Auch nach 25 Jahren voller Schaffenskraft und Weiterentwicklung sprengt das visionäre Quartett SEXMOB weiterhin alle vorgefassten Vorstellungen davon, was eine instrumentale Jazzband sein kann.
Entstanden in der Knitting Factory-Szene der mittleren 1990er Jahre, veränderten Slide-Trompeter STEVEN BERNSTEIN, Saxofonist Briggan Krauss, Bassist Tony Scherr und Schlagzeuger Kenny Wollesen die Spielregeln – mit roher Improvisation voller Groove und Swing, unerschöpflich fantasievollen Arrangements und einer verblüffenden Portion Humor. Sie zeigten höchste musikalische Meisterschaft und brachen gleichzeitig mit größter Freude alle starren Grenzen von Genre und Geschmack.
Seit ihrem Debüt Din of Inequity (1998) haben sie eines der beständigsten und bedeutendsten künstlerischen Bündnisse unserer Zeit geschaffen – eine Alchemie (oft auch mit Gästen), die trotz der Jahre nichts von ihrer Frische und Überraschungskraft verloren hat. "Was das betrifft, ist SEX MOB ein kollektives Ideal", schrieb NPR First Listen.
Ein SEX MOB-Konzert hat kein festes Programm: Ein Stück beginnt nicht einfach, endet und wird dann beklatscht. Stattdessen kommen die Fans, um eine Band zu hören, die das Risiko umarmt – ganz im Geiste des späten Don Cherry, dessen Ideen von musikalischer Collage und "endlosen Anfängen" weiterhin das höchste Prinzip bleiben. Ebenso wenig "covern" SEX MOB Songs; wie Bernstein es formuliert hat: Sie "sexmobben" sie.
Auf Din of Inequity waren das etwa Prince, Leadbelly, Duke Ellington, Hoagy Carmichael, The Cardigans, "Macarena" und mehr. Auf Solid Sender (1999) interpretierte die Band Nirvana, die Rolling Stones, die Grateful Dead, ABBA, erneut Ellington – sowie Bernstein-Originale.
Schon damals war der Sound von SEX MOB geprägt vom Toningenieur und Produzenten der Band: "lärmend und schmutzig, total aufgedreht" beschrieb ihn die New York Times. Es war die Handschrift von Scott Harding, auch bekannt als Scotty Hard, der mit seinen markanten Klanginterventionen auch bei vielen späteren Alben der Band als ihr immens wichtiges Schattenmitglied wirkte. So auch beim aktuellen Opus, das schon im augenzwinkernden Titel die enorme Bedeutung von Scotty Hard hervorhebt: The Hard Way.
Der von Hard wesentlich mitgeformte Sound von SEX MOB ist längst mehr als deren Markenzeichen, er ist ihr Alleinstellungsmerkmal. Und auch mit The Hard Way erkunden SEX MOB erneut Klangräume, die keine andere Band zu betreten wagen würde. In jeder Ecke dieser Räume darf man neue Überraschungen erwarten. Die Abenteuerlust von STEVEN BERNSTEIN'S SEX MOB ist ungebrochen. Funky, bluesig und voll schräger Coolness, heraufbeschworen durch Briggan Krauss’ kehliges Saxofon, befeuert vom charakteristischen Schrei von Bernsteins einzigartiger Trompete und angetrieben vom magischen, sich blind verstehenden Rhythmuswunder-Duo Tony Scherr und Kenny Wollesen zeigt sich SEX MOB nach wie vor als eine der ungezügeltsten, leidenschaftlichsten Bands in der kreativen Musik des 21. Jahrhunderts.

Einlass 19 Uhr // Bitte nutzen Sie für Ihren Besuch bei uns nach Möglichkeit öffentliche Verkehrsmittel. Danke!

Zwei Jazz-Granden, die Tasten und Trommeln glühen und donnern lassen

Was kann es Schöneres zum Club-Geburtstag geben als ein musikalisches Zwiegespräch zwischen zwei Altmeistern des zeitgenössischen europäischen Jazz, die der Tonne zudem eng verbunden sind? Und das sind Schlagzeuger BABY SOMMER und Pianist ULI GUMPERT ohne jeden Zweifel. Ihre Zusammenarbeit spannt sich über fast fünf Jahrzehnte, in denen die beiden, auch oft auf getrennten Wegen, ihren persönlichen Stil stetig weiterentwickelt, perfektioniert und um neue Facetten erweitert haben.

Als Geburtsstunde des Jazzrock in der DDR kann ihre Zusammenarbeit in der Band SOK angesehen werden, und was sie da gemeinsam hervorbrachten, konnte sich durchaus messen mit der Verbindung von Jazz und Rock, die man im Westen "Fusion" nannte. Den Free Jazz machten sie, über den Umweg der internationalen Anerkennung, als Gründungsmitglieder der Band Synopsis, später umbenannt in Zentralquartett, auch bei der offiziellen Kulturpolitik der DDR "salonfähig".

Zu keiner Zeit ist das Zwiegespräch der beiden Künstler ganz verstummt. Zwei, die niemandem mehr etwas beweisen müssen. "Sommer und Gumpert, das sind zwei Haudegen mit Stachelhaaren und vielen Lachfalten. In ihrer Musik sind sie nicht etwa zahm geworden – aber bedeutend vielfältiger als einst. Ein Wort wie "Free Jazz" genügt hier längst nicht mehr. Sie spielen "funky" und bluesig, ergehen sich in langen, wunderschönen Melodiebögen – lassen sich augenzwinkernd auch mal zu schwelgerischen Tönen hinreißen." (Bayerischer Rundfunk)

Und noch immer (oder jetzt noch mehr) "bleiben die beiden alten Improv-Anarchisten ihren alten Idealen treu. Sie erklären sich gegenseitig und dem Jazz ihre unverbrüchliche Liebe, aber voller Spott und ehrlicher Freude machen sie sich auch über eine Reihe von Standards, Boogies, Märschen, Volksliedern und Schlagern her. Die meisten Stücke wirken wie ausgewachsene Kabarett-Nummern, gerade weil der Humor mit einem geradezu bärbeißigen Ernst transformiert wird." (Eclipsed Magazin)
Hören kann man das wunderbar auf den beiden gemeinsamen Alben Das Donnernde Leben (2009) und La Paloma (2012).
Aber nichts geht über das Erlebnis, sie im wirklichen Leben live auf der Bühne die Tasten und die Trommeln donnern zu lassen.

Einlass 19 Uhr // Bitte nutzen Sie für Ihren Besuch bei uns möglichst öffentliche Verkehrsmittel. Danke!

AUSVERKAUFT - keine Abendkasse!

Mit diesem Konzert wird der Kammerchor der Frauenkirche Dresden erstmals in der wiedererrichteten Schlosskapelle im Dresdner Residenzschloss zu erleben sein. Der Raum war über 150 Jahre das musikalische und geistige Zentrum Kursachsens und der wichtigste Wirkungsort von Heinrich Schütz, der hier zwischen 1629 und 1672 den Großteil seines frühbarocken Œuvres zur Uraufführung brachte.
Bereits vor dem Konzert erwartet die Besucher ein besonderer Auftakt: In einem spannenden architektonischen Einblick führt Prof. Dr. Stefan Bürger (Würzburg) in Geschichte, Gestalt und Bedeutung der Schlosskapelle ein. Als ausgewiesener Kenner und Forscher der sächsischen Architektur eröffnet er neue Perspektiven auf den Raum und seine Baugeschichte – eine ideale Einstimmung auf das anschließende musikalische Erleben.
Die Verbindung zwischen Schützkapelle und Frauenkirche ist nicht nur baulich geprägt, sondern auch historisch und geistig. Heinrich Schütz lebte am Dresdner Neumarkt in unmittelbarer Nähe der Frauenkirche und wurde 1672 in der alten Frauenkirche bestattet. Damit ist die heutige Frauenkirche ein zentraler Erinnerungsort seines Wirkens — und der Kammerchor versteht sich als musikalischer Erbe dieser Tradition.
Das Konzert verspricht ein vielfältiges und spannendes Hörerlebnis: Es verbindet Instrumentalmusik von Instrumenta Musica sowie Chormusik von Heinrich Schütz zu einem lebendigen Wechselspiel aus Klangfarben, Stimmungen und Ausdrucksformen. Der Dialog zwischen Stimme und Instrument sowie zwischen Musik und Raum lässt die Klangwelt des Frühbarock in ihrer ganzen Vielfalt neu erklingen.
Auf dem Programm stehen Werke von Heinrich Schütz und Michael Pretorias — musiziert in historischer Aufführungspraxis am authentischen Ort seines Wirkens. Das Konzert versteht sich als musikalische wie historische Wiederbegegnung zwischen Frauenkirche und Schlosskapelle und als Brückenschlag über Jahrhunderte hinweg.

Copyright: Michael Schultz

Einlass: 18:30 Uhr

Eventuell sind noch Tickets an der Abendkasse erhältlich.

Zwei Ausnahme-Musiker, zwei faszinierende Instrumente

Die Grammy-nominierten Musiker MANU DELAGO und MAX ZT haben sich zu einem neuen Duo zusammengetan, das die klanglichen Grenzen von Handpan und Hackbrett neu auslotet. Hier trifft ausgefeilter Kompositionsstil auf hohe Improvisationskunst und es entstehen eindrucksvolle und sinnliche Klangwelten, mit Feingefühl und trotzdem dynamisch.
"Als ich Manu zum ersten Mal hörte, war ich hin und weg – seine Virtuosität und die Art, wie er sein Instrument denkt, waren einfach außergewöhnlich", erinnert sich Max ZT. Die beiden trafen sich vor fast zehn Jahren während Delagos USA-Tour, und aus ersten Improvisationen wurde eine tiefe musikalische Verbindung. 2024 fanden sie schließlich den perfekten Ort für die Aufnahme ihres Debütalbums: ein Klangraum aus dem 18. Jahrhundert in einem Tiroler Kloster. Und dann zwei Musiker, die sich gegenüberstehen und beide gerade 40 geworden sind: Das Album musste einfach Deuce heißen", erzählt Delago.

Manu Delago – Komponist, Perkussionist und musikalischer Weltenbummler – hat bereits über 50 Länder bereist und mit Größen wie Björk, Anoushka Shankar und The Cinematic Orchestra gearbeitet. Seine preisgekrönte Musikdokumentation Parasol Peak führte ihn mit Ensemble auf eine Bergexpedition, und auf seinen ReCycling Tours radelte er samt Band und Crew 1500 Kilometer durch Europa – nachhaltige Musik in Bewegung.

Max ZT, von NPR als "der Jimi Hendrix des Hackbretts" gefeiert, revolutioniert seit Jahren das Spiel auf seinem Instrument. Der in Brooklyn lebende Musiker lässt Einflüsse aus Afrika, Indien und der ganzen Welt in seinen Stil einfließen und ist Gründungsmitglied von House of Waters – mit acht Alben auf Snarky Puppys Label GroundUP Music.

Gemeinsam veröffentlichen Manu Delago und Max ZT Anfang 2026 ihr Debütalbum Deuce, gefolgt von einer weltweiten Tournee. Vom ersten Aufschlag an wird man in eine musikalische Welt entführt, die sich gleichzeitig uralt und völlig neu anfühlt – ein intensives Erlebnis zwischen Struktur und Freiheit, Intimität und Klangrausch.

Einlass 19 Uhr // Bitte nutzen Sie für Ihren Besuch bei uns möglichst öffentliche Verkehrsmittel. Danke!

Mit neuem Album zwischen Jazz, Electronica und Minimalismus

MAMMAL HANDS stehen an der Spitze einer neuen Welle von britischen Künstlern, die stilistische Grenzen hinter sich lassen. Sie verschmelzen Jazz, zeitgenössische Klassik, Electronica, Folk und Minimalismus zu einem Sound, der unverkennbar ihrer ist. Über fünf gefeierte Alben hinweg haben sie sich eine internationale Fangemeinde aufgebaut, die von ihrer Wärme, dynamischen Energie und tief berührenden Musik angezogen wird.
Ihr neues Album "Circadia" – das erste mit ihrem langjährigen Freund und neuen Schlagzeuger Rob Turner (ehemals GoGo Penguin) – markiert eine mutige neue Richtung: beatgetrieben, rhythmisch lebendig und emotional eindringlich. Inspiriert von Zyklen und Wandel ist es eine Meditation über Erneuerung und die Schönheit des Wandels, in der Post-Rock-Energie und folkige Sensibilität auf Turners von Electronica beeinflusste Beats treffen.
Veröffentlicht wird "Circadia" beim legendären Label ACT – der Heimat des wegweisenden Esbjörn Svensson Trios. Es eröffnet ein neues Kapitel für die Band, die hier ihren Sound und ihre Vision erweitert.
Von herausragenden Auftritten im Barbican bis zu Tourneen durch Asien haben sich Mammal Hands den Ruf erspielt, das Publikum mit ihren fesselnden Live-Shows in den Bann zu ziehen. Meditativ und zugleich kraftvoll vereinen ihre Konzerte treibende Rhythmen mit hypnotischen Klanglandschaften – Musik, die allen offensteht, spirituell erhebend wirkt und noch lange nach dem Verklingen des letzten Tons nachhallt.

Foto: Iryna Bilyk

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Psychedelic Jazz mit dem anatolischen Soundalchemisten

Der in Istanbul lebende Saxophonist, Komponist, Produzent, Sänger und Songwriter KORHAN FUTACI gehört zu den spannendsten Stimmen der türkischen Alternativ- und Avantgarde-Szene. Mit seinem unverwechselbaren Sound zwischen Psychedelic Rock, Jazz, experimenteller Improvisation und anatolischer Seele erschafft er Klangwelten, die mal düster pulsieren, mal tranceartig schweben – immer aber voller Energie und Atmosphäre stecken.
Futacı tourte mit seiner Free-Jazz-Band Konstrukt, die er 2008 mitgründete und die Kultstatus erlangte, er spielt mit dem opulenten Kara Orkestra und tritt solistisch auf.
In die Tonne kommt er mit seinem aktuellen Quartett, mit dem er im April 2025 bei der Jazzahead in Bremen zunächst mit seinem Showcase für große Aufmerksamkeit sorgte. Buchstäblich zum Kochen aber brachte er das Publikum dann bei der Clubnight am selben Abend. Immer wieder rissen er und seine Band die Anwesenden zu regelrechten Begeisterungsstürmen hin.

In seiner Musik verwandelt Korhan Futacı das Chaos Istanbuls in ein mitreißendes, beinahe rituelles Erlebnis: dunkle Sounds, abstrakte Texturen, explosive Improvisationen – und immer wieder diese überraschenden Momente, in denen Zeit und Raum kurz verschwimmen.
Wer ihn live erlebt, merkt schnell: Hier spielt jemand, der schon auf unzähligen internationalen Bühnen stand – vom Roskilde Festival über Paradiso Amsterdam, Brighton Alternative Jazz Festival, Saalfelden Jazz Festival, Cafe OTO London, XJazz Berlin bis hin zu renommierten Spielstätten quer durch Europa. Und das ist nur ein kleiner Ausschnitt.
Dazu kommen Zusammenarbeiten mit echten Größen der Impro- und Jazzwelt wie Peter Brötzmann, Evan Parker, Thurston Moore, Marshal Allen (Sun Ra Arkestra), Eric Truffaz, Ken Vandermark, Joe McPhee, Akira Sakata und vielen mehr.
Kurz gesagt: Korhan Futacı steht für intensive Konzerte, bei denen Grenzen verschwimmen, Klänge aufleuchten und man sich gern auch mal ein Stück weit verliert.
Unbedingt hingehen – und treiben lassen.

Einlass 19 Uhr // Bitte nutzen Sie für Ihren Besuch bei uns nach Möglichkeit öffentliche Verkehrsmittel. Danke!

Ulla Meinecke Bessere Zeiten
Ulla Meinecke & Reinmar Henschke

Was für Zeiten. Sicher können die Liebeslyrik und Alltagsironie von Ulla Meinecke keine besseren Zeiten hervorzaubern, aber für ein paar Stunden vergessen und aufatmen lassen.

Auch in ihrem neuen Programm kann sich ihr Publikum auf Liebeslieder, wie man sie so noch nicht gehört hat, auf gesungene Gedichte – ohne Kitsch, aber mit Tiefgang, freuen.

Ulla Meinecke ist die Meisterin der treffenden Worte. Jenseits des Mainstreams. Ihre Geschichten sind Bilder des Alltäglichen, die auf unvergleichliche Weise dem Besonderen nachgehen. Die Texte der selbsternannten „Hardcore-Romantikerin“ handeln von dem einen großen Thema – von der wahren Liebe, von zarten Anfängen, kleinen Fluchten, großen Dramen und starken Abgängen. Freuen Sie sich auf einen Abend mit spannenden und humorvollen Erkenntnissen und musikalischen Ausflügen zusammen mit dem Reinmar Henschke. Selbstverständlich werden dabei auch alle Hits von Ulla Meinecke zu Gehör gebracht – und viele neue ebenso.

Weit mehr als eine Million Tonträger hat Ulla Meinecke von ihren Alben verkauft. Ulla Meinecke ist Komponistin, Liedpoetin und war schon Rock – und Popsängerin als von den Genres in Deutschland noch kaum die Rede war. Ulla Meinecke seit über dreißig Jahren eine feste Größe in der deutschen Musik -und Kulturlandschaft.

In ihren Texten reflektiert sie auf ironische Weise und mit einer ihrer eigenen poetischen Sprache die Mysterien des Alltags und der Liebe. Ihre samtige Stimme, ihre poetische Sprache und nicht zuletzt ihre nachdenklich-ironische Sicht auf die alltäglichen Dinge begründen ihren Ruf als Sängerin, Dichterin und Autorin. Viele 1000 Konzerte, ebenso viele Lesungen ihrer zwei bislang veröffentlichten Bücher, hat Ulla Meinecke in den letzten Jahren absolviert.

Sitzplatz, Winlass 19 Uhr

Einlass 19:00 Uhr

Jazz, Dub, Elektronik – progressiv und atmosphärisch

Die Saxofonistin und Komponistin YVONNE MORIEL zählt zu den spannendsten Protagonist*innen der österreichischen Jazzszene. Mit ihrem Quartett SWEETLIFE entwickelt sie seit 2022 einen eigenständigen Sound zwischen modernem Jazz, Dub-Einflüssen und elektronischen Klangräumen. Das Ergebnis: komplexe rhythmische Strukturen treffen auf atmosphärische Sounds, Dub-Effekte und eine energetische Bühnenpräsenz, die nonchalant vermeintliche Genrebegrenzungen zur Seite kehrt.

Ausgezeichnet mit dem Austrian Jazz Prize als Best Newcomer und Teil des renommierten New Austrian Sound of Music-Förderprogramms 2025/26, steht Yvonne Moriel für eine junge, offene Generation von Jazzmusiker*innen. Sie ist in Klassik und Jazz ausgebildet, mit ihrer stilistischen Vielseitigkeit, ihrer starken musikalischen Stimme sowie spannenden eigenen Projekten machte sie innerhalb kürzester Zeit auf sich aufmerksam. Namen wie Shake Stew, Seb Rochford, Christian Lillinger und Christian Muthspiel scheinen auf, wenn man ihre vielfältigen musikalischen Aktivitäten betrachtet.

Mit SWEETLIFE verfolgt Moriel seit 2022 konsequent ihre Vision eines offenen, genreübergreifenden Jazz. Die Besetzung des Quartetts mit Saxofon, Trompete, Synth-Bass/Keys und Schlagzeug unterstreicht die klangliche Vielschichtigkeit und eigenständige künstlerischer Handschrift des Ensembles.
Nach der Veröffentlichung einer ersten EP 2024 erscheint Ende 2025 das Debütalbum von SWEETLIFE – ein weiterer Meilenstein auf dem Weg in Richtung internationaler Bühnen. Und den hat die Band mit einer Konzerttour, die sie neben Europa auch nach Amerika und Asien führt, inzwischen ganz eindeutig eingeschlagen.

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Innovativer, frischer Sound aus Polen

Mit BLU/BRY kommt eine der spannendsten neuen Jazz-Bands Polens zu uns, die seit ihrer Gründung im Jahr 2021 die Szene mit ihrer einzigartigen Musik erobert. Die Band verbindet moderne Jazz-Elemente mit Einflüssen aus Folk, klassischer Musik und elektronischen Klängen und schafft so einen unverwechselbaren Sound, der die Grenzen traditioneller Genres überschreitet.

Blu/Bry hat sich in kürzester Zeit mit ihren herausragenden Talenten etabliert und wurde bereits mit dem Grand Prix bei renommierten Wettbewerben wie Jazz Juniors, Jazz nad Odrą und der Bielska Zadymka Jazzowa ausgezeichnet. 2024 wurden sie in der JazzForum JazzTop-Rangliste als "Neue Hoffnung des Jahres" gefeiert. Ebenso begeistert zeigte sich das Publikum und die Jury des Central European Jazz Showcase 2025, die BLU/BRY als Gewinner des Festivals kürten.
Die Mitglieder der Band haben an renommierten Musikhochschulen wie der Dänischen Nationalen Musikakademie und dem Berklee College of Music studiert und bringen ihre vielfältigen Erfahrungen in jedes ihrer Stücke ein. Sie sind stets auf der Suche nach neuen musikalischen Inspirationen, und begeistern mit der Frische und Intensität ihres Spiels.

Mit ihrem Debütalbum Blu/Bry und dem aktuellen Werk Ejber, das 2025 in Zusammenarbeit mit dem Polnischen Radio veröffentlicht wurde, präsentieren sie einen innovativen und frischen Sound, der die Fans des modernen Jazz ebenso begeistert wie jene, die auf der Suche nach neuen musikalischen Eindrücken sind.
Besonders live reißen die pulsierenden Rhythmen, innovativen Kompositionen und die Leidenschaft ihrer Performances sofort mit.

Einlass 19 Uhr // Bitte nutzen Sie für Ihren Besuch bei uns nach Möglichkeit öffentliche Verkehrsmittel. Danke!

„Aufstehen, Weitermachen“ - Sebastian Krumbiegel solo am Piano

Der Sänger der Prinzen kommt mit Pop und einer Politik-Klavierplatte, wie er sagt, in die Herkuleskeule: am 28. und am 29. März 2026

Dass Sebastian Krumbiegel sein Solo-Album "Aufstehen - Weitermachen" nennt, hat mit seiner Mutter und seiner Sicht auf die Politik zu tun: Denn seine Mutter ihm schon immer geraten hat, Autoritäten zu hinterfragen. Und so macht er politische Lieder, Liebeslieder und auch mal ein Hasslied, um sich mit der Politik, der Gesellschaft und den Menschen um ihn herum auseinanderzusetzen. Sebastian Krumbiegel ist ein streitbarer Typ: "Nicht stehen bleiben, sein eigenes Ding machen, frisch in der Birne bleiben", beschreibt er. Und so nahm er sich bei der Produktion des Albums absolute Freiheit "ohne Rücksicht auf Verluste". Ohne Rücksicht darauf, ob jemand genervt ist von politischen Songs. Und davon finden sich etliche auf dem Album, wie etwa "Der Führer hätte sich gefreut" und "Nicht nochmal". Passt das denn zu Pop-Musik? Eine Frage, die sich für Sebastian Krumbiegel nicht wirklich stellt, wie er unterstreicht: "Ich denke, Popmusik ist immer politisch, auch wenn sie nicht explizit politisch ist." Er könne jedenfalls gar nicht anders, als meine Meinung zu den Dingen zu sagen, die gerade passieren. "Ich finde, in der heutigen Zeit braucht es keine Entschuldigung politisch zu sein, es bräuchte eher Ausreden, wenn man sich raushält", macht er klar. Es wird ein spannender Abend im Kabarettkeller der Herkuleskeule!

„Aufstehen, Weitermachen“ - Sebastian Krumbiegel solo am Piano

Der Sänger der Prinzen kommt mit Pop und einer Politik-Klavierplatte, wie er sagt, in die Herkuleskeule: am 28. und am 29. März 2026

Dass Sebastian Krumbiegel sein Solo-Album "Aufstehen - Weitermachen" nennt, hat mit seiner Mutter und seiner Sicht auf die Politik zu tun: Denn seine Mutter ihm schon immer geraten hat, Autoritäten zu hinterfragen. Und so macht er politische Lieder, Liebeslieder und auch mal ein Hasslied, um sich mit der Politik, der Gesellschaft und den Menschen um ihn herum auseinanderzusetzen. Sebastian Krumbiegel ist ein streitbarer Typ: "Nicht stehen bleiben, sein eigenes Ding machen, frisch in der Birne bleiben", beschreibt er. Und so nahm er sich bei der Produktion des Albums absolute Freiheit "ohne Rücksicht auf Verluste". Ohne Rücksicht darauf, ob jemand genervt ist von politischen Songs. Und davon finden sich etliche auf dem Album, wie etwa "Der Führer hätte sich gefreut" und "Nicht nochmal". Passt das denn zu Pop-Musik? Eine Frage, die sich für Sebastian Krumbiegel nicht wirklich stellt, wie er unterstreicht: "Ich denke, Popmusik ist immer politisch, auch wenn sie nicht explizit politisch ist." Er könne jedenfalls gar nicht anders, als meine Meinung zu den Dingen zu sagen, die gerade passieren. "Ich finde, in der heutigen Zeit braucht es keine Entschuldigung politisch zu sein, es bräuchte eher Ausreden, wenn man sich raushält", macht er klar. Es wird ein spannender Abend im Kabarettkeller der Herkuleskeule!

Di 07.04.2026 | 20 Uhr | Kleiner Saal
Dienstagssalon mit Max Rademann & Die Quittung
Eintritt: 16/11 €
Dauer: ca. 2 Std. mit einer Pause
Sprache: Deutsch

Die Quittung besingt die Absurditäten unserer Gegenwart. Selbstoptimierung, getarnt als Selbstverwirklichung, leistungsorientierter Konkurrenzkampf, das Ausschalten des eigenen Gehirns und die generelle Stagnation der Gegenwart. Die Quittung ist sowohl funkig als auch jazzig, manchmal poppig, aber inhaltlich ganz klar eher Punk, nur nicht ganz so wütend. Ein bisschen aufgeräumter, schön gebadet und in einen flauschigen Bademantel gewickelt.

Dunkler Folk aus den verborgenen Winkeln der Seele

Vor zwanzig Jahren veröffentlichte der englische Produzent, Gitarrist und Singer-Songwriter MATT ELLIOTT Drinking Songs, den ersten Teil einer bedeutenden Trilogie – ein großartiges Album mit sieben düsteren Folk-Stücken, in denen sich halluzinogene Walzer, bohèmehafte Geister, Schatten auf dem Vorhang verbergen. Es ist bis heute Matt Elliotts meistgehörtes Werk auf Streaming-Plattformen und wird von den Fans des aus Bristol stammenden Musikers hoch geschätzt.
2024, zum Jubiläum dieses ikonischsten Werks seiner Diskografie, legte Matt Elliott Drinking Songs Live 20 Years On vor – eine Sammlung mit alternativen Versionen der Stücke von damals.
Von Nord- bis Südeuropa lässt Matt Elliott nun auf Tour erneut das dunkle, essenzielle und berauschende Repertoire vergrößern, aus dem vor zwei Jahrzehnten seine Solokarriere hervorging.

Matt Elliott, der sich zuvor unter dem Namen The Third Eye Foundation bereits in der Indie-Elektronik-Szene einen Namen gemacht hatte, wandte sich Anfang der 2000er dem Folk zu. Drinking Songs, erschienen 2004, ist sein zweites Album unter eigenem Namen, nach The Mess We Made (2003, Domino). Was Matt Elliott besonders macht, ist seine Fähigkeit, unterschiedliche Stile zu verschmelzen: er mischt zurückgenommenen Folk mit schwermütigen Melodien, die ebenso aus einem alten Tanzlokal wie aus einem stillen Kammersaal stammen könnten, und zugleich greift er auf seinen elektronischen Hintergrund zurück – insbesondere auf sein Gespür für Sampling und Effekte –, stets im Dienst des Songs.
Drinking Songs ist eine tiefgehende Erkundung der menschlichen Existenz, eine Reise in die unzugänglichsten Winkel der Seele. Jeder Titel ist eine eigene Geschichte, ein Fenster zu Momenten von Schmerz, Nostalgie und Reflexion. Man taucht mit nächtlichen Gitarrenklängen in eine zugleich unheimliche und vertraute Atmosphäre. Die Songs scheinen wie nächtliche Gespenster zu schweben oder sie nehmen einen mit in ein rätselhaftes, musikalisches Labyrinth, in dem die Zeit sich zu dehnen scheint. Und Matt Elliott singt, als würde er im Halbdunkel Geschichten erzählen – mit einer Stimme, die schwer von Erinnerung ist, vom Leben gezeichnet und gerade deshalb so eindringlich.
Ob man die Studiofassungen des Originalalbums kennt oder nicht – man wird vom ersten Stück an gepackt von ihrer intimen und eindringlichen Kraft. Sie sind wunderschön herzzerreißend, triefend vor Schwermut und Absinth. Indem er seinen Drinking Songs zwanzig Jahre später neues Leben einhaucht, macht Matt Elliott uns ein kostbares Geschenk: die Möglichkeit, Drinking Songs noch einmal so zu hören, als wäre es das erste Mal.

Einlass 19 Uhr // Bitte nutzen Sie für Ihren Besuch bei uns nach Möglichkeit öffentliche Verkehrsmittel. Danke!

SMILE AND BURN sind bekannt für ihre mitreißenden Live-Konzerte, ihren humorvollen Online-Auftritt, ihre klare politische Haltung und ihren treibenden Sound. Seit ihrer 16-jährigen Geschichte hält eine neue Ernsthaftigkeit Einzug und ein der augenzwinkernde Galgenhumor, der zuvor ihre Texte prägte, ist einer introspektiven Selbstreflexion gewichen.
Mit mehr Klangexperimenten, luftigeren Songstrukturen und kompromisslos melancholischen Texten garantieren sie absolute Abwechslung. Der Punkrock von SMILE AND BURN ist reduzierter und roher denn je. Der Sound unterstreicht die nachdenkliche, düstere Stimmung der Texte und ist gleichzeitig perfekt für Live-Auftritte geeignet.

Einlass 20 Uhr

Einlass: 20:30 Uhr

Die große SEOM Tour nimmt dich mit auf eine Reise zu dir selbst und zu deiner Essenz.
Bereite dich auf einen ganz besonderen Abend vor, der dein Herz berührt und dich an das erinnert, was wirklich zählt: Verbindung, Heilung und Menschlichkeit.

SEOM, Musiker, Poet und Autor, steht für Musik, die einen großen Raum öffnet.
Ein Raum für Gefühle, für Erkenntnis, für Mut und für tiefe Menschlichkeit.

In seinem Konzert nimmt er dich mit auf eine Reise durch Tiefe und Leichtigkeit, getragen von kraftvollen Texten, heilenden Melodien und der Einladung, einfach du selbst zu sein.
Musik als Medizin. Worte als Weg.

Seine Songs erzählen von Verbundenheit, vom Überwinden innerer Grenzen, vom Erinnern an unsere wahre Kraft.
Sie öffnen Türen zu einem Leben in Liebe, Bewusstsein und innerem Frieden.

Berührende Geschichten, viel Humor, gelebte Spiritualität, Tiefgang und natürlich: Musik.
An diesem Abend wird gelacht, getanzt und geleuchtet.

Es ist mehr als Musik.
Ein Soundtrack der Erinnerung. Eine Heimreise zu dir selbst.
Ein Konzert für jedes Alter. Ein Erlebnis, das du nicht vergisst. Versprochen.
Komm vorbei, lass dich inspirieren und werde Teil eines Konzertes, das weit über den Moment hinaus wirkt.

Hinweis für Familien:
Unsere Konzerte beinhalten auch stille, meditative Momente und feinfühlige Passagen.
Um allen Besucher*innen ein tiefes Erleben zu ermöglichen, empfehlen wir, Kinder erst ab etwa fünf Jahren mitzubringen.
Bitte achtet dabei eigenverantwortlich auf passenden Gehörschutz – da die Musik phasenweise laut sein kann.
Vielen Dank für euer Verständnis und eure Achtsamkeit.

Foto: Seelenportraits

Einlass: 18:00 Uhr