiv auf der Cottbuser Bühne präsentiert.

Fuhr arbeitet regelmäßig zusammen mit journalistischen Kollektiven an der Erarbeitung aktueller Themen für das Theater. Aus seiner Überzeugung heraus, dass das Erzählen von Geschichten die Wahrnehmung unserer Welt beeinflusst, findet er im Theater den Ort, der Menschen berühren, Perspektiven ändern und Verständnis möglich machen kann.

Was soll auf dem Theater gespielt werden? „Komödien!“, fordern die einen, „Tragödien“ wollen die anderen, und eine dritte Gruppe sieht am liebsten „romantische Liebe“.

Das erste Werk des Komponisten Sergej S. Prokofjew in seiner neuen Heimat, den USA, bringt alles gleichzeitig auf die Bühne und überwältigt das Publikum als zirkushaftes Märchen voller magischer Verwandlungen, Commedia dell’arte-Maskeraden, absurder Wendungen und Theatercoups. Vor dem Hintergrund höfischer Intrigen und einem Streit höherer Mächte, wird die Geschichte des tief melancholischen Prinzen erzählt, den nur ein Lachen heilen kann. Ausgerechnet ein Missgeschick der bösen Zauberin Fata Morgana ist es, das ihn zum Lachen bringt. Sie verflucht ihn daraufhin dazu, sich in drei Orangen zu verlieben. Der Weg zu ihnen führt den liebeskranken Prinzen vorbei an allerlei monströsen Gestalten in die Wüste. Um ein Haar wird aus dem komödiantischen Spektakel doch eine Tragödie – griffe nicht das Publikum in Prokofjews Theater auf dem Theater in die Geschichte ein.

Wie alle Märchen hat DIE LIEBE ZU DREI ORANGEN einen ernsten Hintergrund. Während der Streit um die verschiedenen Theaterrichtungen auf der Opernbühne unblutig ausgefochten wird, entwickelt er sich in der sowjetischen Realität zunehmend zu einer lebensbedrohlichen Angelegenheit. 1940 lässt Stalin den großen Theaterreformer Wsewolod Meyerhold hinrichten. Prokofjew verlässt 1918 das postrevolutionäre Russland und komponiert mit DIE LIEBE ZU DREI ORANGEN eines der virtuosesten, farbigsten und aberwitzigsten Werke der Musikgeschichte.

In einer Trilogie widmet sich Armin Petras mit dem gesamten Schauspielensemble dem gerade in der Lausitz eher strittigen Begriff Heimat – dies im brandenburgischen Kontext und im Spiegel des 20. und 21. Jahrhunderts. In den drei inhaltlich und formal voneinander abgegrenzten Teilen des Abends entwirft Armin Petras ein bewusst heterogenes und vor allem generationenübergreifendes Bild des Heimat-Begriffs. Nicht nur die drei verschiedenen Stoffe der drei Autor*innen, auch unterschiedliche Theatermittel, vom klassischen Schauspiel, über Bewegungs- und Sprechchöre bis hin zum lyrischen Popkonzert oder Live-Kamera-Einsatz, bieten dabei vielerlei Anknüpfungspunkte für das Publikum, um darin ihre Blickwinkel auf Heimat (neu) zu entdecken.

■ Teil 1
ICH MACH EIN LIED AUS STILLE
Lyrik von Eva Strittmatter vertont von Juli Niemann und Andreas Wittmann

Lustvoll widmet sich der erste Teil konzertant der Lyrik der Brandenburgerin Eva Strittmatters. Ihre Gedichte werden zu einer popmusikalisch-poetischen Auseinandersetzung mit der brandenburgischen Landschaft sowie der Sehnsucht nach und der Abkehr von regionaler Verwurzelung. Schauspielerin und Musikerin Juli Niemann verwandelt in ihren Kompositionen die Gedichte zu zarten und zugleich kraftvollen modernen Songs, nahe dem Genre Pop, die sie gemeinsam mit dem Ensemble gesanglich darbietet.

■ Teil 2
OLE BIENKOPP
von Erwin Strittmatter in einer Fassung von Armin Petras

 Im zweiten Teil wird eine brandenburgische Dorfgemeinschaft in Form eines sprechenden, dampfenden, tanzenden und spielenden Chors auf die Bühne gebracht. Dieser lebendige sozialistische Volkskörper, aus dem immer wieder individuelle Figuren heraustreten, erzählt die Geschichte von Erwin Strittmatters OLE BIENKOPP, für die Bühne bearbeitet von Armin Petras. Der Antiheld kämpft in einer jungen DDR um seinen Glauben an Sozialismus und Gerechtigkeit. Wie nebenbei widerfährt ihm dabei alles, was wir Leben nennen.

■ Teil 3
DAHEIM
von Judith Hermann in einer Fassung von Armin Petras O Uraufführung

Teil drei bringt den zwei Jahre jungen Roman DAHEIM von Judith Hermann zur Uraufführung. Darin lässt eine Frau ihr altes Leben hinter sich und bricht auf, um Heimat (in sich) zu suchen. Soll sie heimisch werden oder weiterziehen? Durch den Blick der Live-Kamera auf das Bühnengeschehen wird der Fokus auf die stillen, fast hintergründigen Momente und Details der Figuren gelenkt. Die heute vertraute Ästhetik des filmischen Erzählens wird hier für die aktuellste Perspektive auf „Heimat“ zitiert.

DIE MENSCHLICHE STIMME
Musiktragödie in einem Akt von Francis Poulenc, Text von Jean Cocteau, Deutsch von Wolfgang Binal

und

KOPF IN DEN WOLKEN
Musiktheater von Claudia Meyer und Michael Wilhelmi (UA)

Wie sehr sich unsere Kommunikation verändert hat, zeigen die letzten Jahre deutlich. Zunehmend drohen der direkte Austausch und die persönliche Begegnung verloren zu gehen. Technische Hilfsmittel bieten nur bedingt Ersatz und lassen immer mehr zu, sich hinter der Wirklichkeit zu verschanzen.

Bereits 1930 thematisierte Jean Cocteau in DIE MENSCHLICHE STIMME den Konflikt zwischen Distanz und Intimität anhand eines Telefongesprächs. Der Text, in dem es um Scheitern oder Fortführen einer Beziehung geht, gibt nur die Seite der Frau wieder. Francis Poulenc machte daraus einer Mono-Oper für eine Sänger-Darstellerin, die mit Verschleierungen, Zwischentönen und Missverständnissen um ihre Zukunft ringt.

Stand zu Poulencs Zeiten einzig das Telefon als indirektes Kommunikationsmittel zur Verfügung, gibt es heute gleich mehrere mehr oder weniger smarte Medien, die der Kommunikation dienen, ihr aber dabei jegliche Körperlichkeit entziehen. Mit ihrem neu für Cottbus entwickelten Musiktheaterprojekt KOPF IN DEN WOLKEN denken die Regisseurin Claudia Meyer und der Komponist Michael Wilhelmi Poulencs Monooper weiter und entwerfen ein Bild unserer post-pandemischen Gesellschaft, das die Erfahrungen von Einschränkung, Isolation und Vergänglichkeit reflektiert.

Seit dem Frühjahr 2011 ist die Gruppe THE GREGORIAN VOICES auf Tournee in Europa. Unter der künstlerischen Leitung von Oleksiy Semenchuk präsentieren die acht außergewöhnlichen ukrainischen Solisten die musikalische Tradition der Gregorianik stilvollendet.

Gekleidet in traditionelle Mönchskutten erzeugen die Sänger eine mystische Atmosphäre, die das Publikum auf eine Zeitreise durch die Welt der geistlichen Musik des Mittelalters führt - eine Klangwelt ohne zeitliche, religiöse, und sprachliche Grenzen!
Erleben Sie ein abwechslungsreiches Konzert mit einer Mischung aus gregorianischen Chorälen, orthodoxer Kirchenmusik und Liedern und Madrigalen aus der Zeit der Renaissance und des Barock.
Mit seiner Stimmgewalt und vielen Solopassagen zeigt der Chor und seine Solisten, wie Gregorianik heute klingen kann: authentisch und dennoch zeitnah.

Im zweiten Teil des Konzerts erklingen Klassiker der Popmusik, wie unter anderem "Ameno" von ERA, "You raise me up" von Josh Groban, „Knocking on heaven’s door“ von Bob Dylan, „Hallelujah“ von Leonard Cohen, "Sound of Silence" von Simon & Garfunkel, "Sailing" von Rod Steward, , die im Stil des gregorianischen Gesangs neu arrangiert wurden.

Lassen auch Sie sich von den faszinierenden Stimmen der Solisten und dem ergreifenden Chorgesang begeistern: Mittelalter trifft das Hier und Heute.

THE GREORIAN VOICES bieten Ihnen ein atemberaubendes Konzert und einen unvergleichlichen Hörgenuss.

Einlass 18:30 Uhr