KENSINGTON ROAD haben mit Ihren letzten beiden Alben die Deutschen Charts erobert, begeistern die nationale Musikpresse, laufen auf Rock-Radiostationen in ganz Europa und dürfen sich zum erlesenen Kreis der WDR-Rockpalast-Bands zählen. Jetzt gehen die Indierocker endlich wieder auf große Deutschland-Tournee.
Die Füße stillhalten? Cool bleiben? Das gelingt bei den Songs der Berliner Band KENSINGTON ROAD nur eiskalten Typen. Alle anderen sind sofort angefixt vom modernen, internationalen Sound der Band, der gekonnt eine Brücke zwischen Indierock und Alternative-Pop schlägt. Authentische Songs, die ohne Schnickschnack und Künstelei auskommen – denn nach tausenden Kilometern im Tourbus durch ganz Europa und unzähligen Live-Shows, weiß die „hard-working band“ ganz genau wovon sie singt. Fern von gängigen Rock-Klischees lockt die Band die Zuhörer mit vorwärtsdrängender Energie und leidenschaftlicher Live-Show aus der Reserve. Echt, authentisch, kein Bullshit.
„ … ihr Erfolgsrezept – knackige, moderne, relativ unpolierte Rocksounds auf der einen Seite und pop-affine, starke Hooklines, Powerchords, Melodien, Grooves und stadientaugliche Mitsing-Refrains auf der anderen…“ (www.musikreviews.de)
„ … nicht wenige Künstler wären vermutlich dem poppigen Weg des geringsten Widerstands erlegen. Hier jedoch muss man Ecken und Kanten nicht lange suchen. Und Herzblut sowieso nicht.“ (www.handlemedown.de)
„Rock in seiner ekstatischsten Ausformung als harte körperliche Arbeit ist das. Da wird nicht tief gegründelt, sondern in elementarer Schönheit das Haus gerockt. Die Band aus Berlin ist der beste Beweis dafür, dass auch in Zeiten des lieblosen Fließbandpop immer wieder Gruppen nachwachsen, die mit unbändiger Intensität begeistern können.“ (SWR)
„Elektrisierende Songs mit kampferprobten Riffs, prickelnden Melodien und einer hohen instrumentalen Dichte. Originell und spannend – Rock, der Spaß macht, ohne spaßig zu sein.“ (Kieler Nachrichten)
„Die Indie Rock Band ist ein absoluter Geheimtipp” (Kurier)
„Mitreißende Live-Musik – mal laut und wild, mal melancholisch” (Westfalenpost)

KENSINGTON ROAD sind:
Stefan Tomek - Gesang & Gitarre
René Lindstedt - Gitarre
Michael Pfrenger - Keyboards
Dominik Henn - Bass
Jan Türk - Drums

Einlass: 19:00 Uhr

„Es ist immer gut, einen Pressetext mit einem Zitat zu beginnen.“ (Friedrich Nietzsche)
Zurecht werden Sie sich nun fragen: Hat er das wirklich gesagt? Hat er nicht. Aber es wäre
doch ein schöner Anfang für einen solchen Text, der nun die Schwierigkeit meistern soll,
etwas zu erklären das man einfach live erleben muss. Denn es gibt eben solche
Phänomene, deren Wirkung auf Bildern oder in Erklärungen nicht an das Liveerlebnis
heranreicht: Polarlichter zum Beispiel, oder ein Nacktmull. Sowas muss man mit eigenen
Augen sehen. Genau wie dieses Bühnenprogramm.
Klar, man könnte jene urkomischen Geschichten anpreisen, die Quichotte von sich und
den Irrungen der Menschheit zu erzählen weiß. Man könnte sich der rührenden Poesie
widmen, mit welcher er sich auf die Seite derjenigen schlägt, deren gesellschaftliche
Stimme kaum gehört wird. Man könnte die Sinfonie der Zwischentöne erwähnen, mit
welcher er das Publikum bespielt und dabei politisch ist, ohne aufdringlich zu werden. Es
wäre natürlich der Freestylerap zu nennen, der jedes Mal den Saal zum Kochen bringt –
bei welchem die Zuschauer interagieren. Und natürlich müsste man von den Liedern
erzählen, die das Ganze in ein musikalisches Gewand kleiden.

Foyer und Bar ab 18:00 Uhr geöffnet. Einlass in den Saal ab 18:30.

Ulla Meinecke ist die Grand Dame der poetischen deutschen Popmusik.

Die Sängerin, Dichterin und Autorin war in den letzten Jahren hauptsächlich mit ihren Lesungen unterwegs. Jetzt gibt es ihr aktuelles Projekt Ulla Meinecke Band mit den Multi-Instrumentalisten Ingo York und Reinmar Henschke. Bei musikalischen Lesungen machte Ulla Meinecke die Erfahrung, dass das Publikum ihre Songs wirklich liebt. Weil sie zeitlos sind. Weil es bei ihr textlich keine Schnellschüsse, Kompromisse noch modische Gags gibt.

Ihr aktuelles Projekt mit den Multi-Instumentalisten Ingo York und Reinmar Henschke heißt „Ulla Meinecke Band – Das Konzert 2014“ und vereint Klassiker wie „Feuer unterm Eis“, „Die Tänzerin“, „50 Tips ihn zu verlassen“ mit neuen, noch nicht veröffentlichen Liedern. Seit über 30 Jahren ist die Wahlberlinerin aus Usingen eine feste Größe in der deutschen Musik- und Kulturlandschaft. Ihre samtige Stimme, ihre poetische Sprache, nicht zuletzt ihre nachdenklich-ironische Sicht auf die alltäglichen Dinge begründen ihren Ruf als Sängerin, Dichterin und Autorin.

Leidenschaftlich, charmant, schlagfertig. Immer hautnah am Publikum.Aufregend anders erzählt sie ihre skurrilen Geschichten, lyrisch kraftvoll zeichnet sie stimmige Bilder, die ihre Lieder zu lebendigen Filmen machen. Ulla Meinecke hat die „Zauberformel“ für ihr Programm gefunden: Eine Melange aus absurder Komik, anrührender Poesie und abgründiger Liebeslyrik.

Einlass: 19 Uhr

Eventuell sind Karten an der Abendkasse noch erhältlich.

Alpensinfonie

Nature & Earth

Vadim Gluzman | Violine
Nicholas Collon | Dirigent

Magnus Lindberg | Chorale
Erkki-Sven Tüür | 3. Violinkonzert »Gespräche mit dem Unbekannten« (Auftragswerk des hr – Europäische Erstaufführung)
Richard Strauss | Eine Alpensinfonie


Herdenglocken, Windmaschine, Orgel, zum Riesenorchester noch 16 Bläser aus der Ferne: Richard Strauss errichtete mit seiner »Alpensinfonie« ein klangmonumentales Zentralmassiv – volle Kraft nach oben für die, so Strauss, »Anbetung der ewigen herrlichen Natur«. Nicht um pastorales Naturerleben geht es in dieser Tondichtung, vielmehr um Naturreligion, der Berganstieg wird eine Frage des Arbeitsethos, Befreiung in der Höhe. Übermenschentum spielt hier mit hinein, eine Vision vom neuen Menschen in diesen so selbstbewussten ersten Dekaden des 20. Jahrhunderts. Doch auch ohne diesen zweifelhaften Überbau beeindruckt »Eine Alpensinfonie« noch heute wegen des so wirkungssicheren Einsatzes der musikalischen Mittel und wegen der Suggestivität der Klangbilder. Auf Wirkung versteht sich aber auch Erkki-Sven Tüür, der große Individualist aus Estland, der Avantgarde mit Rock zu verbinden weiß, mal ganz archaisch-minimalistisch, dann wieder eruptiv oder auch einmal pseudo-barock klingen kann. » Gespräche mit dem Unbekannten« heißt sein neuestes Violinkonzert, entstanden im Auftrag u.a. des hr-Sinfonieorchesters, das seit langem mit Tüürs singulärer Klangwelt vertraut ist und es gemeinsam mit Vadim Gluzman und Nicholas Collon in Frankfurt in Deutscher Erstaufführung präsentiert.

Konzerteinführung: 18 Uhr
Konzertdauer: ca. 125 Minuten – inklusive Pause
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Herd bells, wind machine, organ, to the giant orchestra still 16 wind instruments from afar: Richard Strauss built with his »Alpensinfonie« a sound monumental central massif – full power upwards for the, according to Strauss, »worship of the eternal glorious nature«. This tone poem is not about pastoral experience of nature, but rather about nature religion; the mountain climb becomes a question of work ethic, liberation in the heights. Superhumanity plays a role here, a vision of the new man in these so self-confident first decades of the 20th century. But even without this dubious superstructure, »Eine Alpensinfonie« still impresses today because of the so effective use of musical means and because of the suggestiveness of the sound images. Erkki-Sven Tüür, the great individualist from Estonia, also knows how to combine avant-garde with rock, sometimes sounding archaic-minimalist, then again eruptive or even pseudo-baroque. »Conversations with the Unknown« is the title of his latest violin concerto, commissioned by the hr-Sinfonieorchester, among others, which has long been familiar with Tüür´s singular sound world and is presenting the German premiere in Frankfurt together with Vadim Gluzman and Nicholas Collon.

Concert introduction: 6 pm
Concert duration: about 125 minutes – including break

Hausöffnung: 17:30 Uhr Konzerteinführung: 18:00 Uhr Nach Konzertbeginn besteht kein Anspruch auf Saaleinlass.

Tiefschwarz, böse, facettenreich und garantiert nicht politisch korrekt spielt Tim Karasch "Hackenbusch", ein sozialphobisches Muttersöhnchen oder auch mal einen multitoxischen Stadt- Streuner.
Skurril, weltfremd, mit viel Wortwitz und tiefergehender als man vermuten mag, wird dem Publikum die obligatorische Gesellschaftskritik in Form von menschlichen Schwächen und Abgründen vor den Latz geknallt. Dabei wird immer wieder klar, warum die Komödie und die Tragödie Nachbarn sind.
Mit seinem damaligen Duo, der "Frankfurter Klasse", hat Tim Karasch in der Vor-Corona- Zeit DIE SCHMIERE bereits mehr als hundert Mal erfolgreich bespielt.

Bernd Wolfs künstlerisches Schaffen war stark von Musik beeinflusst, insbesondere von den Kompositionen Johann Sebastian Bachs (1685 – 1750). Für das 1987 gegründete Musiker-Duo »Tandem« gestaltete Wolf 1993 ein Albumcover.

JAZZ! Konzert mit Ralph Schmidt und Thomas Peter-Horaz vom Duo „Tandem“
Termin am Donnerstag, den 25.04.2024 um 20 Uhr
Preis: 16 €

Ralph Schmidt war Leiter der Main-Taunus Jazz Bigband und der Kunsthalle Schirn Big Band Frankfurt. Er leitete die Musikschule Eppstein-Rossert und war verantwortlich für den Jazzbereich der Musikschulen in Hofheim und Frankfurt. Schmidt ist Organisator und Veranstalter der Saxophontage in Eppstein.

Thomas Peter-Horas ist Leiter der Musikschule Neu-Isenburg und Herausgeber von zahlreichen Kompositionen in verschiedenen Verlagen.

Information und Anmeldung im Stadtmuseum unter Telefon 06192 202-540 oder per Mail an: stadtmuseum@hofheim.de.

Der in Hofheim am Taunus geborene Künstler Bernd Wolf (1953 – 2010) studierte Malerei und Kunsttheorie an der Städelschule in Frankfurt am Main und Philosophie an der Johann Wolfgang Goethe-Universität. Seine ungegenständliche Farbmalerei steht in der Tradition des abstrakten Expressionismus. Ziel seines künstlerischen Prozesses war eine „absichtslose Malerei“, die er bei Verzicht u.a. auf Pinsel und Spachtel durch den Farbauftrag mit bloßen Händen zu erreichen suchte.

Die Retrospektive gibt einen Einblick in sein vielschichtiges Werk, das sowohl Malerei als auch Fotografie umfasst. Wolf war zudem Gründer und Herausgeber der frankfurter edition (erschienen 1990 – 2001), einer Unikat-Buchreihe von Künstlern und Künstlerinnen. Auch einige Werke der Buchgestaltung werden in der Ausstellung präsentiert.

DI 10-13 + 14-17 Uhr MI-FR 14-17 Uhr SA+SO 11-18 Uhr

EIN IMMERSIVES AUSSTELLUNGSERLEBNIS

Raumfabrik Frankfurt

19. Januar 2024 - 12. Mai 2024

„Die Aufgabe des Künstlers besteht darin, das darzustellen, was sich zwischen dem Objekt und dem
Künstler befindet, nämlich die Schönheit der Atmosphäre.“
(Claude Monet)

MONETS GARTEN – EIN IMMERSIVES AUSSTELLUNGSERLEBNIS ist eine multisensorische 360-Grad-Reise durch die Geschichte und Werke eines der größten Künstler des vergangenen Jahrhunderts!

„Die Ausstellung ist ein Erlebnis für alle – von jung bis alt. Die Besucher erleben die Welt Claude Monets, seine Farben und berühmten Werke auf wunderbare Weise so, als ob sie tatsächlich in der Szenerie sind. Farben, Licht, die Projektion des Wassers – alles wird lebendig!“ (Roman Beranek, Kreativdirektor)

Inszeniert werden diese Erlebnisreise und das einzigartige Ausstellungskonzept mit modernster Multimedia-Technik, mit der Sie ganz in die Welt und die weltberühmten Kunstwerke des Malers Claude Monet (1840-1926) eintauchen können. Aufwändige Installationen und Projektionen erzeugen in Verbindung mit Musik rauschende Farbwelten und lassen die Gemälde auf noch nie zuvor gesehenen Weisen lebendig und spürbar werden.

Erleben Sie selbst, wie sich für Sie Illusion in Realität verwandelt.

„Die Ausstellung „Monets Garden“ ist wunderbar und es ist nicht zu viel, wenn man sagt: So etwas haben Sie noch nie gesehen!“ (Berliner Zeitung)

Vom „übergroßen Farbklecks“ (ZDF) über „Einfach mal hingehen und ... wirken lassen.“ (taz) bis hin zu „..aus stillen Gemälden wird neuerdings digitale Oper: und man wünscht sich Spinnenaugen, damit einem nichts entgeht.“ (Zeit): Die Reaktionen der Medien waren mehr als überschwänglich. Wie sehr diese Ausstellung nicht nur die Presse überzeugt, zeigen die Publikumszahlen der Weltpremierenwochen: über 100.000 Gäste haben sich in Berlin von MONETS GARTEN begeistern lassen.

Diese Ausstellung wird auch Ihnen den Atem rauben – hier ist es nicht still, wie im Museum, noch betrachtet man die Gemälde aus der Ferne, so dass Details kaum erkennbar sind. Hier eröffnen sich Ihnen einzigartige Perspektiven auf Monets Kunstwerke, die Sie aus neuen Blickwinkeln betrachten können.

Seien Sie dabei und sichern Sie sich jetzt Ihre Tickets!

WARNUNG: Diese Ausstellung kann bei Personen mit lichtempfindlicher Epilepsie möglicherweise Anfälle auslösen.

Veranstalter: Alegria Exhibition GmbH

hr-iNFO präsentiert: Drei besondere Konzerte des hr-Sinfonieorchesters in einem exklusiv vergünstigten Ticket-Paket: Erleben Sie 2024 die Vielfalt klassischer Musik in der Alten Oper Frankfurt mit international gefeierten Klassik-Stars.

3 Konzerte für den Preis von 2!
- inklusive RMV
- keine automatische Verlängerung

1. KONZERT:
25. April 2024 | 19 Uhr | Alte Oper Frankfurt
26. April 2024 | 20 Uhr | Alte Oper Frankfurt

Alpensinfonie

Vadim Gluzman | Violine
Nicholas Collon | Dirigent

Magnus Lindberg | Chorale
Erkki-Sven Tüür | 3. Violinkonzert »Gespräche mit dem Unbekannten« (Auftragswerk des hr – Deutsche Erstaufführung)
Richard Strauss | Eine Alpensinfonie

2. KONZERT:
24. Mai 2024 | 19 Uhr | Alte Oper Frankfurt
25. Mai 2024 | 20 Uhr | Alte Oper Frankfurt

Himmelsblick

Martin Helmchen | Klavier
John Storgårds | Dirigent

Johann Sebastian Bach/Anton Webern | Ricercar
Wolfgang Amadeus Mozart | Klavierkonzert D-Dur KV 451
Anton Bruckner | 6. Sinfonie

3. KONZERT:
13. Juni 2024 | 19 Uhr | Alte Oper Frankfurt
14. Juni 2024 | 20 Uhr | Alte Oper Frankfurt

Lied von der Erde

Clay Hilley | Tenor
Samuel Hasselhorn | Bariton
Alain Altinoglu | Dirigent

Anna Þorvaldsdóttir | Metacosmos
Gustav Mahler | Das Lied von der Erde

Frankfurt liest ein Buch

Mike Josef mit: 
Zebras im Schnee
Lesung und Gespräch
Do 25. April 2024, 19:00–20:30 Uhr

Mike Josef liest aus dem Roman von Florian Wacker und spricht über Umbrüche in der Stadtgesellschaft, damals und heute. Das „Neue Frankfurt“ um Stadtbaurat Ernst May war eine Antwort auf die sozialen Herausforderungen der 1920er Jahre.

· 
Mike Josef, 
Oberbürgermeister 
der Stadt Frankfurt
· 
Prof. Dr. Joachim Valentin, 
Direktor Haus am Dom, 
Einführung

Eintritt frei

Eintritt frei. Keine Platzreservierung im Vorfeld möglich. Der Einlass wird eine halbe Stunde vor Beginn erfolgen.

Wahnwitzige urkomische Emotionen, wunderbare Musik, geschliffene Klavierkunst, Weltpolitik und LIVE GEBACKENE WAFFELN – die Berliner Sängerin und Kabarettistin MARIANNE BLUM und die Pfälzer Konzertpianistin Bodypercussionistin ANNA MARIA HAAS packen das ganz große Besteck aus und bieten alles, was man, frau und jede*r dazwischen will und braucht, um geistig und kulturell gestärkt überleben zu können. Frisch zubereitet und tellerwarm von zwei Vollblutweibern serviert. Wir wünschen guten Appetit!

JETZABA hat sich das Duo genannt, denn die Damen sind nicht mehr doof genug, um abgebügelt zu werden und noch nicht abgehoben genug, um bügeln zu lassen. Daraus ergeben sich viele Fragen, die für alle relevant sind, auch für die, die nicht bügeln können: Wer hat Angst vorm Gendersternchen und warum hat er keine anderen Probleme? Sind wir überhaupt schon bereit für einen Mann als Kanzlerin? Wieso sollte man Männer gleichberechtigen, wenn sie doch eindeutig nicht das Gleiche leisten wie Frauen? Warum gibt es oft bei Frauen anstelle der Leichtigkeit des Seins die unerträgliche Unerträglichkeit? Was ist das Schlechte am Geschlechtern und hilft es dazu Wein zu trinken?

All diese systemrelevanten Fragen werden in wahnwitzigen Szenen und urkomischen Dialogen erörtert. Dazu wird geherzt, gelacht, berlinert, gepfälzt, ums Klavier gejagt, Waffeln gebacken und wunderbare Musik gemacht. Denn das können die Damen wie kein zweites Duo! Marianne Blum ist eine begnadete Sängerin mit großer Stimme und enormer Bandbreite und Anna Maria Haas ist nicht nur Konzertpianistin, sondern auch Geigerin und Boddypercussionistin! Zusammen sind die beiden eine Wucht und reißen das Publikum mit Bugwelle vom Hocker. Denn sie sind nicht nur zwei Klasse-Weiber mit ansteckender Energie, sie schöpfen auch so herrlich hemmungslos aus einem riesigen Reservoir an fremden und eigenen Liedern, Songs und Chansons, kombinieren so genussvoll angeblich Unvereinbares wie Schlager und Arien und experimentieren mit allem was Geräusche macht inklusive des eigenen Körpers, dass man erst mal wieder merkt, was Musik ist: eine Lust.

Das ist bestes Kabarett und ganz große Kleinkunst!

Einlass 19 Uhr

Foto: Manfred Pollert

Einlass: 19:00Uhr

Programm
Dmitri Schostakowitsch (1906-1975)
Streichquartett Nr. 4 D-Dur, op. 83

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)
Streichquartett F-Dur, KV 590

- Pause -

Dmitri Schostakowitsch
Streichquartett Nr. 3 F-Dur, op. 73

Besetzung
Eliot Quartett
Maryana Osipova, Violine
Alexander Sachs, Violine
Dmitry Hahalin, Viola
Michael Preuss, Violoncello

Zum Konzert
Zwischen Februar 2024 und Juli 2025 wird das Eliot Quartett alle 15 Streichquartette von Dmitri Schostakowitsch in Kooperation mit der Frankfurter Bürgerstiftung im Holzhausenschlösschen aufführen und sie mit Werken anderer Komponisten kombinieren, die thematisch mit Schostakowitschs Musik verbunden sind. In zwölf Programmen werden Schostakowitschs Kammermusikwerke wie in einem Prisma reflektiert, wobei verschiedene Themen und Epochen dargestellt werden. Mit diesem besonderen und sehr persönlichen Projekt feiert das Eliot Quartett sein 10jähriges Jubiläum.

Im dritten Konzertprogramm des Zyklus „DSCH & beyond“ wird Schostakowitschs Streichquartett Nr. 3, das viele Elemente enthält, die an die Wiener Klassik erinnern, neben Mozarts drittem Preußischem Quartett präsentiert. Mozarts Musik, die von Schostakowitsch geliebt und verehrt wurde, übte zweifellos einen starken Einfluss auf Schostakowitschs Tonsprache aus. Klassische, „mozartische“ Elemente lassen sich in vielen Werken von Schostakowitsch finden. Auch Mozarts musikalischer Humor, der im „Preußischen“ Streichquartett KV 590 besonders deutlich zum Ausdruck kommt, weist enge Verwandtschaft zu Schostakowitschs Humor auf. Ergänzt wird das Programm durch Schostakowitschs introvertiertes Quartett Nr. 4 von 1948, das erst nach Stalins Tod im Jahr 1953 uraufgeführt werden konnte.

Die Mitwirkenden
Das 2014 gegründete Eliot Quartett zählt zu den vielversprechendsten Streichquartetten der neuen Generation. Das internationale Ensemble – die Mitglieder stammen aus Russland, Kanada und Deutschland – ist Preisträger zahlreicher Wettbewerbe (Mozart-Wettbewerb Salzburg, Melbourne International Chamber Music Competition, Deutschen Musikwettbewerb, Karol Szymanowski-Wettbewerb). In seiner Heimatstadt Frankfurt am Main ist das Eliot Quartett fester Bestandteil des Konzertlebens und war dort 2019 erstes „Streichquartett in Residence“ der Frankfurter Bürgerstiftung im Holzhausenschlösschen. 2022 gestaltete er sein eigenes Festival „Eliots am Main“. Das Quartett war zu Gast beim Bachfest Leipzig, den Kasseler Musiktagen, der Styriarte Graz, dem Mozartfest Würzburg, dem Rheingau Musik Festival, den Ludwigsburger Schlossfestspielen sowie der Schubertiade Schwarzenberg. Seine Ausbildung erhielt das Eliot Quartett an der Musikhochschule Frankfurt am Main bei Hubert Buchberger und Tim Vogler sowie an der Escuela Superior de Musica Madrid in der Meisterklasse von Günter Pichler. Weitere Impulse erhält das Ensemble in der gemeinsamen Arbeit mit Alfred Brendel und dem Belcea Quartett. Das Eliot Quartett ist nach dem US-amerikanischen Schriftsteller T. S. Eliot benannt, der sich von den innovativen, späten Streichquartetten Ludwig van Beethovens zu seinem letzten großen poetischen Werk „Four Quartets“ inspirieren ließ. Mehrere Einspielungen des Eliot Quartetts sind beim Label Genuin erschienen.

Die Veranstaltung ist ausverkauft, es stehen keine Karten mehr zur Verfügung.

Eine spezifisch deutsche Theorie der Kolonisation: Deutscher Kolonialismus in der Pädagogik bis in die NS-Zeit und Nachwirkungen
Soirée am Dom
Do 25. April 2024, 19:30 Uhr

Die NS-Kolonialpädagogen beriefen sich auf die missionspädagogische Kolonialliteratur und waren von einer erneuten Kolonisation in Afrika unter NS-Herrschaft überzeugt. Dabei propagierten sie eine „spezifisch deutsche“ Fähigkeit zum Kolonisieren als vermeintlichen Erziehungsauftrag. Welche gesellschaftliche Kontinuität koloniale und kolonialrassistische Denkweisen in der postkolonialen und postnationalsozialistischen Gesellschaft zeigen sich bis heute?

· 
Dr. Z. Ece Kaya, 
Universität Hildesheim/
TU-Darmstadt

Eintritt frei

Eintritt frei

Tilly und ihre Familie sind wieder da. Vor 20 Jahren waren sie "Die Vier von der Klapsmühle" und entführten uns zurück in die 50er Jahre, um kurz darauf in der Show "Keine Hippies in der Klapsmühle" die 60er Jahre wieder zum Leben zu erwecken. Wir haben nun aus den beiden abendfüllenden Shows eine Double Feature, einen Schabernack im Doppelpack gemacht. Mit den großen Schlager- und Rock ´n´ Roll-Hits der 50er und den Flower-Power-Oldies der 60er Jahre.

Wenn man Brother Dege zuhört, atmet man förmlich die Luft des
Südstaaten-Outbacks ein, verfällt dem Zauber des Sumpfes und lernt
die Geister des Deltas kennen. Der mit dem GRAMMY®-Award
nominierte Troubadour bewegt sich irgendwo zwischen mitreißendem
Rock´n´Roll, eloquentem Folk, Friedhofs-Americana und
psychedelischer Glückseligkeit. Nachdem Brother Dege in aller Stille
zig Millionen Streams generiert, weithin Anerkennung gefunden und
sich mit einem Co-Sign von niemand Geringerem als Quentin
Tarantino einen Platz in der Geschichte der Popkultur gesichert hat,
zieht er auf seinem sechsten Album Aurora endlich alle mit in diese
Welt hinein (Release: 15. März 2024)
„Ich gebe mehr von mir preis als auf früheren Platten“, bemerkt er.
„Musikalisch versuche ich, mit dieser multidimensionalen Verrücktheit
die Klänge des tiefen Südens nachzuahmen. Im Wesentlichen ist dies
meine Version davon, wo ich herkomme. Es ist die dunkle Seite des
tiefen Südens." Nach der Auflösung einer fünfjährigen Beziehung baute
er Aurora sorgfältig zusammen. „Es geht definitiv um Liebe, Psychosen
und die Funktionsstörungen, die sich in diesen Beziehungen und
Mustern meiner selbst wiederholen“, fährt er fort. „Ich habe es mir wie
einen Ouroboros vorgestellt – eine Schlange, die ihren eigenen
Schwanz frisst. In einer Beziehung schluckst du deinen eigenen
Schwanz und den Schwanz deines Partners herunter, weil du ihn für
einen Teil von allem verantwortlich machst. Die Aurora ähnelt dem
Spektrallicht des Verliebens.“ Daher teilte er das Album in zwei Hälften,
denen die gleichnamigen Instrumentalstücke vorangingen, nämlich
Aurora und Ouroboros. Die A-Seite beginnt mit Aurora, während die
B-Seite mit Ouroboros beginnt. Im Anschluss an Ersteres erblüht die
erste Single Where the Black Flowers Grow aus den Wehen der Lust in
ihrer rauesten Form. Die Slide-Gitarre schlängelt sich um einen
Tribal-Rhythmus, der von einer dicken Basslinie, Mülleimer-Trommeln
und der Bitte „Lass meine schwarzen Blumen wachsen“ verankert wird.
„Wenn man sich in jemanden verliebt, herrscht eine besondere
körperliche Chemie“, verrät Brother Dege. „Du hast kein Problem
damit, sexuelle Dinge auszuprobieren. Es ist also ein Liebeslied, in dem
es darum geht, die eigenen Unsicherheiten in Bezug auf den eigenen
Körper zu überwinden. Eine schwarze Blume ist etwas Dunkleres,
Schönes.“

Einlass: 19 Uhr / Stehplatz

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